악기 연주를 배우는 방법. 어린이에게 어린이 악기 연주를 가르치는 수업 요약
계획 - 요약
특별한 악기 레슨 - 버튼 아코디언
주제: 버튼 아코디언 수업에서 교육 초기 단계에서 기계 과학 기술 형성.
수업 유형: 새로운 지식의 동화.
수업의 목적: 버튼 아코디언 연주를 배우는 초기 단계에서 모피 지휘 기술을 형성합니다. 실용적인 응용 프로그램예술에서 그들을.
수업 목표:
모피를 수행하는 간단한 계획을 이해하도록 가르치기 위해;
음악 자료에서 모피 움직임의 주요 유형을 마스터합니다(부드러운 움직임, 모피 움직임의 가속 및 감속).
다양한 활동을 통해 학생의 청각 조절, 창의적 활동을 개발합니다.
음악 공연에 대한 꾸준한 관심과 필요성을 배양합니다.
수업 유형:시스템 활동 접근법의 방법에 기초한 수업.
교육 기술:
사람 중심;
문제 기반 학습 개발 기술;
게임기술;
정보 통신 기술;
건강 절약.
행동 양식:대화, 비 유적 비교, 대화 방법, 앙상블 방법, 악기에 대한 실제 시연, 문제가 있고 실증 및 설명 방법 (소리 및 시각적 선명도).
교육 수단:인터랙티브 콤플렉스; 수업용 비디오 프레젠테이션; 교과서: G.I. Krylov "작은 아코디언 연주자의 ABC"(1부), "작은 아코디언 연주자의 ABC"(2부), A.F. Denisov, V.V. Ugrinovich "Bayan", Shishkin의 그림 "Three Bears"의 재현).
수업 구조
나. 조직 단계.(2분)
1. 뮤지컬 인사말.
2. 듣기: A. Ostrovsky의 "피곤한 장난감이 자고 있습니다"(선생님의 그림).
II(3분)
대화, 수업 주제 발표.
III. 지식의 실현 (5-7분)
1. 슬라이드를 사용하여 다루는 자료에 대한 대화.
2. 악보 낭독
IV. 새로운 지식의 1차 동화(20분)
1. 기본 계획 및 모피 이동 유형에 대한 연구.
2. "진정한 바람", "작은 폭풍", "진정한 호흡"연습 게임 공기 밸브.
3. 왼쪽 키보드에서 연습 "Three Bears"를 재생합니다.
V. 초기 이해 확인(5분).
노래 재생:
동요 "수레 국화"
R.n.p. "언덕 아래, 산 아래처럼";
청각: L. Knipper "Polyushko-field", 짧게 비교 분석.
VI.1차 고정(7분)
1. 게임 "사운드 픽쳐스".
2. 앙상블의 뮤지컬 작품 공연 : E. Tilicheeva "하늘은 파랗다", 동요 "Mashenka-Masha".
7. 정보 숙제, 브리핑(2분)
1. "강한 밧줄", "두꺼운 무거운 배 밧줄", "비행기가 날아 갔다"와 같은 모든 키의 소리와 소리의 그래픽 이미지를 종이에 그립니다.
8. 반사. (1 분.)
교실에서의 활동 분석.
수업에서 얻은 지식과 삶의 연결
그의 인생에서 수업의 중요성에 대한 학생의 결론.
작업 표시.
수업 중
나. 조직 단계. (2분)
1. 뮤지컬 인사말
“이제 음악 수업이 시작됩니다.
이것은 쾌활한 전화로 우리에게 알려졌습니다.
그는 큰 소리로 쏟아내며 말했다.
수업 시작을 축하합니다!”
그래서 우리는 음악 소리와 함께 버튼 아코디언이라는 특별한 악기에 대한 수업을 시작할 것입니다.
의자에 편안히 앉아주세요. 노래를 들어보시길 권합니다. A. Ostrovsky의 노래 "Tired toys are sleeping"이 들립니다. ( 선생님에 의해 수행). ......................... 슬라이드(1)
II. 동기 부여, 수업 목표 설정.(3분)
아름다운 음악? 그리고 아마도 친구? ( 예).
어디에서 그녀의 말을 들을 수 있었습니까? ( 엄마는 TV에서 노래를 불렀다).
이 노래를 듣고 나면 그 성격에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? ( 차분하고, 선율이 있고, 부드럽다)
오른쪽. 그리고 버튼 아코디언 위의 털의 움직임은 이 곡의 특성을 잘 전달하는데 도움이 됩니다. 그러나 ~함에 따라? 이제 우리는 당신과 함께 이 문제를 해결해야 합니다. 고대에 Boyan이라는 남자가 Rus에 살았습니다. 그는 노래를 불렀고 러시아 군인의 승리와 패배에 대한 서사시를 말했으며 하프에 동행했습니다. 사람들에게 사랑받는 악기는 고대 가수이자 이야기꾼을 기리기 위해 그의 이름 인 버튼 아코디언으로 명명되었습니다. Bayan은 감미로운 노래를 꿰뚫어 "노래"할 수있는 멋진 목소리를 가지고 있습니다. 그는 깊은 "호흡" 소리를 가지고 있고 그는 남자처럼 "호흡"합니다. 이 호흡 없이는 버튼 아코디언 연주를 생각할 수 없습니다. 따라서 음악의 표현적인 발음은 아코디언 연주자가 종종 부르는 벨로우즈의 개발 된 기술에 의해 크게 결정됩니다. 가벼운 도구, 따라서 이 세부 사항에 생명을 불어넣습니다.
그리고 오늘 우리 수업의 주제는 기계 과학에 전념할 것입니다. 우리는 단순한 벨로우즈 패턴을 이해하는 법을 배우고 음악적 재료에 대한 벨로우즈의 기본적인 움직임과 변화를 마스터해야 합니다.
III. 지식 업데이트. (5 분.)
수수께끼를 맞춰보세요:
당신은 당신의 손에 걸릴 것입니다
쭉 뻗은 다음 짜낸다
놀아요, 그냥 터치,
저 여자 이름이 뭐에요?
(고조파)
버튼 아코디언의 역사에서 이미 알고 있듯이 아코디언은 그 전신이었습니다.
이제 공진기를 가지고 하모니카처럼 둥근 구멍에 불어서 소리를 내십시오. 엄청난! 잘하셨어요!
- 이제 버튼 아코디언의 구성 요소가 무엇인지 기억해 봅시다. (오른쪽 반 선체, 왼쪽 반 선체, mech.).오른쪽.
당신은 어떻게 생각하십니까 : 무엇 요소버튼 아코디언은 그가 "호흡"하는 데 도움이됩니까? (털).오른쪽.
아코디언 소리는 무엇입니까? ( 금속 혀 소리 - "목소리").......................... 슬라이드 (2)
IV. 새로운 지식의 기본 동화. (14분)
사운드 생성을 시작하기 전에 왼손에 연필을 들고 모피의 궤적과 유사하게 공간에 가상의 수평선을 그리는 것이 좋습니다. 천천히 그리고 매끄럽게, 즉 갑작스럽게 움직이지 않고 손의 움직임 방향이 모피의 궤적과 일치해야 합니다.
잘했어, 잘했어.
이제 동일한 동작을 수행해야 하지만 악기의 벨로우즈를 제어하기에는 더 어려운 조건에서 버튼 아코디언에서 사운드를 추출하려고 합니다. 우리도 연습을 통해 이 작업을 시작할 것입니다. 악기에서 이러한 연습을 수행할 때 모피 장력의 다양한 모드(정도)와 이에 따라 얻은 사운드 결과를 느껴야 합니다.
따라서 첫 번째 운동은 "호흡"입니다. 학생은 공기 밸브를 누른 다음 모피를 이끌고 열고 (풀림, V 기호로 표시) 닫습니다 (쥐어 짜기, G 기호로 표시). 구현의 주요 조건은 이전에 누른 키 이후 모피의 느리고 부드러운 동작입니다. 소리의 역학은 부드럽고 조용하며 모피의 움직임은 부드럽습니다.
이제 나는 이것 또는 저 운동의 본질을 전달하기 위해 공기 밸브를 누른 상태에서 벨로우즈를 이끄는 다양한 방법을 제공합니다.
동적 사운드 레벨의 변화를 다음과 연관시킬 수 있다고 생각하십니까? 공간 표현? 예: (“비행기가 출발했습니다”), (“비행기가 도착했습니다”) 소리는 어떻게 됩니까? (가능합니다. 소리가 강해졌다가 약해집니다).이 "항공기"를 묘사 해 봅시다. 이 운동을 할 때, 소리의 크기가 점진적으로 변화하는 것을 청력으로 제어하고, 털의 긴장 정도를 측정하고, 털의 움직임에 집중하십시오(손가락의 기능은 키) 물리적 감각을 사운드 결과와 비교합니다. 모피의 움직임을 빠르게 하거나 느리게 하는 것은 표현의 표현 수단으로 사용됩니다.
- 동화 "곰 세 마리"의 영웅들을 기억하고 왼쪽 키보드의 소리로 각 영웅을 묘사 해 봅시다. Mikhail Potapych: 교사는 두 개의 긴 소리를 추출합니다. Nastasya Petrovna: 키에 세 번째 손가락으로; Mishutka: fa 키의 네 번째 손가락으로. 그리고 우리는이 동화에 대한 우리 자신의 끝을 생각해 낼 것입니다. Mashenka는 제 시간에 오두막에서 탈출하고 덤불 뒤에 숨어 곰을 모방했습니다. 그녀는 이렇게 이해합니다. 교사는 검은 건반에서 다섯 번째 손가락으로 연주합니다. 또한이 운동은 큰 소리로 계산하지 않고 학생이 배우고 게임 중에 벨로우즈의 균일 성, 사운드 생성 품질을 제어합니다.
(소리의 그래픽 표현 방식, ……………… .. 슬라이드 (3,4), Shishkin의 그림 "Three Bears"의 재현).
V. 초기 이해도 확인(7분)
이제 노래를 연주 할 때 적용하기 위해 운동 중 모피의 방향을 변경하고 습득 한 이동 기술을 사용 해보자.
동요 "수레 국화";
R.n.p. "언덕 아래, 산 아래처럼." 놀라운! 당신은 모피의 움직임과 변화를 제어하고 충격, 모피의 저크를 허용하지 않았습니다.
L. Knipper "Polyushko-field" 듣기. 선생님이 수행합니다.
이제 이 작품의 성능에 대한 몇 가지 옵션을 제공하겠습니다. 나의 고함소리와 마지막 구절의 소리에 주의를 기울여라.
제 공연에서 보고 들은 특이한 점은 무엇인가요? (모피 밀기).
"비행기가 날아갔다"( 아니요. "비행기가 출발했습니다" - 소리가 희미해지고, 소리를 증폭시키는 마지막 구절을 들었습니다.)
- 모피의 고르지 않은 움직임을 정확하게 알아 차렸고 마지막 프레이즈의 소리를 미묘하게 알아 차 렸습니다. 잘하셨어요! 앞으로 Polyushko-Polye를 분석할 때 짧은 소리의 코드 연주를 따라야 합니다. 그리고 왜? 예, 이것은 버튼 아코디언 바디의 떨림으로 이어지고 멜로디의 부드러운 흐름을 방해합니다. ......................... (슬라이드 5)
Fizminutka. (3)
우리의 근육은 긴장되어 있으므로 이완이 필요합니다. 이제 우리는 일련의 근육 이완 운동을 할 것입니다.
몸과 팔을 풀어주는 운동, 근육 이완 "Humpty - chat." 운동은 서있는 동안 수행됩니다. 상체를 약간 앞으로 기울이면서 양쪽 팔을 위아래로 들어 올립니다. 관성에 의해 손이 흔들리고 이때 "humpty dumpty"라는 단어가 발음됩니다. 운동은 3~4회 반복한다.
- "군인과 새끼 곰." 의자에 앉아 수행됩니다. "병사!" 등을 곧게 펴고 양철 병사처럼 가만히 앉아 있습니다. "곰 새끼!" 통통한 곰 새끼처럼 긴장을 풀고 등을 돌립니다. 각 명령은 완료하는 데 5초가 주어집니다. 운동은 여러 번 반복됩니다.
- "백조". 의자에 앉아 수행됩니다. 학생은 손을 바닥으로 수평으로 들어 날개처럼 펄럭인 다음 날카롭게 내리면서 흔듭니다. 운동은 여러 번 반복됩니다.
VI.1차 고정(8분)
그래서 우리는 휴식을 취하고 모든 근육을 이완했습니다. 즉, 악기에 다시 앉을 수 있습니다.
이제 "Sound Pictures"게임을 제안합니다. 나는 당신에게 물체를 묘사하는 그림을 보여줄 것이고, 당신은 소리를 사용하여 아무 키에서나 오른쪽 키보드를 연주하고 볼륨을 크게, 조용히, 증폭, 약화하여 그려진 물체의 윤곽을 묘사해야합니다 : "거미줄", " 로프”, “선박 로프”, “와이드 파이프”, “비행기가 도착했습니다”, “비행기가 날아갔습니다”.
