रोमांटिक युग के संगीतकार. देर से रोमांटिक

संगीत में रूमानियत

मुख्य लेख: रोमांटिक काल का संगीत

संगीत में रूमानियत की दिशा विकसित हुई 1820 वर्षों, इसके विकास में पूरा समय लगा उन्नीसवींशतक। रोमांटिक संगीतकारों की मदद से प्रयास किया गया संगीत का मतलबमनुष्य की आंतरिक दुनिया की गहराई और समृद्धि को व्यक्त करें। संगीत अधिक उभरा हुआ, वैयक्तिक हो जाता है। गीत शैलियाँ विकसित हो रही हैं, जिनमें शामिल हैं गाथागीत.

संगीत में रूमानियत के प्रतिनिधि हैं: में ऑस्ट्रिया - फ्रांज शूबर्ट; वी जर्मनी - अर्नेस्ट थियोडोर हॉफमैन, कार्ल मारिया वेबर,रिचर्ड वैगनर, फ़ेलिक्स मेंडेलसोहन, रॉबर्ट शुमान, लुडविग स्पोह्र; वी इटली - निकोलो पगनिनी, विन्सेन्ज़ो बेलिनी, जल्दी ग्यूसेप वर्डी; में फ्रांस - जी. बर्लियोज़, डी. एफ. ओबेर, जे. मेयरबीर; वी पोलैंड - फ़्रेडरिक चॉपिन; वी हंगरी - फ्रांज लिस्ज़त.

रूस में रूमानियत के अनुरूप उन्होंने काम किया ए. ए. एल्याबिएव, एम. आई. ग्लिंका, डार्गोमीज़्स्की, बालाकिरेव, एन. ए. रिमस्की-कोर्साकोव, Mussorgsky,बोरोडिन, कुई, पी. आई. त्चिकोवस्की।

कला संश्लेषण के विचार को रूमानियत की विचारधारा और व्यवहार में अभिव्यक्ति मिली। संगीत में रूमानियतवाद ने 19वीं सदी के 20 के दशक में रूमानियत के साहित्य के प्रभाव में आकार लिया और इसके साथ घनिष्ठ संबंध में विकसित हुआ, सामान्य रूप से साहित्य के साथ (सिंथेटिक शैलियों की ओर मुड़ते हुए, मुख्य रूप से ओपेरा, गीत, वाद्य लघुचित्र और संगीत प्रोग्रामिंग)। किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया के प्रति आकर्षण, रूमानियत की विशेषता, व्यक्तिपरक के पंथ में व्यक्त की गई थी, भावनात्मक रूप से तीव्र की लालसा, जिसने रूमानियत में संगीत और गीत की प्रधानता निर्धारित की।

संगीत प्रथम XIX का आधावी तेजी से विकसित हुआ। एक नई संगीत भाषा का उदय हुआ; वाद्य और चैम्बर-स्वर संगीत में, लघुचित्र को एक विशेष स्थान प्राप्त हुआ; ऑर्केस्ट्रा रंगों के विविध स्पेक्ट्रम के साथ बज रहा था; पियानो और वायलिन की संभावनाएं एक नए तरीके से सामने आईं; रोमांटिक लोगों का संगीत बहुत गुणी था।

संगीतमय रूमानियत अलग-अलग से जुड़ी कई अलग-अलग शाखाओं में प्रकट हुई राष्ट्रीय संस्कृतियाँऔर विभिन्न सामाजिक आंदोलनों के साथ। इसलिए, उदाहरण के लिए, जर्मन रोमांटिक्स की अंतरंग, गीतात्मक शैली और "वक्तृत्वपूर्ण" नागरिक पथ, रचनात्मकता की विशेषता, काफी भिन्न हैं। फ़्रांसीसी संगीतकार. बदले में, व्यापक राष्ट्रीय मुक्ति आंदोलन (चोपिन, मोनियस्ज़को, ड्वोरक, स्मेताना, ग्रिग) के आधार पर उभरे नए राष्ट्रीय स्कूलों के प्रतिनिधियों के साथ-साथ इतालवी ओपेरा स्कूल के प्रतिनिधि, रिसोर्गिमेंटो आंदोलन (वेर्डी) के साथ निकटता से जुड़े हुए हैं। बेलिनी), विशेष रूप से शास्त्रीय परंपराओं को संरक्षित करने की प्रवृत्ति में, जर्मनी, ऑस्ट्रिया या फ्रांस के समकालीनों से कई मायनों में भिन्न हैं।

फिर भी, वे सभी कुछ सामान्य कलात्मक सिद्धांतों द्वारा चिह्नित हैं जो हमें विचार की एकल रोमांटिक संरचना के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।

मानवीय अनुभवों की समृद्ध दुनिया को गहराई से और गहराई से प्रकट करने की संगीत की विशेष क्षमता के कारण, इसे रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र द्वारा अन्य कलाओं के बीच पहले स्थान पर रखा गया था। कई रोमांटिक लोगों ने संगीत की सहज शुरुआत पर जोर दिया, इसके लिए "अज्ञात" को व्यक्त करने की संपत्ति को जिम्मेदार ठहराया। उत्कृष्ट रोमांटिक संगीतकारों के काम का एक मजबूत यथार्थवादी आधार था। जीवन में रुचि आम लोग, जीवन की परिपूर्णता और भावनाओं की सच्चाई, रोजमर्रा की जिंदगी के संगीत पर निर्भरता ने संगीतमय रूमानियत के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधियों के काम के यथार्थवाद को निर्धारित किया। प्रतिक्रियावादी प्रवृत्तियाँ (रहस्यवाद, वास्तविकता से उड़ान) केवल रोमांटिक लोगों के अपेक्षाकृत कम संख्या में कार्यों में निहित हैं। वे वेबर के ओपेरा यूरिएंटा (1823) में, वैगनर के कुछ संगीत नाटकों में, लिस्केट के ओरटोरियो क्राइस्ट (1862) आदि में आंशिक रूप से दिखाई दिए।

19वीं शताब्दी की शुरुआत तक, लोककथाओं, इतिहास, प्राचीन साहित्य का मौलिक अध्ययन सामने आया, मध्ययुगीन किंवदंतियाँ, गॉथिक कला और पुनर्जागरण की संस्कृति जो भूल गई थी, उसे पुनर्जीवित किया गया। यह इस समय था कि यूरोप के संगीतकारों के काम में एक विशेष प्रकार के कई राष्ट्रीय स्कूल विकसित हुए, जिनका उद्देश्य आम यूरोपीय संस्कृति की सीमाओं का महत्वपूर्ण विस्तार करना था। रूसी, जिसने जल्द ही, यदि पहला नहीं, तो विश्व सांस्कृतिक रचनात्मकता में पहले स्थानों में से एक (ग्लिंका, डार्गोमीज़्स्की, "कुचकिस्ट्स", त्चिकोवस्की), पोलिश (चोपिन, मोनियस्ज़को), चेक (खट्टा क्रीम, ड्वोरक), हंगेरियन ( सूची), फिर नॉर्वेजियन (ग्रिग), स्पेनिश (पेड्रेल), फिनिश (सिबेलियस), अंग्रेजी (एल्गर) - ये सभी, यूरोप में संगीतकार के काम की सामान्य मुख्यधारा में विलीन हो गए, किसी भी तरह से स्थापित प्राचीन परंपराओं का विरोध नहीं किया। . छवियों का एक नया चक्र उभरा, जिसने संगीतकार की राष्ट्रीय संस्कृति की अनूठी राष्ट्रीय विशेषताओं को व्यक्त किया। कार्य की स्वर-शैली संरचना आपको किसी विशेष राष्ट्रीय विद्यालय से संबंधित कान से तुरंत पहचानने की अनुमति देती है।

संगीतकार आम यूरोपीय संगीत भाषा में पुराने, मुख्य रूप से अपने देशों के किसान लोककथाओं के अन्तर्राष्ट्रीय बदलावों को शामिल करते हैं। उन्होंने, जैसे कि, रूसी लोक गीत को लैकर्ड ओपेरा से साफ़ कर दिया, उन्होंने 18 वीं शताब्दी के विश्वव्यापी स्वर प्रणाली में लोक-रोज़मर्रा की शैलियों के गीत मोड़ पेश किए। रूमानियत के संगीत में सबसे हड़ताली घटना, जिसे क्लासिकिज़्म के आलंकारिक क्षेत्र के साथ तुलना करने पर विशेष रूप से स्पष्ट रूप से देखा जाता है, गीतात्मक-मनोवैज्ञानिक सिद्धांत का प्रभुत्व है। बेशक, सामान्य तौर पर संगीत कला की एक विशिष्ट विशेषता भावनाओं के क्षेत्र के माध्यम से किसी भी घटना का अपवर्तन है। सभी युगों का संगीत इसी पैटर्न के अधीन है। लेकिन रोमांटिक लोगों ने अपने संगीत में गीतात्मक शुरुआत के मूल्य में, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की गहराई, मनोदशा के सूक्ष्मतम रंगों को व्यक्त करने में ताकत और पूर्णता में अपने सभी पूर्ववर्तियों को पीछे छोड़ दिया।

प्रेम का विषय इसमें प्रमुख स्थान रखता है, क्योंकि यह मन की वह अवस्था है जो मानव मानस की सभी गहराइयों और बारीकियों को सबसे व्यापक और पूर्ण रूप से प्रतिबिंबित करती है। लेकिन में उच्चतम डिग्रीविशेषता यह है कि यह विषय केवल प्रेम के उद्देश्यों तक ही सीमित नहीं है अक्षरशःशब्द, लेकिन घटना की व्यापक रेंज के साथ पहचाना जाता है। पात्रों के विशुद्ध रूप से गीतात्मक अनुभव एक व्यापक ऐतिहासिक परिदृश्य की पृष्ठभूमि में प्रकट होते हैं। एक व्यक्ति का अपने घर, अपनी पितृभूमि, अपने लोगों के प्रति प्रेम सभी रोमांटिक संगीतकारों के काम में एक धागे की तरह चलता है।

छोटे और बड़े रूपों के संगीत कार्यों में प्रकृति की छवि को एक बड़ा स्थान दिया गया है, जो गीतात्मक स्वीकारोक्ति के विषय के साथ निकटता से और अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। प्रेम की छवियों की तरह, प्रकृति की छवि नायक की मानसिक स्थिति को व्यक्त करती है, इसलिए अक्सर वास्तविकता के साथ असामंजस्य की भावना से रंगी होती है।

फंतासी का विषय अक्सर प्रकृति की छवियों के साथ प्रतिस्पर्धा करता है, जो संभवतः वास्तविक जीवन की कैद से भागने की इच्छा से उत्पन्न होता है। रोमांटिक लोगों के लिए विशिष्ट दुनिया के रंगों की समृद्धि से जगमगाती, धूसर रोजमर्रा की जिंदगी के विपरीत, एक अद्भुत की खोज थी। इन वर्षों के दौरान साहित्य परियों की कहानियों, रूसी लेखकों की गाथाओं से समृद्ध हुआ। रोमांटिक स्कूल के संगीतकार शानदार हैं, शानदार छवियांएक राष्ट्रीय पहचान बनाओ. गाथागीत रूसी लेखकों से प्रेरित हैं, और इसके लिए धन्यवाद, एक शानदार विचित्र योजना के कार्यों का निर्माण किया जाता है, जो विश्वास के गलत पक्ष का प्रतीक है, बुरी ताकतों के डर के विचारों को उलटने का प्रयास करता है।

