Kultur Westeuropas im 18. Jahrhundert. Die wichtigsten Dominanten der Kultur der europäischen Aufklärung des 18. Jahrhunderts und der westlichen Kultur des 18. Jahrhunderts

Das Senden Ihrer guten Arbeit an die Wissensdatenbank ist ganz einfach. Nutzen Sie das untenstehende Formular

Studierende, Doktoranden und junge Wissenschaftler, die die Wissensbasis in ihrem Studium und ihrer Arbeit nutzen, werden Ihnen sehr dankbar sein.

Einführung

Kapitel I Die Grundwerte der Aufklärung

Kapitel II: Entwicklung der Wissenschaft im Zeitalter der Aufklärung

Kapitel III Stil- und Genremerkmale der Kunst des 18. Jahrhunderts

Abschluss

Literaturverzeichnis

EINFÜHRUNG

Die Relevanz der Beschäftigung mit diesem Thema steht in direktem Zusammenhang mit der Bedeutung des betrachteten Zeitraums für die Entwicklung der Kulturwissenschaften.

Europäische Kultur des 17.-19. Jahrhunderts. Es ist üblich, die Kultur des New Age mit einem gemeinsamen Konzept zu verbinden, das durch die Entstehung und Entwicklung der kapitalistischen Produktionsweise gekennzeichnet ist.

Für die Länder Europas der Beginn des 17. Jahrhunderts. weitgehend geprägt von der politischen Reaktion, die als Folge der Ereignisse des späten 16. Jahrhunderts stattfand. Der Bauernkrieg in Deutschland (1524-1525), der in vielerlei Hinsicht eine Fortsetzung der Volksbewegung gegen die katholische Kirche war, endete mit der Niederlage der Rebellen.

Die Folge davon war der Triumph der feudalen Macht mit ihrer Zersplitterung und dem geringen sozioökonomischen und kulturellen Entwicklungsstand. Tatsächlich wurde die erste bürgerliche Revolution in Europa besiegt. Frankreich ist in Religions- und Bürgerkriege verwickelt.

Gegenstand der Studie ist der Prozess der kulturellen Entwicklung in Westeuropa im 18. Jahrhundert.

Gegenstand der Studie sind die wichtigsten Errungenschaften der kulturellen Entwicklung in Westeuropa.

Der Zweck dieser Arbeit ist die Notwendigkeit, den Prozess der kulturellen Entwicklung in Westeuropa im 18. Jahrhundert zu charakterisieren.

Um dieses Ziel zu erreichen, müssen mehrere der folgenden Aufgaben gelöst werden:

1. Identifizieren Sie die Hauptwerte der Aufklärung.

2. Beschreiben Sie die Entwicklung der Wissenschaft in der Aufklärung.

3. Heben Sie die wichtigsten Stil- und Genremerkmale der Kunst im 18. Jahrhundert hervor.

Die folgenden Methoden wurden in der Arbeit verwendet: beschreibend, Synthese, Analyse, Induktion, Deduktion, Statistik.

In dieser Arbeit haben wir hauptsächlich monografische und pädagogische Literatur verwendet. Die Verwendung dieser Art von Literatur ermöglicht es uns, die wichtigsten Errungenschaften in der Entwicklung der Kultur des 18. Jahrhunderts zu charakterisieren.

KapitelICH. Grundwerte der Aufklärung

Aufklärung ist ein notwendiger Schritt in der kulturellen Entwicklung eines jeden Landes, das sich von der feudalen Lebensweise trennt. Aufklärung ist grundsätzlich demokratisch, sie ist eine Kultur für das Volk.

Sie sieht ihre Hauptaufgabe in der Erziehung und Bildung, darin, alle und jeden mit Wissen vertraut zu machen.

Wie jede bedeutende kulturelle und historische Epoche formulierte auch die Aufklärung ihr Ideal und versuchte, es mit der Realität zu vergleichen, es so schnell wie möglich und so vollständig wie möglich in die Praxis umzusetzen.

Mit der Idee der Persönlichkeitsbildung zeigten die Pädagogen, dass ein Mensch über geistige, geistige und körperliche Stärke verfügt. Die Menschen kommen gleichberechtigt auf die Welt, mit ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen, deren Befriedigung in der Schaffung vernünftiger und gerechter Formen der menschlichen Gemeinschaft liegt. Die Gedanken der Aufklärer sind von der Idee der Gleichheit begeistert: nicht nur vor Gott, sondern auch vor Gesetzen, vor anderen Menschen.

Die Idee der Gleichheit aller Menschen vor dem Gesetz, vor der Menschheit steht an erster Stelle Besonderheit das Zeitalter der Aufklärung.

Es ist nicht verwunderlich, dass die Religion in der Form, in der sie von der Kirche präsentiert wurde, den atheistischen Pädagogen im Eifer des Kampfes um Extreme als Feind des Menschen vorkam. In den Augen der aufklärerischen Deisten verwandelte sich Gott in eine Kraft, die lediglich eine bestimmte Ordnung in die ewig existierende Materie einführte. Während der Aufklärung erfreute sich die Vorstellung von Gott als großem Mechaniker und der Welt als riesigem Mechanismus besonderer Beliebtheit.

Dank der Errungenschaften der Naturwissenschaften entstand die Idee, dass die Zeit der Wunder und Mysterien vorbei sei, dass alle Geheimnisse des Universums gelüftet seien und dass das Universum und die Gesellschaft logischen Gesetzen unterliegen, die dem menschlichen Geist zugänglich sind. Der Sieg der Vernunft ist das zweite charakteristische Merkmal der Ära.

Das dritte charakteristische Merkmal der Aufklärung ist der historische Optimismus.

Das Zeitalter der Aufklärung kann zu Recht als „goldenes Zeitalter der Utopie“ bezeichnet werden. Zur Aufklärung gehörte in erster Linie der Glaube an die Fähigkeit, einen Menschen zum Besseren zu verändern und politische und gesellschaftliche Grundlagen „rational“ zu verändern.

Ein Leitfaden für die Schöpfer von Utopien des 18. Jahrhunderts. diente als „natürlicher“ oder „natürlicher“ Zustand der Gesellschaft, ohne Privateigentum und Unterdrückung zu kennen, ohne Klasseneinteilung, nicht im Luxus zu ertrinken und nicht von Armut belastet, nicht von Lastern betroffen, im Einklang mit der Vernunft zu leben und nicht „gemäß“. zu künstlichen" Gesetzen. Es handelte sich um einen ausschließlich fiktiven, spekulativen Gesellschaftstyp, den Rousseau zufolge möglicherweise nie existiert hat und der höchstwahrscheinlich auch nie in der Realität existieren wird.

Das Renaissance-Ideal eines freien Menschen erhält das Attribut der Universalität. Und Verantwortung: Ein aufgeklärter Mensch denkt nicht nur an sich selbst, sondern auch an andere, an seinen Platz in der Gesellschaft. Aufklärer konzentrieren sich auf das Problem der besten sozialen Struktur. Die Aufklärer glaubten an die Möglichkeit, eine harmonische Gesellschaft aufzubauen.

Tiefgreifende Veränderungen im gesellschaftspolitischen und spirituellen Leben Europas, verbunden mit der Entstehung und Entwicklung bürgerlicher Wirtschaftsbeziehungen, bestimmten die wichtigsten Dominanten Kultur XVIII Jahrhundert.

Die Hauptzentren der Aufklärung waren England, Frankreich und Deutschland.

Ab 1689 – dem Jahr der letzten Revolution in England – beginnt das Zeitalter der Aufklärung. Es war eine glorreiche Ära, die mit einer Revolution begann und mit drei endete: industriell in England, politisch in Frankreich, philosophisch und ästhetisch in Deutschland. Hundert Jahre lang – von 1689 bis 1789. - Die Welt hat sich verändert. Die Überreste des Feudalismus erodierten immer mehr, die bürgerlichen Verhältnisse, die sich nach der Großen Französischen Revolution endgültig etablierten, wurden immer lauter.

Das 18. Jahrhundert bereitete auch den Weg für die Vorherrschaft der bürgerlichen Kultur. Die alte, feudale Ideologie wurde durch die Zeit der Philosophen, Soziologen, Ökonomen und Schriftsteller des neuen Zeitalters der Aufklärung ersetzt.

In der Philosophie wandte sich die Aufklärung gegen jede Metaphysik (die Wissenschaft von übersinnlichen Prinzipien und Seinsprinzipien). Es trug zur Entwicklung jeglicher Art von Rationalismus (Anerkennung der Vernunft als Grundlage menschlichen Wissens und Verhaltens) in der Wissenschaft bei – zur Entwicklung der Naturwissenschaften, deren Errungenschaften sie oft zur Rechtfertigung der wissenschaftlichen Legitimität von Ansichten und Glauben nutzt Fortschritt. Es ist kein Zufall, dass die Zeit der Aufklärung selbst in manchen Ländern nach Philosophen benannt wurde. In Frankreich beispielsweise wurde diese Zeit das Zeitalter Voltaires genannt, in Deutschland das Zeitalter Kants.

In der Geschichte der Menschheit beschäftigten sich Aufklärer mit globalen Problemen:

Wie ist der Staat entstanden? Wann und warum ist Ungleichheit entstanden? Was ist Fortschritt? Und auf diese Fragen gab es ebenso rationale Antworten wie damals, als es um den „Mechanismus“ des Universums ging.

Auf dem Gebiet der Moral und Pädagogik predigte die Aufklärung die Ideale der Menschheit und setzte große Hoffnungen auf die magische Kraft der Bildung.

Im Bereich der Politik, der Rechtswissenschaft und des sozioökonomischen Lebens - die Befreiung des Menschen von ungerechten Bindungen, die Gleichheit aller Menschen vor dem Gesetz, vor der Menschheit. Zum ersten Mal musste die Epoche die seit langem bekannte Frage nach der Würde des Menschen in solch akuten Formen lösen. IN verschiedene Bereiche Aktivität, sie wurde auf unterschiedliche Weise verändert, führte aber unweigerlich zu grundlegend neuen, ihrem Wesen nach innovativen Entdeckungen.

Wenn wir zum Beispiel über Kunst sprechen, ist es kein Zufall, dass diese besondere Ära für sich selbst so unerwartet war, aber so effektiv gezwungen war, nicht nur auf das Problem „Kunst und Revolution“, sondern auch auf das Problem der künstlerischen Entdeckung zu reagieren. geboren in den Tiefen des entstehenden neuen Bewusstseinstyps.

Die Aufklärer waren Materialisten und Idealisten, Anhänger des Rationalismus, des Sensationalismus (Empfindungen galten als Grundlage von Wissen und Verhalten) und sogar der göttlichen Vorsehung (sie vertrauten auf den Willen Gottes). Einige von ihnen glaubten an den unvermeidlichen Fortschritt der Menschheit, während andere die Geschichte als einen sozialen Rückschritt betrachteten. Daher die Besonderheit des Konflikts zwischen Geschichtsbewusstsein Epoche und das von ihr entwickelte historische Wissen - der Konflikt verschärft sich umso mehr, je gründlicher die Epoche selbst ihre historischen Präferenzen, eine besondere Rolle in der gegenwärtigen und zukünftigen Entwicklung der Menschheit, festlegt. Als Strömung des gesellschaftlichen Denkens war die Aufklärung eine Art Einheit. Es bestand in einer besonderen Geisteshaltung, intellektuellen Neigungen und Vorlieben. Dies sind in erster Linie die Ziele und Ideale der Aufklärung, wie Freiheit, Wohlergehen und Glück der Menschen, Frieden, Gewaltlosigkeit, religiöse Toleranz usw. sowie die berühmte Freidenkerhaltung, eine kritische Haltung gegenüber Autoritäten aller Art, Ablehnung von Dogmen, auch kirchlicher.

Das Zeitalter der Aufklärung war ein wichtiger Wendepunkt in der spirituellen Entwicklung Europas, der nahezu alle Bereiche des gesellschaftspolitischen und kulturellen Lebens beeinflusste. Nachdem die Aufklärer die politischen und rechtlichen Normen, ästhetischen und ethischen Kodizes der alten Klassengesellschaft entlarvt hatten, leisteten sie eine gigantische Arbeit an der Schaffung eines positiven Wertesystems, das sich in erster Linie an eine Person richtete, unabhängig von ihrer sozialen Zugehörigkeit, die organisch ins Blut gelangte und Fleisch der westlichen Zivilisation.

Aufklärer kamen aus verschiedenen Klassen und Ständen: Aristokratie, Adlige, Geistliche, Angestellte, Vertreter von Handels- und Industriekreisen. Auch die Bedingungen, unter denen sie lebten, waren unterschiedlich. In jedem Land war die Aufklärungsbewegung von einer nationalen Identität geprägt.

KapitelII. Die Entwicklung der Wissenschaft im Zeitalter der Aufklärung

Frankreich ist zu Beginn des Jahrhunderts durch eine bedeutende Entwicklung antireligiöser Tendenzen gekennzeichnet, die zu einem der wichtigsten Aspekte der Aufklärung wurden.

Das erste und radikalste atheistische Werk, das Anfang der 1930er Jahre in Frankreich kursierte, war das „Testament“ des Landpriesters J. Mellier, wonach „alles, was Ihre Theologen und Priester Ihnen mit solcher Begeisterung und Beredsamkeit predigen, über Größe und Überlegenheit.“ und die Heiligkeit der Sakramente, zu deren Anbetung sie dich zwingen, alles, was sie dir mit so viel Ernst über ihre imaginären Wunder erzählen, alles, was sie dir mit so viel Eifer und Zuversicht über himmlische Belohnungen und schreckliche höllische Qualen beschreiben – all das ist im Wesentlichen nichts anderes Illusionen, Wahnvorstellungen, Betrug, Erfindung und Schwindel ...“.