당신은 모든 것을 올바르게했습니다. - 이제 우리는 앙상블에서 당신과 함께 연주합니다. 앙상블이 무엇인지 아십니까? (이자형 그런 다음 합동 공연).이제 게임을 통해 모피의 주요 이동 방향을 어떻게 마스터했는지 보여줄 것입니다. E. Tilicheeva의 동요 "The sky is blue"와 동요 "Mashenka-Masha"를 함께 연주합니다. 잘하셨어요! 당신의 모피는 "시냇물"처럼 떴습니다. 저크없이 매끄럽게 멜로디 라인을 깨지 않았으며 소리는 부드럽고 선율적이었습니다.
7. 숙제에 대한 정보, 브리핑. (2분)
수업이 끝나가고 있으며 숙제를 만들어야 합니다.
1. "강한 밧줄", "두꺼운 무거운 배 밧줄", "비행기가 날아 갔다"와 같은 모든 키의 소리와 종이에 소리의 그래픽 이미지를 그립니다.
2. "mi", "fa" 소리에서 "비행기가 도착했습니다", "비행기가 날아갔습니다"연습을 재생합니다.
3. 노래 "Cornflower", "It's time to sleep"에서 털의 변화를 수정합니다.
4. 오른손으로 노래 "The cat has gone"을 귀로 연주합니다. 옵션을 사용하여 단어없이 멜로디를 연주하고 노래합니다.
8. 반사. (1 분.)
오늘 수업에서 무엇을 배웠습니까? ( 모피의 방향에 대해 버튼 아코디언을 연주할 때 소리가 모피를 소유하는 능력에 달려 있다는 것).
수업 자료는 어떻게 보셨나요? (이해할 수 있음, 도움이 됨).
이 지식과 기술이 버튼 아코디언을 마스터하고 음악에 예술적 이미지를 전달한 다음 인생에서 더 유용할 수 있다고 생각하십니까? ( 예. 나는 아코디언을 잘 연주하는 법을 배우고, 앙상블에서 연주하고, 콘서트, 대회에 참가할 것입니다).
- 수업을 나갈 때 기분이 어떻습니까? ( 높은).
당신은 큰 두뇌입니다! 훌륭하고 활동적이며 관심을 가지고 수업에서 일했습니다. 이것으로 우리는 작별을 고합니다. 나는 당신의 다음 수업을 기대합니다.
음악 교육의 이론과 실제에는 미취학 아동에게 악기 연주를 가르치는 데 몇 가지 접근 방식이 있습니다.
멜로디 악기 연주를 배우는 방법에는 여러 가지가 있습니다. 음표, 색상 및 숫자 지정, 귀로.
아이들에게 음악 연주를 가르치는 것은 매우 힘든 일이지만 때때로 실제로 사용되기도 합니다. 지속적인 개별 작업이 수행되지 않으면 모든 미취학 아동이 악보를 마스터하는 것은 아닙니다.
악보의 기계적 재생산을 제외하고 악보의 음표 배열과 멜로디의 소리 사이의 연관성을 아이들이 이해하는 것이 중요합니다.
해외에서 흔히 볼 수 있는 컬러 시스템은 아이들이 악기 연주를 빠르게 마스터하는 데 편리합니다. 특정 색상 지정(색상 키, 금속판)이 각 사운드에 할당됩니다. 아이는 색상 지정의 멜로디 기록을 가지고 있습니다. 리듬 지정이 있거나없는 색상 원 또는 음표의 색상 이미지가 사용됩니다. 이 시스템에 따라 연주하는 것은 매우 쉽지만 이 연주 방법(녹색 음표 지정이 보입니다-녹색 건반을 누름)을 사용하면 귀가 멜로디 재생에 참여하지 않고 아이가 기계적으로 연주합니다.
비슷한 방식으로 아이들은 각 금속판 옆에 붙여진 숫자로 연주하고 디지털 표기법으로 멜로디를 녹음하도록 배웁니다. 기간 지정도 모델링할 수 있습니다(긴 스틱 및 짧은 스틱 등).
30년대에 제안된 디지털 시스템. 당시 N. A. Metlov는 아마도 정당화되었지만 나중에는 멜로디의 기계적 재생산으로 이어지기 때문에 덜 자주 사용되기 시작했습니다.
아이들을 가르치는 두 가지 방법 (색상 및 디지털 표기법 사용)은 원하는 결과를 쉽고 빠르게 얻을 수 있지만 발달 효과는 없습니다. 이 방법에서는 멜로디의 기계적 재생산 비율이 너무 큽니다.
학습의 가장 큰 발달 효과는 귀로 연주할 때만 달성됩니다. 이 방법은 청력의 지속적인 개발, 심각한 청각 훈련이 필요합니다.
어릴 때부터 아이들이 멜로디의 소리를 듣고 비교하고 음높이로 구별하도록 격려하는 것이 중요합니다. 청각 경험을 축적하고 어린이의 청각 주의력을 개발하기 위해 멜로디의 위, 아래, 제자리 움직임을 시뮬레이션하는 교훈적인 보조 도구가 사용됩니다. 이것은 음악 사다리, 꽃에서 꽃으로 이동하는 나비 (음표) 등입니다. 동시에 시뮬레이션 된 소리 비율에 해당하는 멜로디 소리가 노래됩니다.
멜로디를 동시에 연주하면서(음성 또는 악기 연주) 멜로디 소리의 움직임을 손으로 보여줄 수도 있습니다.
아이들에게 귀로 악기를 연주하도록 가르치는 방법은 부르는 노래의 범위를 점진적으로 확장하는 데 기반을 두고 있습니다. 처음에 아이는 하나의 소리로 만들어진 멜로디를 연주합니다. 그는 멜로디를 연주하기 전에 음악 감독이 연주하는 것을 듣고 먼저 노래를 부르며 멜로디의 소리가 피치가 다르지 않다는 점에 주목하고 메탈로 폰을 연주하면서 노래를 동시에 부른다. 노래를 부르면 아이들이 멜로디의 방향을 더 잘 상상하고 음악적 및 청각적 아이디어를 개발할 수 있습니다.
아이들은 소리 추출 기술을 배웁니다. 망치를 올바르게 잡으려면 (검지 손가락에 자유롭게 놓여 있어야하며 엄지 손가락으로 약간만 잡습니다) 타격을 금속판 중앙으로 향하게하십시오. 하지만 빠르게 제거합니다(튀는 공처럼). 긴 음을 연주할 때. 해머는 더 높고 짧은 음은 더 낮아야 합니다. 아이가 하나의 소리에 멜로디를 연주할 때 리듬 패턴을 정확하게 재현해야 합니다. 이렇게하려면 단어로 멜로디를 부르면 구절의 리듬에 집중할 수 있습니다. 멜로디 소리의 지속 시간 비율을 이해하기 위해 길고 짧은 막대기 또는 악보에 채택된 지정(4분의 1, 8분의 1)을 사용하여 모델링됩니다.
따라서 악기 연주 학습에는 세 단계가 포함됩니다. 첫 번째 단계에서 아이들은 멜로디를 듣고 암기하고, 노래하고, 연주 기술에 익숙해지고, 두 번째 단계에서는 곡을 선택하고, 세 번째 단계에서는 마음대로 연주합니다. .
아이들에게 악기 연주를 가르치는 방법은 다음에 따라 다릅니다.
- o - 특정 분류 그룹 및 하위 그룹에 속하는 도구
- o - 소리 추출의 원리;
- o - 연기자의 나이와 그에게 할당된 작업
- o - 연주자의 신체적, 음악적, 정서적 발달 수준
- o - 악기 연주를 배우기 위한 조건(물질적, 임시적, 조직적)의 가용성.
악기 연주를 배우기 위한 방법론에는 다음 단계가 포함되어야 합니다.
- 1. 악기에 대한 지식 - 창조의 역사, 디자인 특징, 성능 능력;
- 2. 공연 기구 설정 - 몸, 팔 등;
- 3. 사운드 제작의 기본 기술을 습득합니다.
- 4. 연주 기술 개발 - 예술적, 표현력, 감성적, 음악적 능력 및 기술적으로 완벽한 연주를 위한 작업 음악;
- 5. 음악 작업을 합니다.
게임을 가르치는 방법론 타악기
타악기는 특히 젊은 음악가들에게 매력적입니다. 오케스트라의 대부분의 타악기(루블, 래틀, 클래퍼보드 등)를 연주하는 방법을 배우는 데는 오랜 시간과 특별한 훈련이 필요하지 않으며 적절한 연주 기술을 개발하면 더 복잡한 타악기, 연주 기술을 쉽게 익힐 수 있습니다. , 뿐만 아니라 오케스트라의 다른 그룹의 악기.
타악기를 알아가는 과정에서 아이들은:
- · 창조의 역사에 대해 알아보십시오.
- · 디자인 기능 연구, 수행(기술 포함) 가능성
- · 특정 도구의 특성을 결정하는 특성을 할당합니다.
- 사운드 생성 요소에 따라 하위 그룹에 속하는 설정:
- - 공구 본체 - 소음;
- - 막, 막 - 막성;
- - 플레이트 - 라멜라;
- - 소리와 유사한 여러 요소의 존재 - 결합 유형;
- 소리가 나는 과정 알아보기
- - 손가락, 손바닥, 막대기, 망치, 나무망치, 도구(유사 및 유사하지 않음) 또는 도구 부품이 서로에 미치는 영향
- - 흔들림의 결과;
- - 마찰(슬라이딩);
- - 혼합된 것을 포함한 다른 소리 형성 방법;
- · 소리의 특성(무정한 또는 한정된 피치, 음색 특성, 동적 가능성 등)을 배웁니다.
- · 타악기 사용의 특징에 대한 지식 습득(오스티나토 리듬 배경 만들기, 음향-시각 효과, 음향 모방, 솔로 연주, 앙상블, 역동적인 음영의 노력 등)
게임을 배우는 과정은 도구 없이 손을 특별하게 준비하는 것으로 시작해야 합니다. 이를 통해 게임을 위해 사용자의 장치를 준비하고 게임에 필요한 근육 감각을 형성 및 반영하며 손 협응력을 개발할 수 있습니다. 초기 단계에서는 특정 피치가 없는 악기를 연구하는 것이 좋습니다(소음 및 멤브레인의 하위 그룹에서).
따라서 아이들에게 악기 연주를 가르치는 방법을 분석한 결과, 귀로 연주할 때 가장 큰 발달 효과를 얻을 수 있다는 결론을 내릴 수 있습니다.
수학 수업 요약:
관악기 선생님.
MBOU DOD DSHI p. Berkakit
그리주크 율리아 발레리에브나
2018년
개요 계획
안건: 관악기 수업
수업: 2
수업 유형: 개인
강의 주제 : "초등학교에서 관악기를 가르치는 포괄적인 방법론"
중고 교육 시스템 (방법론, 기술)
- 교사는 조건을 만듭니다. 영적 성장성격, 자기 개선의 필요성;
- 학습의 전제 조건은 교육에서 자기 교육으로의 전환을 위한 전제 조건을 만드는 것입니다.
- 방법 공동 활동시스템에서: 교사 - 학생; 학생 - 학생; 학생 - 부모 교사 - 부모 (폐쇄 회로).
– 교사는 아이의 창의력을 개발합니다. 각 학생의 능력, 방향, 잠재력, 그의 삶과 직업적 방향을 결정하고 그의 발전을 지시하는 것이 중요합니다. 선생님도 사용 활성 형태훈련 및 교육 방법, 새로운 경험과 지식을 이해하고 축적하기 위해 개인 경험을 기반으로 학습, 운동 및 개발에 대한 활동 접근 방식.
건강을 지키는 기술;
게임기술;
차별화된 접근 방식의 학생 중심 기술;- 교육 개발
예술적.
교재:
Gotsdiner G. 뮤지컬 심리학 - M., 1987.
Skok G. 자신의 교육 활동을 분석하는 방법 - M., 2000.
Kirnarskaya D. 음악적 능력. - "재능-XXI 세기".
Berger N. 음악 교육의 현대적 개념 및 방법 - S.-P., 2004. Ginzburg L. 음악 작업에 대한 작업 - M.1977.
Kryukova V. 뮤지컬 교육학. 돈 2002의 로스토프.
Mulberg K. 목관 악기 연주 학습의 이론적 기초. 키예프, 1985.
Platonov P. 관악기 연주 교육 방법에 대한 질문. -M., 1978.
Rozanov V. 교육 방법 및 관악기 연주의 기초. -M., 1988.