कई रोमांटिक संगीतकारों ने संगीत लेखक और आलोचक (वेबर, बर्लियोज़, वैगनर, लिस्ज़त, आदि) के रूप में भी काम किया। प्रगतिशील रूमानियत के प्रतिनिधियों के सैद्धांतिक कार्य ने संगीत कला के सबसे महत्वपूर्ण मुद्दों के विकास में बहुत महत्वपूर्ण योगदान दिया। स्वच्छंदतावाद को प्रदर्शन कलाओं (वायलिन वादक पगनिनी, गायक ए. नूरी, और अन्य) में भी अभिव्यक्ति मिली।

इस काल में स्वच्छंदतावाद का प्रगतिशील अर्थ मुख्यतः क्रियाशीलता में निहित है फ्रांज लिस्ज़त. विरोधाभासी विश्वदृष्टि के बावजूद, लिस्ज़त का काम मूल रूप से प्रगतिशील, यथार्थवादी था। हंगेरियन संगीत के संस्थापकों और क्लासिक्स में से एक, एक उत्कृष्ट राष्ट्रीय कलाकार।

लिस्केट के कई कार्यों में हंगेरियन राष्ट्रीय विषय व्यापक रूप से परिलक्षित होते हैं। लिस्ज़त की रोमांटिक, कलाप्रवीण रचनाओं ने पियानो वादन (कॉन्सर्टोस, सोनाटास) की तकनीकी और अभिव्यंजक संभावनाओं का विस्तार किया। रूसी संगीत के प्रतिनिधियों के साथ लिस्ज़त के संबंध महत्वपूर्ण थे, जिनके कार्यों को उन्होंने सक्रिय रूप से बढ़ावा दिया।

उसी समय, लिस्ज़त ने विश्व संगीत कला के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई। लिस्केट के बाद, "पियानोफोर्ट के लिए सब कुछ संभव हो गया।" उनके संगीत की विशिष्ट विशेषताएं कामचलाऊ व्यवस्था, भावनाओं का रोमांटिक उल्लास, अभिव्यंजक माधुर्य हैं। लिस्केट को एक संगीतकार, कलाकार, संगीत हस्ती के रूप में महत्व दिया जाता है। संगीतकार की प्रमुख कृतियाँ: ओपेरा ” डॉन सांचो या प्यार का महल”(1825), 13 सिम्फोनिक कविताएँ” तस्सो”, ” प्रोमेथियस”, “छोटा गांव” और अन्य, ऑर्केस्ट्रा के लिए काम करते हैं, पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए 2 संगीत कार्यक्रम, 75 रोमांस, गायक मंडल और अन्य समान रूप से प्रसिद्ध कार्य।

संगीत में रूमानियत की पहली अभिव्यक्तियों में से एक रचनात्मकता थी फ्रांज शूबर्ट(1797-1828)। शुबर्ट ने संगीत के इतिहास में संगीत रूमानियत के सबसे बड़े संस्थापकों और कई नई शैलियों के निर्माता के रूप में प्रवेश किया: रोमांटिक सिम्फनी, पियानो लघु, गीत-रोमांटिक गीत (रोमांस)। उनके काम में सबसे अहम है गाना,जिसमें उन्होंने विशेष रूप से कई नवीन प्रवृत्तियाँ दिखाईं। शुबर्ट के गीतों में, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया सबसे गहराई से प्रकट होती है, लोक संगीत के साथ उसका विशिष्ट संबंध सबसे अधिक ध्यान देने योग्य होता है, उसकी प्रतिभा की सबसे आवश्यक विशेषताओं में से एक सबसे अधिक स्पष्ट होती है - अद्भुत विविधता, सुंदरता, धुनों का आकर्षण। को सबसे अच्छे गानेप्रारंभिक काल का संबंध है " चरखे पर मार्गरीटा”(1814) , “वन राजा". दोनों गीत गोएथे के शब्दों में लिखे गए हैं। उनमें से पहले में, परित्यक्त लड़की अपने प्रिय को याद करती है। वह अकेली है और बहुत पीड़ित है, उसका गाना दुखद है। एक सरल और गंभीर राग केवल हवा के नीरस गुनगुनाहट से ही गूँजता है। "वन राजा" एक जटिल कार्य है। यह कोई गीत नहीं है, बल्कि एक नाटकीय दृश्य है जहां तीन पात्र हमारे सामने आते हैं: एक पिता जंगल में घोड़े पर सवार होकर, एक बीमार बच्चा जिसे वह अपने साथ ले जा रहा है, और एक दुर्जेय वन राजा जो बुखार में एक लड़के को दिखाई देता है प्रलाप. उनमें से प्रत्येक की अपनी मधुर भाषा है। शुबर्ट के गाने "ट्राउट", "बारकारोल", "मॉर्निंग सेरेनेड" भी कम प्रसिद्ध और प्रिय नहीं हैं। बाद के वर्षों में लिखे गए ये गीत आश्चर्यजनक रूप से सरल और अभिव्यंजक धुन और ताज़ा रंगों के लिए उल्लेखनीय हैं।

शुबर्ट ने गीतों के दो चक्र भी लिखे - " सुंदर मिलर"(1823), और" शीतकालीन पथ"(1872) - शब्दों के लिए जर्मन कविविल्हेम मुलर. उनमें से प्रत्येक में, गाने एक कथानक द्वारा एकजुट होते हैं। चक्र के गाने "द ब्यूटीफुल मिलर्स वुमन" एक युवा लड़के के बारे में बताते हैं। धारा के मार्ग का अनुसरण करते हुए, वह अपनी खुशी की तलाश में यात्रा पर निकल पड़ता है। इस चक्र के अधिकांश गाने हल्के चरित्र वाले हैं। "विंटर वे" चक्र का मूड बिल्कुल अलग है। एक गरीब युवक को एक अमीर दुल्हन ने अस्वीकार कर दिया है। हताशा में, वह अपना मूल शहर छोड़ देता है और दुनिया घूमने चला जाता है। उसके साथी हैं हवा, बर्फ़ीला तूफ़ान, अशुभ काँव-काँव करने वाला कौआ।

यहां दिए गए कुछ उदाहरण हमें शुबर्ट की गीत लेखन की विशेषताओं के बारे में बात करने की अनुमति देते हैं।

शुबर्ट को लिखना बहुत पसंद था पियानो संगीत. इस उपकरण के लिए उन्होंने बड़ी संख्या में रचनाएँ लिखीं। गानों की तरह, उनकी पियानो रचनाएँ रोजमर्रा के संगीत के करीब थीं और उतनी ही सरल और समझने योग्य थीं। उनकी रचनाओं की पसंदीदा शैलियाँ नृत्य, मार्च और इन थीं पिछले साल काजीवन - अचानक.

वाल्ट्ज और अन्य नृत्य आमतौर पर शूबर्ट की गेंदों पर, देश की सैर पर दिखाई देते हैं। वहां उन्होंने उनमें सुधार किया और उन्हें घर पर रिकॉर्ड किया।

यदि हम शूबर्ट के पियानो के टुकड़ों की तुलना उनके गीतों से करें, तो हम कई समानताएँ पा सकते हैं। सबसे पहले, यह एक महान मधुर अभिव्यंजना, अनुग्रह, प्रमुख और लघु का रंगीन मेल है।

सबसे बड़े में से एक फ़्रेंच 19वीं सदी के उत्तरार्ध के संगीतकार जॉर्जेस बिज़ेटसंगीत थिएटर के लिए एक अमर रचना के निर्माता - ओपेरा “कारमेन"और अल्फोंस डौडेट द्वारा नाटक के लिए अद्भुत संगीत" आर्लेसियन”.

बिज़ेट का काम विचार की सटीकता और स्पष्टता, अभिव्यंजक साधनों की नवीनता और ताजगी, पूर्णता और रूप की सुंदरता की विशेषता है। बिज़ेट को मानवीय भावनाओं और कार्यों को समझने में मनोवैज्ञानिक विश्लेषण की तीक्ष्णता की विशेषता है, जो संगीतकार के महान हमवतन - लेखक बाल्ज़ाक, फ़्लौबर्ट, मौपासेंट के काम की विशेषता है। विविध शैलियों वाले बिज़ेट के काम में केंद्रीय स्थान ओपेरा का है। संगीतकार की ओपेरा कला राष्ट्रीय धरती पर उभरी और फ्रांसीसी ओपेरा हाउस की परंपराओं द्वारा पोषित हुई। बिज़ेट ने अपने काम में पहला काम मौजूदा पर काबू पाना माना फ़्रेंच ओपेराशैली प्रतिबंध इसके विकास में बाधक हैं। "बड़ा" ओपेरा उन्हें एक मृत शैली लगता है, गीतात्मक ओपेरा अपनी अशांति और क्षुद्र-बुर्जुआ संकीर्णता से परेशान करता है, कॉमिक दूसरों की तुलना में अधिक ध्यान देने योग्य है। बिज़ेट के ओपेरा में पहली बार, रसदार और जीवंत घरेलू और सामूहिक दृश्य, जीवन और ज्वलंत दृश्यों की आशा करते हुए दिखाई देते हैं।

अल्फोंस डौडेट के नाटक के लिए बिज़ेट का संगीत “अर्लेसियन” मुख्य रूप से उनके सर्वश्रेष्ठ गानों से बने दो कॉन्सर्ट सुइट्स के लिए जाना जाता है। बिज़ेट ने कुछ प्रामाणिक प्रोवेनकल धुनों का उपयोग किया : "तीन राजाओं का मार्च" और "उज्ज्वल घोड़ों का नृत्य"।

बिज़ेट का ओपेरा कारमेन”- एक संगीत नाटक जो दर्शकों के सामने सच्ची सच्चाई और मनोरम कलात्मक शक्ति के साथ अपने नायकों के प्रेम और मृत्यु की कहानी को उजागर करता है: सैनिक जोस और जिप्सी कारमेन। ओपेरा कारमेन फ्रांसीसी संगीत थिएटर की परंपराओं के आधार पर बनाया गया था, लेकिन साथ ही इसने कई नई चीजें भी पेश कीं। राष्ट्रीय ओपेरा की सर्वोत्तम उपलब्धियों और इसके सबसे महत्वपूर्ण तत्वों में सुधार के आधार पर, बिज़ेट ने बनाया नई शैली- यथार्थवादी संगीत नाटक.

19वीं सदी के ओपेरा हाउस के इतिहास में ओपेरा कारमेन पहले स्थान पर है। 1876 ​​से, मंचों के माध्यम से उनका विजयी जुलूस शुरू हुआ। ओपेरा हाउसवियना, ब्रुसेल्स, लंदन।

पर्यावरण के साथ व्यक्तिगत संबंध की अभिव्यक्ति कवियों और संगीतकारों द्वारा, सबसे पहले, तात्कालिकता, भावनात्मक "खुलेपन" और अभिव्यक्ति के जुनून में, स्वर की निरंतर तीव्रता की मदद से श्रोता को समझाने के प्रयास में व्यक्त की गई थी। मान्यता या स्वीकारोक्ति.

कला में इन नई प्रवृत्तियों का उद्भव पर निर्णायक प्रभाव पड़ा गीतात्मक ओपेरा. यह "बड़े" और के विपरीत के रूप में उभरा कॉमिक ओपेरा, लेकिन वह ऑपरेटिव नाटकीयता और संगीत अभिव्यक्ति के साधनों के क्षेत्र में उनकी विजय और उपलब्धियों को नजरअंदाज नहीं कर सकीं।

नई ओपेरा शैली की एक विशिष्ट विशेषता किसी भी साहित्यिक कथानक की गीतात्मक व्याख्या थी - ऐतिहासिक, दार्शनिक या आधुनिक विषय. गेय ओपेरा के नायक सामान्य लोगों की विशेषताओं से संपन्न हैं, जो विशिष्टता से रहित हैं और कुछ अतिशयोक्ति, एक रोमांटिक ओपेरा की विशेषता है। लिरिक ओपेरा के क्षेत्र में सबसे महत्वपूर्ण कलाकार थे चार्ल्स गुनोद.

