Αναγεννησιακή ζωγραφική. Πίνακες ζωγραφικής ιταλικής αναγέννησης από καλλιτέχνες της Αναγέννησης

Η Αναγέννηση είναι μια από τις πιο λαμπρές στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης. Καλύπτει τους XIV-XVI αιώνες. στην Ιταλία, XV-XVI αιώνες. σε χώρες βόρεια των Άλπεων. Αυτή η περίοδος στην ανάπτυξη του πολιτισμού πήρε το όνομά της - Αναγέννηση (ή Αναγέννηση) - σε σχέση με την αναβίωση του ενδιαφέροντος για την αρχαία τέχνη, στρέφοντας σε αυτήν ως ένα όμορφο ιδανικό, ένα μοντέλο. Αλλά, φυσικά, η νέα τέχνη υπερβαίνει κατά πολύ τη μίμηση του παρελθόντος.

Ντονατέλο. Δαβίδ. 1430. Μπρούντζος. Εθνικό μουσείο. Φλωρεντία.



Τζιότο. Θρήνος για τον Χριστό. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1305 Τοιχογραφία του παρεκκλησιού Αρένα. Πάντοβα.



Σ. Μποτιτσέλι. Ανοιξη. ΕΝΤΑΞΕΙ. 1477-1478 Καμβάς, λάδι. Γκαλερί Ουφίτσι. Φλωρεντία.



Α. Mantegna. Συνάντηση Λουδοβίκου και Φραντσέσκο Γκονζάγκα. Μεταξύ 1471-1474 Τοιχογραφία στον δυτικό τοίχο της Camera degli Sposi (λεπτομέρεια). Μάντοβα.



Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Πορτρέτο της Μόνα Λίζα (η λεγόμενη «La Gioconda»). ΕΝΤΑΞΕΙ. 1503 Λάδι σε ξύλο. Κινητές γρίλιες. Παρίσι.



Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Το τελευταίο δείπνο. 1495-1497 Ζωγραφική με λάδι και τέμπερα στον τοίχο της τραπεζαρίας της μονής Santa Maria delle Grazie (λεπτομέρεια). Μιλάνο.



Ραφαήλ. Σχολή Αθηνών. 1509-1511 Τοιχογραφία στο Stanza della Senyatura. Βατικάνο.



Μιχαήλ Άγγελος. Δελφική Σίβυλλα. 1508-1512 Τοιχογραφία οροφής της Καπέλα Σιξτίνα (λεπτομέρεια). Βατικάνο.





Γιαν βαν Άικ. Πορτρέτο του ζεύγους Arnolfini. 1434 Λάδι σε ξύλο. Εθνική Πινακοθήκη. Λονδίνο.



Hugo van der Goes. Λατρεία των βοσκών. 1474-1475 Ξύλο, λάδι. Γκαλερί Ουφίτσι. Φλωρεντία.



Α. Ντύρερ. Λατρεία των Μάγων. 1504 Λάδι σε καμβά. Γκαλερί Ουφίτσι. Φλωρεντία.



Λ. Κράναχ ο Πρεσβύτερος. Η Μαντόνα κάτω από τη μηλιά. Μετά το 1525 Λάδι σε καμβά. Κρατικό Ερμιτάζ. Αγία Πετρούπολη.



Α. Ντύρερ. Τέσσερις αναβάτες. 1498 Ξυλογραφία. Από τη σειρά Apocalypse.

Η καλλιτεχνική κουλτούρα της Αναγέννησης διαμορφώθηκε κατά την περίοδο της πολιτιστικής ανόδου, της ταχείας οικονομικής ανάπτυξης, της εμφάνισης ενός νέου κοινωνικού συστήματος - της αποσύνθεσης του παλιού, μεσαιωνικού τρόπου ζωής και της εμφάνισης καπιταλιστικών σχέσεων. Ο Φ. Ένγκελς έγραψε για την Αναγέννηση: «Ήταν η μεγαλύτερη προοδευτική αναταραχή που βίωσε η ανθρωπότητα μέχρι εκείνη την εποχή, μια εποχή που χρειαζόταν τιτάνες και που γέννησε τιτάνες όσον αφορά τη δύναμη της σκέψης, του πάθους και του χαρακτήρα. της ευελιξίας και της υποτροφίας».

Αυτόχθονες οικονομικές και κοινωνική αλλαγήοδήγησε στην εμφάνιση μιας νέας προοδευτικής κοσμοθεωρίας - ουμανισμού (από τη λατινική λέξη humanus - "άνθρωπος"). Όλοι οι ανθρωπιστές εμπνεύστηκαν από την πίστη στις δημιουργικές δυνάμεις του ανθρώπου, την απεριόριστη δύναμη του ανθρώπινου μυαλού.

Αυτή τη στιγμή διαμορφώνεται και εκδηλώνεται με διάφορους τρόπους το ιδανικό ενός δραστήριου, με ισχυρή θέληση. Είναι περίεργος, γεμάτος επιθυμία για το άγνωστο, έχει ανεπτυγμένη την αίσθηση της ομορφιάς.

Η Αναγέννηση έθεσε την έννοια του ανθρώπινο μυαλό, την ικανότητά του να γνωρίζει τον κόσμο. Η ραγδαία ανάπτυξη της επιστήμης - χαρακτηριστικό γνώρισμααυτη την περιοδο. Αναζητώντας ένα ιδανικό, οι ουμανιστές έδωσαν ιδιαίτερη προσοχή στην ιστορία της ανθρωπότητας. Ο αρχαίος πολιτισμός αποδείχθηκε ότι ήταν ο πλησιέστερος στις φιλοδοξίες τους.

Πολλοί από τους μορφωμένους της εποχής εκείνης έδειχναν αδιαφορία για τη θρησκεία. Και παρόλο που οι καλλιτέχνες ζωγράφιζαν κυρίως με θρησκευτικά θέματα, έβλεπαν σε θρησκευτικές εικόνες μια ποιητική έκφραση της εμπειρίας ζωής των ανθρώπων που συσσωρεύτηκε στο πέρασμα των αιώνων. Γέμισαν τους παλιούς χριστιανικούς μύθους με νέο ζωτικό περιεχόμενο.

Από όλους τους τομείς του πολιτισμού, η τέχνη κατέλαβε την πρώτη θέση στην Ιταλία. Ήταν μια φυσική δημιουργική έκφραση των ανθρώπων εκείνης της εποχής.

Η τέχνη της Αναγέννησης, όπως και των προηγούμενων εποχών, είχε στόχο να δώσει μια ιδέα για τη δομή του κόσμου, γήινου και ουράνιου. Το νέο ήταν ότι οι ιδέες για τη θεότητα και τις ουράνιες δυνάμεις δεν ερμηνεύονται πλέον ως ένα ακατανόητο τρομακτικό μυστήριο και, κυρίως, αυτή η τέχνη είναι εμποτισμένη με πίστη στον άνθρωπο, χάρη στις δημιουργικές του ικανότητες.

Η ζωή της Αναγέννησης ήταν στενά συνδεδεμένη με την τέχνη. Ήταν το αναπόσπαστο μέρος του, όχι μόνο ως αντικείμενο περισυλλογής, αλλά ως εργασία και δημιουργικότητα. Η τέχνη, σαν να λέγαμε, επεδίωξε όχι μόνο να γεμίσει εκκλησίες και παλάτια, αλλά και να βρει μια θέση για τον εαυτό της στις πλατείες των πόλεων, στις διασταυρώσεις των δρόμων, στις προσόψεις των σπιτιών και στους εσωτερικούς τους χώρους. Ήταν δύσκολο να βρεις άνθρωπο αδιάφορο για την τέχνη. Πρίγκιπες, έμποροι, τεχνίτες, κληρικοί, μοναχοί ήταν συχνά άνθρωποι γνώστες της τέχνης, πελάτες και προστάτες καλλιτεχνών. Η γενναιοδωρία των θαμώνων τροφοδοτήθηκε από τη δίψα για αυτοεξευτελισμό.

Η ανάπτυξη της τέχνης διευκολύνθηκε πολύ από το γεγονός ότι στο μεγάλες πόλειςσυσσώρευσε γρήγορα πλούτο. Όμως η εύκολη επιτυχία δεν χάλασε ούτε τους πιο μανιώδεις καλλιτέχνες για φήμη και κέρδος, αφού τα αυστηρά θεμέλια της συντεχνιακής οργάνωσης καλλιτεχνικό έργοήταν ακόμα δυνατοί. Οι νέοι εκπαιδεύτηκαν δουλεύοντας ως βοηθός σε έναν ώριμο δάσκαλο. Πολλοί καλλιτέχνες λοιπόν γνώριζαν τόσο καλά την τέχνη της τέχνης. Έργα τέχνης του XV αιώνα. γίνεται με φροντίδα και αγάπη. Ακόμη και σε περιπτώσεις που δεν φέρουν το αποτύπωμα του ταλέντου ή της ιδιοφυΐας, μας θαυμάζει πάντα η καλή δεξιοτεχνία.

Από όλες τις τέχνες, η πρώτη θέση ανήκε στις καλές τέχνες και την αρχιτεκτονική. Δεν είναι περίεργο τα ονόματα των μεγάλων ζωγράφων του XV αιώνα. γνωστό σε κάθε μορφωμένο άτομο.

Η Αναγέννηση διήρκεσε αρκετούς αιώνες. Το πρώιμο στάδιο της στην Ιταλία χρονολογείται στο πρώτο μισό του 15ου αιώνα, αλλά προετοιμάστηκε από την όλη πορεία της εξέλιξης της τέχνης στο δεύτερο μισό του 13ου-14ου αιώνα.

Η Φλωρεντία έγινε η γενέτειρα της Αναγέννησης. Οι «πατέρες» της Αναγέννησης ονομάζονται ο ζωγράφος Masaccio, ο γλύπτης Donatello, ο αρχιτέκτονας F. Brunelleschi. Ο καθένας με τον τρόπο του, αλλά μαζί βάζουν τα θεμέλια μιας νέας τέχνης. Ο Masaccio, σε ηλικία περίπου 25 ετών, άρχισε να ζωγραφίζει το παρεκκλήσι Brancacci στην εκκλησία της Santa Maria del Carmine στη Φλωρεντία. Οι εικόνες που δημιούργησε είναι γεμάτες ανθρώπινη αξιοπρέπεια, προικισμένες με σωματική δύναμη και ομορφιά. Το κύριο καλλιτεχνικό μέσο του Masaccio είναι ένα ισχυρό chiaroscuro, μια ανεπτυγμένη κατανόηση του όγκου. Ο καλλιτέχνης πέθανε πριν συμπληρώσει τα 30 του, αλλά οι μαθητές και οι οπαδοί του συνέχισαν να αναζητούν κάτι νέο στον τομέα της μνημειακής ζωγραφικής, της προοπτικής, του χρώματος.

Στην ιταλική τέχνη του XV αιώνα. αναπτύσσεται μια ιδιόμορφη κατανόηση της καλλιτεχνικής αλήθειας. Οι ζωγράφοι συνεχίζουν να αντλούν τα θέματά τους από εκκλησιαστικούς θρύλους, οι τοίχοι των εκκλησιών είναι διακοσμημένοι αποκλειστικά με βιβλικές σκηνές, αλλά αυτές οι σκηνές μεταφέρονται στις πλατείες και στους δρόμους των ιταλικών πόλεων, διαδραματίζοντας σαν μπροστά στα μάτια των συγχρόνων, και χάρη σε αυτό, Η ίδια η καθημερινότητα αποκτά έναν εξυψωμένο ιστορικό χαρακτήρα. Οι καλλιτέχνες περιλαμβάνουν πορτρέτα πελατών και ακόμη και αυτοπροσωπογραφίες σε θρυλικές σκηνές. Μερικές φορές δρόμοι με περιστασιακούς περαστικούς, πλατείες με θορυβώδη πλήθη, άνθρωποι με μοντέρνες φορεσιές δίπλα σε ιερούς ανθρώπους μπαίνουν στη γραφική σύνθεση.

Το κύριο χαρακτηριστικό της ζωγραφικής έχει γίνει μια επιστημονικά βασισμένη προοπτική. Οι καλλιτέχνες ήταν περήφανοι για αυτήν ως ανακάλυψη και περιφρονούσαν τους προκατόχους τους που δεν τη γνώριζαν. Θα μπορούσαν να κατασκευάσουν περίπλοκες, πολυμορφικές συνθέσεις σε τρισδιάστατο χώρο με μαθηματική ακρίβεια. Είναι αλήθεια ότι οι ζωγράφοι της Φλωρεντίας περιορίστηκαν στη γραμμική προοπτική και δύσκολα παρατήρησαν το ρόλο του ατμοσφαιρικού περιβάλλοντος. Ωστόσο, η ιστορική σημασία της ανακάλυψης της προοπτικής ήταν τεράστια. Στα χέρια των μεγάλων ζωγράφων, έγινε ένα ισχυρό καλλιτεχνικό εργαλείο, βοήθησε να διευρυνθεί το φάσμα των φαινομένων που υπόκεινται σε καλλιτεχνική ενσάρκωση, να συμπεριλάβει το χώρο, το τοπίο και την αρχιτεκτονική στη ζωγραφική.

Ιταλική ζωγραφική του 15ου αιώνα - ως επί το πλείστον μνημειακό. Πραγματοποιήθηκε στους τοίχους με την τεχνική της τοιχογραφίας και, από τη φύση της, σχεδιάστηκε για αντίληψη από μακριά. Οι Ιταλοί δάσκαλοι μπόρεσαν να δώσουν στις εικόνες τους έναν γενικά σημαντικό χαρακτήρα. Πέταξαν μικροπράγματα και λεπτομέρειες και κοίταξαν τον κόσμο μέσα από τα μάτια ανθρώπων που μπορούν να δουν την ουσία ενός ατόμου στη χειρονομία, την κίνηση του σώματος, τη στάση του.

Ο ιδρυτής της αναγεννησιακής γλυπτικής ήταν ο Donatello. Ένα από τα κύρια πλεονεκτήματά του είναι η αναβίωση του λεγόμενου στρογγυλού αγάλματος, το οποίο έθεσε τα θεμέλια για την ανάπτυξη της γλυπτικής της επόμενης εποχής. Πλέον ώριμη δουλειά Donatello - άγαλμα του Δαβίδ (Φλωρεντία).

Ο Brunelleschi έπαιξε καθοριστικό ρόλο στην ανάπτυξη της αρχιτεκτονικής της Αναγέννησης. Αναβιώνει την αρχαία κατανόηση της αρχιτεκτονικής, χωρίς να εγκαταλείπει ταυτόχρονα τη μεσαιωνική κληρονομιά.