Eine solch harte Position war jedoch in der Regel nicht typisch für die Aufklärung, die bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts existierte. basierend auf den Prinzipien des Deismus. Diese Theorie erkennt die Erschaffung der Welt durch Gott an, geht jedoch davon aus, dass der Herr in Zukunft aufhört, sich in die Angelegenheiten der Natur und der Gesellschaft einzumischen. Die Deisten, zu denen Voltaire, Montesquieu gehörten, sowie die späteren Figuren der Aufklärung – Rousseau, Condillac – kritisierten alle gängigen Religionen und sprachen von der Notwendigkeit einer „natürlichen Religion“, die auf das Wohl der Vernunft und des Menschen abzielte. Das „Schwert, das dem Deismus den Kopf abschnitt“ war Immanuel Kants Kritik der reinen Vernunft.

Wenn im 17. Jahrhundert Hauptrolle Die Mathematik spielte in den Naturwissenschaften eine Rolle, und im 18. Jahrhundert "holten" Biologie, Physik und Geographie sie ein.

Wissenschaft wird systemisch. Rationalismus des 17. Jahrhunderts ändert sich allmählich. Es weicht der Überzeugung von der Möglichkeit und Notwendigkeit der Entwicklung des Geistes, der Erleuchtung der menschlichen Persönlichkeit.

Zweite Hälfte der 40er Jahre. 18. Jahrhundert gekennzeichnet durch die Bildung materialistischer Ansichten.

Die Werke von J. La Mettrie enthalten Aussagen, die denkender Mensch wird weder theoretische Gründe noch praktische Interessen für seinen Glauben an Gott finden. Er glaubte jedoch, dass der Atheismus nicht unter den einfachen Leuten verbreitet sei und nur von wenigen Auserwählten verstanden werde, die intellektuell über den Rest stünden.

Ende der 40er Jahre. materialistische Ansichten werden in den Werken von D. Diderot und P. Holbach untermauert, die den Atheismus für notwendig und für jedermann zugänglich hielten.

Die bis zur zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts vorherrschende mechanistische Naturwissenschaft untersuchte die von einem Körper auf einen anderen übertragene Bewegung und erklärte den Beginn der Bewegung durch das Wirken Gottes, wie beispielsweise Newton mit seiner Theorie des „ersten Stoßes“. ".

Voltaire erkannte auch die Existenz eines ewigen Wesens, das die Ursache aller anderen ist. Der Deismus von Voltaire war die Grundlage für die Bildung der Ansichten der Materialisten der 30er und 40er Jahre, da er Gott nur als die Schöpfung der Welt erkannte und sich Gott später laut Voltaire nicht in die Angelegenheiten der Welt einmischte. La Mettrie, Diderot, Helvetius, Holbach, deren Werk mit der Entwicklung der Chemie, Geologie und Biologie zusammenfiel, erhielten eine Grundlage, um die Entwicklung der Natur aus sich selbst heraus zu behaupten.

In den 60er und 70er Jahren. Auch Voltaire verzichtet auf die Behauptung der göttlichen Schöpfung der Welt, nicht aber auf die Existenz Gottes im Allgemeinen. Gleichzeitig findet er keine Antwort auf Fragen wie den Ursprung der Welt, den Aufenthaltsort Gottes.

Diderot initiierte die Erstellung der „Encyclopedia, or Explanatory Dictionary of Sciences, Arts and Crafts“, deren Veröffentlichung von 1751 bis 1780 dauerte.

Es wurde zum Zentrum, das Aufklärer vereinte. Das Buch enthielt Informationen zu Mathematik, Astronomie und Geographie und beschrieb die Technologie zur Herstellung von Industrieprodukten.

Die Manufaktur weicht allmählich einer komplexeren Arbeitsorganisation.

Die Entwicklung der Manufakturen war geprägt von der Arbeitsteilung bis hin zum einfachsten Arbeitsgang, die den Anstoß für die Entwicklung der erfinderischen Tätigkeit gab. Die Erfindung des „fliegenden“ Schiffchens in der Weberei, der Ersatz der menschlichen Hand durch einen Mechanismus, war der Beginn der industriellen Revolution.

Die Beschleunigung des Webens erforderte die Entwicklung einer Spinnmaschine, die vom Weber James Hargreaves erfunden wurde. Im Jahr 1784 schenkt Edmund Cartwright der Menschheit einen mechanischen Webstuhl. Im Jahr 1771 entstand ein Unternehmen, bei dem die Maschine von einem Wasserrad angetrieben wurde. Es handelte sich nicht mehr um eine Manufaktur, sondern um die erste Fabrik, in der Arbeiten maschinell durchgeführt wurden.

Im Jahr 1784 entwickelte der Mechaniker James Watt eine Dampfmaschine, die im Gegensatz zum Wasserrad unabhängig von der Nähe eines Flusses eingesetzt werden konnte. Dies markierte bereits den Übergang von der Manufaktur zur Fabrik.

Die erste funktionierende Dampflokomotive wurde 1814 vom autodidaktischen Ingenieur George Stephenson gebaut.

Massenbau Eisenbahnen beginnt in den 20er Jahren. 19. Jahrhundert Es kommen neue Materialien und Energiequellen zum Einsatz.

So verlief die Entwicklung der Wissenschaft in der Aufklärung im Einklang mit der Methodik des Rationalismus.

KapitelIII. Stil- und GenremerkmaleKunstXVIIIJahrhundert

Für die Aufklärer war die Natur das Vorbild für alles Gute und Schöne. Ihr wahrer Kult wird in den 60er Jahren von Sentimentalisten geschaffen. XVIII Jahrhundert, aber die Faszination für die Natürlichkeit, die begeisterte Betrachtung darüber beginnt mit der Aufklärung selbst.

Die sichtbare Verkörperung der „besseren Welten“ waren für die Menschen der Aufklärung Gärten und Parks.

Der Park der Aufklärung wurde für einen hohen und edlen Zweck geschaffen – als perfekte Umgebung für einen perfekten Menschen.

Aufklärungsparks waren nicht identisch mit der Natur. Zu den Parks und Gärten gehörten Bibliotheken, Kunstgalerien, Museen, Theater und Tempel, die nicht nur den Göttern, sondern auch den menschlichen Gefühlen – Liebe, Freundschaft, Melancholie – gewidmet waren. All dies sicherte die Umsetzung aufklärerischer Vorstellungen über Glück als „natürlichen Zustand“, über „ natürlicher Mensch“, dessen Hauptbedingung die Rückkehr zur Natur war. Unter ihnen sticht Peterhof (Petrodvorets) hervor, der am Ufer des Finnischen Meerbusens von den Architekten J. Leblon, M. Zemtsov, T. Usov und J. Quarenghi errichtet wurde. Dieser prächtige Park mit seinen einzigartigen Palästen und grandiosen Brunnen spielte eine außergewöhnliche Rolle in der Entwicklung der russischen Architektur und Landschaftsgartenkunst und allgemein in der Geschichte der russischen Kultur.

Die europäische Kunst des 18. Jahrhunderts vereinte zwei unterschiedliche Strömungen: Klassizismus und Romantik.

Klassizismus in Bildende Kunst, Musik, Literatur – das ist ein Stil, der auf den Prinzipien der antiken griechischen und römischen Kunst basiert: Rationalismus, Symmetrie, Zielstrebigkeit, Zurückhaltung und strikte Übereinstimmung des Inhalts mit seiner Form.

Die Romantik stellt die Vorstellungskraft, Emotionalität und kreative Spiritualität des Künstlers in den Vordergrund.

Die Kunst der Aufklärung bediente sich der alten Stilformen des Klassizismus und spiegelte mit ihrer Hilfe einen völlig anderen Inhalt wider. In der Kunst verschiedener Länder und Völker bilden Klassizismus und Romantik manchmal eine Art Synthese, manchmal existieren sie in allen möglichen Kombinationen und Mischungen.

Ein wichtiger Neuanfang in der Kunst des 18. Jahrhunderts war das Aufkommen von Strömungen, die keine eigene Stilform hatten und auch nicht das Bedürfnis verspürten, diese weiterzuentwickeln. Ein solcher kulturologischer Trend war vor allem der Sentimentalismus (aus dem französischen Sinne), der die aufklärerischen Vorstellungen von der ursprünglichen Reinheit und Freundlichkeit der menschlichen Natur, die mit der Distanz der Gesellschaft von der Natur verloren gehen, voll und ganz widerspiegelte.

Praktisch auf dem Territorium fast ganz Europas dringt das weltliche Prinzip in die religiöse Malerei jener Länder ein, in denen es früher eine große Rolle spielte – Italien, Österreich, Deutschland. Die Genremalerei tendiert manchmal dazu, die Führung zu übernehmen. Anstelle eines zeremoniellen Porträts – ein intimes Porträt, in der Landschaftsmalerei – eine Stimmungslandschaft.

In der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts entwickelte sich das Rokoko zur führenden Strömung in der französischen Kunst. Die gesamte Kunst des Rokoko basiert auf Asymmetrie, die ein Gefühl des Unbehagens erzeugt – ein verspieltes, spöttisches, künstlerisches, neckendes Gefühl. Es ist kein Zufall, dass der Begriff „Rokoko“ vom französischen „rocaille“ stammt – wörtlich übersetzt eine Verzierung aus Diamanten und Muscheln. Handlungsstränge – nur Liebe, Erotik, geliebte Heldinnen – Nymphen, Bacchantinnen, Diana, Venus, die ihre endlosen „Triumphe“ und „Toiletten“ vollziehen.

Francois Boucher (1703–1770) wurde zu einem prominenten Vertreter des französischen Rokoko. „Der erste Künstler des Königs“, wie er offiziell genannt wurde, der Direktor der Akademie, Boucher war ein wahrer Sohn seiner Zeit, der alles selbst zu machen wusste: Tafeln für Hotels, Gemälde für reiche Häuser und Paläste, Pappe für die Gobelinmanufaktur, Theaterkulissen, Buchillustrationen, Fächerzeichnungen, Tapeten, Kaminsimse, Kutschen, Kostümskizzen usw. Typische Handlungsstränge seiner Gemälde sind „Der Triumph der Venus“ oder „Die Toilette der Venus“, „Venus mit Amor“, „Dianas Baden“.

Antoine Watteau (1684-1721) – französischer Maler, der sich Bildern des zeitgenössischen Lebens zuwandte. Watteaus tiefe Überlegungen zum Wesen wahrhaft hoher Kunst spiegeln sich in seinen Leinwänden wider. Der Dekor und die Raffinesse von Watteaus Werken dienten als Grundlage des Rokoko Stilrichtung, und seine poetischen Entdeckungen wurden von den Malern der realistischen Richtung Mitte des 18. Jahrhunderts fortgeführt.

Im Einklang mit neuen ästhetischen Ideen in der Kunst entwickelt sich das Werk von Jean Baptiste Simon Chardin (1699-1779), einem Künstler, der im Wesentlichen ein neues Bildsystem schuf. Chardin begann mit einem Stillleben, malte Küchengegenstände: Kessel, Töpfe, Tanks, ging dann zur Genremalerei über: „Gebet vor dem Abendessen“, „Wäscherin“ und daraus ein Porträt.

Französische Skulptur des 18. Jahrhunderts durchläuft die gleichen Phasen wie die Malerei. Dabei handelt es sich überwiegend um Rocaillenformen der ersten Jahrhunderthälfte und des Wachstums klassische Merkmale- in dieser Sekunde. Merkmale von Leichtigkeit, Freiheit und Dynamik sind in der Skulptur von Jean Baptiste Pigalle (1714-1785) sichtbar, in ihrem vollen Charme, ihrer leichten, schnellen Bewegung und der Unmittelbarkeit der Anmut von „Merkur, der eine Sandale bindet“.

Jean Antoine Houdon (1741-1828) – ein wahrer Historiograph der französischen Gesellschaft – vermittelte in seiner skulpturalen Porträtgalerie die spirituelle Atmosphäre dieser Zeit. Houdons Voltaire ist ein Beweis für das hohe Niveau der französischen Kunst.

Englische Kunst des 18. Jahrhunderts. - die Blütezeit der nationalen Malschule in England - beginnt mit William Hogarth (1697-1764), Maler, Grafiker, Kunsttheoretiker und Autor einer Gemäldeserie « Karriere einer Prostituierten“, „Karriere von Mota“.

Hogarth war der erste Maler und Aufklärer in Europa.

Der größte Vertreter der englischen Porträtschule ist Thomas Gainsborough (1727-1888). Der reife Stil des Künstlers entstand unter dem Einfluss von Watteau. Seine Porträtbilder zeichnen sich durch spirituelle Raffinesse, Spiritualität und Poesie aus. Seinen Bildern von Bauernkindern liegt tiefe Menschlichkeit inne.

Italienische Malerei des 18. Jahrhunderts erreichte seinen Höhepunkt erst in Venedig. Der Geist Venedigs wurde von Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) zum Ausdruck gebracht, dem letzten Vertreter des Barock in der europäischen Kunst, Maler, Zeichner und Kupferstecher. Tiepolo besitzt monumentale Freskenzyklen, sowohl kirchlicher als auch weltlicher Natur.

Venedig schenkte der Welt hervorragende Meister der Vedute – der städtischen Architekturlandschaft: Antonio Canaletto (1697-1768), berühmt für die feierlichen Bilder des Lebens Venedigs vor dem Hintergrund seiner fabelhaften Theaterarchitektur; Francesco Guardi (1712-1793), der sich von den einfachen Motiven des täglichen Lebens der Stadt, ihren sonnendurchfluteten Innenhöfen, Kanälen, Lagunen und überfüllten Uferdämmen inspirieren ließ. Guardi schuf eine neue Art von Landschaft, geprägt von Poesie, der Unmittelbarkeit der Eindrücke des Betrachters.

Das 18. Jahrhundert bereitete auch den Weg für die Vorherrschaft der bürgerlichen Kultur. Die Zeit der Philosophen, Soziologen, Ökonomen und Schriftsteller ist gekommen, um die alte feudale Ideologie zu ersetzen.