गुनोद की असंख्य ओपेरा विरासतों में से, ओपेरा " फ़ॉस्ट" एक विशेष और, कोई कह सकता है, असाधारण स्थान रखता है। उसका दुनिया भर में ख्याति प्राप्तऔर लोकप्रियता गुनोद के अन्य ओपेरा से बेजोड़ है। ओपेरा फॉस्ट का ऐतिहासिक महत्व विशेष रूप से महान है क्योंकि यह न केवल सर्वश्रेष्ठ था, बल्कि संक्षेप में नई दिशा के ओपेरा में पहला था, जिसके बारे में त्चिकोवस्की ने लिखा था: "इस बात से इनकार करना असंभव है कि फॉस्ट लिखा गया था, अगर साथ नहीं प्रतिभाशाली, फिर असाधारण कौशल के साथ और बिना किसी महत्वपूर्ण पहचान के।” फॉस्ट की छवि में, उसकी चेतना की तीव्र असंगति और "विभाजन", दुनिया को जानने की इच्छा के कारण होने वाला शाश्वत असंतोष, सुचारू हो जाता है। गुनोद गोएथे की मेफिस्टोफिल्स की छवि की सभी बहुमुखी प्रतिभा और जटिलता को व्यक्त नहीं कर सका, जिसने उस युग की उग्रवादी आलोचना की भावना को मूर्त रूप दिया।

"फॉस्ट" की लोकप्रियता का एक मुख्य कारण यह था कि इसने गीतात्मक ओपेरा की युवा शैली की सर्वोत्तम और मौलिक रूप से नई विशेषताओं को केंद्रित किया: ओपेरा पात्रों की आंतरिक दुनिया का भावनात्मक रूप से प्रत्यक्ष और स्पष्ट रूप से व्यक्तिगत स्थानांतरण। गोएथे के फॉस्ट का गहरा दार्शनिक अर्थ, जिसने मुख्य पात्रों के संघर्ष के उदाहरण पर सभी मानव जाति की ऐतिहासिक और सामाजिक नियति को प्रकट करने की कोशिश की, गुनोद ने मार्गुएराइट और फॉस्ट के मानवीय गीतात्मक नाटक के रूप में इसे मूर्त रूप दिया।

फ्रांसीसी संगीतकार, कंडक्टर, संगीत समीक्षक हेक्टर बर्लियोज़संगीत के इतिहास में सबसे बड़े रोमांटिक संगीतकार, कार्यक्रम सिम्फनी के निर्माता, संगीत रूप, सद्भाव और विशेष रूप से वाद्ययंत्र के क्षेत्र में प्रर्वतक के रूप में प्रवेश किया। उनके काम में, उन्हें क्रांतिकारी करुणा और वीरता की विशेषताओं का एक ज्वलंत अवतार मिला। बर्लियोज़ एम. ग्लिंका से परिचित थे, जिनके संगीत की वे बहुत सराहना करते थे। "माइटी हैंडफुल" के नेताओं के साथ उनके मित्रतापूर्ण संबंध थे, जिन्होंने उनके लेखन और रचनात्मक सिद्धांतों को उत्साहपूर्वक स्वीकार किया।

उन्होंने ओपेरा सहित 5 संगीत मंच रचनाएँ बनाईं। बेनवेन्यूटो सिलिनी”(1838), “ ट्रोजन”,”बीट्राइस और बेनेडिक्ट(शेक्सपियर की कॉमेडी मच एडो अबाउट नथिंग, 1862 पर आधारित); 23 गायन और सिम्फोनिक रचनाएँ, 31 रोमांस, गायन, उन्होंने "आधुनिक इंस्ट्रुमेंटेशन और ऑर्केस्ट्रेशन पर महान ग्रंथ" (1844), "इवनिंग्स इन द ऑर्केस्ट्रा" (1853), "थ्रू सॉन्ग्स" (1862), "म्यूजिकल क्यूरियोसिटीज़" किताबें लिखीं। (1859), "संस्मरण" (1870), लेख, समीक्षाएँ।

जर्मन संगीतकार, संचालक, नाटककार, प्रचारक रिचर्ड वैगनरदुनिया के इतिहास में दर्ज हो गया संगीत संस्कृतिसबसे महान संगीत रचनाकारों और सबसे बड़े सुधारकों में से एक के रूप में ओपेरा कला. उनके सुधारों का लक्ष्य नाटकीय रूप में एक विशाल प्रोग्रामेटिक वोकल-सिम्फोनिक कार्य बनाना था, जो सभी प्रकार के ओपेरा और सिम्फोनिक संगीत को बदलने के लिए डिज़ाइन किया गया था। ऐसा काम एक संगीत नाटक था, जिसमें संगीत एक सतत धारा में बहता है, सभी नाटकीय कड़ियों को एक साथ मिला देता है। तैयार गायन को अस्वीकार करते हुए, वैगनर ने उन्हें एक प्रकार की भावनात्मक रूप से समृद्ध गायन से बदल दिया। वैगनर के ओपेरा में एक बड़ा स्थान स्वतंत्र आर्केस्ट्रा एपिसोड का है, जो विश्व सिम्फोनिक संगीत में एक मूल्यवान योगदान है।

वैगनर के हाथ में 13 ओपेरा हैं:“ द फ़्लाइंग डचमैन"(1843),"टैनहौसर"(1845),"ट्रिस्टन एंड इसोल्ड"(1865), "गोल्ड ऑफ़ द राइन"(1869) और आदि।; गायन मंडली, पियानो के टुकड़े, रोमांस।

एक और उत्कृष्ट जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, पियानोवादक, शिक्षक और संगीत हस्ती थे फ़ेलिक्स मेंडेलसोहन-बार्थोल्डी. 9 साल की उम्र से उन्होंने एक पियानोवादक के रूप में प्रदर्शन करना शुरू कर दिया, 17 साल की उम्र में उन्होंने उत्कृष्ट कृतियों में से एक बनाई - एक कॉमेडी का प्रस्ताव " ए मिड समर नाइटस ड्रीम" शेक्सपियर. 1843 में उन्होंने जर्मनी में लीपज़िग में पहली कंज़र्वेटरी की स्थापना की। मेंडेलसोहन के काम में, "रोमांटिक्स के बीच एक क्लासिक", रोमांटिक विशेषताओं को सोच की शास्त्रीय प्रणाली के साथ जोड़ा गया है। उनके संगीत की विशेषता उज्ज्वल माधुर्य, अभिव्यक्ति की लोकतांत्रिकता, भावनाओं का संयम, विचार की शांति, उज्ज्वल भावनाओं की प्रधानता, गीतात्मक मनोदशा, भावुकता का हल्का सा स्पर्श, त्रुटिहीन रूप, शानदार शिल्प कौशल है। आर. शुमान ने उन्हें "19वीं सदी का मोजार्ट", जी. हेइन - "एक संगीत चमत्कार" कहा।

लैंडस्केप रोमांटिक सिम्फनी ("स्कॉटिश", "इतालवी") के लेखक, कार्यक्रम संगीत कार्यक्रम, एक लोकप्रिय वायलिन संगीत कार्यक्रम, पियानोफोर्ट के लिए टुकड़ों का चक्र "शब्दों के बिना गीत"; ओपेरा कैमाचो की शादी। उन्होंने नाटकीय नाटक एंटीगोन (1841), सोफोकल्स द्वारा ओडिपस इन कोलन (1845), रैसीन द्वारा अटालिया (1845), शेक्सपियर के ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम (1843) और अन्य के लिए संगीत लिखा; वक्ता "पॉल" (1836), "एलिजा" (1846); पियानो के लिए 2 और वायलिन के लिए 2 संगीत कार्यक्रम।

मेंइतालवी संगीत संस्कृति में एक विशेष स्थान ग्यूसेप का हैवर्दी- एक उत्कृष्ट संगीतकार, कंडक्टर, ऑर्गेनिस्ट। वर्डी के कार्य का मुख्य क्षेत्र ओपेरा है। उन्होंने मुख्य रूप से इतालवी लोगों की वीर-देशभक्ति भावनाओं और राष्ट्रीय मुक्ति विचारों के प्रवक्ता के रूप में काम किया। बाद के वर्षों में, उन्होंने सामाजिक असमानता, हिंसा, उत्पीड़न से उत्पन्न नाटकीय संघर्षों पर ध्यान दिया और अपने ओपेरा में बुराई की निंदा की। वर्डी के काम की विशिष्ट विशेषताएं: लोक संगीत, नाटकीय स्वभाव, मधुर चमक, दृश्य के नियमों की समझ।

उन्होंने 26 ओपेरा लिखे: “ नबूको'', ''मैकबेथ'', ''ट्रौबाडॉर'', ''ला ट्रैविटा'', ''ओथेलो'', ''आइडा''" और आदि . , 20 रोमांस, गायन समूह .

युवा नार्वेजियन संगीतकार एडवर्ड ग्रिग (1843-1907) राष्ट्रीय संगीत के विकास की आकांक्षा। यह न केवल उनके काम में, बल्कि नॉर्वेजियन संगीत के प्रचार में भी व्यक्त किया गया था।

कोपेनहेगन में अपने वर्षों के दौरान, ग्रिग ने बहुत सारा संगीत लिखा: " काव्यात्मक चित्र" और "हास्य",पियानो के लिए सोनाटा और पहला वायलिन सोनाटा, गाने। प्रत्येक नए कार्य के साथ, नॉर्वेजियन संगीतकार के रूप में ग्रिग की छवि अधिक स्पष्ट रूप से उभरती है। सूक्ष्म गीतात्मक "काव्य चित्र" (1863) में, राष्ट्रीय विशेषताएं अभी भी डरपोक रूप से सामने आती हैं। लयबद्ध आकृति अक्सर नॉर्वेजियन लोक संगीत में पाई जाती है; यह ग्रिग की कई धुनों की विशेषता बन गई।

ग्रिग का कार्य विशाल और बहुआयामी है। ग्रिग ने विभिन्न शैलियों की रचनाएँ लिखीं। पियानो कॉन्सर्टो और बैलेड्स, वायलिन और पियानो के लिए तीन सोनाटा और सेलो और पियानो के लिए एक सोनाटा, चौकड़ी ग्रिग की निरंतर लालसा की गवाही देती है बड़ा रूप. इसी समय, वाद्य लघुचित्रों में संगीतकार की रुचि अपरिवर्तित रही। पियानोफोर्ट की तरह ही, संगीतकार चैम्बर वोकल मिनिएचर - एक रोमांस, एक गीत से आकर्षित हुआ था। ग्रिग के साथ मुख्य मत बनो, सिम्फोनिक रचनात्मकता का क्षेत्र सुइट्स जैसी उत्कृष्ट कृतियों द्वारा चिह्नित है। प्रति गुनोद”, “होल्बर्ग के दिनों से". में से एक विशिष्ट प्रजातियाँग्रिग की कृतियाँ - लोक गीतों और नृत्यों की व्यवस्था: सरल पियानो टुकड़ों के रूप में, पियानो के चार हाथों के लिए एक सुइट चक्र।

ग्रिग की संगीत भाषा अत्यंत मौलिक है। संगीतकार की शैली की वैयक्तिकता सबसे अधिक नॉर्वेजियन लोक संगीत के साथ उसके गहरे संबंध से निर्धारित होती है। ग्रिग व्यापक रूप से शैली विशेषताओं, स्वर संरचना, लोक गीत और नृत्य धुनों के लयबद्ध सूत्रों का उपयोग करता है।

किसी राग के परिवर्तनशील और विभिन्न विकास में ग्रिग की उल्लेखनीय महारत किसी राग को उसके परिवर्तनों के साथ बार-बार दोहराने की लोक परंपराओं में निहित है। "मैंने अपने देश का लोक संगीत रिकॉर्ड किया।" इन शब्दों के पीछे ग्रिग का श्रद्धापूर्ण रवैया है लोक कलाऔर उनकी अपनी रचनात्मकता के लिए उनकी निर्णायक भूमिका की पहचान।

रूमानियतवाद, और अंत में एक शक्तिशाली यथार्थवादी ... का अनुसरण किया गया। द्वितीय. प्राकृतवादरूसी चित्रकला में प्राकृतवादरूस में अलग...