Ο Brunelleschi αναβίωσε το τάγμα, ανέδειξε τη σημασία των αναλογιών και τις έκανε τη βάση της νέας αρχιτεκτονικής. Για να τα καταφέρει όλα αυτά, τον βοήθησε η μελέτη των ρωμαϊκών ερειπίων, τα οποία μέτρησε προσεκτικά και αντέγραψε με αγάπη. Αυτό όμως δεν ήταν τυφλή μίμηση της αρχαιότητας. Στα κτίρια που έχτισε ο Brunelleschi (το ορφανοτροφείο, το παρεκκλήσι Pazzi στη Φλωρεντία κ.λπ.), η αρχιτεκτονική είναι γεμάτη με εκείνη την πνευματικότητα που ήταν άγνωστη στους αρχαίους.

Οι Ιταλοί έδειχναν μεγάλο ενδιαφέρον για τις αναλογίες στην τέχνη, κυρίως στην αρχιτεκτονική. Οι δημιουργίες τους ενθουσιάζουν τον θεατή με την αναλογικότητα των μορφών. Ο γοτθικός καθεδρικός ναός είναι ήδη δύσκολο να δει λόγω του γιγαντιαίου του μεγέθους. Τα κτίρια της Αναγέννησης φαίνεται να αγκαλιάζονται με μια μόνο ματιά, γεγονός που καθιστά δυνατή την εκτίμηση της εκπληκτικής αναλογικότητας των μερών τους.

Ο Masaccio, ο Donatello, ο Brunelleschi δεν ήταν μόνοι τους στην αναζήτησή τους. Παράλληλα, συνεργάστηκαν μαζί τους πολλοί εξαιρετικοί καλλιτέχνες. Επόμενη γενιάΚαλλιτέχνες της Αναγέννησης στο δεύτερο μισό του 15ου αιώνα. εμπλουτίζει τη νέα τέχνη και προωθεί την ευρεία διάδοσή της. Εκτός από τη Φλωρεντία, όπου ο Σ. Μποτιτσέλι ήταν ο σημαντικότερος δάσκαλος εκείνης της εποχής, εμφανίστηκαν νέα κέντρα τέχνης και τοπικά σχολεία της Ούμπρια, της Βόρειας Ιταλίας και της Βενετίας. Τέτοιοι μεγάλοι δάσκαλοι όπως ο Antonello da Messina, ο A. Mantegna, ο Giovanni Bellini και πολλοί άλλοι εργάστηκαν εδώ.

Τα μνημεία που δημιουργήθηκαν στην Ιταλία στο γύρισμα του 15ου-16ου αιώνα διακρίνονται από τελειότητα και ωριμότητα. Αυτή η περίοδος της υψηλότερης ανθοφορίας της ιταλικής τέχνης ονομάζεται συνήθως Υψηλή Αναγέννηση. Ανάμεσα στον πολυάριθμο στρατό των προικισμένων δασκάλων αυτή την εποχή, υπάρχουν εκείνοι που δικαιωματικά αποκαλούνται ιδιοφυΐες. Αυτοί είναι οι Leonardo da Vinci, Rafael Santi, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, Giorgione, Titian, A. Palladio δρουν κάπως αργότερα. Η ιστορία αυτής της περιόδου είναι σε μεγάλο βαθμό η ιστορία του έργου αυτών των δασκάλων.

Τα δύο τελευταία τρίτα του 16ου αιώνα που ονομάζεται Ύστερη Αναγέννηση. Αυτή είναι μια περίοδος αυξημένης φεουδαρχικής αντίδρασης. Η Καθολική Εκκλησία ανακοινώνει μια εκστρατεία κατά του ουμανισμού σε όλες τις εκφάνσεις του. Η κρίση κατέκλυσε και τις τέχνες. Οι καλλιτέχνες, κατά κανόνα, περιορίζονται στον δανεισμό των κινήτρων και των τεχνικών των μεγάλων δασκάλων. Υπάρχει πολλή επιτήδευση, οξύτητα, χάρη στα έργα τους, αλλά μερικές φορές η πίκρα, η αδιαφορία τους έρχεται, τους λείπει ζεστασιά και φυσικότητα. Στα τέλη του XVI αιώνα. η κρίση εντείνεται. Η τέχνη γίνεται πιο ρυθμισμένη, πιο αυλική. Και εκείνη την εποχή δούλευαν μεγάλοι καλλιτέχνες - ο Τιτσιάν, ο Τιντορέτο, αλλά ήταν μόνο μεγάλοι μοναχικοί.

Η κρίση του πολιτισμού της Αναγέννησης, φυσικά, δεν σήμαινε ότι η κληρονομιά της Αναγέννησης χάθηκε. συνέχισε να χρησιμεύει ως παράδειγμα και μέτρο πολιτισμού. Η επιρροή της ιταλικής αναγεννησιακής τέχνης είναι τεράστια. Βρίσκει ανταπόκριση σε Γαλλία, Ισπανία, Γερμανία, Αγγλία, Ρωσία.

Στην Ολλανδία, τη Γαλλία και τη Γερμανία, ο 15ος-16ος αιώνας σημαδεύτηκε επίσης από την άνοδο της τέχνης, ιδιαίτερα της ζωγραφικής. Αυτή είναι η περίοδος της λεγόμενης Βόρειας Αναγέννησης.

Ήδη στους XIII-XIV αιώνες. Το ελεύθερο εμπόριο και οι βιοτεχνικές πόλεις έχουν αναπτυχθεί εδώ, το εμπόριο αναπτύσσεται. Στα τέλη του XV αιώνα. τα πολιτιστικά κέντρα του Βορρά ενισχύουν τους δεσμούς τους με την Ιταλία. Οι καλλιτέχνες βρήκαν πρότυπα εδώ. Αλλά ακόμη και στην ίδια την Ιταλία, οι Ολλανδοί δάσκαλοι δούλεψαν και εκτιμήθηκαν ιδιαίτερα. Οι Ιταλοί προσελκύθηκαν ιδιαίτερα από τη νέα ελαιογραφία και τις ξυλογραφίες.

Η αμοιβαία επιρροή δεν αποκλείει την πρωτοτυπία που διακρίνει την τέχνη της Βόρειας Αναγέννησης. Εδώ, οι παλιές παραδόσεις της γοτθικής τέχνης διατηρούνται πιο σταθερά. Ο αγώνας για τα ανθρωπιστικά ιδανικά σε αυτές τις χώρες ήταν περισσότερος οξύς χαρακτήρας. Ο πόλεμος των αγροτών στη Γερμανία στις αρχές του 16ου αιώνα, που ξεσήκωσε ολόκληρη τη Δυτική Ευρώπη, συνέβαλε στο γεγονός ότι η τέχνη στο Βορρά απέκτησε μια πιο αισθητή αποτύπωση του λαού. Η Ιταλική και η Βόρεια Αναγέννηση, με όλες τις διαφορές τους, είναι, λες, δύο κανάλια του ίδιου ρεύματος.

Ο μεγαλύτερος Ολλανδός ζωγράφος του XV αιώνα. — Γιαν βαν Άικ. Πραγματικά ταλαντούχοι δάσκαλοι ήταν οι Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes, Memling, Luke of Leiden. Το έργο του Πίτερ Μπρίγκελ του Πρεσβύτερου είναι η κορυφή της τέχνης της Βόρειας Αναγέννησης στα μέσα του 16ου αιώνα.

Στη Γερμανία, ο μεγαλύτερος εκφραστής της Γερμανικής Αναγέννησης ήταν ο Άλμπρεχτ Ντύρερ. Όχι όμως το μοναδικό. Εδώ εργάστηκαν αξιόλογοι καλλιτέχνες όπως ο Mathis Nithardt, ο Lucas Cranach ο Πρεσβύτερος, ο Hans Holbein ο νεότερος και άλλοι.

Η επανάσταση που έγινε στην Αναγέννηση στον τομέα του πνευματικού πολιτισμού και της τέχνης είχε μεγάλη ιστορική σημασία. Ποτέ άλλοτε στη Δυτική Ευρώπη η τέχνη δεν κατείχε τόσο εξέχουσα θέση στην κοινωνία. Κατά τους επόμενους τρεις αιώνες, η ευρωπαϊκή τέχνη αναπτύχθηκε με βάση τις αρχές που υιοθέτησαν και νομιμοποιήθηκαν από τους καλλιτέχνες της Αναγέννησης. Η τέχνη της Αναγέννησης διατηρεί την ελκυστική της δύναμη ακόμη και σήμερα.

Σε δύσκολους καιρούς για την Ιταλία, ξεκινά η σύντομη «χρυσή εποχή» της ιταλικής Αναγέννησης - η λεγόμενη Υψηλή Αναγέννηση, το ΨΗΛΟΤΕΡΟ ΣΗΜΕΙΟακμάζουσα ιταλική τέχνη. Η Υψηλή Αναγέννηση λοιπόν συνέπεσε με την περίοδο του σκληρού αγώνα των ιταλικών πόλεων για ανεξαρτησία. Η τέχνη αυτής της εποχής ήταν διαποτισμένη από ανθρωπισμό, πίστη στις δημιουργικές δυνάμεις του ανθρώπου, στο απεριόριστο των δυνατοτήτων του, στην ορθολογική διάταξη του κόσμου, στον θρίαμβο της προόδου. Στην τέχνη, τα προβλήματα του πολιτικού καθήκοντος, οι υψηλές ηθικές ιδιότητες, ο ηρωισμός, η εικόνα του όμορφου, αρμονικά αναπτυγμένη, δυνατός στο πνεύμακαι το σώμα ενός ανθρώπινου ήρωα που κατάφερε να ανέβει πάνω από το επίπεδο της καθημερινότητας. Η αναζήτηση ενός τέτοιου ιδανικού οδήγησε την τέχνη στη σύνθεση, στη γενίκευση, στην αποκάλυψη των γενικών προτύπων των φαινομένων, στον εντοπισμό της λογικής διασύνδεσής τους. Η τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης αποκηρύσσει τις ιδιαιτερότητες, τις μικρές λεπτομέρειες στο όνομα μιας γενικευμένης εικόνας, στο όνομα της προσπάθειας για μια αρμονική σύνθεση των όμορφων πτυχών της ζωής. Αυτή είναι μια από τις κύριες διαφορές Υψηλή Αναγέννησηαπό νωρίς.

Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι (1452-1519) ήταν ο πρώτος καλλιτέχνης που ενσάρκωσε οπτικά αυτή τη διαφορά. Ο πρώτος δάσκαλος του Λεονάρντο ήταν ο Αντρέα Βερόκιο. Η φιγούρα ενός αγγέλου στην εικόνα του δασκάλου "Βάπτιση" καταδεικνύει ήδη ξεκάθαρα τη διαφορά στην αντίληψη του κόσμου από τον καλλιτέχνη της προηγούμενης εποχής και νέα εποχή: χωρίς μετωπική επιπεδότητα του Verrocchio, το καλύτερο μοντέλο φωτός και σκιάς του όγκου και εξαιρετική πνευματικότητα της εικόνας. . Μέχρι να φύγουν από το εργαστήριο του Verrocchio, οι ερευνητές αποδίδουν τη «Μαντόνα με ένα λουλούδι» («Madonna Benois», όπως ονομαζόταν πριν, με το όνομα των ιδιοκτητών). Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Λεονάρντο ήταν αναμφίβολα επηρεασμένος από τον Μποτιτσέλι για κάποιο διάστημα. Από τη δεκαετία του '80 του XV αιώνα. έχουν διασωθεί δύο ημιτελείς συνθέσεις του Λεονάρντο: «Η Προσκύνηση των Μάγων» και «Αγ. Ιερώνυμος." Πιθανώς, στα μέσα της δεκαετίας του '80 δημιουργήθηκε και η Madonna Litta με την τεχνική της παλιάς τέμπερας, στην εικόνα της οποίας ο τύπος του Leonard's γυναικεία ομορφιά: βαριά μισογερισμένα βλέφαρα και ένα ελάχιστα αντιληπτό χαμόγελο δίνουν στο πρόσωπο της Madonna μια ιδιαίτερη πνευματικότητα.

Συνδυάζοντας επιστημονικές και δημιουργικές αρχές, κατέχοντας τόσο λογικές όσο και καλλιτεχνική σκέψη, ο Λεονάρντο ασχολήθηκε με την επιστημονική έρευνα σε όλη του τη ζωή μαζί με τις καλές τέχνες. αποσπασμένος, φαινόταν αργός και άφησε πίσω του λίγα έργα τέχνης. Στην αυλή του Μιλάνου, ο Λεονάρντο εργάστηκε ως καλλιτέχνης, επιστημονικός τεχνικός, εφευρέτης, μαθηματικός και ανατόμος. Το πρώτο σημαντικό έργο που ερμήνευσε στο Μιλάνο ήταν η Madonna of the Rocks (ή Madonna in the Grotto). Αυτό είναι το πρώτο μνημειακό σύνθεση βωμούΥψηλής Αναγέννησης, ενδιαφέρον και γιατί εξέφραζε πλήρως τα χαρακτηριστικά του στυλ γραφής Leonard.

πλέον καλή δουλειάΟ Λεονάρντο στο Μιλάνο, το υψηλότερο επίτευγμα της τέχνης του ήταν η ζωγραφική του τοίχου της τραπεζαρίας του μοναστηριού της Santa Maria della Grazie στο οικόπεδο του Μυστικού Δείπνου (1495-1498). Ο Χριστός μέσα τελευταία φοράσυναντιέται στο δείπνο με τους μαθητές του για να τους ανακοινώσει για την προδοσία ενός από αυτούς. Για τον Λεονάρντο, η τέχνη και η επιστήμη υπήρχαν αδιαχώριστα. Ασχολούμενος με την τέχνη, έκανε επιστημονική έρευνα, πειράματα, παρατηρήσεις, πέρασε από την προοπτική στον τομέα της οπτικής και της φυσικής, μέσα από τα προβλήματα των αναλογιών - στην ανατομία και τα μαθηματικά κ.λπ. Ο Μυστικός Δείπνος ολοκληρώνει ένα ολόκληρο στάδιο στο έργο του καλλιτέχνη επιστημονική έρευνα. Είναι επίσης ένα νέο στάδιο στην τέχνη.

Από τις σπουδές ανατομίας, γεωμετρίας, οχύρωσης, μελισσοκομίας, γλωσσολογίας, στιχουργίας, μουσικής, ο Λεονάρντο έφυγε για να δουλέψει στο "Horse" - το ιππικό μνημείο του Francesco Sforza, για το οποίο ήρθε πρώτα από όλα στο Μιλάνο και το οποίο έπαιξε σε πλήρες μέγεθος. στις αρχές της δεκαετίας του '90 στον πηλό. Το μνημείο δεν προοριζόταν να ενσαρκωθεί σε μπρούτζο: το 1499 οι Γάλλοι εισέβαλαν στο Μιλάνο και οι Γασκώνες βαλλίστρες κατέρριψαν το ιππικό μνημείο. Από το 1499 άρχισαν τα χρόνια της περιπλάνησης του Λεονάρντο: η Μάντοβα, η Βενετία και, τέλος, η πατρίδα του καλλιτέχνη - η Φλωρεντία, όπου ζωγράφισε το χαρτόνι «St. Η Άννα με τη Μαρία στα γόνατά της», σύμφωνα με την οποία δημιουργεί μια ελαιογραφία στο Μιλάνο (όπου επέστρεψε το 1506)

Στη Φλωρεντία, ο Λεονάρντο ξεκίνησε ένα άλλο έργο ζωγραφικής: ένα πορτρέτο της συζύγου του εμπόρου del Giocondo Mona Lisa, το οποίο έγινε ένα από τα πιο διάσημους πίνακεςστον κόσμο.