Kryuchkov A. 초등 및 중등 특수 교육 학생을 위해 관악기를 연주할 때 연주 호흡의 기본. M., 1985
기술 교육 지원 (수업에서 사용하는 경우)
수업에 사용된 오디오 및 비디오 녹음 목록, 시각 자료등.
수업 장비 :
강의 계획;
두 개의 색소폰(하나는 교사용);
피아노;
보면대;
음악 자료;
교훈적인 자료(작업 카드, 어린이 그림).
수업 목표 :
교육적인 :
색소폰 연주를 마스터할 때 기본 기술 형성:
1. 양손의 손가락으로 밸브를 확실하게 닫고, 손가락의 유연성
일부 운지법;
2. 립 장치의 올바른 "자유" 설정 훈련
(강 어귀);
3. 연주할 때 호흡을 올바르게 사용합니다.
개발 중:
첫 수업부터 독립적이고 창의적인 업무 능력 개발
음악;
청력, 기억력, 리듬, 음악적 사고의 발달;
색소폰 마스터링의 기본 기술 개발.
일반적인 전망의 개발, 의지의 개발 및 행동의 통제.
교육적인:
미적 취향의 교육.
- 인내와 근면의 교육.
수업 목표:
민감하고 교육받은 음악가 준비-오케스트라 및 실내악 연주자, 악기 고유의 표현 수단에 정통하고 음악 작품의 내용을 청중에게 공개 할 수있는 솔리스트;
수행 과정에서 듣고 듣는 법을 배웁니다.
작업 구현을 위한 방법 및 기술:
관찰;
듣기;
현실적인;
비주얼;
예상 결과 :
- 와 함께 색소폰 연주의 초기 기술 강화
신체의 신체적, 심리적 상태를 개선합니다.
- 악기를 자유롭게 연주하는 법을 배웁니다.
게임 기술의 주요 작업을 마스터하십시오.
에튜드, 스케일,
연습과 놀이
수업의 주요 부분:
"초등학교에서 관악기를 가르치는 종합적인 방법론."
1.소개: 악기에 대해 알아가기
색소폰은 재능 있는 벨기에 거장 아돌프 색스(1814-1894)가 발명한 비교적 젊은 악기입니다. 오랜 검색과 실험 끝에 그는 발명가의 이름을받은 특이한 악기의 첫 번째 사본을 만들었습니다. 이것은 1840년경에 일어났습니다. Sachs는 그의 연주로 색소폰의 모든 미덕을 보여주면서 대중 앞에서 콘서트에서 처음으로 공연했습니다.
Saks는 그의 디자인 아이디어를 더욱 발전시켜 색소폰 전체 제품군을 만들었습니다. 그는 오페라와 심포니 오케스트라에서 사용하기 위해 첫 번째 가족을 만들었고 두 번째는 브라스 밴드. 동시에 색소폰의 각 품종은 허용된 이름에 따라 이름을 받았습니다. 노래하는 목소리: 소프라니노, 소프라노, 알토, 테너, 바리톤, 베이스. 첫 번째 그룹의 색소폰은 시간의 시험을 견디지 못하고 두 번째 그룹의 악기에 양보했습니다. 오늘날 색소폰 연주자들이 콘서트 무대, 오케스트라, 앙상블에서 연주하는 것은 바로 그들입니다.
주로 오페라와 교향악단의 단원으로 색소폰의 음색의 아름다움을 가장 먼저 느낀 사람이 뛰어났다. 프랑스 작곡가 XIX 세기 G. Berlioz, A. Thomas, J. Bizet, J. Massenet, JI. Delibes, K. Saint-Saens, V. d'Andy 및 기타. 색소폰의 미래와 다양한 학문적 형식과 음악 예술 장르에 대한 참여 전망을 예상한 것은 바로 그들이었습니다. 특히 20세기에는 색소폰을 위한 아름다운 작곡이 많이 만들어졌습니다. A. Glazunov, C. Debussy, F. Schmitt, J. Iber, P. Hindemith, P. Creston, E. Vila-Lobos, A. Jolivet, G. Dubois, E. Bozza, E. Denisov는 그를 위해 음악을 작곡했습니다. A. 에쉬페이 등. 솔로 및 오케스트라 연주 외에도 색소폰을 연주하는 앙상블 형식이 널리 보급되었습니다. 색소폰을 위해 특별히 작곡된 작품 외에도 연주자의 레퍼토리에는 악기의 자연스러운 가능성을 드러내는 클래식 음악의 많은 편곡과 편곡이 포함됩니다.
악기가 오랫동안 선두 자리를 지켜온 재즈 음악 분야에서 색소폰 연주자들은 위대한 업적을 달성했습니다.
색소폰은 목관 악기 그룹에 속하며 복잡한 구조를 가지고 있습니다. 세 가지 주요 부분으로 구성되어 있습니다.밸브-레버 메커니즘의 개발된 시스템을 갖춘 리드, 마우스피스 튜브 및 바디. 인스트루먼트 튜브의 끝은 위쪽으로 향한 벨 모양입니다.
색소폰의 중요한 부분은대변자, 속이 빈 부리 모양의 실린더 모양을 나타냅니다. 고무, 에보나이트, 플렉시 유리 또는 특수 금속 합금으로 만들어집니다. 마우스피스는 악기의 소리 또는 소리의 색상에 많은 영향을 미칩니다. 마우스피스는 마우스피스에 쉽게 끼우고 뺄 수 있습니다.
2. 합리적인 설정.
특히 훈련 초기 단계에서 색소폰 연주 기술을 성공적으로 습득하기 위해 미래의 음악가는 먼저 무대의 기본 규칙을 잘 이해하고 개별 작업 과정에서 구현해야합니다.
"스테이징"의 개념은 음악가의 연주 장치(호흡, 입술, 손가락, 손 등)의 모든 구성 요소의 합리적인 위치와 상호 작용에 대한 일련의 규칙을 의미합니다. 합리적인 설정은 색소폰 연주자가 불필요한 추가 근육 긴장을 피하기 위해 최소한의 노력과 시간으로 고품질 연주 결과를 얻을 수 있도록 도와줍니다. 올바른 설정의 임무는 악기에 대한 효과적이고 훈련된 수업 구성을 촉진하는 것입니다. 여기서 기술, 방법 및 작업 속도의 선택은 음악가의 훈련 수준과 기간 및 그의 연주를 고려하여 이루어져야 합니다. 개인의 능력.
합리적 설정에는 다음 요소가 포함됩니다.
1. 일반 설정 - 색소폰을 손에 쥐는 편리한 방법, 신체, 머리, 손, 손가락 및 발의 올바른 위치.
2. 호흡 수행 준비 - 임의의 호흡 제어 방법과 게임 중 호흡 변경 규칙.
3. 주둥이 설정 - 입술에 마우스피스의 가장 적절한 위치, 주둥이와 아래턱의 동작의 모양과 특성.
4. 조음 설정 - 혀의 위치, 구강의 모양.
5. 핑거링 설정 - 악기의 손가락 위치, 손가락 장치의 정확하고 조정되고 안정적인 반사, 자유롭고 경제적인 동작의 구성.
색소폰 연주자의 연주 기술에서 기술 형성을 위한 가장 중요한 전제 조건은 게임의 전반적인 성능을 보장하는 요구 사항을 준수하는 것입니다. 그들은 다음과 같이 요약됩니다.
색소폰 연주자의 몸과 머리는 좌우로 기울어지거나 앞뒤로 기울어지지 않고 평평하고 곧게 유지되어야 합니다. 연주 자세는 색소폰 연주자가 서 있든 앉아 있든 관계없이 자연스럽고 편안해야 합니다. 이때 가슴은 약간 들어 올리고 어깨는 펴야 한다. 이것은 호흡 근육의 활동에 더 큰 자유를 줄 것입니다.
다리를 잘 받쳐주면 서서 연주할 때 몸의 올바른 자세를 유지하는 데 도움이 됩니다. 이렇게하려면 발 너비만큼 밀고 양말을 돌리고 왼쪽 다리를 약간 앞으로 밀어주는 것이 좋습니다. 앉아서 놀 때는 등받이에 기대지 말고 의자 반쪽에 똑바로 앉는 것이 좋습니다. 한 발을 다른 발 위에 올려 놓는 것은 엄격히 금지되어 있습니다. 알토 색소폰은 몸을 따라 비스듬히 손에 들고 플레이어의 오른쪽 허벅지에 튜브의 아래쪽 구부러진 부분을 기울입니다. 색소폰의 안정적인 위치에 적응하기 위해 카라비너가 있는 특수 스트랩을 사용하여 악기 서스펜션의 필요한 높이를 설정할 수 있습니다.
리드가 있는 마우스피스의 편안한 립 핏은 헤드의 위치를 바꾸지 않고 마우스피스를 마우스피스에 대고 돌려 조절합니다.
색소폰 연주자의 일반적인 설정은 오른쪽 팔꿈치가 몸에서 약간 뒤로 물러나는 것이 특징입니다. 손가락은 표면에서 약 1cm 떨어진 메인(자개) 키에 배치됩니다. 그들은 (엄지 손가락을 제외하고) 둥글고 편안한 상태에 있어야하며 첫 번째와 두 번째 지골의 접힌 부분에서 수직 위치에 접근해야합니다. 키와 레버를 만지는 것은 압력을 가하지 않고 손가락 끝으로 수행되며 소리 공격이 약간 진행됩니다. 집게 손가락으로 측면 밸브를 누를 때 브러시의 작은 움직임이 연결되어야 합니다. 손가락의 올바른 위치는 손과 함께 직선을 형성하는 손목의 자연스러운 상태에 의해 촉진됩니다. 왼손의 손가락이 측면 밸브에 닿으면 손목이 약간 휘어집니다.
호흡 기술 .
색소폰 연주의 개별 기술을 지속적으로 개발하는 과정에서 전문가의 공식화, 즉 연주, 호흡이 특히 중요합니다.
색소폰 연주자의 전문적인 호흡은 특정한 것입니다. 생리적 기능 (지속적인 가스 교환) 외에도 악기에 적시에 공기를 공급하는 기능을 수행합니다. 이 호흡은 색소폰 연주자가 들숨과 날숨의 단계를 임의로 조절하는 기술을 기반으로 한다. 호흡의 두 단계는 서로 연결되어 있으며 자체적으로 진행됩니다. 특별한 조건: 빠르고 짧은 들숨과 길고 균일한 날숨. 호흡 기술 수행의 주요 어려움은 두 호흡 단계의 조정에 있습니다. 색소폰 연주자가 호흡 근육의 자연스러운 유연성을 능숙하게 사용하고 합리적인 유형의 호흡을 사용하면 이러한 어려움을 극복하는 데 도움이 됩니다.
색소폰을 연주할 때 호흡은 입가를 통해 그리고 부분적으로는 코를 통해 빠르고 조용히 이루어집니다. 흡입할 때 색소폰 연주자는 호흡기 근육의 과도한 긴장을 피하기 위해 너무 많은 공기를 흡입해서는 안됩니다. 흡입시 어깨가 올라가지 않도록 하는 것도 필요합니다. 흡기 속도는 호흡 변화에 할당된 시간과 일치해야 합니다. 일시 중지가 짧을수록 호흡이 빨라지고 반대의 경우도 마찬가지입니다.
호흡에는 횡격막과 복부의 두 가지 유형이 있습니다.
횡격막 유형의 호흡은 횡격막과 하부 갈비뼈의 능동적 움직임이 특징입니다. 일반적으로 짧은 음악 구조를 연주하거나 색소폰 연주자가 숨을 쉴 시간이 거의 없는 경우에 사용됩니다. 그리고 그 반대의 경우-호흡을 재현하는 데 충분한 시간이 할당되면 깊은 유형의 호흡-가슴 복부에 의지하여 과도한 긴장없이 긴 음악 구절을 수행 할 수 있습니다.
호흡 기술의 개발은 두 가지 방법으로 수행될 수 있습니다: 악기 없이 그리고 그것을 연주하는 과정에서.
첫 번째 방법에는 보조 문자가 있습니다. 그것은 신체의 전반적인 활력에 유리하게 기여하고 호흡 장치를 강화하는 일반적인 신체 및 특수 호흡 운동의 다양한 복합체의 색소폰 연주자의 성능을 기반으로합니다. 호흡 운동은 초보자 색소폰 연주자에게 특히 유용하여 흡입 빈도와 깊이, 흡입과 날숨의 지속 시간 비율, 호흡 지원 영역의 긴장 정도를 의식적으로 제어하는 기술을 빠르게 습득할 수 있습니다.
호흡 기술을 개발하는 두 번째 방법이 주요 방법입니다. 다양한 동적 음영의 긴 소리를 체계적으로 연주하고 느린 음악의 연주와 다양한 유형의 운동이 특징입니다.
마찬가지로 음표를 날려 버리십시오.에프~에 피그리고 뒤로. 옥타브 단위로 긴 음을 연주합니다.
3. 소리 추출. 이어 쿠션의 형성.