Die wichtigste literarische Gattung der Aufklärung ist der Roman.

Der in England besonders bedeutsame Erfolg des Romans wurde durch den Erfolg des Bildungsjournalismus vorbereitet.

Aufklärungsautoren waren sich der Unvollkommenheit ihrer modernen Gesellschaft und der Bösartigkeit des Menschen durchaus bewusst und hofften dennoch, dass die Menschheit, wie Robinson aus dem ersten Teil des Romans von Daniel Defoe (1660-1731), sich auf sie verlassen würde Eigene Vernunft und Fleiß würden zu den Höhen der Zivilisation aufsteigen. Aber vielleicht ist diese Hoffnung illusorisch, wie Jonathan Swift (1667-1754) im Allegorienroman „Gullivers Reisen“ so deutlich bezeugt, als er seinen Helden auf die Insel der intelligenten Pferde schickt. In der von ihm verfassten Broschüre „Das Märchen vom Fass“ lachte er herzlich über den Kirchenstreit.

Die Pädagogen erweiterten in ihren Büchern ein positives Programm und stellten ausführlich dar, wie ein Mensch lebt, wie er täuscht und getäuscht wird. moralisches Ideal immer Seite an Seite mit Satire. Im Roman von G. Fielding (1707-1754) „Die Geschichte von Tom Jones, einem Findelkind“ kommt eine parallele Handlungskonstruktion zum Einsatz, die an ein Märchen erinnert: über gute und böse Brüder, von denen jeder im Am Ende wird er nach seinen Verdiensten belohnt.

Es war eine Zeit neuer philosophischer Überzeugungen, eine Zeit, in der Ideen nicht nur in Abhandlungen dargelegt wurden, sondern leicht in Romane übergingen und von Dichtern inspiriert und verherrlicht wurden.

Im Werk des englischen Dichters und Satirikers Alexander Pope (1688–1744) ist ein breites Spektrum pädagogischen Denkens vertreten. Sein philosophisches und didaktisches Gedicht „Essay on Man“ wurde zum Lehrbuch der neuen Philosophie für Europa. Die Veröffentlichung der ersten russischen Ausgabe im Jahr 1757 war tatsächlich der Beginn der russischen Aufklärung.

IN letztes Jahrzehnt Jahrhundert entsteht neben dem Klassizismus in der Belletristik ein neuer Trend – der Sentimentalismus, der in den Geschichten von N.M. am deutlichsten zum Ausdruck kommt. Karamzin (1766-1826) „Arme Lisa“ und „Natalia, die Tochter des Bojaren“.

Am Ende des 17. und 18. Jahrhunderts. nimmt Gestalt an musikalische Sprache, worüber dann ganz Europa sprechen wird.

Die ersten waren Johann Sebastian Bach (1685–1750) und Georg Friedrich Händel (1685–1759).

Bach – der große deutsche Komponist und Organist, arbeitete in allen Musikrichtungen außer der Oper. Bis heute ist er ein unübertroffener Meister der Polyphonie. Händel verwendete wie Bach biblische Themen für seine Werke. Die bekanntesten sind „Saul“, „Israel in Ägypten“, „Messias“. Händel schrieb mehr als 40 Opern, er besitzt Orgelorchester, Sonaten und Suiten.

Die Wiener Musik hatte großen Einfluss auf die Musikkunst Europas. klassische Schule und seine bedeutendsten Meister Joseph Haydn (1732–1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) und Ludwig van Beethoven (1770–1827). Die Wiener Klassiker haben alle musikalischen Genres und Formen neu gedacht und neu erklingen lassen. Ihre Musik ist die höchste Errungenschaft der Epoche des Klassizismus in der Perfektion von Melodien und Formen.

Franz Joseph Haydn, der Lehrer von Mozart und Beethoven, wird als „Vater der Symphonie“ bezeichnet. Er schuf über 100 Sinfonien. Viele von ihnen basieren auf dem Thema Volkslieder und Tänze, die der Komponist mit erstaunlicher Kunst entwickelte. Der Höhepunkt seines Schaffens waren die „12 London Symphonies“, die während der Triumphreisen des Komponisten nach England in den 90er Jahren entstanden.

Im 18. Jahrhundert schrieb Haydn viele wunderbare Quartette und Klaviersonaten.

Er besitzt über 20 Opern, 13 Messen, zahlreiche Lieder und andere Kompositionen. Am Ende seiner Karriere schuf er zwei monumentale Oratorien – Die Erschaffung der Welt (1798) und Die Jahreszeiten (1801), die die Idee der Größe des Universums und des menschlichen Lebens zum Ausdruck bringen. Haydn brachte die Symphonie, das Quartett und die Sonate zur klassischen Perfektion.

Wolfgang Amadeus Mozart schrieb Musik und spielte Geige und Cembalo in einem Alter, als andere Kinder noch keine Briefe schreiben konnten. Wolfgangs außergewöhnliche Fähigkeiten entwickelten sich unter der Anleitung seines Vaters, des Geigers und Komponisten Leopold Mozart. In den Opern „Die Entführung aus dem Serail“, „Die Hochzeit des Figaro“, „Don Giovanni“, Zauberflöte» Mit erstaunlichem Können schafft Mozart vielfältige und lebendige menschliche Charaktere, zeigt das Leben in seinen Gegensätzen und bewegt sich vom Witz zum tiefen Ernst, vom Spaß zu subtilen poetischen Texten.

Die gleichen Qualitäten sind seinen Sinfonien, Sonaten, Konzerten und Quartetten innewohnend, in denen er das Höchste schafft klassische Proben Genres. Drei Sinfonien aus dem Jahr 1788 wurden zu Höhepunkten der klassischen Symphonie (Mozart schrieb insgesamt etwa 50). Die Sinfonie „Es-Dur“ (Nummer 39) zeigt eine voller Freude, Spiel, Fröhlichkeit Tanzbewegung Menschenleben. In der Sinfonie „g-Moll“ (Nummer 40) offenbart sich die tiefe lyrische Poesie der Bewegung der menschlichen Seele. Die Symphonie „in C-Dur“ (Nummer 41), von Zeitgenossen „Jupiter“ genannt, umfasst die ganze Welt mit ihren Kontrasten und Widersprüchen, bekräftigt die Vernünftigkeit und Harmonie ihrer Struktur.

ABSCHLUSS

Das 18. Jahrhundert ist geprägt von einer beispiellosen Zentralisierung von Produktion, Kapital und Märkten, der Entstehung mächtiger Monopole, deren Ausweitung auf Kosten bestehender und neu geschaffener Kolonien sowie der Umverteilung der Einflusssphären zwischen Staaten und Monopolen.

Die Folge dieser Umstände war eine scharfe Verschärfung der Widersprüche zwischen verschiedenen Bereichen der Philosophie, Ethik, Geschichte und Kunst.

Seit dem 18. Jahrhundert Die Macht der Bourgeoisie erstreckt sich in Europa auf immer mehr Länder, die ihre Kolonien ausbauen und stärken. Im 19. Jahrhundert die Schärfe der sozioökonomischen und politischen Probleme nimmt zu, die Gegenstand philosophischer Betrachtungen werden und sich in der Kunsttheorie widerspiegeln.

A. Schweitzer schrieb, dass die ethischen Ideale der Aufklärung und des Rationalismus diese im Zusammenspiel mit dem realen Leben der Gesellschaft veränderten. Allerdings seit der Mitte des 19. Jahrhunderts. Ihr Einfluss ließ nach und nach nach, da er in der bestehenden Weltanschauung keine Unterstützung fand.

Die Philosophie, die die Probleme der Kultur ignorierte, zeigte ihr völliges Scheitern, weil sie nicht berücksichtigte, dass die Grundlage der Weltanschauung nicht nur Geschichte und Naturwissenschaften sein können.

Auf dem Gebiet der Kunst in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Es kam zu einer Blütezeit des Barockstils, der eng mit der damaligen Kirchen- und Adelskultur verbunden war. Es manifestierte Tendenzen zur Verherrlichung des Lebens, aller Reichtümer des wirklichen Lebens. Malerei, Skulptur, Architektur, Barockmusik verherrlichten und verherrlichten Monarchen, die Kirche und den Adel. Die Pracht, die allegorische Komplexität, das Pathos und die Theatralik des barocken Kunststils, die darin enthaltene Kombination von Illusion und Realität, wurden in vielen Kulturdenkmälern und vor allem in Italien entwickelt (das Werk des Bildhauers und Architekten Bernini, des Architekten Borromini, usw.). Der Barock verbreitete sich auch in Flandern, Spanien, Österreich, in einigen Regionen Deutschlands und in Polen. Dieser Stil manifestierte sich weniger deutlich in England und Holland, deren Kunst näher am Genre und Alltagsrealismus stand als an der Erhabenheit, dem Übermaß und der Konventionalität des Barock.

Eine andere Art von Ästhetik, das Gegenteil künstlerische Mittel Barock, wurde durch den Klassizismus in der europäischen Kunst und Literatur kanonisiert. Eng verbunden mit der Kultur der Renaissance wandte sich der Klassizismus den antiken Kunstnormen als perfekte Vorbilder zu; rationalistische Klarheit und Strenge waren für ihn charakteristisch. Der Klassizismus legitimierte die Prinzipien der „geadelten Natur“, der künstlichen Einteilung in Genres – „hoch“ (Tragödie, Ode, Epos, historische, mythologische und religiöse Malerei) und „niedrig“ (Komödie, Satire, Fabel, Genremalerei) und führte das Gesetz ein von drei Einheiten - Ort, Zeit, Aktion.

AUFFÜHRENGEBRAUCHTLITERATUR

1. Kravchenko A. I., Kulturologie. - 4. Aufl. - M.: Akademisches Projekt, Tricksta, 2003.- 496s.

2. Kulturwissenschaften. Geschichte der Weltkultur. Lehrbuch / Ed. T. F. Kuznetsova.- M.: "Academy", 2003.- 607p.

3. Kulturwissenschaften. Geschichte der Weltkultur / Ed. A. N. Markova. - 2. Aufl. überarbeitet und zusätzlich .- M.: UNITI, 2000.- 600er.

4. Polishchuk V.I., Kulturologie.- M.: Gardariki, 1999.- 446p.

5. Radugin A. A., Kulturologie.- M.: Zentrum, 2001.- 304 S.

6. Chekalov D. A., Kondratov V. A., Geschichte der Weltkultur. Vorlesungsskript.- Rostow am Don: Phoenix, 2005.- 352p.

7. Shishova N.V., Akulich T.V., Boyko M.I., Geschichte und Kulturwissenschaften. - 2. Aufl. überarbeitet und zusätzlich .- M.: Logos, 2000.- 456s.

Ähnliche Dokumente

Charakteristische Merkmale der Aufklärung, die Besonderheiten ihrer Entwicklung in England, Frankreich und Deutschland. Philosophischer Gedanke der Aufklärung. Stil- und Genremerkmale von Architektur, Malerei, Musik, Literatur einer bestimmten Zeit, ihre hellsten Vertreter.

Kontrollarbeiten, hinzugefügt am 11.06.2009


Chronologischer Rahmen der Neuzeit. Die Widersprüchlichkeit des europäischen Kulturprozesses im 17. Jahrhundert. Die Kultur Europas im Zeitalter des Absolutismus und der Aufklärung. Periodisierung des Klassizismus. Die wichtigsten philosophischen Trends in Europa des 19. Jahrhunderts.

Kontrollarbeiten, hinzugefügt am 01.09.2011


Die Hauptmerkmale der westeuropäischen Kultur der Neuzeit. Merkmale der europäischen Kultur und Wissenschaft im 17. Jahrhundert. Wesentliche Dominanten der Kultur der europäischen Aufklärung des 18. Jahrhunderts. Die wichtigsten kulturellen Trends des 19. Jahrhunderts. Etappen der künstlerischen Kultur des 19. Jahrhunderts.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 24.12.2010


Die Entwicklung der russischen Kultur im 18. Jahrhundert: Volkskunst, Musik, Adelskultur und Bildung. Russische Wissenschaft im 18. Jahrhundert, M.V. Lomonossow. Stil- und Genremerkmale der Kunst Europa XVII I. Jahrhundert, ihr Einfluss auf die Entwicklung der russischen Kultur.

Hausarbeit, hinzugefügt am 23.10.2014


Voraussetzungen für die Entwicklung und Grundzüge der russischen Kultur des 18. Jahrhunderts. Richtungen der Bildung des Bildungsbereichs, der Literatur, der Architektur und der Malerei. Herausragende Vertreter dieser Strömungen und eine Einschätzung ihrer wichtigsten Errungenschaften im 18. Jahrhundert.

Präsentation, hinzugefügt am 20.05.2012


Bekanntschaft mit dem kulturellen Erbe des 18. Jahrhunderts. Betrachtung der Grundwerte der Aufklärung. Merkmale der Aufklärung in Europa. Stil- und Genremerkmale der Kunst. Zeitalter großer Entdeckungen und großer Wahnvorstellungen; Kult der Natur.

Hausarbeit, hinzugefügt am 09.08.2014


Geistesströmungen der Aufklärung. Merkmale der Rokoko-Kunst. Besonderheiten der europäischen Kunst zu Beginn des 19. Jahrhunderts: Klassizismus, Romantik und Realismus. Das Wesen und die philosophischen und ästhetischen Prinzipien des Symbolismus, Impressionismus und Postimpressionismus.

Zusammenfassung, hinzugefügt am 18.05.2011


Stile und Trends, die die Weltskulptur im 18. Jahrhundert dominierten. Wie vollzog sich in der russischen Bildhauerei im 18. Jahrhundert die Wende vom Mittelalter zum New Age? Merkmale verschiedener Stile: Barock, Klassizismus, Rokoko, Romantik, Neoklassizismus.