Το πορτρέτο της Μόνα Λίζα Τζοκόντα είναι ένα αποφασιστικό βήμα στην ανάπτυξη της αναγεννησιακής τέχνης

Για πρώτη φορά, το είδος του πορτρέτου βρέθηκε στο ίδιο επίπεδο με συνθέσεις σε θρησκευτικά και μυθολογικά θέματα. Με όλες τις αδιαμφισβήτητες φυσιογνωμικές ομοιότητες, τα πορτρέτα του Quattrocento διακρίνονταν, αν όχι από εξωτερικό, τότε από εσωτερικό περιορισμό. Η μεγαλοπρέπεια της Μονέ Λίζα ανακοινώνεται ήδη με μια σύγκριση της έντονα προχωρημένης μέχρι την άκρη του καμβά, τονισμένη τρισδιάστατη φιγούρα με ένα τοπίο με βράχους και ρυάκια ορατά σαν από μακριά, λιώσιμα, δελεαστικά, άπιαστα και ως εκ τούτου, με όλα η πραγματικότητα του κινήτρου, φανταστική.

Ο Λεονάρντο το 1515, μετά από πρόταση του Γάλλου βασιλιά Φραγκίσκου Α', φεύγει για πάντα για τη Γαλλία.

Ο Λεονάρντο ήταν ο μεγαλύτερος καλλιτέχνης της εποχής του, μια ιδιοφυΐα που άνοιξε νέους ορίζοντες τέχνης. Άφησε πίσω του λίγα έργα, αλλά καθένα από αυτά ήταν ένα στάδιο στην ιστορία του πολιτισμού. Ο Λεονάρντο είναι επίσης γνωστός ως πολύπλευρος επιστήμονας. Οι επιστημονικές του ανακαλύψεις, για παράδειγμα, η έρευνά του στον τομέα των αεροσκαφών, παρουσιάζουν ενδιαφέρον στην εποχή μας της αστροναυτικής. Χιλιάδες σελίδες χειρογράφων του Λεονάρντο, που καλύπτουν κυριολεκτικά όλους τους τομείς της γνώσης, μαρτυρούν την καθολικότητα της ιδιοφυΐας του.

Οι ιδέες της μνημειακής τέχνης της Αναγέννησης, στην οποία συγχωνεύτηκαν οι παραδόσεις της αρχαιότητας και το πνεύμα του Χριστιανισμού, βρήκαν την πιο ζωντανή τους έκφραση στο έργο του Ραφαήλ (1483-1520). Στην τέχνη του, δύο βασικά καθήκοντα βρήκαν μια ώριμη λύση: η πλαστική τελειότητα του ανθρώπινου σώματος, που εκφράζει την εσωτερική αρμονία μιας ολοκληρωμένα αναπτυγμένης προσωπικότητας, στην οποία ο Ραφαήλ ακολούθησε την αρχαιότητα, και μια σύνθετη πολυμορφική σύνθεση που μεταφέρει ολόκληρη την ποικιλομορφία του κόσμος. Ο Ραφαήλ εμπλούτισε αυτές τις δυνατότητες, πετυχαίνοντας εκπληκτική ελευθερία στην απεικόνιση του χώρου και της κίνησης σε αυτόν. ανθρώπινη φιγούρα, άψογη αρμονία περιβάλλοντος και ανθρώπου.

Κανένας από τους δασκάλους της Αναγέννησης δεν αντιλήφθηκε την παγανιστική ουσία της αρχαιότητας τόσο βαθιά και φυσικά όσο ο Ραφαήλ. όχι χωρίς λόγο θεωρείται ο καλλιτέχνης που συνέδεσε πληρέστερα τις αρχαίες παραδόσεις με τη δυτικοευρωπαϊκή τέχνη της νέας εποχής.

Ο Ραφαήλ Σάντι γεννήθηκε το 1483 στην πόλη Ουρμπίνο, ένα από τα κέντρα καλλιτεχνική κουλτούραΙταλία, στην αυλή του δούκα του Ουρμπίνο, στην οικογένεια ενός αυλικού ζωγράφου και ποιητή, ο οποίος ήταν ο πρώτος δάσκαλος του μελλοντικού δασκάλου

Η πρώιμη περίοδος του έργου του Ραφαήλ δεν χαρακτηρίζει απόλυτα μεγάλη εικόναμε τη μορφή του Conestabile Madonna tondo, με την απλότητα και τη συνοπτικότητα των αυστηρά επιλεγμένων λεπτομερειών (για όλη τη δειλία της σύνθεσης) και τον ιδιαίτερο, εγγενή σε όλα τα έργα του Raphael, λεπτό λυρισμό και μια αίσθηση γαλήνης. Το 1500, ο Ραφαήλ έφυγε από το Ουρμπίνο για την Περούτζια για να σπουδάσει στο στούντιο του διάσημου καλλιτέχνη της Ούμπρια Περουτζίνο, υπό την επιρροή του οποίου γράφτηκε ο αρραβώνας της Μαρίας (1504). Αίσθηση ρυθμού, αναλογικότητα πλαστικών μαζών, χωρικά διαστήματα, αναλογία μορφών και φόντου, συντονισμός των κύριων τόνων (στο "Betrothal" αυτά είναι χρυσό, κόκκινο και πράσινο σε συνδυασμό με ένα απαλό μπλε φόντο του ουρανού ) και δημιουργούν την αρμονία που εμφανίζεται ήδη στα πρώιμα έργα του Ραφαήλ και τον ξεχωρίζει από τους καλλιτέχνες της προηγούμενης εποχής.

Σε όλη του τη ζωή, ο Raphael αναζητά αυτή την εικόνα στη Madonna, τα πολυάριθμα έργα του, ερμηνεύοντας την εικόνα της Madonna, του έχουν κερδίσει παγκόσμια φήμη. Η αξία του καλλιτέχνη, πρώτα απ 'όλα, είναι ότι κατάφερε να ενσωματώσει όλες τις πιο λεπτές αποχρώσεις συναισθημάτων στην ιδέα της μητρότητας, να συνδυάσει τον λυρισμό και τη βαθιά συναισθηματικότητα με το μνημειώδες μεγαλείο. Αυτό φαίνεται σε όλες τις Μαντόνες του, ξεκινώντας από τη νεανικά δειλή Conestabile Madonna: στη Madonna in the Green, τη Madonna με την Goldfinch, τη Madonna στην καρέκλα, και ειδικά στο απόγειο του πνεύματος και της ικανότητας Raphael - στο Σιξτίνα Μαντόνα.

Η «Σιξτίνα Μαντόνα» είναι ένα από τα τελειότερα έργα του Ραφαήλ ως προς τη γλώσσα: η φιγούρα της Μαρίας με το μωρό, που απλώνεται αυστηρά στον ουρανό, ενώνεται με έναν κοινό ρυθμό κίνησης με τις φιγούρες του Αγ. Οι Βάρβαροι και ο Πάπας Σίξτος Β', του οποίου οι χειρονομίες είναι στραμμένες προς τη Μαντόνα, καθώς και οι απόψεις δύο αγγέλων (περισσότερο σαν putti, που είναι τόσο χαρακτηριστικό της Αναγέννησης), βρίσκονται στο κάτω μέρος της σύνθεσης. Οι φιγούρες ενώνονται με ένα κοινό χρυσό χρώμα, σαν να προσωποποιούν τη Θεία λάμψη. Αλλά το κύριο πράγμα είναι ο τύπος του προσώπου της Παναγίας, που ενσωματώνει τη σύνθεση του αρχαίου ιδεώδους της ομορφιάς με την πνευματικότητα του χριστιανικού ιδεώδους, που είναι τόσο χαρακτηριστικό της κοσμοθεωρίας της Υψηλής Αναγέννησης.

Η Σιξτίνα Μαντόνα είναι μεταγενέστερο έργο του Ραφαήλ.

Στις αρχές του XVI αιώνα. Η Ρώμη αναλαμβάνει πολιτισμικό κέντροΙταλία. Η τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης φτάνει στο αποκορύφωμά της σε αυτήν την πόλη, όπου, με τη θέληση των παπάδων Ιούλιου Β' και Λέοντα Χ, καλλιτέχνες όπως ο Μπραμάντε, ο Μιχαήλ Άγγελος και ο Ραφαήλ εργάζονται ταυτόχρονα.

Ο Ραφαέλ ζωγραφίζει τις δύο πρώτες στροφές. Στο Stanza della Senyatura (το δωμάτιο των υπογραφών, των σφραγίδων) ζωγράφισε τέσσερις αλληγορικές τοιχογραφίες των κύριων τομέων της ανθρώπινης πνευματικής δραστηριότητας: φιλοσοφία, ποίηση, θεολογία και νομολογία. », «Μέτρο, Σοφία και Δύναμη»». Στο δεύτερο δωμάτιο, που ονομάζεται «στάντζα του Έλιοντορ», ο Ραφαήλ ζωγράφισε τοιχογραφίες σε ιστορικά και θρυλικά θέματα που δοξάζουν τους πάπες της Ρώμης: «Η εκδίωξη του Έλιοντορ»

Για την τέχνη του Μεσαίωνα και της πρώιμης Αναγέννησης, ήταν σύνηθες να απεικονίζονται οι επιστήμες και οι τέχνες με τη μορφή μεμονωμένων αλληγορικών μορφών. Ο Ραφαήλ έλυσε αυτά τα θέματα με τη μορφή πολυμορφικών συνθέσεων, που μερικές φορές αντιπροσώπευαν πραγματικά ομαδικά πορτρέτα, ενδιαφέροντα τόσο για την εξατομίκευση όσο και για την τυπικότητά τους.

Οι μαθητές βοήθησαν επίσης τον Ραφαήλ στη ζωγραφική των λότζων του Βατικανού που γειτνιάζουν με τα δωμάτια του Πάπα, ζωγραφισμένα σύμφωνα με τα σκίτσα του και υπό την επίβλεψή του με μοτίβα παλαιών διακοσμητικών, κυρίως από τα πρόσφατα ανακαλυφθέντα αρχαία σπήλαια (εξ ου και το όνομα «γκροτέσκ»). .

Ο Ραφαέλ ερμήνευσε έργα διαφόρων ειδών. Το ταλέντο του ως διακοσμητής, καθώς και ως σκηνοθέτης, αφηγητής, εκδηλώθηκε πλήρως σε μια σειρά από οκτώ ταπετσαρίες από χαρτόνι για την Καπέλα Σιξτίνα σε σκηνές από τη ζωή των Αποστόλων Πέτρου και Παύλου («The Miraculous Catch of Fish», για παράδειγμα). Αυτοί οι πίνακες κατά τους XVI-XVIII αιώνες. χρησίμευσε ως ένα είδος προτύπου για τους κλασικιστές.

Ο Ραφαήλ ήταν επίσης ο μεγαλύτερος προσωπογράφος της εποχής του. («Πάπας Ιούλιος Β'», «Λέον Χ», φίλος του καλλιτέχνη συγγραφέα Καστιλιόνε, όμορφη «Ντόνα Βελάτα» κ.λπ.). Και στις εικόνες του πορτρέτου κυριαρχεί κατά κανόνα η εσωτερική ισορροπία και αρμονία.

Στο τέλος της ζωής του, ο Ραφαήλ επιβαρύνθηκε υπερβολικά με ποικίλα έργα και παραγγελίες. Είναι ακόμη δύσκολο να φανταστεί κανείς ότι όλα αυτά θα μπορούσαν να γίνουν από ένα άτομο. Ήταν το κεντρικό πρόσωπο καλλιτεχνική ζωήΗ Ρώμη, μετά τον θάνατο του Μπραμάντε (1514) έγινε ο αρχιτέκτονας του καθεδρικού ναού του Αγ. Peter, ήταν υπεύθυνος για τις αρχαιολογικές ανασκαφές στη Ρώμη και τα περίχωρά της και την προστασία των αρχαίων μνημείων.

Ο Ραφαήλ πέθανε το 1520. Ο πρόωρος θάνατός του ήταν απροσδόκητος για τους συγχρόνους του. Οι στάχτες του είναι θαμμένες στο Πάνθεον.

Ο τρίτος μεγαλύτερος δάσκαλος της Υψηλής Αναγέννησης - ο Μιχαήλ Άγγελος - έζησε κατά πολύ τον Λεονάρντο και τον Ραφαήλ. Το πρώτο μισό του δημιουργικό τρόποπέφτει στην ακμή της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης, και η δεύτερη - την εποχή της Αντιμεταρρύθμισης και την αρχή της διαμόρφωσης της τέχνης του μπαρόκ. Από τον λαμπρό αστερισμό των καλλιτεχνών της Υψηλής Αναγέννησης, ο Μιχαήλ Άγγελος τους ξεπέρασε όλους με τον πλούτο των εικόνων του, το πάθος του πολίτη και την ευαισθησία στις αλλαγές στη διάθεση του κοινού. Εξ ου και η δημιουργική ενσάρκωση της κατάρρευσης των αναγεννησιακών ιδεών.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Το 1488, στη Φλωρεντία, άρχισε να μελετά προσεκτικά το αρχαίο πλαστικό. Το ανάγλυφο του «Μάχη των Κενταύρων» είναι ήδη προϊόν της Υψηλής Αναγέννησης ως προς την εσωτερική αρμονία. Το 1496, ο νεαρός καλλιτέχνης φεύγει για τη Ρώμη, όπου δημιουργεί τα πρώτα του έργα που του έφεραν φήμη: «Βάκχος» και «Πιέτα». Κυριολεκτικά αποτυπώθηκε από τις εικόνες της αρχαιότητας. "Pieta" - ανοίγει μια σειρά από έργα του πλοιάρχου σχετικά με αυτό το θέμα και τον τοποθετεί ανάμεσα στους πρώτους γλύπτες στην Ιταλία.