색소폰을 연주할 때 가장 미묘하고 복잡한 동작은 모양을 잡고 단련된 입술에 의해 특정 방식으로 수행됩니다. 소리 생성에 관여하는 음순 및 안면 근육의 전체와 지팡이가 있는 마우스피스 주변의 특징적인 위치는 특수한 생리적 복합체를 형성합니다.프랑스 국민 단어 bouche - 입과 emboucher - 입에 넣습니다. ambyushura의 올바른 설정을 위해 다음 조건이 충족되어야 합니다.
1. 어깨를 올리지 않고 심호흡을 합니다.
2. 아랫입술을 아랫니 위로 살짝 밀어 넣습니다.
3. 중앙의 마우스피스에 윗니를 단단히 끼우고 턱을 닫습니다.
4. 반쯤 웃는 입술을 유지하십시오.
5. 혀를 지팡이 아래에 놓고 조용히 공기를 불어 넣는 동시에 뺨을 부풀리지 않고 혀를 깊고 아래로 제거합니다.
6. 소리를 당기고 억양의 균일성을 모니터링합니다.
마우스피스에서 첫 소리가 나고 인토네이션이 안정되어야 악기 레슨이 시작됩니다. 일반적으로 입술 장치 훈련에는 호흡 기술 개발을위한 운동이 적합합니다. 또한 훈련 초기 단계에서 음순 근육의 탄력성은 간단한 연구를 통해 훈련됩니다.
embouchure의 운동 기술이 고정되고 입술에 힘과 지구력이 나타나기 때문에 훈련 연습을 복잡하게 만들고 악기의 극한 음역을 마스터하는 것으로 넘어갈 수 있습니다.
주법을 설정하는 것은 추출된 소리의 품질에 대한 청각적 기대와 불가분의 관계입니다. 근육 기억과 청력은 동시에 상호 작용하여 색소폰의 필요한 음색, 강약 및 인토네이션 사운드를 다른 음역으로 제공합니다. embouchure는 색소폰 연주자의 연주 장치의 다른 부서와 작업을 조정하여 복잡한 사운드 형성 체인으로 통합합니다.
색소폰 연주자는 입술의 상태를 지속적으로 모니터링하고 다양한 부상, 갈라짐으로부터 입술을 보호해야 합니다. 아랫 입술이 치아로 절단되면 종이, 면모, 탄성 고무로 만든 치아 라이닝을 사용하거나 치과 보철사에게 특수 라이닝을 주문할 수 있습니다.
소리 공격.
색소폰을 연주할 때 소리 추출이 시작됩니다. 다른 방법들혀와 내쉬는 기류의 동시 운동과 관련이 있습니다. 이 소리 생성의 초기 순간을 소리의 공격이라고 합니다. 색소폰 연주자는 소리를 발음하는 개별 연주 방식을 특징짓기 때문에 어택에 특별한 중요성을 부여해야 합니다.
소리의 공격은 혀의 전체 근육 그룹의 적극적인 작용에 의해 제공되며, 수축되면 혀의 구성을 변경합니다. 평평하거나 두껍게, 이완되거나 조밀하게 만듭니다.
소리가 추출되기 전에 혀는 앞쪽 위치에 있으며 아랫입술의 근육질 "쿠션"의 안쪽과 리드의 윗부분에 닿습니다.
억양의 안정성과 음질.
이 초기 수행 기술의 통합은 다음과 같은 특수 연습 작업을 기반으로 수행할 수 있습니다.
4. 게임의 기술.
색소폰 연주자가 자신의 악기에 개별적으로 적응하는 데 가장 중요한 것은 색소폰의 밸브 레버 메커니즘과 필요한 접촉을 제공하는 양손 손가락의 지속적으로 상호 작용하는 다양한 움직임의 개발입니다.
색소폰 연주자의 손가락 기술은 빠르고 명확하며 조정되고 스트레스 없이 연주할 수 있는 능력을 의미합니다. 이 품질은 특정 순서(단순한 것에서 복잡한 것까지)와 길고 사려 깊은 연구에 따라 획득됩니다. 손가락의 작업은 호흡, 주법, 조음 장치 및 청각의 연주 기능과 조화를 이룹니다.
손가락 장치의 게임 기술 형성에는 다음과 같은 일반적인 패턴이 있습니다.
1. 손가락 운동 기술 작업의 초기 단계에서 반복되는 운동주기, 즉 움직임의 반사적 고정 관념을 고정하여 운동 기술이 점진적으로 형성됩니다.
2. 다음 단계에서 기술 작업운동 능력이 안정화되고 손가락의 움직임이 다양한 특성을 얻습니다. 게임의 억양, 동적 및 음색 조건이 변경되면 다양한 운지법 조합으로 동작을 수행할 수 있으며 외부 외부 자극이 나타나면 손가락이 손가락질 위반 및 방해 없이 안정적으로 행동합니다.
3. 게임 상황에 따라 학습된 운지 동작은 아무리 잘 자동화되어 있어도 무의식적으로 또는 의식적으로 수행될 수 있습니다.
4. 느린 속도로 기술 자료를 작업할 때 반사적으로 기술을 강화하는 것이 가장 좋습니다. 여러 번의 반복 횟수는 각 색소폰 연주자에게 최적이고 개별적이어야 합니다.
5. 동작 자동화의 초기 단계에서 손가락 유창성의 추가 향상으로 전환하는 동안 운동 기술의 고정이 다소 느려지는 반면 수행 기술의 성장은 기복과 함께 비약적으로 발생합니다.
핑거 테크닉을 연습하는 과정에서 색소폰 연주자는 특정 근골격계 민감도를 개발하여 정확한 협응을 가능하게 합니다. 모터 액션공간적, 시간적, 운지법 관계에서의 손가락. 다음 연습에서 손가락 기술을 개발할 필요가 있습니다.
놀 때 다양한 운동, 음계 및 에튜드, 초보 색소폰 연주자의 주요 임무는 자유롭게 설정하는 것입니다. 게임기(손, 손가락, 귀 쿠션, 호흡).
5. 수업 결과 분석 :
수업의 주요 목표와 목표는 어린이에게 악기를 올바르게 연주하는 방법을 가르치는 것입니다. 아이는 전체 장치를 전체적으로 설정하는 초기 원칙을 배웠습니다. 이것과 장치를 올바르게 잡는 방법, 이렇게하는 동안 머리와 몸을 잡는 방법, 음순 장치와 손가락이 작동하는 방법. 또한 아이는 자신이 어떤 순서로 참여할 것인지, 수업 과정에서 사용할 특정 유형의 기술 개발을 위해 어떤 연습을 할 것인지 알고 있습니다. 초기 수업에서 습득한 기술은 음악 학교에서 전체 학습 과정을 통해 개발되고 유지되어야 합니다.
학생의 숙제를 확인하기 위한 양식:
집은 다음과 같이 주어집니다.
1. 긴 소리를 직접 순서대로 연주 - 10분 수업에서 분석한 음계를 연주합니다.
2. 연구의 독립적인 분석.
3. 작업을 수행하고 수업에 설정된 작업을 수행합니다.
Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 문화부 러시아 연방 FGBOU VPO "Kemerovo State University of Culture and Arts" 오케스트라 및 기악 연주 연구소 악기 연주 교육 방법론 준비 방향에 대한 학문의 교육 및 방법론 복합물 53.03.02 (073100.62) "음악 및 기악 예술 ", 프로필 "오케스트라 현악기" ( 악기 유형별-바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스) 졸업생 "학사"의 자격 (학위) 학습 형식 : 풀 타임, 파트 타임 Kemerovo 2015에 따라 준비 53.03.02 (073100.62) "음악 및 기악 예술", 프로필 "오케스트라 현악기"의 방향에서 고등 전문 교육의 연방 주 교육 표준의 요구 사항. 2015년 3월 25일 오케스트라 및 기악 공연부 회의에서 승인, 프로토콜 번호 8. 2015년 3월 31일에 음악원 교육 및 방법론 위원회에서 권장, 프로토콜 번호 7. 방법 악기 연주 교육 [텍스트]: 학습 방법. 훈련 방향에 대한 규율의 복합체 53.03.02 (073100.62) "음악 및 기악 예술", 프로필 "오케스트라 현악기"(악기 유형별-바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스), 졸업 자격 (학위) "학사" / 저자 - comp. I. V. Andrievskaya. – 케메로보: 케메로보. 상태 문화예술대학교, 2015. - 43쪽. 2 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Kniga-Service” 소개 “악기 연주 교육 방법” 분야의 목적은 현악기 연주 방법을 가르치는 방법론의 주요 이론적 조항을 연구하는 것입니다. 뿐만 아니라 과정에서 교육 및 방법론 문헌을 탐색하는 능력의 형성 . 전문 교육 구조에서 분야의 위치: 교육 과정 "악기 연주 교육 방법"은 기본(일반 전문가) 부분의 전문 분야 주기(B.3)의 일부입니다. 그것을 마스터하려면 음악 학교 (대학) 과정의 볼륨에서 특수 악기를 소유하고 음악 문학 및 이론 분야에 대한 지식이 필요합니다. 형성된 역량: 학과를 공부한 결과 학생들은 다음 역량을 개발해야 합니다. - 러시아 연방 교육 기관, 어린이를 위한 추가 교육을 포함한 추가 교육 기관에서 교육 활동을 수행할 수 있는 능력과 의지 ); - 주요 교육 레퍼토리(PC-22)를 학습하고 숙달할 수 있는 능력 및 준비성; - 공연 수업의 원리, 방법 및 형태, 수업 준비 방법, 음악 및 교육 활동 분야의 문제 상황 분석 방법론 및 해결 방법을 연구하는 능력 및 의지 (PC-23) ; - 학생들에게 필요한 것을 교육할 수 있는 능력과 의지 창의적인 작업음악(PC-24)을 통해; - 학생들과 교실에서 다양한 공연 해석의 비교 분석을 수행하기 위해 음악 작품을 연주하는 과정을 분석하고 비판적 분석을 할 수 있는 능력과 준비성(PC-26). 3 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Book-Service” 학문을 공부한 결과 학생은 다음을 알아야 합니다. - 공부한 악기를 연주하는 주요 국내외 학교의 특징(PC-20 ); - 작품을 포함한 초등 및 중등 교육의 교육학적 레퍼토리 다른 시대, 장르 및 스타일, 큰 형식의 작곡, 거장 연극 및 연습곡, 작은 형식의 작곡, 20세기의 고전, 낭만주의, 외국 및 국내 작곡가의 작품(PK-20, PK-22, PK-26); - 직업의 심리적, 교육적, 수행적, 미학적 측면(PC-20, PC-23) - 수행 및 교육학적 경험을 분석하고 일반화합니다(PC-20, PC-23). - 뛰어난 교사의 경험을 자신의 실습에 도입합니다(PC-20, PC-23, PC-24). - 다양한 교육적 상황(PC-23, PC-24, PC-26)에서 지식을 창의적으로 적용합니다. - 연주된 음악 작품의 해석에 대한 자신의 견해를 제시하십시오(PC-26). 소유: - 음악 교육의 여러 부분에서 현대적인 교육 작업 방법(PC-20, PC-22, PC-23) - 현재 악기 연주의 주요 문제 및 교육 방법론의 주제 문제에 대한 정보(PC-24, PC-26) - 전문 음악가(연주자 교사)의 활동에 대한 종합적인 이론 지식과 실제 기술(PC-23, PC-26); - 방법론적 문헌으로 작업하는 기술, 자료의 유능한 프레젠테이션 및 교사의 지위에서 자격을 갖춘 전문 커뮤니케이션(PC-23). 4 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & OOO "Agency Book-Service" 1. 규율의 구조와 내용 1.1. 훈련의 구조 훈련의 총 노동 강도는 72시간의 교실 학습, 36시간의 SIW를 포함하여 144시간(4학점)입니다. 최종 통제의 형태는 시험입니다. 이 교육 분야에서 고등 전문 교육에 대한 연방 주 교육 표준의 요구 사항에 따라 대화식 형식으로 30시간(40%)의 강의실 수업이 진행됩니다. 1.1.1. 학생들을 위한 주제 계획 풀 타임 훈련 SIW를 포함한 교육 작업의 유형 및 노동 강도(시간) 규율의 섹션 및 주제 학기 강의. 프랙트. 세민. SIW 인터랙티브 형식 현재 진도 관리 및 중급 인증 형식(학기별) 섹션 1. 방법론, 음악 교육학, 음악 심리학 및 현악기 연주의 일반적인 문제 1.1. 방법론으로서 dis2 1 제어 시플린 조사 1.2. 