Präsentation, hinzugefügt am 27.05.2015


Europäische Kultur der Neuzeit, ihre Merkmale: Humanismus und Eurozentrismus. Philosophische und ästhetische Merkmale der kulturellen Entwicklung der Aufklärung. Aufklärungsideen und gesellschaftliche Utopien. Wissenschaftliche Kulturkonzepte der Aufklärung.

Test, hinzugefügt am 24.12.2013


Allgemeine Eigenschaften und Eigenschaften Kultur der Neuzeit und der Aufklärung. Rokoko als künstlerischer Stil des New Age. Klassizismus in der künstlerischen Kultur des XIII-XIX Jahrhunderts. Sentimentalismus: Künstler, Dichter, Hauptwerke.

18. Jahrhundert - zuletzt historische BühneÜbergang vom Feudalismus zum Kapitalismus. Die Entwicklung der Kultur in dieser Zeit in allen Ländern Europa unter dem Schild passiert Ideen der Aufklärung.

In diesem Jahrhundert hat sich Deutschland entwickelt Schule der klassischen deutschen idealistischen Philosophie. In Frankreich bildete sich die größte Aufklärerabteilung, von dort aus verbreiteten sich die Ideen der Aufklärung in ganz Europa. In seinen Werken („Persian Letters“ und „On the Spirit of Laws“) sprach sich Charles Louis Montesquieu gegen unbegrenzte Monarchie und Feudalismus aus. Voltaire war ein herausragender Anführer der französischen Aufklärung. Er schrieb wunderschöne literarische, philosophische und historische Werke, die seinen Hass auf religiösen Fanatismus und den Feudalstaat zum Ausdruck brachten. Die Aktivitäten von Jean Jacques Rousseau wurden zu einer neuen Etappe in der Entwicklung der französischen Aufklärung. Seine Werke enthielten Hass auf die Unterdrücker, Kritik am Staatssystem und soziale Ungleichheit.

Das Schicksal des französischen Materialismus ist mit den Namen Denis Diderot, Etienne Bonnot Condillac und Paul Holbach verbunden. 50-60er Jahre 18. Jahrhundert - blühende Tätigkeit der französischen Materialisten. Diese Zeit ist durch die gleichzeitige Entwicklung von Wissenschaft und Technologie gekennzeichnet. Dank Adam Smith wird die politische Ökonomie zu einer wissenschaftlichen Disziplin. Die Wissenschaft entwickelte sich schnell und stand in direktem Zusammenhang mit Technologie und Produktion. Im 18. Jahrhundert gewannen Literatur und Musik an Bedeutung und rückten nach und nach in den Vordergrund unter den Künsten aller Art. Prosa entwickelt sich zu einer Gattung, in der das Schicksal eines einzelnen Menschen im gesellschaftlichen Umfeld der damaligen Zeit dargestellt wird. Besonders fruchtbar entwickelt sich die Gattung des Romans, der das universelle Weltbild beschreibt. Am Ende des 17. und 18. Jahrhunderts. jene musikalische Sprache nimmt Gestalt an, in der dann ganz Europa sprechen wird. Die ersten waren J. S. Bach und G. F. Händel. J. Haydn, W. Mozart, L. van Beethoven hatten großen Einfluss auf die Musikkunst. Tolle Ergebnisse erzielt Theaterkunst, Dramaturgie, die realistischer und vorromantischer Natur war.

Eine Besonderheit dieser Zeit ist das Studium der Hauptfragen der Ästhetik des Theaters, der Natur der Schauspielerei. Das 18. Jahrhundert wird oft als das „goldene Zeitalter des Theaters“ bezeichnet. Der größte Dramatiker P. O. Beaumarchais betrachtete ihn als „einen Riesen, der jeden tödlich verwundet, auf den er seine Schläge richtet“. Die größten Dramatiker waren: R. Sheridan (England), K, Goldoni (Venedig), P. Beaumarchais (Frankreich), G. Lessing, I. Goethe (Deutschland), F. Schiller.

Das führende Genre der Malerei des 18. Jahrhunderts. war ein Porträt.

Unter den Künstlern dieser Zeit können Gainsborough, Latour, Houdon, Chardin, Watteau, Guardi unterschieden werden. Die Malerei spiegelt nicht mehr wie zuvor die universelle Fülle des spirituellen Lebens eines Menschen wider. In verschiedenen Ländern ist die Entstehung einer neuen Kunst ungleichmäßig. Malerei und Skulptur im Rokoko-Stil hatten dekorativen Charakter.

Kunst des 18. Jahrhunderts endet mit dem großartigen Werk des spanischen Künstlers Francisco Goya. Kulturerbe des 18. Jahrhunderts. verblüfft immer noch durch seine außergewöhnliche Vielfalt, den Reichtum an Genres und Stilen, das tiefe Verständnis menschlicher Leidenschaften, den größten Optimismus und den Glauben an den Menschen und seinen Geist. Das Zeitalter der Aufklärung ist das Zeitalter großer Entdeckungen und großer Wahnvorstellungen. Es ist kein Zufall, dass das Ende dieser Ära auf den Beginn der Französischen Revolution fällt. Sie zerstörte den Glauben der Aufklärer an das „goldene Zeitalter“ des gewaltlosen Fortschritts. Es stärkte die Position der Kritiker seiner Ziele und Ideale.

Nein, Sie werden es nicht bemerken, das Jahrhundert ist verrückt und weise! ..
EIN. Radischtschow

In einer Reihe von Jahrhunderten europäischer Geschichte nimmt das 18. Jahrhundert einen besonderen Platz ein. Es gab Zeiten grandioserer Errungenschaften, aber es gab keine stilistisch vollkommenere, sozusagen „ganzheitlichere“ Ära. Der bekannte Kunstkritiker N. Dmitrieva nennt es das letzte Jahrhundert der Herrschaft der aristokratischen Kultur. Daher seine Raffinesse und dieser „Stil“, manchmal auf Kosten der Tiefe. Und gleichzeitig ist dies die Ära der Bestätigung neuer Werte im Leben der Europäer, Werte, die auch heute noch lebendig sind und tatsächlich das gegenwärtige Gesicht der europäischen Zivilisation bestimmen.
Unter den melodischen Klängen von Cembali und Harfen fanden gleichzeitig mehrere Revolutionen im Leben, in den Köpfen und Herzen der Europäer statt, von denen wir normalerweise nur zwei als richtige „Revolutionen“ bezeichnen: die Große Französische Revolution und den Unabhängigkeitskrieg der Vereinigten Staaten von Amerika Amerika. In den nach Blut und Schießpulver riechenden Sätzen, die Europa im gesamten 18. Jahrhundert fleißig schrieb, setzten sie inzwischen nur noch Punkte.
Also zunächst ein wenig über die Revolutionen.

Revolution auf den Tischen

Die wichtigste Errungenschaft des „18. Jahrhunderts“ besteht darin, dass es die Hungersnot in den wichtigsten Ländern Europas im Wesentlichen beendet hat. Lassen Sie uns von den „Brotaufständen“ in Paris nicht wirklich beunruhigt sein: Häufiger rebellierten sie wegen des Mangels oder der hohen Kosten des bereits bekannten Weißbrots. Der frivole Satz von Marie Antoinette („Wenn die Leute kein Brot haben, sollen sie Kuchen essen“) ist also nicht ganz so frivol. Ja, Unterbrechungen in der Brotversorgung große Städte Als es jedoch zu einer absoluten Hungersnot kam, erholte sich Europa gleich zu Beginn des 18. Jahrhunderts in vollem Umfang, als während einer Missernte sogar Schwarzbrot am Tisch von Madame Maintenon serviert wurde.
Im 18. Jahrhundert veränderte sich die europäische Speisekarte dramatisch. Der alte Dreiklang (Brotfleischwein) wird durch neue Lebensmittel ergänzt: Kartoffeln, Mais, Spinat, grüne Erbsen, Tee, Kaffee und Schokolade (die immer beliebtere Delikatessen werden). Ja, und die ehemaligen drei „Wale“ der europäischen Ernährung verändern ihr „Gesicht“ erheblich. Seit Mitte des 18. Jahrhunderts wurde in Frankreich Roggenbrot durch Weizenbrot in Milch ersetzt (die berühmten „Französischen Buden“ wurden von Napoleons Soldaten auf ihren Bajonetten nach Europa gebracht).
Mit der Verbesserung der Tierhaltung wird der Fleischmarkt allmählich gesättigt, was durch den starken Bevölkerungszuwachs in den letzten drei Jahrhunderten stark eingeschränkt wird. Natürlich ist Fleisch für die meisten Europäer immer noch nicht in der sinnvollsten Form erhältlich: in Form von Corned Beef und allen möglichen geräucherten Fleischsorten. Bei Fisch war es jedoch noch schwieriger: Man sagte, die Armen könnten nur den Duft von frischem Fisch genießen.
Schließlich bestimmten das Klima und die Geschmackspräferenzen die Charakteristika des Konsums. alkoholische Getränke. Der Süden und Südwesten Europas wählte Wein, der Norden und Nordwesten Bier und der schneidigste und kälteste Nordosten natürlich Wodka.
Der Zustrom von Zucker (im Allgemeinen sehr teuer) ermöglichte die Ernte von Früchten und Beeren (und Vitaminen für den Winter) für die Zukunft. Zwar war Marmelade zu Beginn des 18. Jahrhunderts noch ein so seltenes und wertvolles Produkt, dass die Pariser sie beispielsweise Peter dem Großen schenkten.
All diese scheinbar rein kulinarischen Innovationen haben eine echte Revolution bewirkt. Es genügt zu sagen, dass Großbritannien, das den Mangel an Fleischprodukten nicht kannte, viel diesem starken Bevölkerungswachstum im 18. Jahrhundert zu verdanken hat, ohne das das britische Empire tatsächlich nicht entstanden wäre. Und die Liebe amerikanischer Kolonisten zum Tee führte zu ihrer Empörung über die von englischen Beamten eingeführte Erhöhung der Teezölle (die sogenannte „Boston Tea Party“). Bildlich gesprochen wurden die Vereinigten Staaten von Amerika aus einer Tasse verschüttetem Tee geboren.
Die bevorstehende Revolution hat die Entwicklung der Gesellschaft vorangetrieben. Ohne sie wären Europa und Nordamerika im 19. Jahrhundert nicht zum Hegemon der übrigen Welt geworden.
(Übrigens setzte sich das 18. Jahrhundert mit dem Gedecken des europäischen Tisches auseinander, was durch die Herstellung von Porzellan, Feinschmeckertum statt Völlerei und eine Erhöhung der Hygienestandards erheblich erleichtert wurde. Die Verhaltensregeln bei Tisch, Geschirr usw Besteck kam von dort, aus dem „18. Jahrhundert“, zu uns (zumindest auf der Ebene von Botschafts- und Restaurantbanketten).

Revolution im Kopf

Das 18. Jahrhundert wird üblicherweise als Zeitalter der Aufklärung bezeichnet, obwohl dieses Wort selbst zu träge ist und ungefähr die Prozesse definiert, die zwischen 1700 und 1804 in den Köpfen der Europäer abliefen (ich gebe das Todesjahr von I. Kant an).
Europäische Denker brechen mit der Theologie und grenzen den eigentlichen Bereich der Philosophie von der Naturwissenschaft ab. Nach dem Newtonschen mechanistischen Weltbild braucht es Gott nur als denjenigen, der der Entwicklung der Natur den ersten Anstoß gab, und dann rollte die Welt ganz getrennt von ihm ab.
Das 18. Jahrhundert ist das Jahrhundert der Praktiker, weshalb sich Denker nicht mit leeren scholastischen Spekulationen zufrieden geben. Das Kriterium der Wahrheit ist die Erfahrung. Jegliches Pathos und jede Rhetorik wirken auf jeden Fall fehl am Platz. Die an Krebs sterbende Marquise, der Rousseau diente, stößt Gase aus, erklärt, dass eine Frau, die dazu fähig ist, noch leben wird, und übergibt ihre Seele Gott, könnte man sagen, mit einem kühnen, nachlässigen Lächeln.
Philosophen bewundern die Vollkommenheit der Welt (Leibniz) und kritisieren sie gnadenlos (Enzyklopädisten), preisen die Vernunft und den Fortschritt der Zivilisation (Voltaire) und erklären Fortschritt und Vernunft zu Feinden der natürlichen Rechte des Menschen (Rousseau). Aber all diese Theorien scheinen sich jetzt, über mehrere Jahre hinweg betrachtet, nicht gegenseitig auszuschließen. Sie alle drehen sich um den Menschen, seine Fähigkeit zu verstehen die Umwelt und transformieren Sie es entsprechend Ihren Bedürfnissen und Vorstellungen vom „Besten“.
Gleichzeitig sind Philosophen seit langem davon überzeugt, dass der Mensch von Natur aus vernünftig und gut ist und dass nur „die Umstände“ für sein Unglück verantwortlich sind. Alphabetisierung und Kartoffeln werden von den Monarchen selbst gepflanzt. Die allgemeine Stimmung der europäischen Philosophie des 18. Jahrhunderts kann als „vorsichtiger Optimismus“ bezeichnet werden, und ihr Slogan ist Voltaires Aufruf an jeden, „seinen eigenen Garten zu bewirtschaften“.
Leider werden die blutigen Schrecken der Französischen Revolution den wohlwollenden Wahn der Philosophen dazu zwingen, radikal zu überdenken, aber das nächste Jahrhundert wird dies tun. Allerdings wird sich dann, im 18. Jahrhundert, die rein europäische Idee der individuellen Rechte als grundlegendster Wert etablieren.