Επιστρέφοντας στη Φλωρεντία το 1501, ο Μιχαήλ Άγγελος, για λογαριασμό της Signoria, ανέλαβε να σμιλέψει τη φιγούρα του Δαβίδ από ένα μαρμάρινο τετράγωνο που χάλασε μπροστά του ένας άτυχος γλύπτης. Το 1504, ο Μιχαήλ Άγγελος ολοκλήρωσε το περίφημο άγαλμα, που οι Φλωρεντινοί αποκαλούσαν «Γίγαντα» και τοποθέτησαν μπροστά από το Palazzo Vecchia, το δημαρχείο της πόλης. Τα εγκαίνια του μνημείου μετατράπηκαν σε εθνική γιορτή. Η εικόνα του David ενέπνευσε πολλούς καλλιτέχνες του Quattrocento. Αλλά ο Μιχαήλ Άγγελος δεν τον απεικονίζει ως αγόρι, όπως στο Donatello και στο Verrocchio, αλλά ως νεαρό άνδρα στην ακμή της ζωής, και όχι μετά τη μάχη, με το κεφάλι ενός γίγαντα στα πόδια του, αλλά πριν από τη μάχη, αυτή τη στιγμή. της υψηλότερης έντασης. ΣΕ όμορφη εικόναΟ Ντέιβιντ, στο αυστηρό του πρόσωπο, ο γλύπτης μετέφερε την τιτάνια δύναμη του πάθους, την άκαμπτη θέληση, το πολιτικό θάρρος, την απεριόριστη δύναμη ενός ελεύθερου ανθρώπου.

Το 1504, ο Μιχαήλ Άγγελος (όπως ήδη αναφέρθηκε σε σχέση με τον Λεονάρντο) αρχίζει να εργάζεται για τη ζωγραφική της "Αίθουσας των Πεντακοσίων" στο Palazzo Signoria

Το 1505, ο Πάπας Ιούλιος Β' κάλεσε τον Μιχαήλ Άγγελο στη Ρώμη για να χτίσει τον δικό του τάφο, αλλά στη συνέχεια αρνήθηκε την παραγγελία και διέταξε μια λιγότερο μεγαλειώδη ζωγραφική της οροφής της Καπέλα Σιξτίνα στο Παλάτι του Βατικανού.

Ο Μιχαήλ Άγγελος εργάστηκε μόνος του στη ζωγραφική της οροφής της Καπέλα Σιξτίνα, από το 1508 έως το 1512, ζωγραφίζοντας μια έκταση περίπου 600 τετραγωνικών μέτρων. m (48x13 m) σε ύψος 18 m.

Ο Μιχαήλ Άγγελος αφιέρωσε το κεντρικό τμήμα της οροφής στις σκηνές της ιερής ιστορίας, ξεκινώντας από τη δημιουργία του κόσμου. Οι συνθέσεις αυτές πλαισιώνονται από ένα γείσο ζωγραφισμένο με τον ίδιο τρόπο, δημιουργώντας όμως την ψευδαίσθηση της αρχιτεκτονικής, και χωρίζονται, επίσης, με γραφικές ράβδους. Τα γραφικά ορθογώνια τονίζουν και εμπλουτίζουν την πραγματική αρχιτεκτονική της οροφής. Κάτω από το γραφικό γείσο, ο Μιχαήλ Άγγελος ζωγράφισε τους προφήτες και τις σίβυλες (κάθε φιγούρα είναι περίπου τρία μέτρα), στις αψίδες (καμάρες πάνω από τα παράθυρα) απεικόνισε επεισόδια από τη Βίβλο και τους προγόνους του Χριστού ως απλοί άνθρωποιαπασχολημένος με καθημερινές δραστηριότητες.

Οι εννέα κεντρικές συνθέσεις ξετυλίγουν τα γεγονότα των πρώτων ημερών της δημιουργίας, την ιστορία του Αδάμ και της Εύας, τον παγκόσμιο κατακλυσμό και όλες αυτές οι σκηνές, στην πραγματικότητα, είναι ένας ύμνος στον άνθρωπο, ενσωματωμένος μέσα του. Ο Ιούλιος Β' πέθανε λίγο μετά την ολοκλήρωση των εργασιών στη Σιξτίνα και οι κληρονόμοι του επέστρεψαν στην ιδέα μιας ταφόπλακας. Το 1513-1516. Ο Μιχαήλ Άγγελος ερμηνεύει τη μορφή του Μωυσή και των σκλάβων (αιχμάλωτων) για αυτήν την ταφόπλακα. Η εικόνα του Μωυσή είναι από τις πιο δυνατές στο έργο ενός ώριμου δασκάλου. Επένδυσε πάνω του το όνειρο ενός σοφού, θαρραλέου ηγέτη, γεμάτου τιτάνια δύναμη, έκφραση, θέληση-ιδιότητες, τόσο απαραίτητα για την ένωση της πατρίδας του. Οι φιγούρες των σκλάβων δεν περιλαμβάνονταν στην τελική εκδοχή του τάφου.

Από το 1520 έως το 1534, ο Μιχαήλ Άγγελος εργάζεται σε ένα από τα πιο σημαντικά και πιο τραγικά έργα γλυπτικής - στον τάφο των Μεδίκων (η φλωρεντινή εκκλησία του San Lorenzo), εκφράζοντας όλες τις εμπειρίες που έπεσαν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου στο μερίδιο και των δύο. κύριος του εαυτού του και του ιδιαίτερη πατρίδακαι ολόκληρη τη χώρα στο σύνολό της. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1920, η Ιταλία έχει κυριολεκτικά διαλυθεί τόσο από εξωτερικούς όσο και από εσωτερικούς εχθρούς. Το 1527, μισθωτοί στρατιώτες νίκησαν τη Ρώμη, οι Προτεστάντες λεηλάτησαν τα καθολικά ιερά αιώνια πόλη. Η αστική τάξη της Φλωρεντίας ανατρέπει τους Μεδίκους, που κυβέρνησαν ξανά από το 1510.

Σε μια διάθεση σοβαρής απαισιοδοξίας, σε μια κατάσταση αυξανόμενης βαθιάς θρησκευτικότητας, ο Μιχαήλ Άγγελος εργάζεται στον τάφο των Μεδίκων. Ο ίδιος χτίζει μια επέκταση στη φλωρεντινή εκκλησία του San Lorenzo - ένα μικρό αλλά πολύ ψηλό δωμάτιο, καλυμμένο με τρούλο, και διακοσμεί δύο τοίχους του σκευοφυλάκου (το εσωτερικό του) με γλυπτικές επιτύμβιες στήλες. Ο ένας τοίχος είναι διακοσμημένος με τη φιγούρα του Λορέντζο, ο απέναντι - ο Τζουλιάνο, και στο κάτω μέρος στα πόδια τους είναι τοποθετημένες σαρκοφάγοι, διακοσμημένες με αλληγορικές γλυπτικές εικόνες - σύμβολα του φευγαλέου χρόνου: "Πρωί" και "Βράδυ" - στην ταφόπλακα του Lorenzo, "Nights and Day" - στην ταφόπλακα του Giuliano.

Και οι δύο εικόνες - ο Lorenzo και ο Giuliano - δεν έχουν ομοιότητα πορτρέτου, κάτι που διαφέρουν από τις παραδοσιακές αποφάσεις του 15ου αιώνα.

Αμέσως μετά την εκλογή του, ο Παύλος Γ' άρχισε να απαιτεί επίμονα από τον Μιχαήλ Άγγελο την εκπλήρωση αυτού του σχεδίου και το 1534, διακόπτοντας τις εργασίες στον τάφο, τον οποίο ολοκλήρωσε μόλις το 1545, ο Μιχαήλ Άγγελος έφυγε για τη Ρώμη, όπου ξεκίνησε το δεύτερο έργο του στη Σιξτίνα. Παρεκκλήσι - στη ζωγραφική "The Last Judgment" (1535-1541) - ένα μεγαλειώδες δημιούργημα που εξέφραζε την τραγωδία του ανθρώπινου γένους. Χαρακτηριστικά του νέου σύστημα τέχνηςεμφανίστηκε σε αυτό το έργο του Μιχαήλ Άγγελου ακόμα πιο λαμπερή. Η δημιουργική κρίση, ο τιμωρός Χριστός, τοποθετείται στο κέντρο της σύνθεσης και γύρω της, με περιστροφική κυκλική κίνηση, απεικονίζονται οι αμαρτωλοί να πέφτουν στην κόλαση, οι δίκαιοι να ανεβαίνονται στον παράδεισο, οι νεκροί να ανασταίνουν από τους τάφους τους για την κρίση του Θεού. Όλα είναι γεμάτα φρίκη, απόγνωση, θυμό, σύγχυση.

Ζωγράφος, γλύπτης, ποιητής, ο Μιχαήλ Άγγελος ήταν επίσης λαμπρός αρχιτέκτονας. Εκτέλεσε τις σκάλες της φλωρεντινής βιβλιοθήκης της Laurenziana, πλαισίωσε την πλατεία του Καπιτωλίου στη Ρώμη, έστησε τις πύλες του Πίου (Πόρτα Πία), από το 1546 εργάζεται στον Καθεδρικό Ναό του Αγ. Peter, που ξεκίνησε από τον Bramante. Ο Μιχαήλ Άγγελος έχει στην κατοχή του το σχέδιο και το σχέδιο του τρούλου, το οποίο εκτελέστηκε μετά τον θάνατο του πλοιάρχου και εξακολουθεί να είναι ένας από τους κύριους κυρίαρχους στο πανόραμα της πόλης.

Ο Μιχαήλ Άγγελος πέθανε στη Ρώμη σε ηλικία 89 ετών. Το σώμα του μεταφέρθηκε το βράδυ στη Φλωρεντία και θάφτηκε στην παλαιότερη εκκλησία της πατρίδας του, Santa Croce. Η ιστορική σημασία της τέχνης του Μιχαήλ Άγγελου, η επίδρασή της στους σύγχρονους και τις επόμενες εποχές δύσκολα μπορούν να υπερεκτιμηθούν. Κάποιοι ξένοι ερευνητές τον ερμηνεύουν ως τον πρώτο καλλιτέχνη και αρχιτέκτονα του μπαρόκ. Κυρίως όμως είναι ενδιαφέρον ως φορέας των μεγάλων ρεαλιστικών παραδόσεων της Αναγέννησης.

Ο George Barbarelli da Castelfranco, με το παρατσούκλι Giorgione (1477-1510), είναι άμεσος οπαδός του δασκάλου του και τυπικός καλλιτέχνης της Υψηλής Αναγέννησης. Ήταν ο πρώτος επί ενετικού εδάφους που στράφηκε σε λογοτεχνικά θέματα, σε μυθολογικά θέματα. Το τοπίο, η φύση και το όμορφο γυμνό ανθρώπινο σώμα έγιναν για αυτόν αντικείμενο τέχνης και αντικείμενο λατρείας.

Ήδη στο πρώτο γνωστό έργο, "The Madonna of Castelfranco" (γύρω στο 1505), ο Giorgione εμφανίζεται ως ένας καταξιωμένος καλλιτέχνης. η εικόνα της Παναγίας είναι γεμάτη ποίηση, στοχαστική ονειροπόληση, διαποτισμένη από αυτή τη διάθεση θλίψης που είναι χαρακτηριστική για όλες τις γυναικείες εικόνες της Τζορτζιόνε. Τα τελευταία πέντε χρόνια της ζωής του, ο καλλιτέχνης δημιούργησε τα καλύτερα έργα του, εκτελεσμένα στην τεχνική του λαδιού, το κύριο Ενετικό σχολείοκατά την περίοδο εκείνη. . Στον πίνακα του 1506 "Thunderstorm" ο Giorgione απεικονίζει τον άνθρωπο ως μέρος της φύσης. Μια γυναίκα που ταΐζει ένα παιδί, ένας νεαρός άνδρας με ένα ραβδί (που μπορεί να εκληφθεί λανθασμένα με έναν πολεμιστή με άλμπουρα) δεν τους ενώνει καμία δράση, αλλά τους ενώνει σε αυτό το μαγευτικό τοπίο μια κοινή διάθεση, μια κοινή ψυχική κατάσταση. Η πνευματικότητα και η ποίηση διαποτίζουν την εικόνα της «Αφροδίτης που κοιμάται» (περίπου 1508-1510). Το σώμα της είναι γραμμένο εύκολα, ελεύθερα, με χάρη, και δεν είναι τυχαίο που οι ερευνητές μιλούν για τη «μουσικότητα» των ρυθμών του Giorgione. δεν στερείται αισθησιακής γοητείας. "Εξοχική συναυλία" (1508-1510)

Τιτσιάν Βετσέλιο (1477-1576) - ο μεγαλύτερος καλλιτέχνηςΕνετική Αναγέννηση. Δημιούργησε έργα τόσο για μυθολογικά όσο και για χριστιανικά θέματα, δούλεψε στο είδος του πορτραίτου, το χρωματικό του ταλέντο είναι εξαιρετικό, η συνθετική του εφευρετικότητα είναι ανεξάντλητη και η ευτυχισμένη μακροζωία του επέτρεψε να αφήσει πίσω του μια πλούσια δημιουργική κληρονομιά που είχε τεράστιο αντίκτυπο στους επόμενους.

Ήδη το 1516, έγινε ο πρώτος ζωγράφος της δημοκρατίας, από τη δεκαετία του '20 - ο πιο διάσημος καλλιτέχνης της Βενετίας

Γύρω στο 1520, ο δούκας της Φεράρα του ανέθεσε μια σειρά από πίνακες στους οποίους ο Τιτσιάνο εμφανίζεται ως τραγουδιστής της αρχαιότητας που κατάφερε να νιώσει και, κυρίως, να ενσαρκώσει το πνεύμα του παγανισμού (Βακχάναλ, Γιορτή της Αφροδίτης, Βάκχου και Αριάδνη).

Πλούσιοι Βενετοί πατρίκιοι παραγγέλνουν τιτσιάνικους βωμούς και δημιουργεί τεράστιες εικόνες: «Ανάληψη της Μαρίας», «Μαντόνα Πέζαρο»

"Είσοδος της Μαρίας στον Ναό" (περίπου 1538), "Αφροδίτη" (περίπου 1538)

(ομαδικό πορτρέτο του Πάπα Παύλου Γ' με τους ανιψιούς Ottavio και Alexander Farnese, 1545-1546)

Γράφει ακόμη πολλά για αρχαία θέματα («Αφροδίτη και Άδωνις», «Ο Ποιμένας και η Νύμφη», «Διάνα και Ακταίος», «Δίας και Αντιόπη»), αλλά όλο και πιο συχνά στρέφεται σε χριστιανικά θέματα, σε σκηνές μαρτύριο, στο οποίο η ειδωλολατρική ευθυμία, η αντίκα αρμονία αντικαθίσταται από μια τραγική κοσμοθεωρία («Μαστίγωμα του Χριστού», «Μετανοούσα Μαρία Μαγδαληνή», «Άγιος Σεβαστιανός», «Θρήνος»),

Αλλά στο τέλος του αιώνα, τα χαρακτηριστικά μιας επικείμενης νέας εποχής στην τέχνη, μιας νέας καλλιτεχνικής κατεύθυνσης, είναι ήδη εμφανή εδώ. Αυτό φαίνεται στο έργο δύο μεγάλων καλλιτεχνών του δεύτερου μισού αυτού του αιώνα - του Paolo Veronese και του Jacopo Tintoretto.