음악연주 6 3/1* 1 창작토론의 과정으로서 요소가 있는 음악작품 강의 1.3. 뮤지컬 형식 3/1* 1* 2 크리에이티브 및 콘텐츠. 참고 문헌의 음악 파생 주제에 대해 제안된 분석을 수행하기 위한 방법론 과제 1.4. 음악-청각3/1* 1* 2 창의적 콤플렉스, 정신 분석 기반 1.5. 4/2* 1* 2 전문 음악인의 활동을 통한 음악적 능력 개발 섹션 2. 악기 연주 과정의 특징 2.1. ap3/1* 수행 2 상황 테스트 파라트 및 수면 분석 개선 조사 방법 2.2. 소리 형성의 기초 3/1* 1* 2 현과 과제 질문 도구에 대한 창의적 테스트 2.3. 정신생리학적 3/1* 1* 2 집행 과정의 둥근 기초 5 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" SIW를 포함한 교육 작업 유형 및 노동 강도(시간) 섹션 및 주제 규율 학기 Lec의. 프랙트. 세민. SIW 인터랙티브 양식 현재 진도 관리 및 중간 인증 양식(학기별) 2.4. 방법 및 기술 3/1* 2 현악기의 요소 연주 강의 토론 2.5. 소리의 특성3 1* 2 현악기/아나 악기에 대한 창의적 추출 liz 6학기 합계 30/9* 2/2* 4/4* 18 Section 3. 악기 연주를 배우는 주요 단계 3.1. 음악의 진단4/1* 2 개인의 능력에 대한 논의 3.2. 초기 4/1* 1* 3 역할극 학습 3.3. 방법론적 방법 4/1 * 3 창의적 우리 마스터링 교육 과제 / 기본 자료 liz 3.4. 일반 특성4 1* 2 토론 주요 단계의 컨트롤 스틱 작업에 대한 작업 투표 3.5. 방법의 세부 사항 3/1* 1* 2 현악기 연주의 개별 학습 분석 상황 3.6. 리허설 형식 3/1* 1* 2 창작 및 연주 활동 / 활동 토론 3.7. 추가 교육 시스템 기관의 교육학 레퍼토리 3.8. 현악가 훈련 및 교육을 위한 일반 교육학 기초 7학기 합계 합계: 144시간 4/2* 1* - 2 창작 과제 4/2* - 1* 2 토론 요소가 있는 강의 30/9* 4/4 * 2/2* 60/18* 6/6* 6/6* 18 36 72 GEF HPE에 따른 대화형 교육에 할애된 교실 수업 30시간(40%) 포함 * 대화형 교육 형식의 수업 시간 . 6 시험 조사 시험 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Book-Service” 1.1.2. 원격 학습 학생들을 위한 주제별 계획 분야의 섹션 및 주제 교육 작업의 유형, SIW, 현재 및 노동 강도(시간) 제어 및 InterSeattestation Lekts의 중간 위치를 포함한 양식. CPC 활성 최소 (학기별) 형식 섹션 1. 방법론, 음악 교육학, 음악 심리학 및 현악기 연주의 일반적인 문제 1.1. 분야로서의 방법론 6 1 5 테스트 설문조사 1.2.–1.5. 음악 공연 1*26 창의적인 공격 과정으로 두뇌 작업. 음악적 형식과 내용. 음악 작품의 분석을 수행하는 방법. 음악-청각 복합체, 심리적 기반. 전문 음악인의 활동 과정에서 음악적 능력 개발 섹션 2. 악기 연주 과정의 특징 2.1.–2.2. 실행 장치 7 1 10 및 개선 방법. 현악기로 소리를 내기 위한 기초 2.3. 정신생리학적 기반 1 5 통제 실행 과정 조사 2.4. 방법 및 기술 1* 5 현악기에서의 창의적 연주 과제 2.5. 소리 추출의 특징 1 5 세미나에서 현악기에 관한 메시지 섹션 3. 악기 연주를 배우는 주요 단계 3.1. 음악적 능력 진단 1 5 통제력 조사 3.2.~3.3. 교육 초기 기간1 10 niya. 교육 자료를 마스터하는 체계적인 방법 3.4.–3.6. 작업의 주요 15 단계 작업의 일반적인 특성. 현악기를 연주하는 개인 학습 방법의 세부 사항. 리허설 및 콘서트 활동의 형식 7 Copyright JSC "Central Design Bureau" BIBCOM " & LLC "Agency Book-Service" 교육 작업의 유형, SRS를 포함한 형식, 제어의 현재 및 노동 강도(시간) 및 InterSeattestation SRS 활성화의 중간 위치 렉츠. 최소 (학기별) 양식 섹션 및 징계 주제 3.7.–3.8. 추가 교육 시스템 기관에 대한 교육학 레퍼토리. 현악기 연주자 훈련 및 교육의 일반적인 교육학적 기초 총계: 144시간 2* 10 포트폴리오 방법/분석 36 10/4* 2 132 대화형 교육의 교실 수업 4시간(40%) 포함 시험 * 대화형 시간 교육의. 1.2. 규율의 내용 규율 섹션의 내용 섹션 1의 연구 결과. 방법론, 음악 교육학, 음악 심리학 및 현악기 연주의 일반적인 문제 1. 1. 학문으로서의 방법론 결과적으로 학문으로서의 방법론을 공부하라. 방법론의 통일성, 괴짜와 심리학의 첫 번째 섹션의 교육학. 방법론의 규율 학생 부분의 주요 구성 요소 결정. 과정의 목표, 과정의 중요성 및 위치는 다음과 같아야 합니다. 알아야 할 특수 부서 분야의 주기: 1.2. 창작 과정의 주요 주제에 대한 이론적 자료로서 음악 작품의 연주 사고 수행의 주요 기능. 중요 섹션(PC-20); 성능과 학습의 주요 문제. 다양한 특수 악기를 기반으로 한 공연 과정의 심리 교육학적 기본 생리적 기초. 러닝 스쿨의 연주에 대한 개별 교육의 법칙과 패턴 및 방법에 대한 연구는 현악기로 훈련됩니다. 현악 연주자의 회의적 사고의 현악기 연주의 특징. 빔 도구 개발(PC-20, 우리의 국내외 교육학 전통 PC-22); 1.3. 음악적 형식과 내용. 이다- - 음악 작품의 국산 및 필러 분석, 패드 모던 작품의 주요 내용과 조형적 내용의 방법론의 음악적 형식 분석을 수행하는 과정. 뮤즈의 개발 - 단계적 사고의 구성 요소. 특별한 예술 작품에 따른 작가의 내용과 의도. 중요한 도구와 상상력의 연결(PC-23); 경험. 성과 계획의 생성 및 구현 8 Copyright OJSC "Central Design Bureau" BIBCOM " & LLC "Agency Book-Service" 규율 섹션의 내용 1.4. 음악-청각 콤플렉스, 심리적 기반 음악적 귀는 공연 과정을 조직하고 통제하는 가장 중요한 수단입니다. 음악 귀의 유형: 내부, 외부, 상대, 절대, 멜로디, 고조파, 다성, 음색 역학. 음악적 귀 발달을 위한 방법론. 음악 억양의 문제. 현악기를 연주할 때 인토네이션을 연주합니다. 청각, 왼손 및 오른손의 조정 작업에 대한 정확한 억양의 의존성. 음악적 및 청각적 표현과 공연의 소리, 기술, 표현적 측면을 식별하는 역할. 음악 지각의 심리학 1.5. 전문 음악가의 활동 과정에서 음악적 능력 개발 음악적 성향 및 음악적 능력. 음악성. 음악의 감정. 음악적 리듬. 특정 인간 능력으로서의 음악적 귀. 음악적 재능의 구조. 정신 운동. 모터 감각. 현악기에 대한 성공적인 연주 활동에서 생리적 능력과 역할 섹션 연구 결과: - 뛰어난 교사의 연주 및 교육 경험을 분석하고 일반화한 다음 이를 자신의 실습에 구현합니다(PC-20, PC-22, PC-23); 소유: - 섹션(PC-26)의 이러한 주제에 대한 이론적 지식 및 실제 기술 - 음악 교육의 여러 부분(PC-20, PC-22, PC-23)에서 현대적인 교육 작업 방법 섹션 2. 악기 연주 과정의 특징 2.1. 공연 장치 및 개선 방법 두 번째 섹션 공연 장치의 일반적인 특성을 연구한 결과입니다. 규율 학생 현악기에서 소리를 생성하는 기능은 다음과 같아야 합니다. 수행을 위한 구성 요소 사용과 관련된 기능: 신체 장치(청각 기관, 손가락 등) 끈 이론 수행 과정 도구의 생물물리학적 구성요소. 기계 부품: 악기, 현, 발 예술, 못생긴 활, 송진. 기능 시스템의 과학적 구성 요소의 모든 수행 박리의 통합은 악기인 실증을 연주할 때 나타납니다. 다음과 같은 사운드 결과 피드백 . 기술 - 사운드 이미징 및 음악 표현의 기본. 역학, 스트로크 및 스트로크(PC-26), 기술, 아고직 등 소리의 표현력의 가치 - 외침의 물리적 데이터와 억양의 순도 및 학생의 생리적 능력 9 규율 섹션 2.2의 내용. 현악기 소리 형성의 기초 소리 형성. 소리에 대해. 음향 법칙의 물리적 기초. 음질 특성. 음색, 강도, 피치, 소리의 지속 시간. 소리의 본질과 특이성. 현악기에서 소리 형성의 일반 및 특정 원리. 소리 진동의 원인 물질. 도구의 주요 구성 요소입니다. 구조적 요소가 음질에 미치는 영향: 음색, 강약, 억양 2.3. 연주 과정의 정신생리학적 토대 음악 연주의 메커니즘을 입증하는 데 있어서 더 높은 신경 활동에 대한 IP Pavlov의 가르침의 중요성. 수행 기술 형성에서 반사의 역할. 인간 두뇌의 기초와 수행 동작과의 연결. 추상적 사고. 현악기 연주자의 창의적 인성 교육에서 더 나은 결과를 얻기 위해 악기 연주 과정의 정신 생리학적 기초에 대한 지식의 중요성. 실행 장치의 일반적인 특성. 연주 기능과 관련된 사운드 추출 기능. 수행 과정에서 기능 시스템의 생리적 및 기계적 구성 요소의 통합. 일반적인 음악 표현 수단 2.4. 현악기를 연주하는 방법과 기법 넓은 의미와 좁은 의미의 "연주 기법"의 개념. 개별 에피소드의 복잡성, 격리 및 기술적 어려움에 대한 작업 방법 결정. 수정된 게임. 천천히 게임. 부정확성을 기억하는 게임. 사운드 작업은 연주되는 음악의 예술적 구현에서 중요한 순간입니다. 게임의 각 기술을 마스터하는 점진성의 가치. 패시지 테크닉의 기초: 선의 선명도, 억양, 역동적인 균일성. 칸틸레나와 거장 작품에 대한 작업의 특징. "수행 기술"의 개념. 기술 연습 및 수행 기술 향상에서의 역할. 응용 프로그램 기본 사항. 운지법의 개념, 프레이징의 의존성, 템포, 성격 및 악보 음악가의 성격 구성 요소에 미치는 영향(PK-23, PK-26); - 특수 악기(PC-23, PC-24, PC-26) 수업에서 청각 시각화 방법, 수동 표시 방법 및 설명 방법을 올바르게 사용합니다. 소유: - 현악기 연주 과정 분야의 현대 음악 교육학에 대한 과학적 지식(PC-22, PC-26) 5. 현악기 소리 추출의 특징 소리 추출의 주요 방법. 운동 능력 형성 조건. Ideomotor 준비. 근육 클램프. 합리적인 설정의 기초로서 공연 장치의 다양한 구성 요소의 자연스러운 위치. 에너지 절약의 가치. 일련의 스테이징 규칙, 현악기 연주에서의 중요성. 오른손 설정(음향 생성, 스트로크 작업 등). 왼손의 진술 (억양, 위치 변경, 비브라토). 스테이징 프로세스의 가장 일반적인 단점, 원인 및 제거 방법. 기술과 음악적 표현. 다이나믹스, 아고직스, 스트로크 등 소리의 표현력과 억양의 순도의 중요성 섹션 3. 악기 연주 학습의 주요 단계 3.1. 음악적 능력의 진단 음악적 능력 판정 방법을 연구한 결과, 아동의 능력 판정 오류 원인 세 번째 부분. 훈육 학생 음악을 가르치는 과정에서 능력 확인. 해야 한다: 지적 발달과 음악의 비율 - 알아야 할 것: 능력. - 방법론의 작업 리듬감, 리듬 조직의 정확하고 세련된 완벽함을 달성하기 위한 방법: 소리내어 세기, 클럭킹, 현악기 이론 학습, 악기 없이 리듬 연주. 도구 기억의 유형 (청각, 시각, 운동 등), 예술 사용, 작업 과정에서의 학습. inst-substantiation (PK-22, rumente. 