Revolution in den Herzen

Das „Zeitalter der Vernunft“ hätte ohne eine Revolution in den Herzen nicht in seiner ganzen Pracht stattgefunden. Der Mensch emanzipiert sich allmählich und erkennt, dass seine innere Welt wichtig und wertvoll ist. Das Gefühlsleben der Europäer wird reicher und raffinierter.
Unsterblicher Beweis dafür war die große Musik des 18. Jahrhunderts, vielleicht eine der höchsten Errungenschaften in der Geschichte der Menschheit.
Wunderbar Französischer Komponist Anfang des 18. Jahrhunderts J.F. Rameau war der Erste, der die inhärent wertvolle Rolle der Musik formulierte, die zuvor nur als Hilfsmittel für das Wort galt. Er schrieb: „Um Musik wirklich genießen zu können, müssen wir uns völlig in ihr auflösen“ (zitiert nach: G. Koenigsberger, S. 248).
Die Musik drückte die Emotionen der Zeit viel genauer und subtiler aus als das zensierte Wort, das durch Konventionen eingeschränkt wurde. Für den gebildeten Europäer ist es zu einem dringenden Bedürfnis geworden. In den Bibliotheken tschechischer und österreichischer Schlösser drängen sich neben Büchern auch Musikmappen in den Regalen: Musikalische Neuheiten wurden hier vom Blatt gelesen, wie Zeitungen, und zwar genauso eifrig!
Die Musik des 18. Jahrhunderts ist noch immer voller Konventionen, vorgegebener Formeln. Es war das Vorhandensein dieser gemeinsamen Orte, die es den Komponisten ermöglichten, so produktiv zu sein (über 40 Opern von G. F. Händel, mehr als 200 Violinkonzerte von A. Vivaldi, mehr als 100 Symphonien von I. Haydn!). Gleichzeitig ist es so immer noch so demokratisch, dass es sogar Amateuren eine Chance gibt: Zh.Zh. Rousseau komponiert eine Oper, die am Hofe ein Erfolg wird, und der König selbst singt, furchtbar verstimmt, von dort aus seine Lieblingsarietta.
Die Musik des 18. Jahrhunderts war eng mit dem Leben und Alltag verbunden. Bach hoffte, dass seine geistliche Musik vom Chor der Gemeindemitglieder in der Kirche aufgeführt werden könnte, und der beliebteste Haustanz, das Menuett, wurde bis zur Ära Beethovens ein wesentlicher Bestandteil jeder Symphonie.
Jedes Land verwirklichte im 18. Jahrhundert seine Identität durch Musik. Deutscher G.F. Händel brachte die großartige italienische Opera seria ins neblige London. Aber die alten Geschichten erschienen der britischen Öffentlichkeit zu abstrakt und leblos. Praktisch keine Veränderung musikalische Form, geht Händel dazu über, Oratorien zu schaffen, die gewissermaßen dieselben Opern sind, allerdings nur in einer konzertanten Aufführung, während sie auf Geschichten aus der Bibel geschrieben sind, die die Zuhörer leidenschaftlich erlebt haben. Und das breite Publikum reagiert darauf mit Begeisterung, Händels geistliche Oratorien werden zu einem nationalen Schatz, ihre Aufführung wird in patriotische Manifestationen überführt.
Das Ergebnis der musikalischen Entwicklung des 18. Jahrhunderts ist das Werk von V.A. Mozart. Der brillante Österreicher führt ein neues Thema in die Musik ein – das Thema des Schicksals seines Schöpfers, das heißt, er stellt die Persönlichkeit eines Zeitgenossen mit seinen einfachen und dringenden Wünschen, Freuden und Ängsten vor. „Im Allgemeinen ist der Mensch ein Geschöpf Gottes“, wodurch er sich in der Musik in eine Person einer bestimmten Epoche verwandelt und die Merkmale einer echten Persönlichkeit und eines echten Schicksals erhält

Revolution der Manieren

Eine streng hierarchische Feudalgesellschaft legt stets besonderen Wert auf die Etikette. Es ist ein Mittel, den Status (geordnete Ungleichheit) der sozialen Stellung hervorzuheben.
Natürlich dominiert auch im 18. Jahrhundert die Etikette die Beziehungen zwischen den Menschen. Botschafter verzögern die Vorlage ihrer Beglaubigungsschreiben, wenn die Papiere nicht rechtzeitig eintreffen, um zu bestätigen, dass ihr Adelsstand mindestens bis ins 14. Jahrhundert zurückreicht. Andernfalls kann der König die Frau des Botschafters während der Siegerehrung in Versailles nicht umarmen und küssen, sondern nur begrüßen! Die Etikette beherrscht die Gedanken der Höflinge so sehr, dass einige von ihnen allen Ernstes behaupten, dass sie großartig sind Französische Revolution brach aus, weil der Rechnungsprüfer Necker vor dem König in Schuhen mit Schleifen und nicht mit Schnallen erschien!
Allerdings sind die Monarchen selbst dieser Konventionen schon ziemlich überdrüssig. Ludwig XV. versteckt sich vor den Fesseln der Etikette in den Boudoirs seiner Geliebten Katharina der Großen in ihrer Eremitage, und Marie Antoinette kann beim traditionellen öffentlichen königlichen Mahl keinen Bissen hinunterschlucken und ist danach bereits allein.
Dem Hof ​​steht der aristokratische und bürgerliche Salon gegenüber, in dem Besitzer und Gäste kurz kommunizieren. Der Ton wird von den erhabensten Personen vorgegeben. Der Regent von Frankreich, Philippe d'Orléans Jr., verkündet bei seinen Orgien: „Alles außer Vergnügen ist hier verboten!“
Aber die Eisscholle der feudalen Etikette schmilzt langsam und ungleichmäßig. Im Jahr 1726 können die Lakaien eines edlen Herrn den Modeautor de Voltaire mit Stöcken schlagen, um eine gewagte Antwort an ihren Herrn zu erhalten. Bereits 1730 konnte die Kirche die Beerdigung der berühmten Schauspielerin Adrienne Lecouvreur verweigern (obwohl sie die Geliebte des Marschalls von Frankreich war), weil sie zu ihren Lebzeiten „dem schändlichen Handwerk einer Heuchlerin“ nachging.
Doch zwanzig Jahre später ändert sich im selben Frankreich der Status des Künstlers, der Künstler wird den König buchstäblich zwingen, seine Menschenwürde zu respektieren. Und es war so. Der berühmte Meister des Pastellporträts Latour war von Ludwig dem Fünfzehnten beleidigt und weigerte sich lange Zeit, die Marquise de Pompadour zu verewigen. Als es ihr gelang, die Launenhafte zu überreden, zog sich die Künstlerin vor ihr fast bis zum Hemd aus. Während der Sitzung trat der König ein. „Wie, meine Dame, Sie haben mir geschworen, dass wir nicht gestört werden würden!“ schrie Latour und beeilte sich, die Buntstifte einzusammeln. Der König und sein Meister konnten den Pastellvirtuosen kaum überreden, die Sitzung fortzusetzen.
Natürlich wird in einer feudalen Gesellschaft alles vom Rang und nicht vom Talent bestimmt. Mozart schreibt, dass sein Platz am Tisch des Salzburger Erzbischofs höher ist als der eines Lakaien, aber niedriger als der eines Kochs. Aber ungefähr zu dieser Zeit begrub das bereits bürgerliche England den „Schauspieler“, den großen Schauspieler D. Garrick, in der Westminster Abbey!
Die Krise der feudalen Gesellschaft lässt ein neues Menschenbild entstehen. Nun ist das Ideal nicht ein Feudalherr oder ein Hofadliger, sondern eine Privatperson.“ eine nette Person in Frankreich, ein Gentleman in England. Bis zum Ende des Jahrhunderts bestimmen in diesen Ländern nicht der Adel, sondern Erfolg, Talent und Reichtum den Status eines Einzelnen in der Gesellschaft.
Hier ist eine typische Anekdote zu diesem Thema. Napoleon hasste den Komponisten Cherubini. Einmal, bei einem Empfang im Palast, erkundigte sich der Kaiser nach der Vorstellung aller Anwesenden erneut trotzig nach dem Namen „dieses Herrn“. „Immer noch Cherubini, Sire!“ Der Maestro antwortete ihm scharf.
In anderen Ländern wird die Emanzipation des Einzelnen fast die Hälfte des nächsten Jahrhunderts dauern.

Peter entdeckt Europa

Im 18. Jahrhundert betrat mit Russland eine weitere Großmacht die politische Bühne Europas. Die „Präsentation“ des neuen politischen Giganten fand im Frühjahr und Sommer 1717 statt, als die Botschaft der noch mysteriösen, aber bereits leicht europäisierten „Moskowiter“ mehrere europäische Hauptstädte besuchte.
Leider waren sie weder in Paris noch in Berlin von den russischen Helden unter der Führung von Zar Peter fasziniert.
Und nun die Details.
Ende April desselben Jahres erschienen die Russen an der französischen Grenze. Versailles schickte ihnen einen seiner elegantesten Höflinge, den Marquis de Mailly-Nesle, entgegen. Der Marquis fand die Russen natürlich in einer Taverne, schnarchend und sich übergebend. Nur Petrus sprach mit seiner Zunge.

„Kultur Europas im 17.-18. Jahrhundert“

1. Geistliches Leben

In der Geschichte Europas war das 17. Jahrhundert vom Siegeszug des neuen Barockstils in der Kunst und der Skepsis im spirituellen Leben der Gesellschaft geprägt. Auf die Begeisterung und den Glauben an die Fähigkeiten eines Renaissance-Menschen folgen Enttäuschung, Verzweiflung und die tragische Zwietracht eines Einzelnen mit der Außenwelt. Ein Mann, der es seit dem Mittelalter gewohnt war, sich im Zentrum des Universums zu fühlen, fand sich plötzlich verloren auf einem riesigen Planeten wieder, dessen Größe ihm bekannt wurde. Der Sternenhimmel über ihnen war keine verlässliche Kuppel mehr, sondern ein Symbol der Grenzenlosigkeit des Weltraums, das lockte und zugleich abstoßete und Angst machte. Die Europäer mussten sich selbst neu entdecken und sich an die stark veränderte Welt um sie herum anpassen.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts wurde in Kontinentaleuropa der Skeptizismus und Rationalismus des Barock durch das Zeitalter der Aufklärung und die Kunst des Rokoko abgelöst. Der Grundgedanke der Aufklärung war Optimismus und der feste Glaube, dass die Menschheit durch eine Verbesserung ihrer Bildung verändert werden kann (daher der Name dieser Bewegung). Die Aufklärung hatte ihren Ursprung in Frankreich, das nach dem Tod Ludwigs XIV. aufatmete und hoffnungsvoll in die Zukunft blickte.

Eine große Rolle bei der Verbreitung der Ideen der Aufklärung spielte der Geheimbund der Freimaurer – Freimaurer. Der Ursprung der Freimaurerei ist immer noch ein Rätsel. Die Freimaurer selbst betrachten sich als Nachfolger der Tempelritter, die das Massaker zu Beginn des XIV. Jahrhunderts überlebten und deren Mitglieder die erste Loge – die Geheimabteilung – gründeten. Wissenschaftler gehen davon aus, dass die Freimaurer als politische Organisation zu Beginn des 18. Jahrhunderts auf der Grundlage von Handwerksvereinigungen von Bauarbeitern entstanden sind. Mitglieder der Freimaurerlogen befürworteten den Aufbau einer neuen Welt auf der Grundlage universeller Gleichheit und Brüderlichkeit und kämpften gegen die katholische Kirche, wofür sie wiederholt mit dem Fluch belegt wurden.

2. Barock- und Rokoko-Kunst

Am Ende des 16. Jahrhunderts begann der Manierismus allmählich dem Barock zu weichen, dem hohen Stil der etablierten absoluten Macht der Monarchen, die die Krise des Katholizismus überlebten und das Existenzrecht des Protestantismus verteidigten. Die höchste Barockblüte fiel am 2 Hälfte des XVII Jahrhundert, als Europa die Katastrophen der Religionskriege erfolgreich überwand.

Die barocke Architektur zeichnete sich durch üppige dekorative Verzierungen mit vielen Details, mehrfarbige Zierleisten, eine Fülle von Vergoldungen, Schnitzereien, Skulpturen und malerischen Plafonds aus, die den Eindruck erwecken, als würden sich offene Gewölbe öffnen. Dies ist die Zeit der Dominanz von Kurven, ineinander fließenden, kompliziert geschwungenen Linien, feierlichen Gebäudefassaden und majestätischen Architekturensembles. Dominiert in der Malerei formelles Porträt Die Leinwände sind voller Allegorien und virtuoser Dekorationskompositionen.

Trotz der Dominanz des Barock war diese Epoche stilistisch nicht einheitlich. In Frankreich, wo die Tendenzen des strengen Klassizismus stark waren, versuchte man, antiken Mustern zu folgen. In den Niederlanden neigte man eher zu einem naturalistischen Stil.

Der Barock als Stil entstand in Italien, von wo aus er das Licht eines wiederbelebten Katholizismus nach Europa bringen sollte. Lorenzo Bernini war einer der bedeutendsten Architekten des Barock. Er wurde zum Chefarchitekten der St. Paul's Cathedral ernannt – der wichtigsten katholischen Kirche in Rom. Nach seinem Projekt wurde 1623-1624 ein riesiger Bronzebaldachin über dem Altar der Kathedrale errichtet, als Material wurde im Auftrag von Papst Urban VIII. das antike Dach des Pantheons verwendet. Ebenfalls zwischen 1656 und 1665 baute Bernini vor der Fassade der Kathedrale eine grandiose ovale Kolonnade. 1658 errichtete der Architekt die Kirche Sant'Andrea al Quirinale, 1663-1666 die „Königliche Treppe“ im Vatikan. Das brillante Können Berninis zeigte sich im Bau der berühmten römischen Brunnen – des Tritonenbrunnens und des Vierströmebrunnens. Neben einer brillanten architektonischen Begabung verfügte Bernini über eine brillante Begabung als Bildhauer. Er ist Autor der Gräber von Papst Urban VIII. und Alexander VII. im Petersdom, der Skulpturen „David“ (1623), „Apollo und Daphne“ (1622-1625) und zahlreicher Büsten. Insbesondere während einer Reise nach Frankreich im Jahr 1665 schuf Bernini eine Büste Ludwigs XIV.