Ο Πάολο Κάλιαρι, με το παρατσούκλι Βερονέζε (ήταν από τη Βερόνα, 1528-1588), έμελλε να γίνει ο τελευταίος τραγουδιστής της εορταστικής, χαρούμενης Βενετίας του 16ου αιώνα.

: «Γιορτή στο σπίτι του Λευί» «Γάμος στην Κανά της Γαλιλαίας» για την τραπεζαρία του μοναστηριού του San George Maggiore

Jacopo Robusti, γνωστός στην τέχνη ως Tintoretto (1518-1594) (βαφής «tintoretto»: ο πατέρας του καλλιτέχνη ήταν βαφέας μεταξιού). «Το θαύμα του Αγίου Μάρκου» (1548)

(«Σωτηρία της Αρσινόης», 1555), «Είσοδος στον Ναό» (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro στο Piombino, Villa Rotonda στη Vicenza, που ολοκληρώθηκε μετά τον θάνατό του από μαθητές σύμφωνα με το έργο του, πολλά κτίρια στη Vicenza). Αποτέλεσμα της μελέτης του για την αρχαιότητα ήταν το βιβλίο «Ρωμαϊκές Αρχαιότητες» (1554), «Τέσσερα βιβλία για την αρχιτεκτονική» (1570-1581), αλλά η αρχαιότητα ήταν για αυτόν «ζωντανός οργανισμός», σύμφωνα με τη δίκαιη παρατήρηση του ερευνητή.

Η Ολλανδική Αναγέννηση στη ζωγραφική ξεκινά με το «Βωμό της Γάνδης» των αδελφών Hubert (πέθανε το 1426) και Jan (περίπου 1390-1441) van Eyck, που ολοκληρώθηκε από τον Jan van Eyck το 1432. Ο Van Eyck βελτιώθηκε τεχνολογία λαδιού: το λάδι κατέστησε δυνατή την πιο ευέλικτη μετάδοση της λαμπρότητας, του βάθους, του πλούτου του αντικειμενικού κόσμου, προσελκύοντας την προσοχή των Ολλανδών καλλιτεχνών, την πολύχρωμη ηχητικότητα του.

Από τις πολυάριθμες Παναγίες του Jan van Eyck, η πιο διάσημη είναι η Παναγία του Καγκελάριου Rollin (περίπου 1435)

("Man with a Carnation", "Man in a Turban", 1433, πορτρέτο της συζύγου του καλλιτέχνη Marguerite van Eyck, 1439

Στην επίλυση τέτοιων προβλημάτων, η ολλανδική τέχνη οφείλει πολλά στον Rogier van der Weyden (1400?-1464) Η Κάθοδος από τον Σταυρό είναι ένα τυπικό έργο του Weyden.

Στο δεύτερο μισό του XV αιώνα. αφηγείται το έργο του κυρίου του εξαιρετικού ταλέντου Hugo van der Goes (περίπου 1435-1482) «Ο θάνατος της Μαρίας»).

Hieronymus Bosch (1450-1516), ο δημιουργός των ζοφερών μυστικιστικών οραμάτων, στα οποία αναφέρεται επίσης στη μεσαιωνική αλληγορία, «Ο κήπος των απολαύσεων»

Η κορυφή της Ολλανδικής Αναγέννησης ήταν αναμφίβολα το έργο του Pieter Brueghel the Elder, με το παρατσούκλι Muzhitsky (1525 / 30-1569) ("Κουζίνα των κοκαλιάρικων", "Κουζίνα των παχύσαρκων"), Το "Χειμερινό τοπίο" από τον κύκλο " The Seasons» (άλλος τίτλος - «Hunters in the Snow», 1565), «Battle of Carnival and Lent» (1559).

Άλμπρεχτ Ντύρερ (1471-1528).

"The Feast of the Rosary" (άλλο όνομα είναι "Madonna with the Rosary", 1506), "The Horseman, Death and the Devil", 1513; «Αγ. Ιερώνυμος» και «Μελαγχολία»,

Hans Holbein the Younger (1497-1543), "The Triumph of Death" ("Dance of Death") πορτρέτο της Jane Seymour, 1536

Άλμπρεχτ Άλντορφερ (1480-1538)

Αναγέννηση Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (περίπου 1420-1481), Πορτρέτο του Καρόλου Ζ΄

Ο Ζαν Κλουέ (περίπου 1485/88-1541), γιος του Φρανσουά Κλουέ (περίπου 1516-1572) είναι ο σημαντικότερος Γάλλος ζωγράφος του 16ου αιώνα. πορτρέτο της Ελισάβετ της Αυστρίας, περίπου το 1571, (πορτρέτο του Ερρίκου Β', της Μαρίας Στιούαρτ, κ.λπ.)

Αναγεννησιακή ζωγραφική

Η αρχή της αναγεννησιακής ζωγραφικής θεωρείται η εποχή του Ducento, δηλ. XIII αιώνα. Η Πρωτο-Αναγέννηση εξακολουθεί να είναι στενά συνδεδεμένη με τις μεσαιωνικές ρωμανικές, γοτθικές και βυζαντινές παραδόσεις. Καλλιτέχνες του τέλους XIII - αρχές του XIV αιώνα. απέχουν ακόμη πολύ από την επιστημονική μελέτη της περιβάλλουσας πραγματικότητας. Εκφράζουν τις ιδέες τους σχετικά με αυτό, χρησιμοποιώντας ακόμη τις υπό όρους εικόνες του βυζαντινού οπτικού συστήματος - βραχώδεις λόφους, συμβολικά δέντρα, πυργίσκους υπό όρους. Αλλά μερικές φορές το βλέμμα αρχιτεκτονικές κατασκευέςαναπαράγεται τόσο με ακρίβεια που υποδηλώνει την ύπαρξη σκίτσων από τη φύση. Οι παραδοσιακοί θρησκευτικοί χαρακτήρες αρχίζουν να απεικονίζονται σε έναν κόσμο προικισμένο με τις ιδιότητες της πραγματικότητας - όγκο, χωρικό βάθος, υλικό υλικό. Ξεκινά η αναζήτηση μεθόδων μετάδοσης στο επίπεδο όγκου και τρισδιάστατου χώρου. Οι δάσκαλοι αυτής της εποχής αναβιώνουν τη γνωστή αρχαία αρχή της μοντελοποίησης των μορφών chiaroscuro. Χάρη σε αυτό, οι φιγούρες και τα κτίρια αποκτούν πυκνότητα και όγκο.

Προφανώς, ο πρώτος που εφάρμοσε την αρχαία προοπτική ήταν ο Φλωρεντινός Cenny di Pepo (στοιχεία από το 1272 έως το 1302), με το παρατσούκλι Cimabue. Δυστυχώς, τα περισσότερα σημαντικό έργο- μια σειρά από πίνακες με θέματα της Αποκάλυψης, τη ζωή της Μαρίας και του Αποστόλου Πέτρου στην εκκλησία του Αγίου Φραντσέσκο στην Ασίζη έφτασε σε εμάς σχεδόν σε ερειπωμένη κατάσταση. Οι βωτικές συνθέσεις του, που βρίσκονται στη Φλωρεντία και στο Μουσείο του Λούβρου, σώζονται καλύτερα. Επιστρέφουν επίσης στα βυζαντινά πρωτότυπα, αλλά δείχνουν ξεκάθαρα τα χαρακτηριστικά μιας νέας προσέγγισης στη θρησκευτική ζωγραφική. Ο Cimabue επιστρέφει από την ιταλική ζωγραφική

XIII αιώνα, που υιοθέτησε τις βυζαντινές παραδόσεις, στην άμεση καταγωγή τους. Ένιωθε μέσα τους αυτό που παρέμενε απρόσιτο στους συγχρόνους του - την αρμονική αρχή της υπέροχης ελληνικής ομορφιάς των εικόνων.

Η ακαμψία και ο σχηματισμός δίνουν τη θέση τους στη μουσική ομαλότητα των γραμμών. Η φιγούρα της Madonna δεν φαίνεται πλέον ασώματη. Στη μεσαιωνική ζωγραφική, οι άγγελοι ερμηνεύονταν ως σημάδια, ως ιδιότητες της Μητέρας του Θεού, απεικονίζονταν ως μικρές συμβολικές φιγούρες. Από Cimabue αποκτούν απολύτως νέο νόημα, περιλαμβάνονται στη σκηνή, πρόκειται για όμορφα νεαρά πλάσματα, που προσδοκούν εκείνους τους χαριτωμένους αγγέλους που θα εμφανιστούν με τους κυρίους του 15ου αιώνα.

Το έργο του Cimabue ήταν η αφετηρία εκείνων των νέων διαδικασιών που καθόρισαν περαιτέρω ανάπτυξηζωγραφική. Αλλά η ιστορία της τέχνης δεν μπορεί να εξηγηθεί μόνο με εξελικτικούς όρους. Μερικές φορές υπάρχουν απότομα άλματα σε αυτό. Οι μεγάλοι καλλιτέχνες εμφανίζονται ως τολμηροί καινοτόμοι που απορρίπτουν το παραδοσιακό σύστημα. Ο Giotto di Bondone (1266-1337) θα πρέπει να αναγνωριστεί ως ένας τέτοιος μεταρρυθμιστής στην ιταλική ζωγραφική του δέκατου τέταρτου αιώνα. Πρόκειται για μια ιδιοφυΐα που υψώνεται ψηλά πάνω από τους συγχρόνους του και πολλούς από τους οπαδούς του.

Φλωρεντίας εκ γενετής, εργάστηκε σε πολλές ιταλικές πόλεις. Το πιο διάσημο από τα έργα του Τζιότο που μας έχουν φτάσει είναι ο κύκλος τοιχογραφιών στο παρεκκλήσι ντελ Αρένα στην Πάντοβα, αφιερωμένος στις ευαγγελικές ιστορίες για τη ζωή του Χριστού. Αυτό το μοναδικό εικαστικό σύνολο είναι ένα από τα έργα ορόσημο στην ιστορία του Ευρωπαϊκή τέχνη. Αντί για ανόμοιες μεμονωμένες σκηνές και φιγούρες χαρακτηριστικές της μεσαιωνικής ζωγραφικής, ο Τζιότο δημιούργησε έναν ενιαίο επικό κύκλο. 38 σκηνές από τη ζωή του Χριστού και της Μαρίας («Συνάντηση Μαρίας και Ελισάβετ», «Φιλί του Ιούδα», «Θρήνος» κ.λπ.) συνδέονται με τη γλώσσα της ζωγραφικής σε μια ενιαία αφήγηση. Αντί για το συνηθισμένο χρυσό βυζαντινό φόντο, ο Giotto εισάγει ένα φόντο τοπίου. Οι φιγούρες δεν επιπλέουν πλέον στο διάστημα, αλλά αποκτούν στέρεο έδαφος κάτω από τα πόδια τους. Και παρόλο που εξακολουθούν να είναι ανενεργά, δείχνουν την επιθυμία να μεταδώσουν την ανατομία του ανθρώπινου σώματος και τη φυσικότητα της κίνησης. Ο Τζιότο δίνει στις φόρμες μια σχεδόν γλυπτική αντιληπτότητα, βαρύτητα, πυκνότητα. Μοντελοποιεί το ανάγλυφο, αναδεικνύοντας σταδιακά το κύριο πολύχρωμο φόντο. Αυτή η αρχή της μοντελοποίησης φωτός και σκιάς, που κατέστησε δυνατή την εργασία με καθαρά, φωτεινά χρώματα χωρίς σκούρες σκιές, έγινε κυρίαρχη στην ιταλική ζωγραφική μέχρι τον 16ο αιώνα.

Η μεταρρύθμιση που έγινε στον πίνακα του Τζιότο έκανε βαθιά εντύπωση σε όλους τους συγχρόνους του.

Η επιρροή του Τζιότο απέκτησε τη δύναμη και την καρποφορία της μόνο μετά από έναν αιώνα. Οι καλλιτέχνες του Quattrocento πραγματοποίησαν τα καθήκοντα που είχε θέσει ο Giotto. Το στάδιο της Πρώιμης Αναγέννησης ονομάζεται θριαμβευτική περίοδος στην ιστορία της τέχνης. Η γενναιοδωρία και το εύρος της καλλιτεχνικής δημιουργικότητας στην Ιταλία τον 15ο αιώνα δίνει την εντύπωση μιας άνευ προηγουμένου δημιουργικής δραστηριότητας γλυπτών και ζωγράφων.

Η δόξα του ιδρυτή της ζωγραφικής Quattrocento ανήκει στον Φλωρεντινό καλλιτέχνη Masaccio, ο οποίος πέθανε πολύ νέος (1401-1428). Στις τοιχογραφίες του οι φιγούρες, ζωγραφισμένες σύμφωνα με τους νόμους της ανατομίας, συνδέονται μεταξύ τους και με το τοπίο. Οι λόφοι και τα δέντρα του πηγαίνουν μακριά, σχηματίζοντας ένα φυσικό ατμοσφαιρικό περιβάλλον. Η ζωή των ανθρώπων και της φύσης συνδέεται σε ένα ενιαίο σύνολο, σε μια ενιαία δραματική δράση. Αυτή είναι μια νέα λέξη στην παγκόσμια τέχνη της ζωγραφικής.

Η σχολή της Φλωρεντίας για πολύ καιρό παρέμεινε κορυφαία στην τέχνη της Ιταλίας. Είχε επίσης μια πιο συντηρητική τάση. Οι καλλιτέχνες αυτής της τάσης ήταν μοναχοί, έτσι στην ιστορία της τέχνης ονομάζονταν μοναχοί. Ένας από τους πιο γνωστούς ανάμεσά τους ήταν ο αδερφός του Τζιοβάνι Μπεάτο Αντζέλικο ντα Φιέσολε (1387-1455).

Χαρακτηριστικό γνώρισμα της ζωγραφικής του αείμνηστου Κουαττροτσέντο είναι η ποικιλομορφία των σχολών και των τάσεων. Την εποχή αυτή σχηματίστηκαν τα σχολεία της Φλωρεντίας, της Ουμβιανής (Piero dela Francesca, Pinturicchio, Perugino), της Βόρειας Ιταλίας (Mantegni), της Ενετικής (Giovanni Bellini).

Ενα από τα πολλά εξαιρετικοί καλλιτέχνες Quattrocento - Sandro Botticelli (1445-1510) - εκφραστής των αισθητικών ιδεωδών της αυλής του διάσημου τυράννου, πολιτικού, φιλάνθρωπου, ποιητή και φιλόσοφου Lorenzo de' Medici, με το παρατσούκλι του Μεγαλοπρεπούς. Η αυλή αυτού του αστεφάνου κυρίαρχου ήταν το κέντρο της καλλιτεχνικής κουλτούρας, συγκεντρώνοντας διάσημους φιλοσόφους, επιστήμονες και καλλιτέχνες.