ज़्विग सही थे: पुनर्जागरण के बाद से यूरोप ने रोमांटिक जैसी अद्भुत पीढ़ी नहीं देखी है। सपनों की दुनिया की अद्भुत छवियां, नग्न भावनाएं और उत्कृष्ट आध्यात्मिकता की इच्छा - ये वे रंग हैं जो रूमानियत की संगीत संस्कृति को चित्रित करते हैं।

रूमानियत का उदय और उसका सौंदर्यशास्त्र

जब यूरोप में औद्योगिक क्रांति हो रही थी, तो उम्मीदें महान पर टिकी थीं फ्रेंच क्रांति. ज्ञानोदय के युग द्वारा घोषित तर्क के पंथ को उखाड़ फेंका गया। मनुष्य में भावनाओं का पंथ और प्राकृतिक सिद्धांत शीर्ष पर चढ़ गया।

इस तरह रूमानियत का जन्म हुआ। संगीत संस्कृति में, यह एक सदी (1800-1910) से थोड़ा अधिक समय तक चला, जबकि संबंधित क्षेत्रों (पेंटिंग और साहित्य) में, इसका कार्यकाल आधी सदी पहले समाप्त हो गया। शायद, संगीत इसके लिए "दोषी" है - यह वह थी जो रोमांटिक कलाओं में सबसे आध्यात्मिक और मुक्त कलाओं में शीर्ष पर थी।

हालाँकि, पुरातनता और क्लासिकवाद के युग के प्रतिनिधियों के विपरीत, रोमांटिक लोगों ने प्रकारों में स्पष्ट विभाजन के साथ कला का एक पदानुक्रम नहीं बनाया। रोमांटिक प्रणाली सार्वभौमिक थी, कलाएँ स्वतंत्र रूप से एक-दूसरे में प्रवेश कर सकती थीं। कला के संश्लेषण का विचार रूमानियत की संगीत संस्कृति में प्रमुख विचारों में से एक था।

यह संबंध सौंदर्यशास्त्र की श्रेणियों पर भी लागू होता है: सुंदर को कुरूप के साथ, उच्च को आधार के साथ, दुखद को हास्य के साथ जोड़ा गया था। ऐसे बदलाव रोमांटिक विडंबनाओं से जुड़े थे, जो दुनिया की सार्वभौमिक तस्वीर को भी प्रतिबिंबित करते थे।

सुंदरता से जुड़ी हर चीज़ ने रोमांटिक लोगों के बीच एक नया अर्थ प्राप्त कर लिया। प्रकृति पूजा की वस्तु बन गई, कलाकार को सर्वोच्च नश्वर व्यक्ति के रूप में प्रतिष्ठित किया गया और भावनाओं को तर्क से ऊपर रखा गया।

आत्माहीन वास्तविकता एक सपने के विपरीत थी, सुंदर, लेकिन अप्राप्य। एक रोमांटिक ने कल्पना की मदद से अन्य वास्तविकताओं के विपरीत अपनी नई दुनिया बनाई।

रोमांटिक कलाकारों ने कौन से विषय चुने?

रोमांटिक लोगों की रुचि कला में उनके द्वारा चुने गए विषयों के चुनाव में स्पष्ट रूप से प्रकट हुई।

• अकेलापन थीम. एक कम आंकी गई प्रतिभा या समाज में एक अकेला व्यक्ति - ये विषय इस युग के संगीतकारों के लिए मुख्य थे (शुमान का "लव ऑफ द पोएट", मुसॉर्स्की का "विदाउट द सन")।
• "गीतात्मक स्वीकारोक्ति" का विषय. रोमांटिक संगीतकारों की कई कृतियों में आत्मकथा (शुमान का कार्निवल, बर्लियोज़ की फैंटास्टिक सिम्फनी) का स्पर्श है।
• प्रेम धुन। मूलतः यह अविभाजित या का विषय है दुखद प्रेम, लेकिन जरूरी नहीं (शुमान द्वारा "लव एंड लाइफ ऑफ अ वुमन", त्चिकोवस्की द्वारा "रोमियो एंड जूलियट")।
• पथ विषय. उसे भी बुलाया जाता है यात्रा विषय. रोमांस की आत्मा, विरोधाभासों से टूटी हुई, अपना रास्ता तलाश रही थी (बर्लिओज़ द्वारा "हेरोल्ड इन इटली", लिस्ट्ट द्वारा "इयर्स ऑफ वांडरिंग्स")।
• मृत्यु का विषय. मूलतः यह आध्यात्मिक मृत्यु थी (त्चिकोवस्की की छठी सिम्फनी, शूबर्ट की "विंटर जर्नी")।
• प्रकृति विषय. एक रोमांटिक और एक सुरक्षात्मक मां, और एक सहानुभूतिपूर्ण मित्र की नजर में प्रकृति, और दंडित करने वाला भाग्य (मेंडेलसोहन द्वारा "द हेब्रिड्स", "इन) मध्य एशिया» बोरोडिना). मूल भूमि का पंथ (पोलोनीज़ और चोपिन के गाथागीत) भी इस विषय से जुड़ा हुआ है।
• काल्पनिक विषय. रोमांटिक लोगों के लिए काल्पनिक दुनिया वास्तविक दुनिया से कहीं अधिक समृद्ध थी (" जादुई निशानेबाज»वेबर, «सैडको» रिमस्की-कोर्साकोव)।

रोमांटिक युग की संगीत शैलियाँ

रूमानियत की संगीत संस्कृति ने चैम्बर स्वर गीतों की शैलियों के विकास को गति दी: गाथागीत('द फ़ॉरेस्ट किंग' शूबर्ट द्वारा), कविता(शूबर्ट द्वारा "लेडी ऑफ द लेक") और गीत, अक्सर संयुक्त होता है चक्र(शुमान द्वारा "मर्टल")।

रोमांटिक ओपेरा यह न केवल शानदार कथानक से, बल्कि शब्दों, संगीत आदि के मजबूत संबंध से भी प्रतिष्ठित था मंचीय कार्रवाई. ओपेरा को सिम्फनीज़ किया जा रहा है। लेटमोटिफ़्स के विकसित नेटवर्क के साथ वैगनर की रिंग ऑफ़ द निबेलुंगेन को याद करना पर्याप्त है।

रोमांस की वाद्य शैलियों में से हैं पियानो लघु. एक छवि या क्षणिक मनोदशा को व्यक्त करने के लिए उनके लिए एक छोटा सा नाटक ही काफी है। अपने पैमाने के बावजूद, नाटक अभिव्यक्ति से भरपूर है। वह हो सकती है "शब्दों के बिना गीत" (मेंडेलसोहन की तरह) माजुरका, वाल्ट्ज, निशाचर या प्रोग्रामेटिक शीर्षकों (शुमान्स इंपल्स) के साथ खेलता है।

गीतों की तरह, नाटकों को भी कभी-कभी चक्रों (शुमान द्वारा "बटरफ्लाइज़") में जोड़ दिया जाता है। साथ ही, चक्र के हिस्से, स्पष्ट रूप से विपरीत, संगीतमय संबंधों के कारण हमेशा एक ही रचना बनाते थे।

रोमान्टिक्स को कार्यक्रम संगीत पसंद था जो इसे साहित्य, चित्रकला या अन्य कलाओं के साथ जोड़ता था। इसलिए, उनके लेखन में कथानक अक्सर हावी रहता था। वहाँ एक-आंदोलन सोनाटा (लिस्ज़्ट का बी माइनर सोनाटा), एक-आंदोलन संगीत कार्यक्रम (लिस्ज़्ट का पहला पियानो कॉन्सर्टो), और सिम्फोनिक कविताएं (लिस्ज़्ट की प्रस्तावना), एक पांच-आंदोलन सिम्फनी (बर्लिओज़ की फैंटास्टिक सिम्फनी) थीं।

रोमांटिक संगीतकारों की संगीतमय भाषा

रोमान्टिक्स द्वारा गाए गए कलाओं के संश्लेषण ने साधनों को प्रभावित किया संगीतमय अभिव्यक्ति. माधुर्य अधिक व्यक्तिगत हो गया है, शब्द की काव्यात्मकता के प्रति संवेदनशील हो गया है, और संगत बनावट में तटस्थ और विशिष्ट होना बंद हो गया है।

रोमांटिक नायक के अनुभवों के बारे में बताने के लिए हार्मनी को अभूतपूर्व रंगों से समृद्ध किया गया था। इस प्रकार, सुस्ती के रोमांटिक स्वरों ने तनाव बढ़ाने वाले परिवर्तित सामंजस्य को पूरी तरह से व्यक्त किया। जब प्रमुख परिवर्तन हुआ तो रोमांटिक लोगों को चिरोस्कोरो का प्रभाव भी पसंद आया एक ही नाम का नाबालिग, और साइड स्टेप कॉर्ड, और सुंदर कुंजी मैपिंग। नए प्रभाव भी पाए गए, खासकर जब संगीत में लोक भावना या शानदार छवियों को व्यक्त करना आवश्यक था।

सामान्य तौर पर, रोमान्टिक्स के माधुर्य ने विकास की निरंतरता के लिए प्रयास किया, किसी भी स्वचालित पुनरावृत्ति को खारिज कर दिया, उच्चारण की नियमितता से परहेज किया और अपने प्रत्येक उद्देश्य में अभिव्यक्ति की सांस ली। और बनावट इतनी महत्वपूर्ण कड़ी बन गई है कि उसकी भूमिका राग के बराबर हो गई है।

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निष्कर्ष के बजाय

रूमानियत की संगीत संस्कृति XIX की बारीऔर XX सदियों ने संकट के पहले लक्षणों का अनुभव किया। "मुक्त" संगीतमय रूपबिखरना शुरू हो गया, राग पर सामंजस्य हावी हो गया, रोमांटिक आत्मा की उन्नत भावनाओं ने दर्दनाक भय और आधार जुनून को रास्ता दे दिया।

इन विनाशकारी प्रवृत्तियों ने रूमानियतवाद को समाप्त कर दिया और आधुनिकतावाद के लिए रास्ता खोल दिया। लेकिन, एक प्रवृत्ति के रूप में समाप्त होने के बाद, रूमानियत अपने विभिन्न घटकों में 20वीं सदी के संगीत और वर्तमान सदी के संगीत दोनों में जीवित रही। ब्लोक सही थे जब उन्होंने कहा कि रूमानियतवाद "मानव जीवन के सभी युगों में" पैदा होता है।

अपने शुद्धतम रूप में स्वच्छंदतावाद पश्चिमी यूरोपीय कला की एक घटना है। रूसी में 19वीं का संगीतवी ग्लिंका से त्चिकोवस्की तक, क्लासिकवाद की विशेषताओं को रूमानियत की विशेषताओं के साथ जोड़ा गया था, प्रमुख तत्व एक उज्ज्वल, मूल राष्ट्रीय सिद्धांत था।

समय (1812, डिसमब्रिस्ट विद्रोह, उसके बाद की प्रतिक्रिया) ने संगीत पर अपनी छाप छोड़ी। हम जो भी शैली लें - रोमांस, ओपेरा, बैले, चैम्बर संगीत - हर जगह रूसी संगीतकारों ने अपना नया शब्द कहा है।

19वीं सदी की शुरुआत - ये रोमांस शैली के पहले और उज्ज्वल फूल के वर्ष हैं। विनम्र भावपूर्ण गीत आज भी सुनने वालों को मधुर और आनंदित करते हैं। अलेक्जेंडर अलेक्जेंड्रोविच एल्याबयेव (1787-1851)।उन्होंने कई कवियों की कविताओं पर रोमांस लिखा, लेकिन वे अमर हैं "बुलबुल"डेलविग के छंदों के लिए, "विंटर रोड", "आई लव यू"पुश्किन की कविताओं पर.