Die wichtigste Malschule in Italien des Barock war die Bologna-Schule, die von drei Künstlern gegründet wurde: Aodovico Carracci und seinen Cousins ​​​​Annibale und Agostino. 1585 gründeten sie in Bologna eine Werkstatt namens „Akademie derer, die den richtigen Weg eingeschlagen haben“, in der sie die Grundprinzipien der Barockmalerei entwickelten. 1597 zogen Annibale und Agostino nach Rom, wo sie den Auftrag erhielten, die Galerie des Palazzo Farnese auszumalen. Laut Carracci ist die Realität zu grob, daher sollte sie durch die Schaffung idealer Bilder auf der Leinwand veredelt werden.

Ein anderer prominenter italienischer Barockkünstler, Caravaggio Michelangelo, strebte im Gegenteil nach maximalem Realismus. Der Künstler schuf Gemälde zu biblischen Themen und versuchte gezielt, sie so demokratisch und einfach wie möglich zu gestalten. Dies sind seine Gemälde „Die Bekehrung Sauls“ (1600-1601), „Die Grablegung“ (1602 – 1604) , „Der Tod Mariens“ (1606). Darüber hinaus verwandelte er das Stillleben in unabhängiges Genre malen.

Der Barockstil in Spanien machte das 17. Jahrhundert zum „goldenen Zeitalter“ der Nationalkultur dieses Landes. König Philipp IV. förderte die Maler auf jede erdenkliche Weise, schuf ihnen die besten Bedingungen und bezahlte großzügig ihre Arbeit.

das erste Hauptfach Spanischer Künstler Der Barock gilt als Jusepe Ribera, obwohl er in seiner Jugend nach Italien ging, wo er den Rest seines Lebens verbrachte. Sein Werk wurde von Caravaggio beeinflusst und der Künstler versuchte, seine Figuren so realistisch wie möglich zu gestalten. Riberas bekannteste Werke sind „Der heilige Hieronymus“ (1626), „Die Qual des heiligen Bartholomäus“ (1630) und „Der Lahme“ (1642).

Der größte spanische Maler des 17. Jahrhunderts war Diego De Silva Velazquez, seit 1623 der Hofmaler Philipps IV. Velázquez‘ Art zeichnete sich durch einen betonten Realismus, eine gewisse Strenge des Schreibens und eine auffallende Wahrheit des Lebens aus. In seinen jungen Jahren schuf er eine ganze Galerie heller Werke Volkstypen, V reife Jahre, der am Hof ​​​​lebte, bevorzugte Aristokraten, Mitglieder der königlichen Familie sowie mythologische Themen. Dies sind Bacchus (1628-1629), Venus mit Spiegel (1651), Meninas (1656).

Der spanische Barock hatte tiefgreifende Auswirkungen auf Flandern, wo sich derselbe Stil durchsetzte. Der Höhepunkt des flämischen Barock war das Werk des Künstlers Peter Paul Rubens. Wie viele andere Maler reiste Rubens in seiner Jugend nach Italien, wo er die Denkmäler der Antike und die Werke von Meistern der Renaissance studierte. Als er in seine Heimat zurückkehrte, schuf er das klassische Bild des monumentalen barocken Altarbildes – „Kreuzerhöhung“ und „Kreuzabnahme“ (1610-1614). Rubens zeichnet sich durch kraftvolle und prächtige menschliche Körper voller Vitalität und einen großen dekorativen Umfang aus. Das Thema seiner Gemälde waren mythologische und biblische Themen, historische Szenen. Er wurde zum Schöpfer des zeremoniellen Barockporträts. Am meisten Berühmte Gemälde Rubens sind: „Die Entführung der Töchter des Leukipp“ (1619-1620), „Perseus und Andromeda“ (1621), „Bathseba“ (1636), „Pelzmantel“ (1638).

Rubens‘ Schüler war der Künstler Anthony van Dyck, der Hofmaler Karls I. Als Nachfolger der Ideen der flämischen Schule arbeitete Van Dyck lange Zeit in Genua und Antwerpen und zog 1631 für immer nach London. Dort wurde er zu einem beliebten Porträtmaler der königlichen Familie und erhielt so viele Aufträge, dass er gezwungen war, die Arbeiten unter seinen Schülern zu verteilen und so etwas wie eine Kunstmanufaktur zu gründen. Zu seinen Pinseln gehören Porträts: „Karl I. auf der Jagd“ (1633), „ Familienporträt» (1621).

In Frankreich, wo die klassische Tradition mit dem Barock konkurrierte, am stärksten prominenter Vertreter Die nationale Malschule war Nicolas Poussin. Poussin dachte an seine Lehrer Raphael und Tizian, deren Werke er während eines Italienbesuchs studierte. Der Künstler bevorzugte es, mythologische und biblische Szenen mit einer Vielzahl von Charakteren und Allegorien darzustellen. Anschauliche Beispiele Klassizismus waren seine Gemälde „Die Inspiration des Dichters“ (1629-1635), „Das Königreich der Flora“ (1632), „Der Raub der Sabinerinnen“ (1633), „Bacchanalien“.

Die Herrschaft Ludwigs XIV. war eine ganze Ära in der Entwicklung der französischen Kunst. Künstler und Architekten wurden in der Akademie für Malerei und Bildhauerei und der Akademie für Architektur zusammengefasst. Sie waren aufgerufen, die Größe des „Sonnenkönigs“ zu verherrlichen und schufen durch gemeinsame Anstrengungen, basierend auf einem Kompromiss zwischen Barock und Klassizismus, einen neuen Trend, der den Stil Ludwigs XIV. nannte. Die grandiosen Paläste und Parkanlagen sollten die Idee der Allmacht des absoluten Monarchen und der Macht der französischen Nation visuell verkörpern.

Geleitet von diesen Grundsätzen begann der Architekt Claude Perrault 1667 mit dem Bau der Ostfassade des Louvre, der sogenannten „Kolonnade“. Nach dem Projekt von Liberal Bruant und Jules Hardouin-Mansart wurde das Les Invalides gebaut – eine Herberge für Kriegsveteranen und eine Kathedrale. Der Höhepunkt der französischen Architektur dieser Epoche war der Bau von Versailles (1668-1689). Der Bau des Schlosses Versailles und des Parkensembles wurde von den Architekten Louis Levo und Jules Hardouin-Mansart geleitet. In Versailles verbindet sich die für den Klassizismus charakteristische Strenge der Linienführung des Schlossbaus mit der prachtvollen Barockdekoration der Säle. Darüber hinaus ist der mit zahlreichen Brunnen geschmückte Park selbst ein Produkt des Barockstils.

Im Gegensatz zu Italien, Spanien, England und Frankreich, wo Maler riesige Summen für ihre Gemälde erhielten, erhielten Künstler in Holland nur sehr wenig Geld. Eine gute Landschaft konnte man für ein paar Gulden kaufen, ein gutes Porträt beispielsweise kostete nur 60 Gulden und Rembrandt, auf dem Höhepunkt seines Ruhmes, erhielt für „Die Nachtwache“ nur 1600 Gulden. Zum Vergleich: Rubens‘ Honorare beliefen sich auf Zehntausende Franken. Die niederländischen Meister lebten in sehr bescheidenem Wohlstand, manchmal in Armut in kleinen Werkstätten. Ihre Kunst spiegelt wider Alltagsleben Land und zielte nicht darauf ab, die Monarchie oder die Herrlichkeit des Herrn zu verherrlichen, sondern die Psychologie eines gewöhnlichen Menschen zu offenbaren.

Der erste große Meister der niederländischen Malschule war Frans Hals. Die überwiegende Mehrheit seiner Gemälde sind Porträts. Er hatte eine große Werkstatt, hatte 12 Kinder, die in der Nachfolge ihres Vaters Künstler wurden, viele Studenten, führte einen böhmischen Lebensstil, war mit zahlreichen Schulden belastet und starb in völliger Armut.

Die bedeutendsten Werke der frühen niederländischen Malerei waren die Gruppenporträts von Hals. Die Kunden waren Mitglieder der Zünfte, die darum baten, sie während eines Festes oder einer Versammlung zu porträtieren. Dies sind die „Offiziere der Schützenkompanie von St. Georg“ (1616), „Pfeile der Gilde von St. Adrian in Haarlem“ (1627). Die Kunst von Hals ist frei von tiefer Konzentration und psychologischen Kollisionen. In seinen Gemälden, die den Charakter des Künstlers selbst widerspiegeln, wird fast immer gelacht. Hals schuf eine Galerie einfacher Niederländer, ein wenig unhöflich, aber offen in ihren Gefühlen – „Zigeuner“, „Malle Babbe“, „Junge-Fischer“, „Jester“.

Als Schüler von Hals arbeitete der Maler Adrian van Ostade heimisches Genre. Seine Szenen aus dem Land- und Stadtleben sind voller Humor und einem gutmütigen Grinsen. Tako du bist „Kampf“, „In einer Dorfschenke“, „Künstlerwerkstatt“. Jan van Goyen wurde zu einem Klassiker der niederländischen Landschaft, der die Prinzipien von nutzte Aerial Perspektive. Sein bestes Gemälde ist „Ansicht von Dordrecht“ (1648).

Der zweite große Maler Hollands, dessen Werk Hals ebenbürtig ist, war Jan Vermeer aus Delft. Er bevorzugte alltägliche lyrische Kompositionen, die eine oder zwei Frauen zu Hause zeigten – „Mädchen liest einen Brief“, „Frau am Fenster“, „Frau probiert eine Halskette an“, „Glas Wein“, „Spitzenklöpplerin“. Vermeer gelang es, das Privatleben der Stadtbewohner sowie einen Menschen im Einklang mit der Umwelt mit großer emotionaler Kraft darzustellen. Es gelang ihm, das silbrige Tageslicht, das auf seinen Leinwänden spielt, mit vielen Highlights erstaunlich wahrheitsgetreu wiederzugeben.

Der Höhepunkt der niederländischen Schule war das Werk von Rembrandt Harmensz van Rijn mit seinem tiefen Psychologismus und den einzigartigen goldbraunen Farbtönen. Wie Hals erlebte Rembrandt eine Zeit der Popularität, ging dann aber bankrott und beendete sein Leben in schrecklicher Armut.

Rembrandt malte hauptsächlich Einzel- und Gruppenporträts sowie Gemälde zu mythologischen und biblischen Themen. Der Künstler war ein Meister des Hell-Dunkels, und seine Figuren scheinen von einem Lichtstrahl aus der Dunkelheit gerissen zu werden. Seine Gemälde „Danaë“, „Heilige Familie“ und „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ gelten zu Recht als unübertroffene Meisterwerke. Aus Gruppenporträts die bekanntesten sind „Doctor Tulip's Anatomy Lesson“ und „Night Watch“. Spiritualität und erstaunliche emotionale Tiefe zeichnen „Porträt eines alten Mannes in Rot“ aus.

Von Italien aus breitete sich die Barockarchitektur nicht nur nach Norden, sondern auch nach Osten aus. Nach dem Ende des Dreißigjährigen Krieges in Süddeutschland unter der Führung von Italienische Meister Es entstanden zahlreiche Barockbauten. Ende des 17. Jahrhunderts erschienen in den deutschen Landen eigene Meister, die im Barockstil arbeiteten.

Der preußische Architekt Andreas Schlüter baute das Königsschloss und das Arsenalgebäude in Berlin. Wenn sich Schluter vom italienischen Bildhauer Lorenzo Bernini und französischen Vorbildern leiten ließ, dann ist die Arbeit von Daniel Peppelman völlig originell. Nach seinem Projekt wurde für August II. den Starken in Dresden die berühmte Zwingeranlage errichtet. Außerdem errichtete der Architekt Peppelman im Auftrag von August den Königspalast in Grodno.

Die Verbreitung des Barockstils im Commonwealth wurde durch das Eindringen der Jesuiten in das Land verursacht. Das erste Barockdenkmal in Weißrussland und in Europa im Allgemeinen außerhalb Italiens war die Jesuitenkirche, die der italienische Architekt Bernardoni Ende des 16. Jahrhunderts für Fürst Radziwill in Neswisch erbaute. Dieser Stil erreichte seine wahre Blütezeit in der 2. Hälfte des 17. Jahrhunderts, als er erworben wurde nationale Merkmale, nahm im weißrussischen oder Wilnaer Barock Gestalt an. Zahlreiche Kirchen und Stadtentwicklungen in Wilna, Grodno, Minsk, Mogilev, Brest, Slonim, Pinsk, Polozk, die nach der Explosion wiederaufgebaute Sophienkathedrale, Klöster in Golypany, Baruny, Berezveche, Palastkomplexe in Nesvizh und Ruzhany waren klassische Beispiele des belarussischen Barocks.

Ende des 17. Jahrhunderts drang der Barock von Weißrussland nach Russland vor, wo er erstmals als Naryschkin-Stil bezeichnet wurde. Ein Beispiel für diesen Trend ist die Fürbittekirche in Fili und die Zeichenkirche in Dubrovitsy. Mit Beginn der Reformen Peters I. siegte der Barock endgültig in der russischen Architektur, was sich vor allem beim Bau von St. Petersburg manifestierte. Der Höhepunkt der barocken Entwicklung in Russland war das Werk des italienischen Architekten Bartolomeo Francesco Rastrelli. Er baute die Paläste in Peterhof und Zarskoje Selo wieder auf, baute den Komplex des Smolny-Klosters und den berühmten Winterpalast in der Hauptstadt.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts entstand in Frankreich ein neuer Kunststil, das Rokoko. Im Gegensatz zum Barock, der ausschließlich ein höfischer Stil war, war das Rokoko die Kunst der Aristokratie und der oberen Schichten des Bürgertums. Nun war das Hauptziel des Meisters nicht die Verherrlichung von irgendjemandem oder irgendetwas, sondern die Bequemlichkeit und das Vergnügen einer bestimmten Person. Schaute der Barock hoch hinaus, so stieg das Rokoko von den himmlischen Höhen auf die sündige Erde hinab und richtete seinen Blick auf die umstehenden Menschen. Manchmal wird der Rokoko-Stil als Kunst um der Kunst willen bezeichnet. Es wäre richtiger, diesen Stil Kunst für eine Person zu nennen.