Στην τέχνη του Μποτιτσέλι συντελείται ένα είδος σύνθεσης του μεσαιωνικού μυστικισμού με την αρχαία παράδοση, τα ιδανικά του Γοτθικού και της Αναγέννησης. Στο δικό του μυθολογικές εικόνεςυπάρχει μια αναβίωση του συμβολισμού. Απεικονίζει όμορφες αρχαίες θεές όχι σε αισθησιακές μορφές γήινης ομορφιάς, αλλά σε ρομαντικές, πνευματικοποιημένες, υπέροχες εικόνες. Ο πίνακας που τον δόξασε είναι η Γέννηση της Αφροδίτης. Εδώ βλέπουμε μια ιδιόμορφη γυναικεία εικόνα του Μποτιτσέλι, η οποία δεν μπορεί να συγχέεται με τα έργα άλλων καλλιτεχνών. Ο Μποτιτσέλι συνδύασε εκπληκτικά τον παγανιστικό αισθησιασμό και την αυξημένη πνευματικότητα, τη γλυπτική θηλυκότητα και τη λεπτή ευθραυστότητα, την πολυπλοκότητα, τη γραμμική ακρίβεια και τη συναισθηματικότητα, τη μεταβλητότητα. Είναι ένας από τους πιο ποιητικούς καλλιτέχνες στην ιστορία της τέχνης. Προτιμά τα συμβολικά, αλληγορικά θέματα, του αρέσει να ονειρεύεται, να εκφράζεται με έναν υπαινιγμό.

Η πρώιμη Αναγέννηση διήρκεσε περίπου έναν αιώνα. Ολοκληρώνεται από την περίοδο της Υψηλής Αναγέννησης, η οποία αντιστοιχεί μόνο σε 30 περίπου χρόνια. Η Ρώμη έγινε το κύριο κέντρο της καλλιτεχνικής ζωής εκείνη την εποχή.

Αν η τέχνη του Quattrocento είναι η ανάλυση, οι αναζητήσεις, οι ανακαλύψεις, η φρεσκάδα μιας νεανικής κοσμοθεωρίας, τότε η τέχνη της Υψηλής Αναγέννησης είναι ένα αποτέλεσμα, μια σύνθεση, μια σοφή ωριμότητα. Η αναζήτηση ενός καλλιτεχνικού ιδεώδους κατά την περίοδο Quattrocento οδήγησε την τέχνη σε μια γενίκευση, στην αποκάλυψη γενικών προτύπων. Η κύρια διαφορά μεταξύ της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης είναι ότι αποποιείται ιδιαιτερότητες, λεπτομέρειες, λεπτομέρειες στο όνομα μιας γενικευμένης εικόνας. Όλη η εμπειρία, όλες οι αναζητήσεις για προκατόχους συμπιέζονται από τους μεγάλους δασκάλους του Cinquecento σε μια μεγαλειώδη γενίκευση.

Η εικόνα ενός όμορφου, με ισχυρή θέληση είναι το κύριο περιεχόμενο της τέχνης εκείνης της εποχής. Σε αντίθεση με την τέχνη του 15ου αιώνα, χαρακτηρίζεται από την επιθυμία να κατανοήσει και να ενσαρκώσει τη γενική κανονικότητα των φαινομένων της ζωής.

Ήταν η εποχή των τιτάνων της Αναγέννησης, που έδωσε στον παγκόσμιο πολιτισμό το έργο του Λεονάρντο, του Ραφαήλ, του Μιχαήλ Άγγελου. Στην ιστορία του παγκόσμιου πολιτισμού, αυτές οι τρεις ιδιοφυΐες, παρά την ανομοιότητά τους, η δημιουργική ατομικότητα προσωποποιούν την κύρια αξία της ιταλικής Αναγέννησης - την αρμονία της ομορφιάς, της δύναμης και της διανόησης. Η ζωή τους είναι απόδειξη της αλλαγής της στάσης της κοινωνίας απέναντι στη δημιουργική προσωπικότητα του καλλιτέχνη, που είναι χαρακτηριστικό της Αναγέννησης. Οι δάσκαλοι της τέχνης έγιναν εξέχουσες και πολύτιμες προσωπικότητες της κοινωνίας, θεωρούνταν δικαίως οι πιο μορφωμένοι άνθρωποι της εποχής τους.

Αυτό το χαρακτηριστικό, ίσως περισσότερο από άλλες μορφές της Αναγέννησης, ταιριάζει στον Λεονάρντο ντα Βίντσι (1452 - 1519). Συνδύασε την καλλιτεχνική και την επιστημονική ιδιοφυΐα. Ο Λεονάρντο ήταν ένας επιστήμονας που μελέτησε τη φύση όχι για χάρη της τέχνης, αλλά για χάρη της επιστήμης. Ως εκ τούτου, τόσο λίγα τελειωμένα έργα του Λεονάρντο έχουν φτάσει σε εμάς. Άρχισε τις φωτογραφίες και τις εγκατέλειψε μόλις το πρόβλημα του φαινόταν διατυπωμένο. Πολλές από τις παρατηρήσεις του προσδοκούν την ανάπτυξη της ευρωπαϊκής επιστήμης και ζωγραφικής για αιώνες. Οι σύγχρονες επιστημονικές ανακαλύψεις τροφοδοτούν το ενδιαφέρον για τα μηχανολογικά του σχέδια επιστημονικής φαντασίας.

Το «Madonna in the Grotto» του είναι το πρώτο μνημειακό βωμό της Υψηλής Αναγέννησης. Αυτός είναι ένας μεγάλος πίνακας μιας μορφής κοινής στη ζωγραφική της Αναγέννησης, που μοιάζει με ένα παράθυρο στρογγυλεμένο στην κορυφή.

Ένα νέο στάδιο στην τέχνη ήταν η ζωγραφική του τοίχου της τραπεζαρίας του μοναστηριού της Santa Maria del Grazie στο οικόπεδο του Μυστικού Δείπνου, το οποίο ζωγράφισαν πολλοί καλλιτέχνες Quattrocento. "Ο Μυστικός Δείπνος" - ο ακρογωνιαίος λίθος κλασική τέχνη, πραγματοποίησε το πρόγραμμα της Υψηλής Αναγέννησης. Ο Λεονάρντο εργάστηκε σε αυτό το κομμάτι για 16 χρόνια. Η τεράστια τοιχογραφία, όπου οι μορφές είναι ζωγραφισμένες μιάμιση φορά το φυσικό τους μέγεθος, έχει γίνει ένα παράδειγμα σοφής κατανόησης των νόμων της μνημειακής ζωγραφικής που συνδέονται με τον πραγματικό χώρο του εσωτερικού. Ενσάρκωνε την επιστημονική έρευνα του καλλιτέχνη στον τομέα της φυσικής, της οπτικής, των μαθηματικών, της ανατομίας, απαραίτητη για την επίλυση των προβλημάτων αναλογιών και προοπτικών σε έναν τεράστιο εικαστικό χώρο. Το πιο σημαντικό, το λαμπρό έργο του Λεονάρντο έχει τρομερή ψυχολογική δύναμη. Κανένας από τους καλλιτέχνες που απεικονίζουν τον Μυστικό Δείπνο πριν από τον Λεονάρντο δεν έθεσε ένα τόσο δύσκολο έργο - μέσα από την αντίδραση διαφορετικοί άνθρωποι, προσωπικότητες, ιδιοσυγκρασίες, συναισθηματικές αντιδράσεις δείχνουν ένα μόνο νόημα αυτής της μεγάλης στιγμής. 12 απόστολοι, 12 διαφορετικοί χαρακτήρες εκδηλώνονται με διαφορετικούς τρόπους τη στιγμή της πνευματικής αναταραχής. Μέσα από τις συναισθηματικές τους αντιδράσεις, που εκφράζονται στο κίνημα, αποκαλύπτονται τα αιώνια ερωτήματα του ανθρώπου: για την αγάπη και το μίσος, την αφοσίωση και την προδοσία, την αρχοντιά και την κακία.

Ένας από τους πιο διάσημους πίνακες στον κόσμο ήταν το έργο του Λεονάρντο «La Gioconda». Αυτό το πορτρέτο της συζύγου του εμπόρου ντελ Τζιοκόντο έχει τραβήξει την προσοχή για αιώνες, εκατοντάδες σελίδες σχολίων έχουν γραφτεί γι 'αυτόν, απήχθη, πλαστογραφήθηκε, αντιγράφηκε, του πιστώθηκε η δύναμη μαγείας. Η άπιαστη έκφραση του προσώπου της Μόνα Λίζα αψηφά την ακριβή περιγραφή και αναπαραγωγή. Αυτό το πορτρέτο έχει γίνει ένα αριστούργημα της τέχνης της Αναγέννησης.

Για πρώτη φορά στην ιστορία της παγκόσμιας τέχνης, το είδος του πορτρέτου έχει ανέβει στο ίδιο επίπεδο με τις συνθέσεις με θρησκευτικό θέμα.

Οι ιδέες της μνημειακής τέχνης της Αναγέννησης βρήκαν ζωηρή έκφραση στο έργο του Ραφαήλ Σάντι (1483-1520). Ο Λεονάρντο δημιούργησε κλασικό στυλ, ο Ραφαήλ το ενέκρινε και το δημοσιοποίησε. Η τέχνη του Ραφαήλ συχνά ορίζεται ως ο «χρυσός μέσος».

Το έργο του Ραφαήλ διακρίνεται από τις ιδιότητες των κλασικών - σαφήνεια, ευγενική απλότητα, αρμονία. Με όλη του την ουσία, συνδέεται με τον πνευματικό πολιτισμό της Αναγέννησης. Ήταν 30 χρόνια νεότερος από τον Λεονάρντο και πέθανε σχεδόν ταυτόχρονα μαζί του, έχοντας κάνει τόσα πολλά στην ιστορία της τέχνης που είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ότι ένα άτομο θα μπορούσε να τα κάνει όλα αυτά. Πολύπλευρος καλλιτέχνης, αρχιτέκτονας, τοιχογράφος, δεξιοτέχνης της προσωπογραφίας και της πολυμορφικής σύνθεσης, ταλαντούχος διακοσμητής, υπήρξε κεντρικό πρόσωπο στην καλλιτεχνική ζωή της Ρώμης. Το αποκορύφωμα της ικανότητάς του ήταν η «Σιξτίνα Μαντόνα», που γράφτηκε το 1516 για το μοναστήρι των Βενεδικτίνων στην Πιατσέντσα (τώρα η εικόνα είναι στη Δρέσδη). Για πολλούς, είναι ένα μέτρο του ωραιότερου που μπορεί να δημιουργήσει η τέχνη.

Αυτή η σύνθεση του βωμού έχει γίνει αντιληπτή εδώ και αιώνες ως μια φόρμουλα ομορφιάς και αρμονίας. Ένα τραγικό συναίσθημα πηγάζει από τα εκπληκτικά πνευματικοποιημένα πρόσωπα της Παναγίας και του μωρού Θεού, τον οποίο δίνει ως εξιλέωση για τις ανθρώπινες αμαρτίες. Το βλέμμα της Μαντόνα κατευθύνεται, λες, μέσω του θεατή, είναι γεμάτο πένθιμη προνοητικότητα. Αυτή η εικόνα ενσαρκώνει τη σύνθεση του αρχαίου ιδεώδους της ομορφιάς με την πνευματικότητα του χριστιανικού ιδεώδους.

Η ιστορική αξία της τέχνης του Ραφαήλ είναι ότι συνέδεσε δύο κόσμους σε ένα σύνολο - τον χριστιανικό και τον παγανιστικό κόσμο. Από τότε, το νέο καλλιτεχνικό ιδεώδες έχει εδραιωθεί σταθερά θρησκευτική τέχνηΔυτική Ευρώπη.

Αναγεννησιακό γλυπτό

Η φωτεινή ιδιοφυΐα του Ραφαήλ απείχε πολύ από το ψυχολογικό βάθος εσωτερικός κόσμοςανθρώπινο, όπως ο Λεονάρντο, αλλά ακόμα πιο ξένο στην τραγική κοσμοθεωρία του Μιχαήλ Άγγελου. Ο Michelangelo Buonarroti (1475-1564) έζησε μια μακρά, δύσκολη και ηρωική ζωή. Η ιδιοφυΐα του εκδηλώθηκε στην αρχιτεκτονική, τη ζωγραφική, την ποίηση, αλλά πιο ξεκάθαρα στη γλυπτική. Αντιλαμβανόταν τον κόσμο πλαστικά, σε όλους τους τομείς της τέχνης είναι πρωτίστως γλύπτης. Το ανθρώπινο σώμα του φαίνεται το πιο άξιο θέμα της εικόνας. Αλλά αυτός είναι ένας άνθρωπος μιας ιδιαίτερης, ισχυρής, ηρωικής ράτσας. Η τέχνη του Μιχαήλ Αγγέλου είναι αφιερωμένη στη δόξα του ανθρώπινου μαχητή, την ηρωική του δραστηριότητα και τα βάσανα. Η τέχνη του χαρακτηρίζεται από γιγαντομανία, μια τιτάνια αρχή. Αυτή είναι η τέχνη των πλατειών, των δημόσιων κτιρίων και όχι των ανακτόρων, η τέχνη για τους ανθρώπους και όχι για τους αριστοκράτες της αυλής.

Ο 15ος αιώνας είναι η ακμή της μνημειακής γλυπτικής στην Ιταλία. Αφήνει τους εσωτερικούς χώρους στις προσόψεις εκκλησιών και πολιτικών κτιρίων, στην πλατεία της πόλης, γίνεται μέρος του συνόλου της πόλης.

Ένα από τα παλαιότερα και τα περισσότερα διάσημα έργα Michelangelo - ένα πεντάμετρο άγαλμα του Δαβίδ στην πλατεία της Φλωρεντίας, που συμβολίζει τη νίκη του νεαρού Δαβίδ επί του γίγαντα Γολιάθ. Τα εγκαίνια του μνημείου μετατράπηκαν σε εθνική γιορτή, επειδή οι Φλωρεντινοί είδαν στον Δαβίδ έναν ήρωα κοντά τους, έναν πολίτη και υπερασπιστή της δημοκρατίας.

Οι γλύπτες της Αναγέννησης στράφηκαν όχι μόνο στα παραδοσιακά Χριστιανικές εικόνεςαλλά και σε ζωντανούς ανθρώπους, σύγχρονους. Με αυτή την επιθυμία να διαιωνιστεί η εικόνα ενός πραγματικού σύγχρονου, συνδέεται η ανάπτυξη του είδους του γλυπτικού πορτρέτου, της επιτύμβιας στήλης, του μεταλλίου πορτρέτου, του ιππικού αγάλματος. Αυτά τα γλυπτά κοσμούσαν τις πλατείες των πόλεων αλλάζοντας την όψη τους.