अलेक्जेंडर एगोरोविच वरलामोव (1801-1848)नाटकीय प्रस्तुतियों के लिए संगीत लिखा, लेकिन हम उन्हें उनसे बेहतर जानते हैं प्रसिद्ध रोमांस "लाल सुंड्रेस", "मुझे भोर में मत जगाओ", "एक अकेला पाल सफेद हो जाता है"।

अलेक्जेंडर लावोविच गुरिलेव (1803-1858)- संगीतकार, पियानोवादक, वायलिन वादक और शिक्षक, वह ऐसे रोमांस के मालिक हैं "घंटी नीरस ढंग से बजती है", "धुंधले यौवन के भोर में"और आदि।

यहां सबसे प्रमुख स्थान ग्लिंका के रोमांस का है। पुश्किन, ज़ुकोवस्की की कविता के साथ संगीत का ऐसा प्राकृतिक संलयन अभी तक किसी और ने हासिल नहीं किया था।

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका (1804-1857)- पुश्किन के समकालीन, रूसी साहित्य के एक क्लासिक, संस्थापक बने संगीत क्लासिक्स. उनका काम रूसी और विश्व संगीत संस्कृति के शिखरों में से एक है। यह सामंजस्यपूर्ण रूप से धन को जोड़ता है लोक संगीतऔर संगीतकार के कौशल की सर्वोच्च उपलब्धियाँ। ग्लिंका के गहन लोक यथार्थवादी कार्य ने 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध और डिसमब्रिस्ट आंदोलन से जुड़ी रूसी संस्कृति के शक्तिशाली उत्कर्ष को दर्शाया। प्रकाश, जीवन-पुष्टि करने वाला चरित्र, रूपों का सामंजस्य, अभिव्यंजक और मधुर धुनों की सुंदरता, विविधता, प्रतिभा और सामंजस्य की सूक्ष्मता ग्लिंका के संगीत के सबसे मूल्यवान गुण हैं। में प्रसिद्ध ओपेरा "इवान सुसानिन"(1836) को लोकप्रिय देशभक्ति के विचार की शानदार अभिव्यक्ति मिली; परी कथा ओपेरा में रूसी लोगों की नैतिक महानता का भी महिमामंडन किया गया है। रुस्लान और ल्यूडमिला". ग्लिंका द्वारा आर्केस्ट्रा कार्य: "काल्पनिक वाल्ट्ज", "मैड्रिड में रात"और विशेष रूप से "कामारिंस्काया",रूसी शास्त्रीय सिम्फनीवाद का आधार बनें। नाटकीय अभिव्यक्ति की शक्ति और त्रासदी के लिए संगीत की विशेषताओं की चमक के संदर्भ में उल्लेखनीय "प्रिंस खोल्म्स्की"।ग्लिंका के स्वर गीत (रोमांस "मुझे याद ख़ूबसूरत लम्हा", "संदेह") संगीत में रूसी कविता का एक नायाब अवतार है।

XIX सदी के पूर्वार्द्ध में। एक राष्ट्रीय संगीत विद्यालय का जन्म। XIX सदी के पहले दशकों में। रोमांटिक प्रवृत्तियों का प्रभुत्व, ए.एन. के काम में प्रकट हुआ। वर्स्टोव्स्की, जिन्होंने अपने काम में ऐतिहासिक विषयों का इस्तेमाल किया। रूसी संगीत विद्यालय के संस्थापक एम.आई. थे। ग्लिंका, मुख्य संगीत शैलियों के निर्माता: ओपेरा ("इवान सुसैनिन", "रुस्लान और ल्यूडमिला"), सिम्फनी, रोमांस, जिन्होंने सक्रिय रूप से अपने काम में लोकगीत रूपांकनों का उपयोग किया। संगीत के क्षेत्र में एक प्रर्वतक ए.एस. थे। डार्गोमीज़्स्की, ओपेरा-बैले "द ट्रायम्फ ऑफ बैचस" के लेखक और ओपेरा में सस्वर पाठ के निर्माता। उनका संगीत "माइटी हैंडफुल" के संगीतकार - एम.पी. के काम से निकटता से जुड़ा था। मुसॉर्स्की, एम.ए. बालाकिरेवा, एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव, ए.पी. बोरोडिन, टी.एस.ए. कुई, जो अपने कार्यों में "जीवन, चाहे वह कहीं भी प्रभावित हो" को शामिल करने की इच्छा रखते थे, सक्रिय रूप से ऐतिहासिक कथानकों और लोककथाओं के रूपांकनों की ओर रुख कर रहे थे। उनके काम ने संगीत नाटक की शैली की स्थापना की। मुसॉर्स्की द्वारा "बोरिस गोडुनोव" और "खोवांशीना", बोरोडिन द्वारा "प्रिंस इगोर", "द स्नो मेडेन" और " शाही दुल्हन"रिमस्की-कोर्साकोव रूसी और विश्व कला का गौरव हैं।

रूसी संगीत में एक विशेष स्थान पर पी.आई. का कब्जा है। त्चिकोवस्की, जिन्होंने अपने कार्यों में आंतरिक नाटक और ध्यान को शामिल किया भीतर की दुनियामानव, रूसी की विशेषता साहित्य XIXसदी, जिसकी ओर संगीतकार अक्सर रुख करते थे (ओपेरा "यूजीन वनगिन", " हुकुम की रानी", "माज़ेपा")।

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देर से रोमांटिक

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इस अवधि के कई संगीतकारों ने 20वीं सदी तक भी अच्छा संगीत लिखना जारी रखा। हालाँकि, हम उनके बारे में यहाँ बात करते हैं, अगले अध्याय में नहीं, इस कारण से कि उनके संगीत में रूमानियत की भावना प्रबल थी।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि उनमें से कुछ ने "प्रारंभिक रोमान्टिक्स" और "राष्ट्रवादियों" उपखंडों में उल्लिखित संगीतकारों के साथ घनिष्ठ संबंध और यहां तक ​​कि मित्रता भी बनाए रखी।

इसके अलावा, यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि इस अवधि के दौरान अलग-अलग यूरोपीय देशइतने सारे महान संगीतकार बनाये कि किसी भी सिद्धांत के अनुसार उनका विभाजन पूरी तरह से मनमाना होगा। यदि शास्त्रीय काल और बारोक काल को समर्पित विभिन्न साहित्य में लगभग एक ही समय सीमा का उल्लेख किया गया है, तो रोमांटिक काल को हर जगह अलग तरह से परिभाषित किया गया है। ऐसा लगता है कि संगीत में रोमांटिक काल के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत के बीच की सीमा बहुत धुंधली है।

19वीं सदी के इटली के अग्रणी संगीतकार निस्संदेह थे ग्यूसेप वर्डी.ये हमें देख रहा है चमकदार आंखेंघनी मूंछों और भौहों वाला एक आदमी अन्य सभी ओपेरा संगीतकारों की तुलना में पूरा सिर ऊंचा खड़ा था।

वर्डी की सभी रचनाएँ सचमुच उज्ज्वल, यादगार धुनों से भरी हुई हैं। कुल मिलाकर, उन्होंने छब्बीस ओपेरा लिखे, जिनमें से अधिकांश का आज भी नियमित रूप से मंचन किया जाता है। इनमें सभी समय की ओपेरा कला की सबसे प्रसिद्ध और सबसे उत्कृष्ट कृतियाँ शामिल हैं।

संगीतकार के जीवनकाल के दौरान भी वर्डी के संगीत को अत्यधिक महत्व दिया गया था। प्रीमियर पर हैडिसदर्शकों ने इतनी देर तक खड़े होकर तालियाँ बजाईं कि कलाकारों को बत्तीस बार झुकना पड़ा।

वर्डी एक अमीर आदमी था, लेकिन पैसा संगीतकार की दोनों पत्नियों और दो बच्चों को शुरुआती मौत से नहीं बचा सका, इसलिए उसके जीवन में दुखद क्षण आए। उन्होंने मिलान में अपने निर्देशन में निर्मित पुराने संगीतकारों के लिए एक आश्रय स्थल को अपना भाग्य सौंप दिया। वर्डी ने स्वयं संगीत नहीं, बल्कि आश्रय के निर्माण को अपनी सबसे बड़ी उपलब्धि माना।

इस तथ्य के बावजूद कि वर्डी का नाम मुख्य रूप से ओपेरा से जुड़ा हुआ है, उसके बारे में बोलते हुए, इसका उल्लेख करना असंभव है अनुरोध,सर्वोत्तम उदाहरणों में से एक माना जाता है कोरल संगीत. यह नाटक से भरपूर है, और ओपेरा की कुछ विशेषताएं इसमें झलकती हैं।

हमारा अगला संगीतकार किसी भी तरह से सबसे आकर्षक व्यक्ति नहीं है। सामान्य तौर पर, यह हमारी पुस्तक में उल्लिखित सभी आंकड़ों में सबसे निंदनीय और विवादास्पद आंकड़ा है। यदि हमें केवल व्यक्तित्व लक्षणों के आधार पर एक सूची बनानी हो, तो रिचर्ड वैगनरइसे कभी नहीं मारेंगे. हालाँकि, हम केवल संगीत मानदंडों द्वारा निर्देशित होते हैं, और शास्त्रीय संगीत का इतिहास इस व्यक्ति के बिना अकल्पनीय है।

वैगनर की प्रतिभा निर्विवाद है. उनकी कलम के नीचे से कुछ सबसे महत्वपूर्ण और प्रभावशाली चीजें आईं संगीत रचनाएँरूमानियत की पूरी अवधि के लिए - विशेष रूप से ओपेरा के लिए। साथ ही, उनके बारे में यहूदी विरोधी, नस्लवादी, लालफीताशाही, आखिरी धोखेबाज और यहां तक ​​कि एक चोर के रूप में भी बात की जाती है जो अपनी जरूरत की हर चीज लेने में संकोच नहीं करता है, और बिना पछतावे के असभ्य लोग हैं। वैगनर के पास अतिरंजित आत्म-सम्मान था, और उनका मानना ​​था कि उनकी प्रतिभा ने उन्हें अन्य सभी लोगों से ऊपर उठा दिया।

वैगनर को उनके ओपेरा के लिए याद किया जाता है। यह संगीतकार जर्मन ओपेरा को बिल्कुल नए स्तर पर ले गया, और यद्यपि उनका जन्म वर्डी के साथ ही हुआ था, उनका संगीत उस काल की इतालवी रचनाओं से बहुत अलग था।

वैगनर के नवाचारों में से एक यह था कि प्रत्येक मुख्य पात्र को अपना स्वयं का संगीत विषय दिया गया था, जिसे हर बार मंच पर महत्वपूर्ण भूमिका निभाने के लिए दोहराया जाता था।

आज यह स्वतः स्पष्ट प्रतीत होता है, परन्तु उस समय इस विचार ने वास्तविक क्रान्ति कर दी।

वैगनर की सबसे बड़ी उपलब्धि साइकिल थी निबेलुंग की अंगूठी,चार ओपेरा से मिलकर: राइन गोल्ड, वाल्किरी, सिगफ्राइडऔर देवताओं की मृत्यु.इन्हें आम तौर पर लगातार चार रातों में रखा जाता है, और कुल मिलाकर ये लगभग पंद्रह घंटे तक चलते हैं। ये ओपेरा अकेले ही अपने संगीतकार को महिमामंडित करने के लिए पर्याप्त होंगे। एक व्यक्ति के रूप में वैगनर की तमाम अस्पष्टताओं के बावजूद, यह माना जाना चाहिए कि वह एक उत्कृष्ट संगीतकार थे।

वैगनर के ओपेरा की एक विशिष्ट विशेषता उनकी अवधि है। उसका अंतिम ओपेरा पारसिफ़लचार घंटे से अधिक समय तक चलता है.