Rokoko-Architekten begannen, sich um den menschlichen Komfort zu kümmern. Sie verzichteten auf die Prunkhaftigkeit majestätischer Barockgebäude und versuchten, den Menschen mit einer Atmosphäre der Bequemlichkeit und Anmut zu umgeben. Auch die Malerei verzichtete auf „große Ideen“ und wurde einfach schön. Befreit von den turbulenten Emotionen des Barock, waren die Gemälde von kaltem Licht und subtilen Halbtönen erfüllt. Das Rokoko war vielleicht der erste fast völlig weltliche Stil in der Geschichte der europäischen Kunst. Wie die Philosophie der Aufklärung trennte sich auch die Kunst des Rokoko von der Kirche und drängte religiöse Themen weit in den Hintergrund. Sowohl die Malerei als auch die Architektur sollten fortan leicht und angenehm sein. Die galante Gesellschaft des 18. Jahrhunderts hatte keine Lust mehr zu moralisieren und zu predigen, die Menschen wollten das Leben genießen und das Beste daraus machen.

Der größte Meister des Rokoko war François Boucher, der seine Gemälde in dekorative Tafeln verwandelte, um die Wände zu schmücken. Dies sind die Gemälde „Das Baden der Diana“, „Der Triumph der Venus“ und „Die Hirtenszene“.

Maurice-Kanter Larut konnte etwas schaffen Porträtgenre Rokoko. Die in seinen Gemälden dargestellten Personen blicken den Betrachter ganz im Einklang mit den Anforderungen des Jahrhunderts freundlich und galant an und versuchen, in ihm keine Bewunderung, sondern ein Gefühl der Sympathie zu erwecken. Die wahren Charaktere der Charaktere verbergen sich unter der Maske weltlicher Höflichkeit.

Die Gemälde von Honore Fragonard sind erfüllt von einem aufrichtigen Gefühl der Fülle des Lebens, das sich in unbeschwertem Genuss vollzieht. Ein Beispiel hierfür ist die Leinwand „Swing“ (1766), „Kiss verstohlen“ (1780).

Der Stil des Rokoko kam in den 30er Jahren des 18. Jahrhunderts nach Deutschland und blieb im Norden erhalten, da in den süddeutschen Ländern bis zum Ende des Jahrhunderts der Barock vorherrschte.

Im Jahr 1745 begann der preußische Architekt Georg Knobelsdorff mit dem Bau der Schloss- und Parkanlage Sanssouci bei Potsdam. Schon sein Name (aus dem Französischen übersetzt „ohne Sorgen“) spiegelte den Geist des Rokoko wider. Auf der Weinterrasse wurde im Auftrag Friedrichs II. ein bescheidener einstöckiger Palast errichtet. Doch schon bald wurde das Rokoko durch den erstarkenden Klassizismus verdrängt.

Die englische Kunst des 18. Jahrhunderts war so eigenartig, dass sie sich den in Kontinentaleuropa akzeptierten Klassifizierungen widersetzt. Es gibt eine bizarre Verflechtung aller Stile und Strömungen, unter denen der Klassizismus nach und nach den ersten Platz einnimmt.

William Hogarth wurde der Begründer der nationalen englischen Malschule. Ganz im Sinne der damaligen englischen Gesellschaft widmete er sein Werk der politischen und sozialen Satire. Die Gemäldeserie „Mot's Career“, „Fashionable Marriage“ und „Elections“ brachte dem Künstler wahren Ruhm. Um sein Werk möglichst vielen Betrachtern vorzustellen, fertigte Hogarth selbst alle seine Werke in Öl an und verbreitete sie in großer Zahl.

Der Künstler Joshua Reynolds ging als Kunsttheoretiker, erster Präsident der Royal (London) Academy of Arts und herausragender Porträtmaler in die Geschichte ein. Seine Porträts sind erfüllt von dem Pathos, die Helden zu verherrlichen, die es wert sind, für immer auf der Leinwand eingeprägt zu werden.

Während sich Reynolds durch eine rationale Herangehensweise an die Malerei auszeichnete, war das Werk von Thomas Gainsborough emotionaler. Seine Porträts zeichnen sich durch eine poetische Wahrnehmung der menschlichen Natur aus.

Unterrichten

Benötigen Sie Hilfe beim Erlernen eines Themas?

Unsere Experten beraten oder bieten Nachhilfe zu Themen an, die Sie interessieren.
Einen Antrag stellen Geben Sie gleich das Thema an, um sich über die Möglichkeit einer Beratung zu informieren.

Das 17. Jahrhundert ist eine der hellsten und brillantesten Seiten in der Geschichte der Weltkunstkultur. Dies ist die Zeit, in der die Ideologie des Humanismus und des Glaubens an endlose Möglichkeiten Der Mensch bekam ein Gefühl für die dramatischen Widersprüche des Lebens. Einerseits findet in der Naturwissenschaft ein revolutionärer Umbruch statt, Neues Bild Welt, neue Stile tauchen in der Kunst auf, andererseits herrschen politischer Konservatismus, pessimistische Ansichten über Gesellschaft und Mensch vor.

Die Epoche des 17. Jahrhunderts in Kultur und Kunst wird üblicherweise als Barockzeit bezeichnet. Die Entstehung einer neuen europäischen Kultur war mit einem sich rasch verändernden „Weltbild“ und der Krise der Ideale der italienischen Renaissance verbunden. Für das geistige Leben der Gesellschaft im 17. Jahrhundert waren große geographische Entdeckungen und naturwissenschaftliche Entdeckungen von großer Bedeutung. Der Mensch begann die Zerbrechlichkeit und Instabilität seiner Position, den Widerspruch zwischen Illusion und Realität, deutlich zu spüren. Das neue Weltbild wurde in der künstlerischen Kultur auf besondere Weise gebrochen: Alles Ungewöhnliche, Dunkle, Gespenstische begann schön, attraktiv und klar und einfach zu erscheinen – langweilig und uninteressant. Diese neue Ästhetik verdrängte spürbar die früheren Renaissance-Prinzipien der Nachahmung der Natur, der Klarheit und des Gleichgewichts.

So entstand ein neuer Stil – der Barock. Barock (italienisch barocco – „bizarr“, „seltsam“, „übermäßig“, port. perola barroca – „Perle von unregelmäßiger Form“ (wörtlich „Perle mit Schraubstock“) – das umgangssprachliche Wort portugiesischer Seeleute, das sich auf fehlerhafte, unregelmäßige Perlen bezieht „Form“ wird in der Bedeutung „weicher machen, die Kontur auflösen, die Form weicher und malerischer machen“ verwendet.

Die barocke Architektur zeichnete sich durch üppige dekorative Verzierungen mit vielen Details, mehrfarbige Zierleisten, eine Fülle von Vergoldungen, Schnitzereien, Skulpturen und malerischen Plafonds aus, die den Eindruck erwecken, als würden sich offene Gewölbe öffnen. Dies ist die Zeit der Dominanz von Kurven, ineinander fließenden, kompliziert geschwungenen Linien, feierlichen Gebäudefassaden und majestätischen Architekturensembles. In der Malerei dominiert das zeremonielle Porträt, charakteristisch sind Kontrast, Spannung, Dynamik der Bilder, der Wunsch nach Größe und Prunk, nach der Verbindung von Realität und Illusion.

Der Beginn des italienischen Barocks ist mit dem Bau der romanischen Kirche Il Gesu (1575) verbunden, deren Fassade von Giacomo della Porta entworfen wurde. Sie schuf im wahrsten Sinne des Wortes „eine Ära“ und wurde zum Ausdruck der Stilrichtungen der Zeit: die traditionelle Aufteilung in zwei Etagen, Halbsäulen, Nischen, Statuen und die unvermeidlichen Voluten (Locken) an den Ecken. Das erste und größte Palastgebäude dieser Zeit war der Palazzo Quirinale, die Sommerresidenz der Päpste, errichtet auf der Spitze des Quirinalhügels.

Dieser Trend findet seinen markantesten Ausdruck in der Skulptur im Werk von Lorenzo Bernini. Seine Skulptur „David“ stellt einen Moment schneller Bewegung dar, einen Ansturm auf den Riesen Goliath, den Übergang einer Bewegung in eine andere. Bernini begnügt sich nicht damit, das Gesicht zu verzerren und einen schmerzhaften oder glückseligen Ausdruck zu vermitteln. In der Skulptur „Apollo und Daphne“ von Lorenzo Bernini wurde in einer fliegenden Bewegung der Moment der Verwandlung der jungen wehrlosen Daphne, überholt vom leichtfüßigen Apollo, in einen Lorbeer festgehalten. Das brillante Können Berninis manifestierte sich im Bau der berühmten römischen Brunnen – „Tritonbrunnen“ und „Vierströmebrunnen“.

Mit dem Namen Bernini ist die nächste Stufe der Umgestaltung des Petersdoms in Rom verbunden: Er entwarf den Platz vor dem Dom, überdachte Galeriekorridore erstreckten sich weit nach vorne, direkt an den Rändern der Fassade. Der Architekt schuf zwei Plätze – einen großen elliptischen, von Säulen eingerahmten und einen direkt angrenzenden trapezförmigen Platz, der auf der gegenüberliegenden Seite von der Hauptfassade der Kathedrale begrenzt wird. Gleichzeitig war der Platz vor der Kathedrale auch ein Stadtplatz, geschmückt mit einem Obelisken in der Mitte des Ovals und zwei Brunnen.

Die Niederlande treten in der bildenden Kunst und vor allem in der Malerei in den Vordergrund. Peter Paul Rubens (1577-1640) zeigte sich wie die großen Persönlichkeiten der Renaissance in verschiedenen Tätigkeitsfeldern: Er war Diplomat, Höfling, wurde mit dem Adelstitel ausgezeichnet, war befreundet und arbeitete mit prominenten Persönlichkeiten seiner Zeit zusammen. Wie viele andere Maler reiste Rubens in seiner Jugend nach Italien, wo er die Denkmäler der Antike und die Werke von Meistern der Renaissance studierte. Als er in seine Heimat zurückkehrte, schuf er das klassische Bild des monumentalen barocken Altarbildes – „Kreuzerhöhung“ und „Kreuzabnahme“ (1610-1614). Eine Gruppe von Henkern und Soldaten stellte ein großes Kreuz auf, an das Christus genagelt war. Die verschiedenen Posen der Figuren, ihre komplexen Verkürzungen und geschwollenen Muskeln drücken die extreme Anspannung physischer Kräfte aus, dieser rohen Kraft steht das idealisierte Christusbild gegenüber. Rubens zeichnet sich durch kraftvolle und prächtige menschliche Körper voller Vitalität und einen großen dekorativen Umfang aus. Das Thema seiner Gemälde waren mythologische und biblische Themen, historische Szenen.

Rubens „Kreuzerhöhung“ „Kreuzabnahme“

In dem Gemälde „Jagd auf Löwen“, dessen Skizze zu den besten Rubens-Stücken in der Hermitage-Sammlung gehört, ist die Handlung von außerordentlicher Schnelligkeit und Leidenschaft geprägt. Aufbäumende Pferde, ein Löwe, der einen fallenden Reiter quält, und Jäger, die ihn schlagen, sind zu einer unzertrennlichen Gruppe verschmolzen, in der ungezügelte Kraft und Vitalität in Wut umschlagen.

Er greift gerne die Themen der Antike auf. Das Eremitage-Gemälde „Perseus und Andromeda“ (1620-1621), das zu den Meisterwerken des Meisters gehört, ist ein Beispiel dafür, wie frei und realistisch er Bilder der klassischen Antike verwendet. Dargestellt ist der Moment, in dem der mythische Held Perseus auf seinem geflügelten Pferd Pegasus angekommen ist und die an einen Felsen gekettete Andromeda befreit. Er besiegte den Drachen, der sie gefangen hielt, und das schreckliche Monster öffnet machtlos sein Maul zu seinen Füßen. Fasziniert von der Schönheit der Gefangenen nähert sich Perseus ihr, Ruhm krönt den Sieger, Amoretten eilen herbei, um ihm zu dienen.

Das Hauptthema von Rubens war der Mensch, die lebendige und irdische Liebe, man könnte sogar sagen Leidenschaft. Er war der Fülle des Lebens, der Kraft, der Reichweite und dem Sturm der Bewegung verpflichtet. Er stellte oft nackte Figuren dar, oft einen schweren, warmen, vollblütigen Körper, erfüllt von der üppigen Farbe des Lebens und meist hervorgehoben durch einen hellen Fleck auf dunklem Hintergrund. So schreibt er: „Elena Fourman im Pelzmantel.“ In den Porträts von Rubens störten Accessoires, Hintergründe – üppige Vorhänge usw. – nicht, sondern trugen vielmehr zur Offenlegung des Charakters der Figur und zum Eindringen in seine innere Welt bei („Porträt eines Zimmermädchens“).