Η αναγεννησιακή γλυπτική επιστρέφει στις αρχαίες παραδόσεις των πλαστικών τεχνών. Μνημεία αντίκα γλυπτικήγίνει αντικείμενο μελέτης, υπόδειγμα πλαστικής γλώσσας. Γλυπτική πριν τη ζωγραφικήφεύγει από τους μεσαιωνικούς κανόνες και ξεκινά μια νέα πορεία ανάπτυξης. Ίσως αυτό οφείλεται στη θέση που κατείχε στους μεσαιωνικούς ναούς. Κατά την ανέγερση μεγάλων καθεδρικών ναών δημιουργήθηκαν εργαστήρια που εκπαίδευαν τους γλύπτες-διακοσμητές που λάμβαναν χώρα εδώ καλή προπόνηση. Τα εργαστήρια των γλυπτών ήταν τα κορυφαία κέντρα της καλλιτεχνικής ζωής και έπαιξαν σημαντικό ρόλο στη μελέτη της αρχαιότητας και της ανατομίας του ανθρώπινου σώματος. Τα επιτεύγματα της γλυπτικής της Πρώιμης Αναγέννησης είχαν μεγάλη επιρροή στους ζωγράφους που αντιλαμβάνονταν έναν ζωντανό άνθρωπο μέσα από το πρίσμα της πλαστικότητας. Οι γλύπτες της Αναγέννησης πετυχαίνουν την πλήρη σημασία του ανθρώπινου σώματος, το απελευθερώνουν κάτω από τη μάζα των ρούχων στα οποία οι φιγούρες ήταν κρυμμένες από το μεσαιωνικό γοτθικό. Το μονοπάτι που χάραξε η Ελλάδα σε τρεις αιώνες ολοκληρώθηκε από τρεις γενιές δασκάλων στην Αναγέννηση.

Η ζωγραφική της Αναγέννησης είναι το χρυσό ταμείο όχι μόνο της ευρωπαϊκής, αλλά και της παγκόσμιας τέχνης. Η περίοδος της Αναγέννησης αντικατέστησε τον σκοτεινό Μεσαίωνα, υποτάχθηκε στο μυελό των οστών στους εκκλησιαστικούς κανόνες και προηγήθηκε του μετέπειτα Διαφωτισμού και της Νέας Εποχής.

Υπολογίστε τη διάρκεια της περιόδου ανάλογα με τη χώρα. Η εποχή της πολιτιστικής άνθησης, όπως συνηθίζεται να αποκαλείται, ξεκίνησε στην Ιταλία τον 14ο αιώνα και μόνο τότε εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη και έφτασε στο αποκορύφωμά της στα τέλη του 15ου αιώνα. Οι ιστορικοί χωρίζουν αυτή την περίοδο στην τέχνη σε τέσσερα στάδια: Πρωτοαναγεννησιακή, πρώιμη, υψηλή και μεταγενέστερη Αναγέννηση. Ιδιαίτερη αξία και ενδιαφέρον έχει, φυσικά, η ιταλική ζωγραφική της Αναγέννησης, αλλά δεν πρέπει να παραβλεφθούν οι Γάλλοι, οι Γερμανοί και οι Ολλανδοί μάστορες. Σχετικά με αυτές στο πλαίσιο των χρονικών περιόδων της Αναγέννησης θα συζητηθεί περαιτέρω το άρθρο.

Πρωτοαναγεννησιακή

Η Πρωτοαναγεννησιακή περίοδος διήρκεσε από το δεύτερο μισό του 13ου αιώνα. μέχρι τον 14ο αιώνα Συνδέεται στενά με τον Μεσαίωνα, στο ύστερο στάδιο του οποίου προήλθε. Η Πρωτο-Αναγέννηση είναι ο πρόδρομος της Αναγέννησης και συνδυάζει βυζαντινές, ρωμανικές και γοτθικές παραδόσεις. Πρώτα απ 'όλα, οι τάσεις της νέας εποχής εμφανίστηκαν στη γλυπτική και μόνο στη συνέχεια στη ζωγραφική. Το τελευταίο εκπροσωπήθηκε από δύο σχολεία της Σιένα και της Φλωρεντίας.

Η κύρια φιγούρα της περιόδου ήταν ο ζωγράφος και αρχιτέκτονας Giotto di Bondone. Ο εκπρόσωπος της φλωρεντινής ζωγραφικής σχολής έγινε μεταρρυθμιστής. Περιέγραψε την πορεία κατά την οποία αναπτύχθηκε περαιτέρω. Τα χαρακτηριστικά της αναγεννησιακής ζωγραφικής προέρχονται ακριβώς από αυτήν την περίοδο. Είναι γενικά αποδεκτό ότι ο Τζιότο κατάφερε να ξεπεράσει στα έργα του το ύφος της αγιογραφίας που είναι κοινό στο Βυζάντιο και την Ιταλία. Έκανε το χώρο όχι δισδιάστατο, αλλά τρισδιάστατο, χρησιμοποιώντας το chiaroscuro για να δημιουργήσει την ψευδαίσθηση του βάθους. Στη φωτογραφία είναι ο πίνακας «Φιλί του Ιούδα».

Οι εκπρόσωποι της σχολής της Φλωρεντίας στάθηκαν στις απαρχές της Αναγέννησης και έκαναν τα πάντα για να βγάλουν τη ζωγραφική από τη μακρά μεσαιωνική στασιμότητα.

Η περίοδος της Πρωτο-Αναγέννησης χωρίστηκε σε δύο μέρη: πριν και μετά το θάνατό του. Μέχρι το 1337 εργάζονται οι λαμπρότεροι δάσκαλοι και γίνονται οι πιο σημαντικές ανακαλύψεις. Αφού η Ιταλία καλύπτει την επιδημία πανώλης.

Αναγεννησιακή Ζωγραφική: Συνοπτικά για την Πρώιμη Περίοδο

Η Πρώιμη Αναγέννηση καλύπτει μια περίοδο 80 ετών: από το 1420 έως το 1500. Αυτή την εποχή, εξακολουθεί να μην ξεφεύγει εντελώς από τις παραδόσεις του παρελθόντος και εξακολουθεί να συνδέεται με την τέχνη του Μεσαίωνα. Ωστόσο, η ανάσα των νέων τάσεων είναι ήδη αισθητή, οι δάσκαλοι αρχίζουν να στρέφονται πιο συχνά στα στοιχεία της κλασικής αρχαιότητας. Τελικά, οι καλλιτέχνες εγκαταλείπουν εντελώς το μεσαιωνικό στυλ και αρχίζουν να χρησιμοποιούν με τόλμη τα καλύτερα παραδείγματα αρχαίου πολιτισμού. Σημειώστε ότι η διαδικασία ήταν μάλλον αργή, βήμα προς βήμα.

Εξέχοντες εκπρόσωποι της πρώιμης Αναγέννησης

Το έργο του Ιταλού καλλιτέχνη Piero dela Francesca ανήκει εξ ολοκλήρου στην περίοδο της πρώιμης Αναγέννησης. Τα έργα του διακρίνονται από αρχοντιά, μαγευτική ομορφιά και αρμονία, ακρίβεια προοπτικής, απαλά χρώματα γεμάτα φως. Τα τελευταία χρόνια της ζωής του, εκτός από τη ζωγραφική, σπούδασε σε βάθος και μαθηματικά και μάλιστα έγραψε δύο δικές του πραγματείες. Ένας άλλος μαθητής ήταν διάσημος ζωγράφος, Luca Signorelli, και το στυλ αντικατοπτρίστηκε στο έργο πολλών δασκάλων της Ούμπρια. Στην παραπάνω φωτογραφία, ένα θραύσμα τοιχογραφίας στην εκκλησία του San Francesco στο Arezzo "Η ιστορία της βασίλισσας της Sheba".

Ο Domenico Ghirlandaio είναι ένας άλλος εξέχων εκπρόσωπος της φλωρεντινής σχολής της αναγεννησιακής ζωγραφικής. πρώιμη περίοδο. Ήταν ο ιδρυτής μιας διάσημης καλλιτεχνικής δυναστείας και επικεφαλής του εργαστηρίου όπου ξεκίνησε ο νεαρός Μιχαήλ Άγγελος. Ο Ghirlandaio ήταν ένας διάσημος και επιτυχημένος δάσκαλος, ο οποίος ασχολήθηκε όχι μόνο με τις νωπογραφίες (το παρεκκλήσι Tornabuoni, Σιξτίνα), αλλά και με τη ζωγραφική του καβαλέτου ("Λατρεία των Μάγων", "Γέννηση", "Γέρος με τον εγγονό του", "Πορτρέτο της Giovanna Tornabuoni” - στην παρακάτω φωτογραφία).

Υψηλή Αναγέννηση

Αυτή η περίοδος, κατά την οποία υπήρξε μια θαυμάσια ανάπτυξη του στυλ, πέφτει στα έτη 1500-1527. Αυτή την εποχή, το κέντρο της ιταλικής τέχνης μετακόμισε στη Ρώμη από τη Φλωρεντία. Αυτό οφείλεται στην άνοδο στον παπικό θρόνο του φιλόδοξου, επιχειρηματικού Ιούλιου Β', ο οποίος προσέλκυσε τους καλύτερους καλλιτέχνες της Ιταλίας στην αυλή του. Η Ρώμη έγινε κάτι σαν την Αθήνα της εποχής του Περικλή και γνώρισε μια απίστευτη άνοδο και οικοδομική άνθηση. Ταυτόχρονα, υπάρχει αρμονία μεταξύ των κλάδων της τέχνης: γλυπτική, αρχιτεκτονική και ζωγραφική. Η Αναγέννηση τους έφερε κοντά. Φαίνεται να πάνε χέρι-χέρι, αλληλοσυμπληρώνονται και αλληλεπιδρούν.

Η αρχαιότητα μελετάται ενδελεχέστερα κατά την Υψηλή Αναγέννηση και αναπαράγεται με μέγιστη ακρίβεια, αυστηρότητα και συνέπεια. Η αξιοπρέπεια και η ηρεμία αντικαθιστούν την κοκέτα ομορφιά και οι μεσαιωνικές παραδόσεις έχουν ξεχαστεί εντελώς. Η κορυφή της Αναγέννησης σηματοδοτεί το έργο των τριών μεγαλύτερων Ιταλοί δάσκαλοι: Ραφαέλ Σάντι (ζωγραφίζοντας τη «Donna Velata» στην παραπάνω εικόνα), Μικελάντζελο και Λεονάρντο ντα Βίντσι («Μόνα Λίζα» - στην πρώτη φωτογραφία).

Ύστερη Αναγέννηση

Η Ύστερη Αναγέννηση καλύπτει την περίοδο στην Ιταλία από το 1530 έως το 1590-1620. Οι κριτικοί τέχνης και οι ιστορικοί ανάγουν τα έργα αυτής της εποχής σε έναν κοινό παρονομαστή με υψηλό βαθμό συμβατικότητας. Νότια Ευρώπηβρισκόταν υπό την επιρροή της Αντιμεταρρύθμισης που θριάμβευσε σε αυτήν, η οποία αντιλαμβανόταν με μεγάλη ανησυχία κάθε ελεύθερη σκέψη, συμπεριλαμβανομένης της ανάστασης των ιδανικών της αρχαιότητας.

Η Φλωρεντία είδε την κυριαρχία του μανιερισμού, που χαρακτηρίζεται από επινοημένα χρώματα και σπασμένες γραμμές. Ωστόσο, στην Πάρμα, όπου εργαζόταν ο Correggio, έφτασε μόνο μετά το θάνατο του πλοιάρχου. είχε τη δική του πορεία ανάπτυξης Βενετσιάνικη ζωγραφικήύστερη αναγεννησιακή περίοδος. Ο Palladio και ο Titian, που εργάστηκαν εκεί μέχρι τη δεκαετία του 1570, είναι οι λαμπρότεροι εκπρόσωποί του. Η δουλειά τους δεν είχε καμία σχέση με τις νέες τάσεις στη Ρώμη και τη Φλωρεντία.

Βόρεια Αναγέννηση

Ο όρος αυτός χρησιμοποιείται για να χαρακτηρίσει την Αναγέννηση σε όλη την Ευρώπη, που βρισκόταν εκτός Ιταλίας γενικά και ειδικότερα στις γερμανικές χώρες. Έχει μια σειρά από χαρακτηριστικά. Η Βόρεια Αναγέννηση δεν ήταν ομοιογενής και σε κάθε χώρα χαρακτηριζόταν από συγκεκριμένα χαρακτηριστικά. Οι κριτικοί τέχνης το χωρίζουν σε διάφορους τομείς: γαλλικά, γερμανικά, ολλανδικά, ισπανικά, πολωνικά, αγγλικά κ.λπ.

Η αφύπνιση της Ευρώπης έγινε με δύο τρόπους: την ανάπτυξη και διάδοση μιας ανθρωπιστικής κοσμικής αντίληψης και την ανάπτυξη ιδεών για την ανανέωση των θρησκευτικών παραδόσεων. Και οι δύο τους άγγιξαν, μερικές φορές συγχωνεύτηκαν, αλλά ταυτόχρονα ήταν και ανταγωνιστές. Η Ιταλία επέλεξε τον πρώτο δρόμο και η Βόρεια Ευρώπη το δεύτερο.

Η τέχνη του Βορρά, συμπεριλαμβανομένης της ζωγραφικής, ουσιαστικά δεν επηρεάστηκε από την Αναγέννηση μέχρι το 1450. Από το 1500 εξαπλώθηκε σε όλη την ήπειρο, αλλά σε ορισμένα σημεία η επιρροή του ύστερου γοτθικού διατηρήθηκε μέχρι την έναρξη του μπαρόκ.

Η Βόρεια Αναγέννηση χαρακτηρίζεται από σημαντική επιρροή του γοτθικού ρυθμού, λιγότερο μεγάλη προσοχήστη μελέτη της αρχαιότητας και της ανθρώπινης ανατομίας, με λεπτομερή και σχολαστική τεχνική γραφής. Η Μεταρρύθμιση είχε σημαντική ιδεολογική επιρροή πάνω του.

Γαλλική Βόρεια Αναγέννηση

Το πιο κοντινό στα ιταλικά είναι γαλλική ζωγραφική. Η Αναγέννηση για τον πολιτισμό της Γαλλίας έγινε ορόσημο. Αυτή την εποχή, η μοναρχία και οι αστικές σχέσεις ενισχύονταν ενεργά, οι θρησκευτικές ιδέες του Μεσαίωνα ξεθωριάζουν στο παρασκήνιο, δίνοντας τη θέση τους σε ουμανιστικές τάσεις. Εκπρόσωποι: Francois Quesnel, Jean Fouquet (στη φωτογραφία είναι ένα κομμάτι από το δίπτυχο Melun του πλοιάρχου), Jean Cluz, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

Γερμανική και Ολλανδική Βόρεια Αναγέννηση

Εξαιρετικά έργα της Βόρειας Αναγέννησης δημιουργήθηκαν από Γερμανούς και Φλαμανδούς-Ολλανδούς δασκάλους. Η θρησκεία έπαιζε ακόμα σημαντικό ρόλο σε αυτές τις χώρες και επηρέασε έντονα τη ζωγραφική. Η Αναγέννηση πέρασε στην Ολλανδία και τη Γερμανία με διαφορετικό τρόπο. Σε αντίθεση με το έργο των Ιταλών δασκάλων, οι καλλιτέχνες αυτών των χωρών δεν έβαλαν τον άνθρωπο στο κέντρο του σύμπαντος. Σε όλο σχεδόν τον XV αιώνα. τον απεικόνισαν με το γοτθικό στυλ: ελαφρύ και αιθέριο. Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποι της Ολλανδικής Αναγέννησης είναι οι Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Kampen, Hugo van der Goes, German - Albert Dürer, Lucas Cranach the Elder, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Στη φωτογραφία, η αυτοπροσωπογραφία του A. Dürer, 1498

Παρά το γεγονός ότι τα έργα των βορείων δασκάλων διαφέρουν σημαντικά από τα έργα των Ιταλών ζωγράφων, σε κάθε περίπτωση αναγνωρίζονται ως ανεκτίμητα εκθέματα καλών τεχνών.