कंडक्टर डेविड रैंडोल्फ ने एक बार उनके बारे में कहा था:

“यह उस श्रेणी का ओपेरा है जो छह बजे शुरू होता है, और जब आप तीन घंटे के बाद देखते हैं कलाई घड़ी, यह पता चला कि वे 6:20 दिखाते हैं।

ज़िंदगी एंटोन ब्रुकनरएक संगीतकार के रूप में, यह एक सबक है कि कैसे हार नहीं माननी चाहिए और अपने आप पर ज़ोर नहीं देना चाहिए। उन्होंने दिन में बारह घंटे अभ्यास किया, अपना सारा समय काम को समर्पित किया (वे एक ऑर्गेनिस्ट थे) और अपने दम पर संगीत में बहुत कुछ सीखा, काफी परिपक्व उम्र में - सैंतीस साल की उम्र में पत्राचार द्वारा लेखन कौशल में महारत हासिल की।

आज, ब्रुकनर की सिम्फनी को सबसे अधिक बार याद किया जाता है, जिसमें से उन्होंने कुल नौ रचनाएँ लिखीं। कई बार एक संगीतकार के रूप में उनकी व्यवहार्यता के बारे में संदेह ने उन्हें घेर लिया, लेकिन फिर भी उन्होंने पहचान हासिल की, भले ही अपने जीवन के अंत में। इसे क्रियान्वित करने के बाद सिम्फनीज़ नंबर 1आलोचकों ने अंततः संगीतकार की प्रशंसा की, जो उस समय तक चौवालीस वर्ष का हो चुका था।

जोहान्स ब्राह्म्सउन संगीतकारों में से एक भी नहीं जो हाथ में चांदी की छड़ी लेकर पैदा हुए थे। उनके जन्म के समय तक, परिवार ने अपनी पूर्व संपत्ति खो दी थी और मुश्किल से गुजारा हो पाता था। किशोरावस्था में उन्होंने अपने वेश्यालयों में खेलकर जीविकोपार्जन किया गृहनगरहैम्बर्ग. जब तक ब्राह्म वयस्क हुआ, तब तक वह निस्संदेह जीवन के सबसे आकर्षक पहलुओं से परिचित हो गया।

ब्राह्म्स के संगीत का प्रचार उनके मित्र रॉबर्ट शुमान ने किया था। शुमान की मृत्यु के बाद, ब्राह्म्स क्लारा शुमान के करीब हो गए और अंततः उन्हें उनसे प्यार भी हो गया। यह ठीक से ज्ञात नहीं है कि उनके बीच किस प्रकार का रिश्ता था, हालाँकि उसके प्रति भावना ने संभवतः अन्य महिलाओं के साथ उसके संबंधों में कुछ भूमिका निभाई - उसने उनमें से किसी को भी अपना दिल नहीं दिया।

एक व्यक्ति के रूप में, ब्राह्म्स काफी असंयमी और चिड़चिड़े थे, लेकिन उनके दोस्तों ने दावा किया कि उनमें कोमलता थी, हालाँकि वह हमेशा अपने आस-पास के लोगों के सामने इसका प्रदर्शन नहीं करते थे। एक दिन, एक पार्टी से घर लौटते हुए उन्होंने कहा:

"अगर मैंने किसी को ठेस नहीं पहुंचाई है तो मैं उनसे माफ़ी मांगता हूं।"

ब्राह्म्स ने सबसे फैशनेबल और सुरुचिपूर्ण ढंग से कपड़े पहने संगीतकार की प्रतियोगिता नहीं जीती होगी। उसे खरीदना पसंद नहीं था नए कपड़ेऔर अक्सर वही बैगी, पैच वाली पतलून पहनता था, जो लगभग हमेशा उसके लिए बहुत छोटी होती थी। एक प्रदर्शन के दौरान, उनका पतलून लगभग गिर गया। एक अन्य अवसर पर उन्हें अपनी टाई उतारनी पड़ी और बेल्ट की जगह उसका उपयोग करना पड़ा।

ब्राह्म्स की संगीत शैली हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन से बहुत प्रभावित थी, और कुछ संगीत इतिहासकारों का यह भी दावा है कि उन्होंने क्लासिकिज्म की भावना से लिखा था, जो उस समय तक फैशन से बाहर हो चुका था। साथ ही उनके पास कई नए विचार भी हैं। वह विशेष रूप से संगीत के छोटे टुकड़े विकसित करने और उन्हें पूरे काम में दोहराने में सफल रहे - जिसे संगीतकार "दोहराया जाने वाला रूपांकन" कहते हैं।

ओपेरा ब्राह्म्स ने नहीं लिखा, लेकिन उन्होंने शास्त्रीय संगीत की लगभग सभी अन्य शैलियों में खुद को आजमाया। अतः इसे एक कहा जा सकता है सबसे महान संगीतकारहमारी पुस्तक में शास्त्रीय संगीत के एक सच्चे दिग्गज का उल्लेख किया गया है। उन्होंने खुद अपने काम के बारे में ये कहा:

"इसे बनाना कठिन नहीं है, लेकिन अतिरिक्त नोट्स को टेबल के नीचे फेंकना आश्चर्यजनक रूप से कठिन है।"

मैक्स ब्रुचब्राह्म के ठीक पांच साल बाद पैदा हुआ था, और अगर एक काम नहीं होता तो ब्राह्म निश्चित रूप से उस पर भारी पड़ जाता, वायलिन कॉन्सर्टो नंबर 1।

ब्रुच ने स्वयं इस तथ्य को स्वीकार किया, कई संगीतकारों के लिए विनम्रता के साथ असामान्य बताते हुए:

"अब से पचास साल बाद, ब्राह्म्स को सभी समय के महानतम संगीतकारों में से एक कहा जाएगा, और मुझे जी माइनर में वायलिन कॉन्सर्टो लिखने के लिए याद किया जाएगा।"

और वह सही निकला. सच है, ब्रुजा के पास खुद को याद रखने के लिए कुछ है! उन्होंने कई अन्य कृतियों की रचना की - कुल मिलाकर लगभग दो सौ - उनके पास विशेष रूप से गाना बजानेवालों और ओपेरा के लिए कई रचनाएँ हैं, जिनका मंचन इन दिनों शायद ही कभी किया जाता है। उनका संगीत मधुर है, लेकिन उन्होंने इसके विकास में कोई खास नया योगदान नहीं दिया। उनकी पृष्ठभूमि में, उस समय के कई अन्य संगीतकार वास्तविक नवप्रवर्तक प्रतीत होते हैं।

1880 में, ब्रुच को लिवरपूल रॉयल फिलहारमोनिक सोसाइटी का कंडक्टर नियुक्त किया गया, लेकिन तीन साल बाद बर्लिन लौट आए। ऑर्केस्ट्रा के संगीतकार उनसे खुश नहीं थे.

अपनी पुस्तक के पन्नों पर, हम पहले ही कई संगीत प्रतिभाओं से मिल चुके हैं, और केमिली सेंट-सैंसउनमें अंतिम स्थान नहीं है। दो साल की उम्र में, सेंट-सेन्स पहले से ही पियानो पर धुनें बजा रहा था, और साथ ही उसने संगीत पढ़ना और लिखना भी सीखा। तीन साल की उम्र से वह नाटक खेल रहे थे स्वयं की रचना. दस साल की उम्र में उन्होंने मोजार्ट और बीथोवेन का उत्कृष्ट प्रदर्शन किया। हालाँकि, उन्हें कीट विज्ञान (तितलियों और कीड़ों) में और बाद में भूविज्ञान, खगोल विज्ञान और दर्शन सहित अन्य विज्ञानों में गंभीरता से रुचि हो गई। ऐसा लग रहा था प्रतिभाशाली बच्चाबस एक चीज़ तक सीमित नहीं किया जा सकता।

पेरिस कंज़र्वेटरी से स्नातक होने के बाद, सेंट-सेन्स ने कई वर्षों तक एक ऑर्गेनिस्ट के रूप में काम किया। उम्र के साथ-साथ उनका प्रभाव भी पड़ने लगा संगीतमय जीवनफ्रांस, और यह उनके लिए धन्यवाद था कि जे.एस. बाख, मोजार्ट, हैंडेल और ग्लक जैसे संगीतकारों का संगीत अधिक बार प्रदर्शित किया जाने लगा।

अधिकांश प्रसिद्ध निबंधसंत - संसा - पशु कार्निवल,जिसे संगीतकार ने अपने जीवनकाल में प्रदर्शित करने से मना किया था। वह चिंतित था कि कैसे संगीत समीक्षक, इस काम को सुनने के बाद, इसे बहुत तुच्छ नहीं माना। आख़िरकार, यह मज़ेदार है जब मंच पर ऑर्केस्ट्रा एक शेर, मुर्गे के साथ मुर्गियाँ, कछुए, एक हाथी, एक कंगारू, मछली, पक्षियों, एक गधे और एक हंस के साथ एक मछलीघर को चित्रित करता है।

सेंट-सेन्स ने अपनी कुछ अन्य रचनाएँ वाद्ययंत्रों के कम-से-कम संयोजनों के लिए लिखीं, जिनमें प्रसिद्ध भी शामिल हैं "ऑर्गन" सिम्फनी नंबर 3,फिल्म "बेब" में आवाज दी गई।

सेंट-सेन्स के संगीत ने अन्य फ्रांसीसी संगीतकारों के काम को प्रभावित किया गेब्रियल फॉरे.इस युवक को सेंट मैग्डलीन के पेरिस चर्च में ऑर्गेनिस्ट का पद विरासत में मिला, जो पहले सेंट-सेन्स के पास था।

और यद्यपि फ़ौरे की प्रतिभा की तुलना उसके शिक्षक की प्रतिभा से नहीं की जा सकती, वह एक महान पियानोवादक थे।

फॉरे एक गरीब आदमी था और इसलिए उसने कड़ी मेहनत की, ऑर्गन बजाया, गाना बजानेवालों को निर्देशित किया और सबक दिया। वह लिख रहा था खाली समय, जो बहुत कम रह गया, लेकिन इसके बावजूद, वह अपने ढाई सौ से अधिक कार्यों को प्रकाशित करने में सफल रहा। उनमें से कुछ की रचना बहुत लंबे समय के लिए की गई थी: उदाहरण के लिए, इस पर काम करें Requiemबीस वर्षों से अधिक समय तक चला।