Realistische Tendenzen in der Malerei lassen sich im Werk des großen niederländischen Malers Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) beobachten. Die Themen seiner Arbeit sind vielfältig: religiöse Themen, Mythologie, Geschichte, Porträts, Genreszenen. Die Kunst von Rembrandt zeichnete sich in jedem Werk von Rembrandt vor allem durch die Liebe zum Menschen und den Humanismus aus – ein Versuch, die spirituelle Entwicklung des Menschen, den tragischen Weg der Erkenntnis des Lebens, zu vermitteln. Seine Helden sind Menschen mit widersprüchlichen Charakteren und schwierigen Schicksalen. Der Künstler studiert immer die Natur, sein Vorbild, und beschränkt sich nicht auf die Darstellung gemeinsamer Merkmale. Rembrandt ging als Meister des Selbstporträts in die Geschichte der Weltmalerei ein. Von Jahr zu Jahr porträtierte er sich entweder fröhlich oder traurig, dann wütend oder gleichgültig. Die hundert von ihm geschaffenen Selbstporträts enthalten die Geschichte seines Lebens, die Biographie seiner Seele, das Bekenntnis des Künstlers.

Das Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ zeigt die letzte Episode des Gleichnisses, als der verlorene Sohn nach Hause zurückkehrte, „und als er noch weit weg war, sah ihn sein Vater und hatte Mitleid; und im Laufen fiel er ihm um den Hals und küsste ihn“, und sein älterer, gerechter Bruder, der bei seinem Vater blieb, wurde wütend und wollte nicht eintreten.

„Danae“ basiert auf dem antiken griechischen Mythos von Danae, der Mutter von Perseus. Als der König der antiken griechischen Stadt Argos von der Prophezeiung erfuhr, dass er durch die Hand des Sohnes von Danae, seiner Tochter, sterben sollte, sperrte er sie in einen Kerker und wies ihr eine Magd zu. Der Gott Zeus drang jedoch in Form eines goldenen Regens in Danae ein, woraufhin sie einen Sohn, Perseus, zur Welt brachte.

Im 17. Jahrhundert dominierte der Klassizismus in Frankreich. Der Klassizismus (französisch classicisme, von lat. classicus – vorbildlich) ist ein künstlerischer Stil und ästhetischer Trend in der europäischen Kunst des 17.-19. Jahrhunderts. Der Klassizismus basiert auf den Ideen des Rationalismus. Aus klassizistischer Sicht sollte ein Kunstwerk auf der Grundlage strenger Regeln errichtet werden und so die Harmonie und Logik des Universums selbst offenbaren. Die Meister des Klassizismus vermittelten in ihren Werken nicht das unmittelbare, umgebende Leben. Sie stellten die veredelte Wirklichkeit dar, suchten Idealbilder zu schaffen, die ihren Vorstellungen vom Vernünftigen, Heroischen und Schönen entsprachen. Die Themen der klassischen Kunst beschränkten sich hauptsächlich auf die antike Geschichte, die Mythologie und die Bibel bildliche Sprache und künstlerische Techniken wurden der klassischen antiken Kunst entlehnt, die nach Ansicht der Meister des Klassizismus vor allem dem harmonischen Ideal des Vernünftigen und Schönen entsprach.

Der Begründer des Klassizismus in der französischen Malerei war Nicolas Poussin (1594-1665). Seine Werke zeichnen sich durch tiefe Ideen, Gedanken und Gefühle aus. Er glaubte, dass Kunst einen Menschen „an Kontemplation und Weisheit erinnern sollte, mit deren Hilfe er angesichts der Schicksalsschläge standhaft und unerschütterlich bleiben kann“. Innerhalb der Szenen aus antike Mythologie und der Bibel enthüllte Poussin die Themen der Neuzeit. In seinen Werken strebte er nach majestätischer Ruhe, edler Zurückhaltung und Ausgeglichenheit. Sein Ideal ist ein Held, der in den Prüfungen des Lebens unerschütterlichen Seelenfrieden bewahrt und in der Lage ist, eine Leistung zu vollbringen. Die Idee der Vergänglichkeit des Lebens und der Unvermeidlichkeit des Todes erregte oft die Aufmerksamkeit von Poussin und diente als Thema vieler seiner Werke. Das beste unter ihnen ist das Gemälde „Die arkadischen Hirten“ (Louvre), das offenbar in den frühen 1650er Jahren entstanden ist. Es zeigt vier Bewohner des legendären glücklichen Landes Arkadien, die zwischen den Büschen ein Grab fanden und die darauf eingravierten Worte analysieren: „Und ich war in Arkadien.“ Dieser zufällige Fund regt die arkadischen Hirten zum Nachdenken an und erinnert sie an die Unvermeidlichkeit des Todes. Die tiefe philosophische Idee, die diesem Bild zugrunde liegt, kommt in einer kristallklaren und klassisch strengen Form zum Ausdruck. Die Art der Figuren, ihre Statuen und die Nähe zu antiken Formen und Proportionen weisen auf die reife Kunst des Meisters hin. Das Bild zeichnet sich durch eine außergewöhnliche Integrität in Design und Ausführung aus und die verborgene Traurigkeit, von der es durchdrungen ist, verleiht ihm einen ganz besonderen Charme. Eines der charakteristischen Merkmale seines Talents ist die Fähigkeit, die innere Welt eines Menschen in Bewegung, Geste und Rhythmen zu offenbaren.

In der Geschichte der französischen Kultur wird die Zeit vom Beginn der Herrschaft Ludwigs XV. bis zum Beginn der Revolution (1789) als Zeit der Aufklärung bezeichnet. Einer von die wichtigsten Eigenschaften Kultur der Aufklärung ist der Prozess der Verdrängung religiöser Prinzipien der Kunst durch säkulare. Im 18. Jahrhundert hat die Profanarchitektur erstmals in fast ganz Europa Vorrang vor der Kirchenarchitektur.

Das gesellschaftliche Leben der Aufklärung war höchst umstritten. Die Aufklärer kämpften mit der „alten Ordnung“, die es damals noch gab echte Kraft. Nicht nur der Stil des künstlerischen Schaffens, sondern auch die Lebensweise der königlichen Höfe, die die „Alte Ordnung“ Europas verkörpern, wird zum Rokoko (vom französischen „rocaille“ – Muschel). Titel vermittelt Hauptmerkmal Dieser Stil zeichnet sich durch die Wahl einer komplexen, raffinierten Form und skurrilen Linien aus, die an die Silhouette einer Muschel erinnern.

Der Begriff „Rokoko“ (oder „Rocaille“) kam Mitte des 19. Jahrhunderts in Gebrauch. Ursprünglich ist „Rocaille“ eine Möglichkeit, die Innenräume von Grotten, Brunnenschalen usw. mit verschiedenen Fossilien zu schmücken, die natürliche (natürliche) Formationen imitieren. Charakteristische Merkmale des Rokoko sind Raffinesse, große dekorative Fülle von Innenräumen und Kompositionen, anmutiger Ornamentrhythmus, große Aufmerksamkeit für die Mythologie und persönlicher Komfort.

Rokoko-Architektur

Im Gegensatz zum Barock, der ausschließlich ein höfischer Stil war, war das Rokoko die Kunst der Aristokratie und der oberen Schichten des Bürgertums. Nun war das Hauptziel des Meisters nicht die Verherrlichung von irgendjemandem oder irgendetwas, sondern die Bequemlichkeit und das Vergnügen einer bestimmten Person. Rokoko-Architekten begannen, sich um den menschlichen Komfort zu kümmern. Sie verzichteten auf die Prunkhaftigkeit majestätischer Barockgebäude und versuchten, den Menschen mit einer Atmosphäre der Bequemlichkeit und Anmut zu umgeben. Auch die Malerei verzichtete auf „große Ideen“ und wurde einfach schön. Befreit von den turbulenten Emotionen des Barock, waren die Gemälde von kaltem Licht und subtilen Halbtönen erfüllt. Das Rokoko war vielleicht der erste fast völlig weltliche Stil in der Geschichte der europäischen Kunst. Wie die Philosophie der Aufklärung trennte sich auch die Kunst des Rokoko von der Kirche und drängte religiöse Themen weit in den Hintergrund. Sowohl die Malerei als auch die Architektur sollten fortan leicht und angenehm sein. Die galante Gesellschaft des 18. Jahrhunderts hatte keine Lust mehr zu moralisieren und zu predigen, die Menschen wollten das Leben genießen und das Beste daraus machen.

Das Rokoko manifestierte sich nicht in der äußeren Gestaltung von Gebäuden, sondern nur in Innenräumen sowie in der Gestaltung von Büchern, Kleidung, Möbeln und Gemälden. Auch in allen Bereichen der künstlerischen und industriellen Produktion kam der Rokoko-Stil glänzend zum Ausdruck; Mit besonderem Erfolg wurde es bei der Herstellung von Porzellan verwendet und verlieh sowohl der Form als auch der Verzierung seiner Produkte eine besondere Eleganz. Dank ihm machte diese Erfindung in ihrer Zeit einen großen Fortschritt und erlangte bei Kunstliebhabern große Wertschätzung. Neben Porzellan liegt Silber im Trend. Es werden Schokoladenschalen, Terrinen, Kaffeekannen, Schüsseln, Teller und mehr hergestellt. In diesem Jahrhundert wird die Kochkunst in ihrer modernen Form geboren, einschließlich der Kunst des Tischgedecks. Rokoko-Möbel sind anders Charakteristische Eigenschaften. Eines der auffälligsten Merkmale sind geschwungene Linien und geschwungene Beine. Möbel werden leichter und eleganter als zuvor. Neue Möbelstücke erscheinen: Konsolentische, Sekretäre, Sekretäre, Kommoden, Kleiderschränke. Die beiden häufigsten Stuhltypen sind „Bergere“ und „Marquise“. Vergoldete Kandelaber, Uhren, Porzellanfiguren, Wandteppiche und Paravents sind unverzichtbare Elemente des Rokoko-Stils. Spiegel und asymmetrisch schwere Gemälde kommen in Hülle und Fülle zum Einsatz. Verwenden Sie auf Sofas und Sesseln Seidenkissen und Sitzpuffs mit Plotstickerei. Interessante Tatsache- Es war der Rokoko-Designstil, der eine solche Innovation in den Innenraum einführte wie ein Aquarium im Innenraum.

Rokoko-Interieur

Die Hauptthemen der Rokoko-Malerei sind das exquisite Leben der Hofaristokratie, „galante Feste“, idyllische Bilder des „Hirtenlebens“ vor der Kulisse unberührter Natur. Einer der größten Meister der französischen Kunst des 18. Jahrhunderts war Antoine Watteau (1684-1721), ein Künstler mit subtilem poetischem Gefühl und großem malerischem Talent. Als verträumter und melancholischer Meister „galanter Feste“ brachte er echte Poesie und Gefühlstiefe in die Darstellung des Lebens der säkularen Gesellschaft ein und einen Hauch von Melancholie und Unzufriedenheit in die Interpretation von Liebesszenen und nachlässigen Vergnügungen. Sehr oft begegnen wir in seinen Gemälden dem Bild eines einsamen Träumers, melancholisch und traurig, in Gedanken versunken und fern vom lauten Spaß, von der eitlen Eitelkeit der Menge. Das ist der wahre Held von Watteau. Seine Werke sind immer von lyrischer Traurigkeit bedeckt. Wir werden in ihnen keinen stürmischen Spaß, keine scharfen und klangvollen Farben finden. Besonders gern porträtiert er Damen und Herren beim Spazierengehen oder Vergnügen vor der Kulisse der Landschaft, in überwucherten schattigen Parks, an den Ufern von Teichen und Seen. So sind die beiden bezaubernden Gemälde der Dresdner Galerie, zum Beispiel „Gesellschaft im Park“, wo alles von einer subtilen lyrischen Stimmung durchdrungen ist, und zwar sogar Marmorstatuen alte Götter scheinen den Liebenden wohlgesonnen zu sein.

„Ankunft auf der Insel Kythera“

Der berühmteste Rokoko-Künstler war Francois Boucher, der sich neben der Malerei auch mit allen Arten dekorativer und angewandter Kunst beschäftigte: Er schuf Pappe für Wandteppiche, Zeichnungen für Sevres-Porzellan, bemalte Fächer, führte Miniaturen und dekorative Gemälde aus. François Boucher war ein Künstler, der während seines Niedergangs ideologisch mit der aristokratischen Gesellschaft verbunden war; Er fing in seinen Leinwänden den Wunsch ein, alle Segnungen des Lebens zu genießen, der in der Mitte des 18. Jahrhunderts in der Oberschicht herrschte. Im Werk von Bush werden häufig mythologische Handlungsstränge verwendet, die zur Darstellung eines nackten Frauen- und Kinderkörpers führen. Besonders oft schreibt er mythologische Heldinnen – zu verschiedenen Zeitpunkten ihrer Liebesbeziehungen oder ihrer geschäftigen Toilette. Nicht weniger charakteristisch für Boucher sind die sogenannten Pastoral- oder Hirtenszenen. Die für die gesamte Epoche charakteristische Leidenschaft für pastorale Themen spiegelte die damals modischen Theorien wider, nach denen nur naive Menschen, die fernab der Zivilisation, im Schoß der Natur leben, glücklich seien. Seine Hirten und Hirtinnen sind elegante und hübsche junge Männer und Frauen, leicht kostümiert und vor dem Hintergrund von Landschaften dargestellt. Neben pastoralen und mythologischen Gemälden malte er Genreszenen aus dem Leben einer aristokratischen Gesellschaft, Porträts (besonders oft Porträts der Marquise Pompadour) und religiöse Bilder, die meist im gleichen dekorativen Plan gelöst waren („Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“). ), Blumen, ornamentale Motive. Boucher hatte ein unbestreitbares Talent als Dekorateur, er verstand es, seine Kompositionen mit der Lösung von Innenräumen zu verbinden.

Rokoko-Mode

Fragen und Aufgaben:

1. Erzählen Sie uns von den ästhetischen Merkmalen des Barockstils

2. Erzählen Sie uns am Beispiel von Rubens von den Besonderheiten der Barockmalerei

3. Erzählen Sie uns etwas über Rembrandts Malstil

4. Warum gilt der Rokoko-Stil als Stil der Aristokratie?

5. Machen Sie eine Korrespondenztour durch Versailles