뮤지컬 귀: 피치, 다이나믹-PK-23, PK-24), 체스키, 음색으로 연주할 때 음악에 대한 그녀의 과학적 감정적 반응을 적극적으로 심화시키는 능력. 질적 특성 - 소리-이미지-소리-고도 청각의 기본 및 지식 개발 방법(PC-26), 3.2. 훈련의 초기 기간 - 신체 데이터 음악 교육과 생리 훈련 사이의 긴밀한 관계는 아동 학생 능력의 올바른 음악적 발달의 기초입니다. 특수 도구 선택에 대해 교육할 때. 학생의 연령 관련 문자열 특성과 일치하지 않는 악기 학습의 부정적인 결과. 초기 도구 (PC-23), 교육 (학교, 선집 등), 평가 - 주요 교훈 원칙의 관점에서 심리 생리 학적으로 : 점진적 실행 프로세스의 기초, 접근성, 가시성 등 . 계기, 착륙, 개발 시작(PK-23), 공연 장치 설정. 사용 방법 - 음악적 능력(PC-22, PC-23) 개발에서 노래 및 리드미컬한 움직임의 사용을 진단하는 방법, 젊은 음악가 11 . 3. 교육 자료를 마스터하는 체계적인 방법 학습 과정에서 음계와 아르페지오를 공부하는 순서. 저울 실행의 목표 및 목표. 저울 운지 통일의 의의. 학생들의 수행발달에 있어 에튜드의 가치. 에튜드의 유형 및 유형, 작업 방법. 올바르게 선택된 템포에 대한 성능 특성의 의존성. 기술시험의 내용 및 준비 3.4. 작품 작업의 주요 단계의 일반적인 특성 작품 작업 단계 : 초기 지인, 세부 처리, 콘서트 공연 준비. 그러한 구분의 상대적인 조건성. 작품을 작업하는 과정에서 감정적 시작과 이성적 시작의 비율. 연극 작업 과정에서 연기자의 정확하고 생산적인 발전에 있어서 능동적 의식 작업의 중요성. 표현력의 수단: 템포, 아고직, 음악 문학에서의 지정 연주. 작품을 작업하는 과정에서 예술적 의식의 발달. 예술 음악 작품 연구의 주요 단계. 작품 소개. 성과 계획의 형성. 집행 계획 수립. 전통과 혁신의 문제. 수행 변형의 청력에 대한 내부 청력 개발. 텍스트 작업의 기본 원칙. 음악 형식 분석. 작품의 스타일 특징 결정. 작품의 메트로 리듬 구조, 템포, 메트로놈. 작품의 기술적인 문제와 예술적인 발전에 대해 연구합니다. 기술 에피소드. 칸틸레나. 인토네이션, 프레이즈 작업. 동적 계획 승인. Agogics. 루바토. 공연의 즉흥적 측면. 마음으로 배우기. 아이디어 구현 및 실행 표현력 향상 음악 작품의 마지막 작업 기간. 회화, 문학을 통한 비 유적 사고의 발전. 작곡가의 작품, 스타일, 시대에 대한 지식. 텍스트에 대한 자세한 분석, 기술적 어려움에 대한 격리 및 작업 방법, 건전한 과학 - 연구 초기 기간의 특징(PK-23), - 교육 자료를 마스터하는 방법 및 기술(PK-20, PK-22, PK- 23), - 음악 작품 작업의 주요 단계(PK-24), - 리허설 활동의 형태(PK-23, PK-24), - 창의적인 성격 형성에서 높은 결과를 달성하는 방법 음악가(PK-24); - 특수 악기(PK-22, PK-23, PK-24, PK-26) 수업에서 청각 시각화 방법, 수동 표시 방법 및 설명 방법을 올바르게 사용합니다. 소유: -초보자와 작업하는 기술; - 음악 작업 방법; - 현악기(PK-20, PK-22, PK-23, PK-24, PK-26) 연주 과정 분야의 현대 음악 교육학에 대한 과학적 지식 5. 개인별 현악기 연주법의 세부사항 현악기 연주법을 배우는 주요 방법. 기본 교육 방법: 설명, 시연, 설득, 악기의 예술적 및 표현력 시연. 음악 그룹에서 개인 및 그룹 수업 구성. 근무 시간, 수업 시간, 객실 이용 가능 여부. 개별 수업의 방법론. 수업은 개별 학습의 주요 형태입니다. 수업에 대한 현대적인 요구 사항, 수업 유형. 통합 수업의 구조. 음악에 대한 감정적 반응을 발전시키는 수단. 수업 중 게임 상황 만들기(교사 역할을 하는 학생 등) 3.6. 리허설 및 콘서트 활동의 형태 리허설은 콘서트 공연 준비의 주요 형태입니다. 리허설 작업 : 악기 연주 기술 향상, 악보 읽기, 앙상블 음악 기술 형성, 음악에 대한 포괄적 인 연구. 모든 학습 형태의 관계, 작업의 다양한 단계에서의 조합 및 적용 3.7. 특수 도구에 대한 추가 교육 문서화 시스템 기관을 위한 교육학 레퍼토리. 머리의 작업을 계획하는 형태. 학생의 개별 특성, 개발 전망을 고려한 6개월 동안의 레퍼토리 선택 요구 사항. 교육 레퍼토리의 의미론적 및 기술적 접근성: 다양한 형식, 스타일 및 장르 3.8. 현악기 연주자의 훈련 및 교육에 대한 일반적인 교육학적 기반 교육학적 영향 방법. 설득, 운동 및 습관화, 교육, 자극. 기악 교육학에서의 단어 및 음성 커뮤니케이션. 기악 학습의 특정 기능으로서의 수동 교육적 시연 방법. 교육학 전시에서 뛰어난 교육자. 학습 과정에서 교사의 권위와 개성의 가치. 교육적 의사 소통의 기술. 리듬감과 정서적 지각에 영향을 미치는 방법으로 실시 13 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Kniga-Service Agency” 섹션 연구 결과 2. 교육 및 이론 자료 2.1. 과정의 이론적 부분에 대한 안내 섹션 1. 방법론, 음악 교육학, 음악 심리학 및 현악 연주의 일반적인 문제 주제 1.1. 학문으로서의 방법론 목적: 과정의 내용과 학문으로서의 방법론에 의해 연구되는 쟁점과 문제의 범위에 대한 분석. 작업: 1. 교육 방법에서 가장 합리적이고 현대적인 관점의 시스템 분석. 2. 국내외 현대 작가들의 방법론적 문헌 고찰. 삼. 간략한 소개 활 예술의 역사와 함께. 초록: 방법론이 연구하는 문제의 범위: 모든 방법론 자료의 동화, 마스터링, 사용 능력; 현 활 교육학 분야의 지평을 넓히고 음악 대학 및 미술 대학에서 어린이를 가르치는 데 적합한 현대 레퍼토리를 연구합니다. 이론과 실제 사이의 연결; 활동을 수행하는 데 도움이 될 수 있는 이론적 지식 심화, 교육 및 이론적 자료에 대한 철저한 연구, 공식화 문제; 대중 연설을 위해 학생들을 준비시킵니다. 주제에 관한 문헌: 1, 4, 5. 주제 1.2. 창작 과정으로서의 음악 작품의 연주 목적: 음악 작품의 연주 특징과 그 과정에 영향을 미치는 요인을 분석한다. 작업: 1. 사고 수행의 주요 기능을 연구합니다. 2. 현악기 연주와 학습의 가장 중요한 문제점을 분석한다. 3. 올바른 레퍼토리 선택 문제를 고려하십시오. 14 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 초록: 성공적인 공연을 위한 기초로서 올바른 레퍼토리 선택. 학생의 발전과 음악가 예술가로서의 교육에 중요한 요소로서 창의적이고 공연적인 상상력의 존재. 현악기 연주 과정의 정신물리학적 토대. 개인 학습의 패턴과 방법에 대한 연구. 현악기 연주자를 생각하며 연주하는 특징. 악보 연주에서 연주 기억의 중요한 역할. 주제에 관한 문헌: 2, 12, 13. 주제 1.3. 음악적 형식과 내용. 음악 작품의 연주 분석 방법 목적: 음악적 형식과 내용의 개념을 고찰한다. 작업: 1. 성능 분석 기술을 연구합니다. 2. 작품의 음악적 내용에 대한 작품에서 음악적 사고의 역할을 지정합니다. 3. 음악 작품의 음악적 형식과 조형적 내용을 분석할 수 있다. 초록: 음악적 사고의 발달. 음악 작품의 연주 분석 방법, 어려움 식별. 발생 원인과 극복 방법을 결정합니다. 크고 작은 형태의 작업을 할 때 유익하고 기술적인 자료를 선택합니다. 음악 작품의 내용과 의도. 작품의 음악적 형식과 조형적 내용을 분석하는 과정. 성과 계획의 작성 및 구현. 국내외 공연학교의 우수 대표자들이 연주하는 음악 작품의 다양한 해석에 대한 비교 분석. 주제에 관한 문헌: 4, 12, 17. 15 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 주제 1.4. 음악-청각 콤플렉스, 심리적 기반 목적: 음악-청각 콤플렉스의 개념을 고려하고 심리적 기반을 연구합니다. 작업: 1. "음악-청각 복합물"의 개념을 설명합니다. 2. 음악적 귀의 유형을 배우고 공연 과정의 성공적인 흐름을 위한 중요성을 분석합니다. 3. 음악적 귀를 개발하는 방법에 대해 알아보십시오. 초록: 음악적 귀, 유형(상대, 절대, 내부, 외부). 음악적 귀는 공연 과정을 조직하고 통제하는 가장 중요한 수단입니다. 현악기 연주자를 위한 고도로 발달된 상대적인 음악적 귀의 필요성. 음악적 귀 발달을 위한 방법론. 솔페깅 연습 및 기타 방법을 통해 음악에 대한 귀를 개발합니다. 현악기 연주자에게 가장 중요한 인토네이션, 다이내믹 및 음색 청력 개발. 현악기 연주 시 인토네이션 수행(인토네이션, 다이내믹 및 음색 청력). 청각, 왼손 및 오른손의 조정 작업에 대한 정확한 억양의 의존성. 음악 지각의 심리학. 주제에 관한 문헌: 3, 6, 11, 19. 주제 1.5. 전문 음악가의 활동 과정에서 음악적 능력 개발 목적 : 음악적 능력 개발의 특징을 고려하고 전문적인 활동 현악기 연주자. 작업: 1. 전문 음악가의 공연 활동에서 음악적 능력의 역할을 지정합니다. 2. 음악적 능력의 유형을 나열하고 그 특성을 식별할 수 있다. 3. 음악적 능력 개발을 위한 기본적인 방법론적 원리를 배운다. 16 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 초록: 음악적 능력과 음악적 성향. 음악적 능력을 바탕으로 음악적 소질의 형성과 발달. 음악 및 공연 재능의 가장 중요한 측면(음악적 귀, 음악적 리듬, 음악적 기억력). 뮤지컬 공연 과정을 위한 심리적 전제 조건. 경영진의 관심. 주의 유형, 개발 조건. 음악적 능력, 개발 및 교육에 유리한 조건 생성. 활을 휘감은 현악기를 성공적으로 연주하는 데 있어 생리적 능력과 역할. 주제에 관한 문헌: 1, 2, 11. 섹션 2. 악기 연주 과정의 특징 주제 2.1. 집행 장치 및 개선 방법 목적 : 집행 장치의 개념을 고려하고 개선 방법 및 방법에 대해 알아보십시오. 작업: 1. 집행 장치의 일반적인 특성을 고려하십시오. 2. 수행 과정의 생물 물리학적 및 기계적 구성 요소를 지정합니다. 3. 현악기 연주자의 가장 합리적인 설정의 기본을 배웁니다. 초록: 연주 장치의 구성 요소(청력 기관, 왼손 손가락, 오른손 등)의 사용과 관련된 현악기의 사운드 생성 특성. 실행 장치의 일반적인 특성. 가장 합리적인 설정의 기본을 마스터합니다. 뮤지션 스트링거의 연주 수단. 연주 과정의 생물 물리학적 및 기계적 구성 요소(악기, 활, 송진, 현). 현악기를 연주할 때 기능 시스템의 모든 연주 구성 요소의 통일성. 소리의 표현력의 가치. 구부러진 악기를 연주할 때 가장 중요한 표현 수단 중 하나인 인토네이션. 피드백으로 사운드 결과. 주제에 관한 문헌: 2, 4, 7, 14.17. 17 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 주제 2.2. 현악기 소리형성의 기초 목적 : 현악기 소리형성의 원리와 특징을 고찰한다. 작업: 1. 음향 법칙의 물리적 기초에 익숙해집니다. 2. 사운드 생성 과정에서 오른손과 왼손의 상호 작용, 동작의 일관성을 분석합니다. 