1905 में, फ़ॉरे पेरिस कंज़र्वेटरी के निदेशक बने, यानी वह व्यक्ति जिस पर उस समय के फ्रांसीसी संगीत का विकास काफी हद तक निर्भर था। पंद्रह साल बाद फॉरे सेवानिवृत्त हो गए। अपने जीवन के अंत में उन्हें सुनने की क्षमता में कमी आ गई।

आज फ़ौरे को फ़्रांस के बाहर भी सम्मानित किया जाता है, हालाँकि उन्हें वहीं सबसे अधिक सराहा जाता है।

प्रशंसकों के लिए अंग्रेजी संगीतऐसी आकृति का प्रकट होना एडवर्ड एल्गर,यह सचमुच एक चमत्कार जैसा प्रतीत हुआ होगा। कई संगीत इतिहासकार उन्हें प्रथम महत्वपूर्ण व्यक्ति के रूप में संदर्भित करते हैं अंग्रेजी संगीतकारहेनरी पुरसेल के बाद, जिन्होंने बारोक काल के दौरान काम किया था, हालाँकि कुछ समय पहले हमने आर्थर सुलिवन का भी उल्लेख किया था।

एल्गर को इंग्लैंड से बहुत प्यार था, खासकर अपने मूल देश वॉर्सेस्टरशायर से, जहां उन्होंने अपना अधिकांश जीवन माल्वर्न हिल्स के खेतों में प्रेरणा पाते हुए बिताया।

एक बच्चे के रूप में, वह हर जगह संगीत से घिरा हुआ था: उसके पिता एक स्थानीय संगीत स्टोर के मालिक थे और छोटे एल्गर को विभिन्न बजाना सिखाया करते थे संगीत वाद्ययंत्र. बारह साल की उम्र में, लड़का पहले से ही चर्च सेवाओं में ऑर्गेनिस्ट की जगह ले रहा था।

एक वकील के कार्यालय में काम करने के बाद, एल्गर ने खुद को बहुत कम आर्थिक रूप से सुरक्षित व्यवसाय में समर्पित करने का फैसला किया। कुछ समय तक उन्होंने अंशकालिक काम किया, वायलिन और पियानो की शिक्षा दी, स्थानीय आर्केस्ट्रा में बजाया और थोड़ा संचालन भी किया।

धीरे-धीरे, एक संगीतकार के रूप में एल्गर की प्रसिद्धि बढ़ती गई, हालाँकि उन्हें अपनी मूल काउंटी के बाहर अपना रास्ता बनाने के लिए संघर्ष करना पड़ा। प्रसिद्धि उसे ले आई विविधताएँ चालू मूल विषय, जो अब बेहतर रूप में जाने जाते हैं पहेली विविधताएँ.

अब एल्गर का संगीत बहुत अंग्रेजी माना जाता है और राष्ट्रीय स्तर की सबसे बड़ी घटनाओं के दौरान बजता है। इसकी पहली ध्वनि पर सेलो कॉन्सर्टोअंग्रेजी देहात तुरंत प्रकट होता है। निमरॉडसे बदलावअक्सर आधिकारिक समारोहों में बजाया जाता है, और गंभीर और औपचारिक मार्च नंबर 1,जाना जाता है आशा और गौरव की भूमिपर प्रदर्शन करें स्नातक पार्टियाँपूरे ब्रिटेन में.

एल्गर एक पारिवारिक व्यक्ति था और शांत, व्यवस्थित जीवन पसंद करता था। फिर भी, उन्होंने इतिहास पर अपनी छाप छोड़ी। घनी रसीली मूंछों वाले इस संगीतकार को बीस पाउंड के बैंकनोट पर तुरंत देखा जा सकता है। जाहिर है, बैंकनोट डिजाइनरों ने पाया कि ऐसे चेहरे के बालों को नकली बनाना बहुत मुश्किल होगा।

इटली में ओपेरा कला में ग्यूसेप वर्डी के उत्तराधिकारी थे जियाकोमो पुक्किनी, इस कला के मान्यता प्राप्त विश्व उस्तादों में से एक माने जाते हैं।

पुक्किनी परिवार लंबे समय से जुड़ा हुआ है चर्च संगीतलेकिन जब जियाकोमो ने पहली बार ओपेरा सुना ऐदावर्डी, उसे एहसास हुआ कि यह उसकी बुलाहट थी।

मिलान में अध्ययन करने के बाद, पुकिनी ने एक ओपेरा की रचना की मैनन लेस्को, जिससे उन्हें 1893 में पहली बड़ी सफलता मिली। उसके बाद, एक सफल उत्पादन के बाद दूसरा उत्पादन हुआ: बोहेमिया 1896 में, तड़प 1900 में और मदमा तितली 1904 में.

कुल मिलाकर, पुक्किनी ने बारह ओपेरा की रचना की, जिनमें से अंतिम था टरंडोट।इस रचना को पूरा किये बिना ही उनकी मृत्यु हो गयी और दूसरे संगीतकार ने यह रचना पूरी की। ओपेरा के प्रीमियर पर, कंडक्टर आर्टुरो टोस्कानिनी ने ऑर्केस्ट्रा को ठीक उसी जगह रोक दिया, जहां पुक्किनी ने छोड़ा था। वह दर्शकों की ओर मुड़े और बोले:

पुक्किनी की मृत्यु के साथ, इटली की ओपेरा कला का उत्कर्ष समाप्त हो गया। हमारी पुस्तक में अब इतालवी का उल्लेख नहीं होगा ओपेरा संगीतकार. लेकिन कौन जानता है कि भविष्य में हमारे लिए क्या होगा?

ज़िन्दगी में गुस्ताव महलरवह एक संगीतकार की तुलना में एक कंडक्टर के रूप में अधिक जाने जाते थे। वह सर्दियों में संचालन करते थे, और गर्मियों में, एक नियम के रूप में, वह लिखना पसंद करते थे।

कहा जाता है कि एक बच्चे के रूप में, महलर को अपनी दादी के घर की अटारी में एक पियानो मिला था। चार साल बाद, दस साल की उम्र में, उन्होंने अपना पहला प्रदर्शन दिया।

महलर ने वियना कंजर्वेटरी में अध्ययन किया, जहां उन्होंने संगीत रचना शुरू की। 1897 में वे वियना स्टेट ओपेरा के निदेशक बने और अगले दस वर्षों में उन्होंने इस क्षेत्र में काफी प्रसिद्धि प्राप्त की।

उन्होंने स्वयं तीन ओपेरा लिखना शुरू किया, लेकिन उन्हें कभी ख़त्म नहीं किया। हमारे समय में, उन्हें सिम्फनी के संगीतकार के रूप में जाना जाता है। इस शैली में, वह वास्तविक "हिट" में से एक का मालिक है - सिम्फनी नंबर 8,जिसके प्रदर्शन में एक हजार से अधिक संगीतकार और गायक शामिल होते हैं।

महलर की मृत्यु के बाद, उनका संगीत पचास वर्षों के लिए फैशन से बाहर हो गया, लेकिन 20वीं सदी के उत्तरार्ध में इसने फिर से लोकप्रियता हासिल की, खासकर ग्रेट ब्रिटेन और संयुक्त राज्य अमेरिका में।

रिचर्ड स्ट्रॉसजर्मनी में और राजवंश में पैदा हुए विनीज़ स्ट्रॉससंबंधित नहीं था. इस तथ्य के बावजूद कि यह संगीतकार 20वीं शताब्दी के लगभग पूरे पूर्वार्ध में जीवित रहा, फिर भी उसे जर्मन संगीत रूमानियत का प्रतिनिधि माना जाता है।

रिचर्ड स्ट्रॉस की विश्वव्यापी लोकप्रियता को इस तथ्य से कुछ हद तक नुकसान हुआ कि उन्होंने 1939 के बाद जर्मनी में रहने का फैसला किया और द्वितीय विश्व युद्ध के बाद उन पर नाज़ियों के साथ सहयोग करने का पूरी तरह से आरोप लगाया गया।

स्ट्रॉस एक उत्कृष्ट संवाहक थे, जिसकी बदौलत वह पूरी तरह से समझते थे कि ऑर्केस्ट्रा में यह या वह वाद्ययंत्र कैसा बजना चाहिए। उन्होंने अक्सर इस ज्ञान को व्यवहार में लागू किया। उन्होंने अन्य संगीतकारों को भी कई सलाह दीं, जैसे:

"ट्रॉम्बोन्स को कभी न देखें, आप केवल उन्हें प्रोत्साहित करते हैं।"

“प्रदर्शन करते समय पसीना मत बहाओ; सिर्फ सुनने वालों का पारा चढ़ना चाहिए।”

आज स्ट्रॉस को मुख्य रूप से उनकी रचना के सिलसिले में याद किया जाता है जरथुस्त्र ने इस प्रकार कहा,वह परिचय जिसका उपयोग स्टैनली कुब्रिक ने अपनी फिल्म 2001: ए स्पेस ओडिसी में किया था। लेकिन उन्होंने कुछ बेहतरीन जर्मन ओपेरा भी लिखे, उनमें से - रोसेनकवेलियर, सैलोमऔर नक्सोस पर एराडने।अपनी मृत्यु से एक वर्ष पूर्व उन्होंने बहुत सुन्दर रचनाएँ भी कीं चार नये गाने आवाज़ और ऑर्केस्ट्रा के लिए. दरअसल, ये स्ट्रॉस के आखिरी गाने नहीं थे, बल्कि ये उनकी रचनात्मक गतिविधि का एक प्रकार का समापन बन गए।

अब तक, इस पुस्तक में उल्लिखित संगीतकारों में स्कैंडिनेविया का केवल एक ही प्रतिनिधि था - एडवर्ड ग्रिग। लेकिन अब हमें फिर से इस कठोर और ठंडी भूमि पर ले जाया गया है - इस बार फिनलैंड में, जहां जीन सिबेलियस,महान संगीत प्रतिभा.

सिबेलियस के संगीत ने अपनी मातृभूमि के मिथकों और किंवदंतियों को समाहित कर लिया। उसका सबसे बड़ा काम, फिनलैंड,यूके की तरह ही इसे फिन्स की राष्ट्रीय भावना का अवतार माना जाता है राष्ट्रीय खजानाएल्गर के कार्यों को मान्यता प्राप्त है। इसके अलावा, सिबेलियस, महलर की तरह, सिम्फनी का सच्चा स्वामी था।

जहाँ तक संगीतकार के अन्य शौक की बात है, अपने दैनिक जीवन में वह शराब पीने और धूम्रपान के अत्यधिक शौकीन थे, यहाँ तक कि लगभग चालीस वर्ष की आयु में वे गले के कैंसर से पीड़ित हो गये। उनके पास अक्सर पैसे की कमी होती थी, और राज्य उन्हें पेंशन देता था ताकि वह अपनी वित्तीय भलाई की चिंता किए बिना संगीत लिखना जारी रख सकें। लेकिन अपनी मृत्यु से बीस वर्ष से अधिक पहले, सिबेलियस ने कुछ भी रचना करना बंद कर दिया। उन्होंने अपना शेष जीवन सापेक्ष एकांत में बिताया। वह उन लोगों के प्रति विशेष रूप से कठोर थे जिन्हें उनके संगीत की समीक्षाओं के लिए धन मिलता था:

“आलोचक क्या कहते हैं उस पर ध्यान न दें। अब तक एक भी आलोचक को मूर्ति नहीं दी गई है.''