Η αναγεννησιακή ζωγραφική, όπως και όλος ο πολιτισμός γενικότερα, χαρακτηρίζεται από κοσμικό χαρακτήρα, ουμανισμό και τον λεγόμενο ανθρωποκεντρισμό ή, με άλλα λόγια, πρωταρχικό ενδιαφέρον για τον άνθρωπο και τις δραστηριότητές του. Κατά την περίοδο αυτή υπήρχε πραγματική ακμήενδιαφέρον για την αρχαία τέχνη, και υπήρξε μια αναβίωσή της. Η εποχή έδωσε στον κόσμο έναν ολόκληρο γαλαξία από λαμπρούς γλύπτες, αρχιτέκτονες, συγγραφείς, ποιητές και καλλιτέχνες. Ποτέ πριν ή μετά η πολιτιστική άνθηση δεν ήταν τόσο διαδεδομένη.

Κατά την Αναγέννηση γίνονται πολλές αλλαγές και ανακαλύψεις. Εξερευνούνται νέες ήπειροι, αναπτύσσεται το εμπόριο, επινοούνται σημαντικά πράγματα, όπως χαρτί, θαλάσσια πυξίδα, μπαρούτι και πολλά άλλα. Μεγάλη σημασία είχαν και οι αλλαγές στη ζωγραφική. Οι πίνακες της Αναγέννησης κέρδισαν τεράστια δημοτικότητα.

Τα κύρια στυλ και τάσεις στα έργα των πλοιάρχων

Η περίοδος ήταν μια από τις πιο γόνιμες στην ιστορία της τέχνης. Αριστουργήματα ενός τεράστιου αριθμού εξαιρετικών δασκάλων μπορούν να βρεθούν σήμερα σε διάφορα κέντρα τέχνης. Οι καινοτόμοι εμφανίστηκαν στη Φλωρεντία το πρώτο μισό του δέκατου πέμπτου αιώνα. Οι πίνακές τους της Αναγέννησης σημαδεύτηκαν από την αρχή νέα εποχήστην ιστορία της τέχνης.

Αυτή τη στιγμή, η επιστήμη και η τέχνη συνδέονται πολύ στενά. Καλλιτέχνες επιστήμονες προσπάθησαν να κυριαρχήσουν στον φυσικό κόσμο. Οι ζωγράφοι προσπάθησαν να χρησιμοποιήσουν πιο ακριβείς ιδέες για το ανθρώπινο σώμα. Πολλοί καλλιτέχνες προσπάθησαν για ρεαλισμό. Το ύφος ξεκινά με τον Μυστικό Δείπνο του Λεονάρντο Ντα Βίντσι, τον οποίο ζωγράφισε στη διάρκεια σχεδόν τεσσάρων ετών.

Ένα από τα πιο γνωστά έργα

Ζωγραφίστηκε το 1490 για την τραπεζαρία του μοναστηριού της Santa Maria delle Grazie στο Μιλάνο. Ο καμβάς αντιπροσωπεύει το τελευταίο γεύμα του Ιησού με τους μαθητές του πριν αιχμαλωτιστεί και σκοτωθεί. Οι σύγχρονοι που παρακολουθούσαν τη δουλειά του καλλιτέχνη κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου παρατήρησαν πώς μπορούσε να ζωγραφίζει από το πρωί μέχρι το βράδυ χωρίς καν να σταματήσει να φάει. Και μετά μπορούσε να εγκαταλείψει τη ζωγραφική του για αρκετές μέρες και να μην την πλησιάσει καθόλου.

Ο καλλιτέχνης ανησυχούσε πολύ για την εικόνα του ίδιου του Χριστού και του προδότη Ιούδα. Όταν τελικά ολοκληρώθηκε η εικόνα, δικαιωματικά αναγνωρίστηκε ως αριστούργημα. Το «The Last Supper» είναι ένα από τα πιο δημοφιλή μέχρι σήμερα. Οι αναπαραγωγές της Αναγέννησης είχαν πάντα μεγάλη ζήτηση, αλλά αυτό το αριστούργημα χαρακτηρίζεται από αμέτρητα αντίγραφα.

Ένα αναγνωρισμένο αριστούργημα, ή το μυστηριώδες χαμόγελο μιας γυναίκας

Ανάμεσα στα έργα που δημιούργησε ο Λεονάρντο τον δέκατο έκτο αιώνα είναι ένα πορτρέτο που ονομάζεται «Mona Lisa», ή «La Gioconda». Στη σύγχρονη εποχή, αυτός είναι ίσως ο πιο διάσημος πίνακας στον κόσμο. Έγινε δημοφιλής κυρίως λόγω του άπιαστου χαμόγελου στο πρόσωπο της γυναίκας που απεικονίζεται στον καμβά. Τι οδήγησε σε ένα τέτοιο μυστήριο; Επιδέξιο έργο του πλοιάρχου, η ικανότητα να σκιάζει τις γωνίες των ματιών και του στόματος τόσο επιδέξια; Η ακριβής φύση αυτού του χαμόγελου δεν μπορεί να προσδιοριστεί μέχρι τώρα.

Εκτός συναγωνισμού και άλλες λεπτομέρειες αυτής της εικόνας. Αξίζει να δώσετε προσοχή στα χέρια και τα μάτια μιας γυναίκας: με ποια ακρίβεια ο καλλιτέχνης αντέδρασε στις πιο μικρές λεπτομέρειες του καμβά όταν το έγραφε. Δεν είναι λιγότερο ενδιαφέρον το δραματικό τοπίο στο βάθος της εικόνας, ένας κόσμος στον οποίο όλα μοιάζουν να είναι σε μια κατάσταση ροής.

Ένας άλλος διάσημος εκπρόσωπος της ζωγραφικής

Οχι λιγότερο από διάσημος εκπρόσωποςΑναγέννηση - Sandro Botticelli. Αυτός είναι ένας σπουδαίος Ιταλός ζωγράφος. Οι πίνακές του της Αναγέννησης είναι επίσης εξαιρετικά δημοφιλείς μεταξύ τους ένα μεγάλο εύροςθεατές. "Λατρεία των Μάγων", "Μαντόνα και παιδί στον θρόνο", "Ευαγγελισμός" - αυτά τα έργα του Μποτιτσέλι, αφιερωμένα σε θρησκευτικά θέματα, έχουν γίνει τα μεγάλα επιτεύγματα του καλλιτέχνη.

Ένα άλλο διάσημο έργο του πλοιάρχου είναι η Madonna Magnificat. Έγινε διάσημη στα χρόνια της ζωής του Sandro, όπως αποδεικνύεται από πολυάριθμες αναπαραγωγές. Παρόμοιοι πίνακες με τη μορφή κύκλου ήταν αρκετά περιζήτητοι στη Φλωρεντία του δέκατου πέμπτου αιώνα.

Μια νέα στροφή στο έργο του ζωγράφου

Ξεκινώντας το 1490, ο Σάντρο άλλαξε το στυλ του. Γίνεται πιο ασκητικό, ο συνδυασμός των χρωμάτων είναι πλέον πολύ πιο συγκρατημένος, συχνά επικρατούν σκούροι τόνοι. Η νέα προσέγγιση του δημιουργού στη συγγραφή των έργων του είναι απόλυτα αισθητή στα «Στέψη της Μαρίας», «Θρήνος του Χριστού» και σε άλλους καμβάδες που απεικονίζουν τη Μαντόνα και το Παιδί.

Τα αριστουργήματα που ζωγράφισε ο Σάντρο Μποτιτσέλι εκείνη την εποχή, για παράδειγμα, το πορτρέτο του Δάντη, στερούνται τοπίων και εσωτερικών υποβάθρων. Μία από τις όχι λιγότερο σημαντικές δημιουργίες του καλλιτέχνη είναι το "Mystical Christmas". Η εικόνα ζωγραφίστηκε υπό την επίδραση των προβλημάτων που έλαβαν χώρα στα τέλη του 1500 στην Ιταλία. Πολλοί πίνακες καλλιτεχνών της Αναγέννησης όχι μόνο κέρδισαν δημοτικότητα, αλλά έγιναν παράδειγμα για την επόμενη γενιά ζωγράφων.

Ένας καλλιτέχνης που οι καμβάδες του περιβάλλονται από μια αύρα θαυμασμού

Ο Ραφαέλ Σάντι ντα Ουρμπίνο δεν ήταν μόνο αλλά και αρχιτέκτονας. Οι πίνακές του της Αναγέννησης θαυμάζονται για τη σαφήνεια της μορφής, την απλότητα της σύνθεσης και την οπτική επίτευξη του ιδεώδους του ανθρώπινου μεγαλείου. Μαζί με τον Μιχαήλ Άγγελο και τον Λεονάρντο ντα Βίντσι, είναι μια από τις παραδοσιακές τριάδες των μεγαλύτερων δασκάλων αυτής της περιόδου.

Έζησε μια σχετικά σύντομη ζωή, μόλις 37 ετών. Αλλά κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δημιούργησε έναν τεράστιο αριθμό από τα αριστουργήματά του. Μερικά από τα έργα του βρίσκονται στο Παλάτι του Βατικανού στη Ρώμη. Δεν μπορούν όλοι οι θεατές να δουν με τα μάτια τους τους πίνακες των καλλιτεχνών της Αναγέννησης. Οι φωτογραφίες αυτών των αριστουργημάτων είναι διαθέσιμες σε όλους (μερικά από αυτά παρουσιάζονται σε αυτό το άρθρο).

Τα πιο γνωστά έργα του Ραφαήλ

Από το 1504 έως το 1507, ο Ραφαήλ δημιούργησε μια ολόκληρη σειρά από Madonnas. Οι πίνακες διακρίνονται από μαγευτική ομορφιά, σοφία και ταυτόχρονα ένα είδος φωτισμένης θλίψης. Ο πιο διάσημος πίνακας του ήταν η Σιξτίνα Μαντόνα. Απεικονίζεται να πετάει στον ουρανό και να κατεβαίνει απαλά στους ανθρώπους με το Μωρό στην αγκαλιά της. Ήταν αυτή η κίνηση που ο καλλιτέχνης μπόρεσε να απεικονίσει πολύ επιδέξια.

Αυτό το έργο έχει λάβει μεγάλη αναγνώριση από πολλούς γνωστούς κριτικούς και όλοι κατέληξαν στο ίδιο συμπέρασμα ότι είναι πράγματι σπάνιο και ασυνήθιστο. Όλοι οι πίνακες της Αναγέννησης έχουν μακρά ιστορία. Αλλά έχει γίνει πιο δημοφιλές λόγω των ατελείωτων περιπλανήσεων του από την έναρξή του. Αφού πέρασε από πολυάριθμες δοκιμές, πήρε επιτέλους τη θέση που της αξίζει ανάμεσα στις εκθέσεις του Μουσείου της Δρέσδης.

Πίνακες της Αναγέννησης. Φωτογραφίες διάσημων πινάκων

Και ένας άλλος διάσημος Ιταλός ζωγράφος, γλύπτης και επίσης αρχιτέκτονας που είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη της δυτικής τέχνης είναι ο Michelangelo di Simoni. Παρά το γεγονός ότι είναι γνωστός κυρίως ως γλύπτης, υπάρχουν και όμορφα έργα της ζωγραφικής του. Και το πιο σημαντικό από αυτά είναι η οροφή της Καπέλα Σιξτίνα.

Η εργασία αυτή πραγματοποιήθηκε για τέσσερα χρόνια. Ο χώρος καλύπτει περίπου πεντακόσια τετραγωνικά μέτρα και περιέχει περισσότερες από τριακόσιες φιγούρες. Στο κέντρο βρίσκονται εννέα επεισόδια από το βιβλίο της Γένεσης, χωρισμένα σε πολλές ομάδες. Η δημιουργία της γης, η δημιουργία του ανθρώπου και η πτώση του. Από τους πιο διάσημους πίνακες στο ταβάνι είναι «Η Δημιουργία του Αδάμ» και «Αδάμ και Εύα».

Το πιο διάσημο έργο του είναι η Τελευταία Κρίση. Κατασκευάστηκε στον τοίχο του βωμού της Καπέλα Σιξτίνα. Η τοιχογραφία απεικονίζει τη δεύτερη έλευση του Ιησού Χριστού. Εδώ ο Μιχαήλ Άγγελος αγνοεί τις τυπικές καλλιτεχνικές συμβάσεις γράφοντας τον Ιησού. Τον απεικόνιζε με ογκώδη μυώδη δομή σώματος, νεαρό και χωρίς γενειάδα.

Το νόημα της θρησκείας ή η τέχνη της Αναγέννησης

Οι ιταλικοί πίνακες της Αναγέννησης έγιναν η βάση για την ανάπτυξη της δυτικής τέχνης. Πολλά από τα δημοφιλή έργα αυτής της γενιάς δημιουργών έχουν τεράστιο αντίκτυπο στους καλλιτέχνες που συνεχίζεται μέχρι σήμερα. Οι μεγάλοι καλλιτέχνες της περιόδου εστίασαν σε θρησκευτικά θέματα, τα οποία συχνά παραγγέλθηκαν από πλούσιους θαμώνες, συμπεριλαμβανομένου του ίδιου του Πάπα.

Η θρησκεία κυριολεκτικά διαποτίστηκε καθημερινή ζωήάνθρωποι αυτής της εποχής, βαθιά ενσωματωμένοι στο μυαλό των καλλιτεχνών. Σχεδόν όλοι οι θρησκευτικοί καμβάδες βρίσκονται σε μουσεία και αποθετήρια τέχνης, αλλά αναπαραγωγές αναγεννησιακών έργων ζωγραφικής που σχετίζονται όχι μόνο με αυτό το θέμα μπορούν να βρεθούν σε πολλά ιδρύματα και ακόμη και σε συνηθισμένα σπίτια. Ο κόσμος θα θαυμάσει ατελείωτα το έργο διάσημους δασκάλουςεκείνης της περιόδου.