3. 현악기에서 소리를 낼 때 오른손의 주도적인 역할을 평가합니다. 초록: 현악기 소리 생성의 주요 특징(일반 및 특정). 음질 특성. 사운드 생성 과정에서 오른손과 왼손의 상호 작용. 과도한 신체적 스트레스 제거. 자유의 개발, 수행 과정의 용이성. 움직임의 정확한 조정이 필요합니다. 다양한 뉘앙스(포르테, 피아노)를 연주할 때 활을 지휘하는 특성. 표현력이 풍부한 사운드의 주요 특성은 선명도와 순수성, 사운드에 노이즈 불순물이 없는 것입니다. 활 변화, 음향 어택, 현 결합의 음질에 대한 영향. 음향 법칙의 물리적 기초. 소리 진동의 원인 물질. 현악기의 주요 구성 요소인 활의 장치. 주제에 관한 문헌: 2, 13, 17. 주제 2.3. 수행과정의 정신생리학적 기초 목적: 수행과정의 정신생리학적 기초의 중요성을 고찰한다. 작업: 1. 연주 과정에 영향을 미치는 음악가의 정신-생리학적 특징을 설명합니다. 2. 수행 과정의 정신생리학적 토대에 대한 지식을 습득합니다. 3. 자제력과 의지적 규제를 습득하는 방법을 분석한다. 초록: 그의 음악 및 공연 활동에 영향을 미치는 음악가의 정신물리학적 특징. 수행 기술 형성에서 반사의 역할. 18 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 현악기 연주자의 창의적인 성격 교육에서 더 나은 결과를 얻기 위해 악기 연주 과정의 심리 생리학적 기초 지식의 중요성. 수행 과정에서 기능 시스템의 생리적 및 기계적 구성 요소의 통합. 공연을 위한 음악가-연주자의 심리적 준비의 특징. 자제력과 의지적 규제. 최적의 콘서트 상태를 마스터하는 방법. 주제에 관한 문헌: 2, 3, 7,10. 주제 2.4. 현악기 연주 방법 및 기법 목적: 현악기 연주 방법 및 기법을 고찰한다. 작업: 1. 오른손 기술 작업 기술을 연구합니다. 2. 왼손의 기술을 연습하는 기술을 배우십시오. 3. "퍼포밍 스킬"과 "퍼포밍 테크닉"의 개념을 배운다. 초록: "수행 기술"의 개념. 오른손 기술(음향 과학, 스트로크 기술, 칸틸레나, 화음 연주)을 연습합니다. 왼손 기술(손가락 유창성, 패시지 기술, 억양 정확도, 진동, 이중 음표, 화음)을 연습합니다. "수행 기술"의 개념. 교육 자료 - 비늘, 에튜드, 연습. 수행 기술 향상에 있어 그 역할. 응용 프로그램 기본 사항. 위치의 개념, 손가락의 넓고 좁은 배열. 프렛보드 무브먼트. 한 위치에서 다른 위치로 전환을 수행하는 방법. 전환의 분류. 매기다. Flageolet 실행. 이중 메모, 실행의 어려움 및 작업 원칙. 주제에 관한 문헌: 6, 9, 14, 17. 주제 2.5. 현악기 소리추출의 특징 목적 : 현악기 연주시 소리추출의 특징을 고찰한다. 19 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 작업: 1. 현악 연주자의 스테이징 기본 규칙을 배웁니다. 2. 현악기에서 소리를 내는 주요 방법을 숙지합니다. 3. 현악기를 연주할 때 소리의 표현력의 가치를 평가한다. 초록: 현악기에서 소리를 내는 주요 방법. 피치카토 게임 접수. 연습을 수행할 때 스테이징 규칙과 그 중요성. 근육 클램프 및 제거 방법. 합리적인 설정의 기초로서 공연 장치의 다양한 구성 요소의 자연스러운 위치 값. 다양한 스트로크(레가토, 디테일, 포르타토), 저키(마르텔, 스타카토), 점핑(스타카토, 스피카토, 소틸, 리바운드), 혼합( 균일하고 고르지 않음). 왼손의 위치, 손가락의 유창함, 위치 변경의 정확성, 내기에서 연주하는 방법, 이중 음표, 다양한 유형의 전환, 진동, 억양의 순도. 스테이징 프로세스의 가장 일반적인 단점, 원인 및 제거 방법. 다이내믹과 음악적 표현. 현악기를 연주할 때 소리의 표현력과 억양의 순수성의 가치. 주제에 관한 문헌: 2, 4, 13, 17. 섹션 3. 악기 연주 학습의 주요 단계 주제 3.1. 음악적 능력의 진단 목적: 음악적 능력을 진단하는 방법을 고찰한다. 작업: 1. 음악적 능력을 결정하는 방법과 방법을 연구합니다. 2. 음악적 능력의 종류를 배우고 그 발달 방법론을 연구한다. 3. 현악기 연주자의 학습 과정에 대한 음악적 능력의 영향을 고려하고 학습 과정에서 그들의 역할을 식별합니다. 20 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 초록: 음악적 능력을 결정하는 방법론, 어린이의 음악적 능력을 결정하는 오류의 원인. 음악적 능력을 결정하는 방법. 훈련과 교육이 학생의 음악적 데이터에 미치는 영향. 음악적 귀(상대, 절대, 내부) 및 개발 방법. 음악적 리듬, 올바른 리듬 구성을 달성하는 방법. 음악적 기억, 그 유형 및 개발 방법. 뮤지컬 공연 상상력과 학생의 다른 음악적 능력(음악의 귀, 리듬, 음악적 기억 등)의 발달과 불가분의 관계. 악기를 연주할 때 음악에 대한 능동적인 감정 반응 능력. 주제에 관한 문헌: 1, 3, 4, 8. 주제 3.2. 초기 연구 기간 목적: 분석 초기 기간 학습. 목표: 1. 연주하는 음악가의 올바른 추가 개발을 위한 기반으로 학생 스트링거로서 학습 초기 기간의 특징을 지정합니다. 2. 초보자와 작업하는 방법론을 마스터하십시오. 3. 교육 자료를 숙달하기 위한 방법과 기법을 분석합니다. 초록: 음악적 감수성의 활성화 및 발달, 능력의 각성 및 식별. 첫 번째 수업을 수행하는 방법론. 악보 동화의 초기 단계. 이론 연구에서 악기 연주 실습으로의 전환. 악기 소개. 도구 선택, 학생의 연령 특성 준수. 잘못된 도구 선택의 부정적인 결과. 오른손 설정에서 준비 운동의 역할. 왼손의 위치. 게임 기술의 개발 및 통합. 악기의 자체 튜닝 교육. 초등 교육, 선집, 점진성, 접근성, 명확성 측면에서 평가를 위한 다양한 음악 보조 선택. 주제에 관한 문헌: 2, 3, 6, 16. 21 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & OOO "Agency Book-Service" Topic 3.3. 교육 자료를 마스터하는 체계적인 방법 목적 : 문자열 클래스에서 교육 자료를 마스터하는 체계적인 방법을 고려합니다. 작업: 1. 교육 자료 연구의 목표와 목표를 배우고 현악기에서 학생의 연주 기술 향상에 대한 중요성을 분석합니다. 2. 현악기 수업에서 교육 자료를 마스터하는 방법과 기술을 연구합니다. 3. 교육 자료 학습이 학생의 전반적인 성과 및 예술적 발달에 미치는 영향을 분석합니다. 초록: 교육 자료 연구의 목표 및 목적. 학습 과정에서 음계와 아르페지오를 공부하는 순서. 스케일과 아르페지오의 단일 핑거링 마스터링. 학생의 성과 개발을 위한 에튜드 및 연습. 다양한 유형의 기술 개발을 위한 스케치 유형, 작업 방법. 악기에서 표현력 있는 연주를 달성하기 위한 기술 및 방법의 개선으로서 스케일, 에튜드, 연습을 마스터링합니다. 기술 자료 작업과 학생의 음악 및 예술 개발의 관계. 불충분하게 개발 된 유형의 학생 기술과 함께 권장되는 에튜드 및 연습의 직접적인 연결. 기술 테스트 및 준비에 대한 필수 요구 사항. 주제에 관한 문헌: 6, 9, 14, 17. 주제 3.4. 작품에 대한 주요 작업 단계의 일반적 특성 목적: 음악 작품에 대한 주요 작업 단계의 일반적인 특성을 고려합니다. 작업: 1. 음악 작업의 주요 단계를 배웁니다. 2. 음악 작업 방법론을 연구합니다. 3. 연주자의 예술적 의도를 현악기에 구현하기 위해 사용된 수단의 총체를 고려하십시오. 초록: 예술 및 음악 작품 작업의 주요 단계: 초기 지인, 공연 계획 수립, 공연 계획 수립, 콘서트 공연 준비. 텍스트 작업의 기본 원칙. 음악 형식 분석. 작품의 스타일 특징 결정. 메트로 리듬 구조. 기술적인 어려움을 파악하고 이를 극복할 수 있는 방법을 모색합니다. 인토네이션, 프레이즈 작업. 공연 버전의 내청력 개발. 동적 작업 계획의 구성. 다양한 수단의 사용 음악적 표현력. Agogics, 루바토. 텍스트 암기. 음악 작업의 마지막 단계. 주제에 관한 문헌: 6, 12, 13. 주제 3.5. 개인별 현악기 연주법의 특성 목적 : 개인별 현악기 연주법의 특징을 고찰한다. 작업: 1. 현악기를 연주하는 개인 학습의 주요 방법을 연구합니다. 2. 스트링 클래스에서 개별 레슨 방법론의 기초를 배웁니다. 3. 현악기 연주자의 창의적인 성격 형성에서 높은 결과를 얻는 방법, 현대 교육학의 고급 성과에 대해 알아보십시오. 초록: 기본 교육 방법. 개별 수업의 구성 및 방법론. 학생 자율 학습의 적절한 조직. 개별 계획의 준비와 학생의 특성 및 특성의 연결. 학생에게 영향을 미치는 방법. 가장 유익한 교육 과정을 위한 조건 준수: 작업 순서, 수업 시간, 구내 가용성. 전문 분야의 교실에서 구두 의사 소통의 역할의 중요성. 수업은 개별 학습의 주요 형태입니다. 최적의 수업 구조. 다른 종류 수업(개인레슨, 공개레슨, 상담레슨 등). 현대 교육학의 진보된 성과를 연구하고 적용합니다. 주제에 관한 문헌: 3, 4, 7. 23 Copyright OJSC "Central Design Bureau" BIBCOM " & LLC "Agency Book-Service" 주제 3.6. 리허설 및 콘서트 활동의 형식 목적: 현악기 연주자의 리허설 및 콘서트 활동 형식을 고려합니다. 작업: 1. 리허설 활동의 기본 형식을 배웁니다. 2. 현악 연주자의 연주 활동에서 높은 성과를 거둘 수 있는 방법을 연구한다. 3. 현악기 연주 기술 향상에 대한 리허설 과정의 영향을 고려하십시오. 초록: 현악기 연주자를 위한 주요 훈련 형태 중 하나인 리허설. 리허설은 콘서트 공연 준비의 주요 형태입니다. 리허설 작업 : 악기 연주 기술 향상, 악보 읽기, 앙상블 음악 연주 기술 형성. 리허설 과정에서 음악 작품에 대한 종합적인 연구가 이루어지며 공연을 연마합니다. 리허설 프로세스의 최적 구성 예. 체계적인 교육의 중요성. 무분별하게 음악 자료를 재생하는 것의 부정적인 결과. 연구 중인 자료에 대한 명확한 이해와 의식적인 동화의 필요성. 기술적인 어려움을 극복하고 목표를 달성합니다. 올바른 리허설 과정을 통한 긍정적 역학 분석. 작은 일에 대한 작업에서 작업에 대한 전체적인 해석으로의 점진적인 전환입니다. 주제에 관한 문헌: 5, 7, 12, 13. 주제 3.7. 추가 교육 시스템 기관의 교육학 레퍼토리 목적 : 추가 교육 시스템 기관의 교육학 레퍼토리 선택을 분석합니다. 작업: 1. 이 주제에 대한 이론적 자료를 고려하고 동화합니다. 2. 추가 학습 기간 동안 첫 수업을 올바르게 구성하는 것의 중요성을 이해합니다. 3. 현악기 학생과 작업할 때 개별 접근의 원칙을 고려하십시오. 24 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 초록: 음악가의 적절한 초기 교육의 중요성. 첫 수업의 방법론을 통한 철저한 사고. 초보자 교육의 어려움이 점진적으로 증가한다는 원칙 준수. 예술적 내용과 공연 기술 측면에서 학생이 접근할 수 있는 교육 자료 선택. 개별 접근의 원칙. 현대 작가의 작품으로 레퍼토리 목록을 업데이트합니다. 레퍼토리의 필수 다양성. 수행 된 작곡에 대한 학생의 관심, 열정. 