रोमांटिक काल के संगीतकारों की हमारी सूची में अंतिम भी लगभग 20वीं सदी के मध्य तक जीवित रहे, हालाँकि उनके अधिकांश प्रसिद्ध कृतियांउन्होंने 1900 के दशक में लिखा था। और फिर भी उन्हें रोमांटिक लोगों में स्थान दिया गया है, और हमें ऐसा लगता है कि यह पूरे समूह का सबसे रोमांटिक संगीतकार है।

सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोवका जन्म एक कुलीन परिवार में हुआ था, जो उस समय तक बहुत सारा पैसा खर्च कर चुका था। उन्होंने शुरू से ही संगीत में रुचि विकसित की बचपन, और उसके माता-पिता ने उसे पढ़ने के लिए भेजा, पहले सेंट पीटर्सबर्ग में, और फिर मॉस्को में।

राचमानिनोव आश्चर्यजनक रूप से प्रतिभाशाली पियानोवादक थे, और वह एक अद्भुत संगीतकार भी बने।

मेरा पियानो कॉन्सर्टो नंबर 1उन्होंने उन्नीस साल की उम्र में लिखा। उन्हें अपने पहले ओपेरा के लिए भी समय मिला, अलेको.

लेकिन ये जिंदगी महान संगीतकार, एक नियम के रूप में, विशेष रूप से प्रसन्न नहीं था। कई तस्वीरों में हम एक गुस्से में, भौंहें चढ़ाए हुए आदमी को देखते हैं। एक अन्य रूसी संगीतकार, इगोर स्ट्राविंस्की ने एक बार टिप्पणी की थी:

“राचमानिनोव का अमर सार उसकी भ्रूभंग थी। वह साढ़े छह फीट का था... वह एक डरावना आदमी था।"

जब युवा राचमानिनॉफ़ ने त्चिकोवस्की के लिए खेला, तो वह इतना खुश हुआ कि उसने अपने स्कोर की शीट पर चार प्लस के साथ पांच अंक डाल दिए - मॉस्को कंज़र्वेटरी के इतिहास में उच्चतम अंक। जल्द ही ओह युवा प्रतिभापूरा शहर बोला.

फिर भी, भाग्य लंबे समय तक संगीतकार के प्रतिकूल रहा।

आलोचक उन पर बहुत कठोर थे। सिम्फनीज़ नंबर 1,जिसका प्रीमियर विफलता में समाप्त हुआ। इससे राचमानिनॉफ़ को कठिन समय मिला। आत्मा की भावनाएँ, उसने अपनी ताकत पर विश्वास खो दिया और कुछ भी नहीं लिख सका।

अंत में, केवल एक अनुभवी मनोचिकित्सक निकोलाई डाहल की मदद से ही उन्हें संकट से बाहर निकलने में मदद मिली। 1901 तक, राचमानिनॉफ़ ने पियानो कॉन्सर्टो पूरा कर लिया था, जिसे उन्होंने कई वर्षों तक कड़ी मेहनत करके डॉ. डाहल को समर्पित किया था। इस बार दर्शकों ने संगीतकार के काम का खुशी से स्वागत किया। के बाद से पियानो कॉन्सर्टो नंबर 2पसंदीदा बन गया क्लासिकविभिन्न द्वारा किया गया संगीत समूहदुनिया भर।

राचमानिनॉफ़ ने यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका का दौरा शुरू किया। रूस लौटकर उन्होंने संचालन और रचना की।

1917 की क्रांति के बाद, राचमानिनोव और उनका परिवार स्कैंडिनेविया में संगीत समारोहों में गए। वह कभी घर नहीं लौटा. इसके बजाय, वह स्विट्जरलैंड चले गए, जहां उन्होंने ल्यूसर्न झील के तट पर एक घर खरीदा। उसे हमेशा जल निकायों से प्यार था और अब, जब वह काफी अमीर आदमी बन गया, तो वह तट पर आराम कर सकता था और खुले परिदृश्य की प्रशंसा कर सकता था।

राचमानिनॉफ़ एक उत्कृष्ट संवाहक थे और वे हमेशा उन लोगों को निम्नलिखित सलाह देते थे जो इस क्षेत्र में उत्कृष्टता प्राप्त करना चाहते थे:

“एक अच्छा कंडक्टर एक अच्छा ड्राइवर होना चाहिए। दोनों को समान गुणों की आवश्यकता है: एकाग्रता, निरंतर गहन ध्यान और मन की उपस्थिति। कंडक्टर को केवल संगीत का थोड़ा ज्ञान होना चाहिए…”

1935 में राचमानिनॉफ ने संयुक्त राज्य अमेरिका में बसने का फैसला किया। वह पहले न्यूयॉर्क में रहे, और फिर लॉस एंजिल्स चले गए। वहां उन्होंने अपने लिए निर्माण करना शुरू किया नया घर, बिल्कुल वैसा ही जैसा उसने मॉस्को में छोड़ा था।

टर्चिन वी एस

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इतिहास "जीवित" है: रोमांस से व्यावहारिकता तक साहित्यिक विद्वान अक्सर साहित्य से अपनी स्वतंत्रता पर जोर देते हैं और उन लोगों के बारे में बोलते हैं, जिन्हें इचिथोलॉजी के बारे में लिखने के लिए रीबा होने की आवश्यकता नहीं है। मैं फिट नहीं हूं. इस बात के लिए उपयुक्त नहीं कि मैं स्वयं एक रीबा हूं, मैं एक लेखक-साहित्यिक विद्वान हूं,

रूमानियत के युग में संगीत ने कला प्रणाली में सर्वोपरि स्थान प्राप्त कर लिया। यह इसकी विशिष्टता के कारण है, जो आपको अभिव्यंजक साधनों के संपूर्ण शस्त्रागार की सहायता से भावनात्मक अनुभवों को पूरी तरह से प्रतिबिंबित करने की अनुमति देता है।

संगीत में रूमानियतवाद उन्नीसवीं सदी में एफ. शूबर्ट, ई. हॉफमैन, एन. पगनिनी, के.एम. की रचनाओं में दिखाई देता है। वेबर, जी. रॉसिनी। थोड़ी देर बाद, यह शैली एफ. मेंडेलसोहन, एफ. चोपिन, आर. शुमान, एफ. लिस्ज़त, जी. वर्डी और अन्य संगीतकारों के कार्यों में परिलक्षित हुई।

रूमानियतवाद की उत्पत्ति यूरोप में उन्नीसवीं सदी की शुरुआत में हुई। यह क्लासिकवाद का एक प्रकार का विरोध बन गया। रूमानियत ने श्रोता को अंदर घुसने की अनुमति दी जादू की दुनियाकिंवदंतियाँ, गीत और कहानियाँ। इस दिशा का प्रमुख सिद्धांत विरोध है (सपने और रोजमर्रा की जिंदगी, संपूर्ण विश्वऔर रोजमर्रा की जिंदगी), बनाया गया रचनात्मक कल्पनासंगीतकार. यह शैली लोकप्रिय थी सर्जनात्मक लोग 19वीं सदी के चालीसवें दशक तक.

संगीत में रूमानियतवाद समस्याओं को दर्शाता है आधुनिक आदमी, इसके साथ संघर्ष है बाहर की दुनियाऔर उसका अकेलापन. ये विषय संगीतकारों के काम का केंद्र बन जाते हैं। दूसरों के विपरीत प्रतिभाशाली होने के कारण, एक व्यक्ति को लगातार यह महसूस होता है कि दूसरे उसे गलत समझ रहे हैं। उनकी प्रतिभा अकेलेपन का कारण बन जाती है। यही कारण है कि रोमांटिक संगीतकारों के पसंदीदा नायक कवि, संगीतकार और कलाकार हैं (आर. शुमान "द लव ऑफ ए पोएट"; बर्लियोज़ उपशीर्षक "एन एपिसोड फ्रॉम द लाइफ ऑफ ए आर्टिस्ट" से लेकर "फैंटास्टिक सिम्फनी" आदि हैं। ).

किसी व्यक्ति के आंतरिक अनुभवों की दुनिया को व्यक्त करते हुए, संगीत में रूमानियत अक्सर आत्मकथा, ईमानदारी और गीतकारिता का पुट लिए होती है। प्रेम और जुनून के विषयों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। जैसे, प्रसिद्ध संगीतकारआर. शुमान ने कई पियानो टुकड़े अपनी प्रिय क्लारा विएक को समर्पित किए।

रोमांटिक लोगों के काम में प्रकृति का विषय भी काफी आम है। संगीतकार अक्सर इसका विरोध करते हैं मन की स्थितिआदमी, असामंजस्य के रंगों से रंगा हुआ।

फंतासी का विषय रोमांटिकता की वास्तविक खोज बन गया है। वे विभिन्न प्रकार के तत्वों के माध्यम से शानदार पात्रों के निर्माण और उनकी छवियों के हस्तांतरण पर सक्रिय रूप से काम कर रहे हैं। संगीतमय भाषा(मोजार्ट " जादुई बांसुरी"- रात की रानी)।

अक्सर संगीत में रूमानियत का उल्लेख होता है लोक कला. संगीतकार अपने कार्यों में गीतों और गाथागीतों से लिए गए विभिन्न प्रकार के लोकगीत तत्वों (लय, स्वर, पुराने तरीके) का उपयोग करते हैं। यह आपको संगीत नाटकों की सामग्री को महत्वपूर्ण रूप से समृद्ध करने की अनुमति देता है।

नई छवियों और विषयों के उपयोग के लिए उपयुक्त रूपों आदि की खोज आवश्यक हो गई रोमांटिक कार्यभाषण के स्वर, प्राकृतिक सामंजस्य, विभिन्न कुंजियों का विरोध, एकल भाग (आवाज़ें) दिखाई देते हैं।

संगीत में स्वच्छंदतावाद ने कलाओं के संश्लेषण के विचार को मूर्त रूप दिया। इसका एक उदाहरण शुमान, बर्लियोज़, लिस्ज़त और अन्य संगीतकारों (सिम्फनी "हेरोल्ड इन इटली", कविता "प्रील्यूड्स", चक्र "इयर्स ऑफ वांडरिंग्स", आदि) की प्रोग्रामेटिक रचनाएँ हैं।

रूसी रूमानियतवाद एम. ग्लिंका, एन. रिमस्की-कोर्साकोव, ए. बोरोडिन, सी. कुई, एम. बालाकिरेव, पी. त्चिकोवस्की और अन्य के कार्यों में स्पष्ट रूप से परिलक्षित होता था।

अपने कार्यों में, ए. डार्गोमीज़्स्की बहुआयामी मनोवैज्ञानिक छवियों ("मरमेड", रोमांस) को व्यक्त करते हैं। ओपेरा इवान सुसैनिन में, एम. ग्लिंका ने आम रूसी लोगों के जीवन के चित्र चित्रित किए हैं। दायीं ओर, प्रसिद्ध "माइटी हैंडफुल" के संगीतकारों के कार्यों को शिखर माना जाता है। उन्होंने उपयोग किया अभिव्यक्ति का साधनऔर रूसी में निहित विशिष्ट स्वर-शैली लोक - गीत, घरेलू संगीत, बोलचाल की भाषा.

इसके बाद, इस शैली का उपयोग ए स्क्रिबिन (प्रस्तावना "ड्रीम्स", कविता "टू द फ्लेम") और एस राचमानिनोव (स्केच-चित्र, ओपेरा "एलेको", कैंटाटा "स्प्रिंग") द्वारा भी किया गया था।