교육 레퍼토리의 의미론적 및 기술적 접근성: 다양한 형식, 스타일 및 장르. 주제에 관한 문헌: 4, 8, 17. 주제 3.8. 현악기 연주자의 훈련과 교육에 관한 일반 교육학적 기초 목적: 현악기 연주자의 훈련과 교육에 대한 일반적인 교육학적 틀을 고려합니다. 작업: 1. 현악기에서 학생에게 교육학적 영향을 미치는 방법을 연구합니다. 2. 다양한 방법론 학교의 기본 교육학 원칙에 익숙해집니다. 3. 현악 연주자의 연주 기량 형성에 있어 높은 성과를 거두기 위한 다양한 방법을 고려한다. 초록: 현악교사가 학생의 미적관 형성과 예술적 취향에 미치는 영향. 학습 과정에서 교사의 권위의 가치. 학생들에게 조직적이고 자기 훈련을 가르치십시오. 각 학생의 개별 특성을 올바르게 식별하는 것이 중요합니다. 학생 측에서 교실에서 활동, 이니셔티브, 인내 및 인내를 일깨울 필요성. 교육적 영향의 방법, 다양성(설득, 가르침, 자극). 기악 교육학에서 음성 커뮤니케이션의 역할. 기악 학습의 특정 기능으로서의 수동 교육적 시연 방법. 학생들을 가르치는 현대 방법론의 주요 원칙 적용. 주제에 관한 문헌: 1, 5, 7, 8, 15, 18. 25 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Book-Service” 3. 교육 및 실습 자료 3.1. 세미나 설명 세미나 1번 섹션 1. 악기 교육 방법의 일반적인 문제 1. 연주 장치 및 연주 수단. 2. 현악기 연주시 설정. 3. 연주 과정에서 가장 중요한 전제 조건(능력 및 성향). 4. 음악대학과 예술대학의 교육 과정 조직 및 계획. 참고 문헌: 1, 7, 22. 세미나 № 2 섹션 2. 현악기 연주 과정의 특징 1. 음악적 표현 수단으로서의 비브라토. 2. 공연 과정에서의 아티큘레이션과 스트로크. 3. 현악기 연주과정에서 왼손기법의 역할과 의의. 4. 현악기를 연주하는 과정에서 오른손의 기술. 참고 문헌 : 1, 2, 3, 20, 21. 세미나 3 번 섹션 3. 악기 연주 학습의 주요 단계 1. 학습 초기 단계에서 연주 장치 설정 문제. 2. 훈련 초기의 소리 추출 문제. 3. 다양한 훈련 단계에서 수행 기술을 연구하십시오. 문헌: 2, 9, 12, 16, 22. 26 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Book-Service” 4. 교육 및 방법론 자료 4.1. 지침독립적이고 실용적인 작업 조직에 대한 학생들을 위해 학생의 독립적인 작업은 규율을 마스터하는 데 가장 중요한 부분입니다. 그것은 강의 자료의 자체 통합과 실습 및 세미나 수업 준비를 포함합니다. 학생은 한 세션 동안 이 문제의 해결을 미루지 않고 방법론적 문헌을 일관되고 체계적으로 연구할 수 있는 수업 요법을 개발해야 합니다. 이와 관련하여 학생은 교육 자료의 고정 및 체계화의 편리한 형태를 선택해야 합니다. 한 가지 방법은 전자 매체에서 작업하는 것입니다. 예를 들어 플래시 드라이브는 기본 소스를 전자 형식으로 저장할 수 있을 뿐만 아니라 연구 중인 분야의 강의 노트에 대한 대략적인 작업 가능성도 제공할 수 있습니다. "악기 연주 교육 방법", 프로필 "오케스트라 현악기" 과정을 공부할 때 학생들은 다음을 권장합니다. 이러한 문제를 해결합니다. 2. 이 과정을 공부할 때 작품의 연주를 녹음하는 것이 필요합니다. 다른 스타일강의의 특정 주제에 따라 후속 분석과 함께. 3. 경험이 풍부한 교사의 수업 비디오 녹화 부분을 사용해야합니다. 음악 학교, 학교 및 대학에서 사운드, 기술 작업 과정을 관찰합니다. 4. 통역의 특징을 파악하기 위해 최고의 연주자의 녹음을 듣고 비교하는 것이 좋습니다. 5. 세미나 준비를 위해 교육적이고 방법론적인 음성 매뉴얼을 사용할 수 있습니다. 6. 해석 문제와 관련된 주제를보다 완전하게 공개하기 위해 학과 교사 및 학생의 콘서트 녹음 (최종 상태 시험 포함), 작곡에 대한 교육적 논평, 주요 교사의 보고서 및 강의가 사용됩니다. 27 저작권 OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 넓은 범위정보. 그녀의 출처 중 하나는 자신의 공연 경험입니다. 이 과정의 내용은 초보 교사가 교육 활동을 준비하고 심리학 분야의 보편적 의사 소통 수단과 지식, 특정 전문 기술을 갖추도록 설계되었습니다. 학생은 음악 학교 학생의 성격, 연령, 심리적 특성 및 훈련 수준을 고려하여 악기 연주 학습을 구성할 수 있어야 합니다. 이를 위해서는 전문 기술 개발을 계획하고 완벽하게 가르치는 방법을 습득하고 음악 학교의 음악 및 교육학 레퍼토리를 아는 방법을 배우는 것이 필요합니다. 교육학 및 심리학의 기초에 대한 전망과 지식은 미래의 교사로서 학생이 다양한 재능, 전문적인 전망, 연령 및 성격을 가진 학생들과 함께 일할 때 올바른 수단과 기술을 선택하는 데 도움이 될 것입니다. 교육학 레퍼토리에 대한 지식을 통해 각 학생의 강점을 가장 잘 파악하고 최소한의 어려움으로 약점을 극복할 수 있습니다. 또한 학생은 실습 수업에서 후속 분석과 함께 독립적으로 수행되는 작업의 방법론적 분석 기술을 습득해야 합니다. 잘 이해되고 이해됨 체계적인 자료학생 자신의 수행 활동에 영향을 미칩니다. 과정의 모든 주제에 대한 메모를 유지하면 향후 시험을 준비하는 데 도움이 되고 향후 전문 활동을 상기시키는 역할을 합니다. 각 원격 학습 학생은 과정에서 독립적이고 자유롭게 선택한 주제에 대한 서면 작업을 제출해야 합니다. 서면 독립 작업은 논의된 문제에 대한 학생 자신의 태도와 교사, 음악가 및 작곡가의 다양한 의견을 반영해야 합니다. 인용할 때 문헌에 대한 참고문헌은 출판 장소와 시간을 명시해야 하며 최소 2~3개의 제목이 필요합니다. 작문 작업의 임무는 학생들에게 문학과 창의적이고 체계적인 이해를 다루는 방법을 가르쳐 그들의 생각과 관찰을 일관되게 표현하는 기술의 개발을 촉진하는 것입니다. 독립적인 작업을 작성하는 것 외에도 학생들은 교육학 레퍼토리의 작업에 대한 방법론적 분석과 읽은 문헌에 대한 검토를 제공받을 수 있습니다. me28 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & OOO "Agency Kniga-Service" 교수법을 가르치는 가장 중요한 요소는 이론 과정과 교육학 실습 간의 관계입니다. 방법론을 적용해야 합니다. 학습 기간 동안 학생은 학생들과 함께 모든 주요 작업 유형에 익숙해져야 합니다. 교사의 추천에 따라 학생은 커리큘럼에서 제공하는 양의 교육학 실습을 동시에 받을 수 있습니다. 관찰 실천의 중요성은 경험이 풍부한 교사의 작업 방법에 익숙해지고 유익한 교육 활동의 결과로 교사가 개발한 자료를 설명하는 특정 방법을 숙달하는 데 있습니다. 학생들은 교사가 연령, 성격, 능력, 음악에 대한 태도 등이 서로 다른 음악 학교 학생들과 협력하여 훈련 방향으로 교육적 전술을 어떻게 바꾸는지 외부에서 관찰할 수 있습니다. 교육학적 방법경험이 풍부한 교사의 작업은 미래에 젊은 전문가 자신의 교육 실습을 시작하는 데 신뢰할 수 있는 지원이 될 수 있습니다. 수업 분석은 양면 분석의 성격을 가질 수 있습니다. 학생-연수생의 자기 분석과 교사-고문에 의한 수업 수행 평가입니다. 큰 이점은 학생들의 성과에 대한 공동 토론, 작업 지속에 대한 적절한 결론의 정의, 새로운 작업 및 요구 사항으로의 전환과 관련된 성격의 변화입니다. 수업 계획에는 다음이 포함되어야 합니다. - 수업의 주제; - 자료 연구의 주요 및 특정 작업 - 기술적 어려움에 대한 작업 방법 - 연구 작품의 예술적 특징; - 작업의 다양한 섹션에 대한 수업 시간 분배. 교육학 레퍼토리 작품의 방법론적 분석 계획 1. 작품 스타일의 일반적인 특징. 2. 단편창작 (작곡가에 대한 정보, 작곡 창작 기간, 작곡이 이 악기 또는 편곡에 대한 원본인지 여부에 대한 정보 등). 3. 작품 장르의 정의. 4. 템포형 특성. 29 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & OOO "Agency Book-Service" 5. 예술적 작업의 진술. 6. 기술적 어려움 분석 및 극복 방안. 교육의 성공과 각 개별 학생의 교육 수준에 해당하는 방법론적 도구의 선택에 중요한 것은 학생의 개별 특성을 편집하는 것입니다. 개별 수업의 교사는 교실에서 각 학생의 행동 특성, 수행되는 작업에 대한 그의 반응, 악기에 대한 적응을 관찰하고 알 수 있어야 합니다. 학생의 개별적인 특성은 각 학생의 성공적인 학습 과정을 위한 문제를 설정하고 해결하는 데 도움이 됩니다. 학생의 대략적인 특성 1. 일반적인 발달 수준. 학생의 나이. 심리적 특징, 반응 속도, 음악 및 활동에 대한 태도. 2. 특별한 음악 데이터. 정서적 반응성. 음악 데이터의 수준 - 청력, 리듬, 기억력. 주어진 악기에 대한 학생의 연주 장치 준수, 악기에 대한 적응 정도. 창의적인 상상력. 기술 데이터. 3. 계획된 작업 계획의 구현. 4. 집과 교실에서의 작업 분석. 침착함과 주의력, 효율성, 수업에 대한 관심. 규칙성, 집에서 스스로 공부할 수 있는 능력. 구문 분석의 문해력 정도. 음악을 마스터하는 속도. 5. 학생의 예술적 상상력, 창의적 이니셔티브 및 기술 개발 수준의 존재. 6. 결론. 개발의 결함과 이를 극복하는 방법. 다음 연구 기간 동안의 작업. 시험을 위해 학생들은 작품의 대략적인 레퍼토리 목록을 준비해야 합니다. 다른 수준다른 유형의 기술에 대한 복잡성. 레퍼토리 목록에서 한 작품의 클라비에와 솔로 부분을 분석하여 학생들은 대략적인 작업 계획과 구체적인 방법론 개념을 제공합니다. "악기 연주를 가르치는 방법" 분야에서 학생의 독립적인 작업의 창의적인 형태 중 하나는 작업의 음악적 내용 공개에 대한 자신의 견해를 준비하고 기술적 및 선율적 어려움을 극복하는 것입니다. 현악기 연주를 배우는 현대적인 방법. 이 형식은 학생들이 현악기의 표현 가능성의 모든 미묘함을 마스터할 뿐만 아니라 특수 악기를 연주하는 현대적인 방법 분야에 대한 지식을 심화할 수 있는 추가 기회를 얻음으로써 기술을 향상시키고 능력. 창의적 잠재력의 공개는 학생들의 직업적 성장을 위한 강력한 자극제입니다. 학생의 과외 및 개별 작업은 초등 및 중등 음악 교육 기관 방문, 콘서트 공연 방문, 수신 된 정보에 대한 독립적 분석 및 토론의 형태로 수행 될 수 있습니다. 4.2. 통신 과정 학생을 위한 독립적인 서면 작업 구현을 위한 지침 "악기 연주 방법을 가르치는 방법" 과정 연구의 일부로 독립적인 서면 작업을 작성하는 것은 경계 제어의 한 형태로 사용될 수 있습니다. 통신 과정 학생들이 시험을 준비하는 과정. 이 과정의 틀 내에서 서면 독립 작업을 수행하는 것도 유용합니다. 이 분야에 대한 연구가 음악가를 준비하는 과정에서 전문 분야의 이론에 대한 첫 번째 호소이기 때문입니다. 전문 사이클의 모든 이론적 분야를 공부하는 과정에서 독립적인 서면 작업을 작성하는 경험은 전체 학습 기간 동안 관련 기술과 능력을 습득한다면 매우 유용합니다. 여기에는 방법론적 문헌, 카탈로그 작업, 올바른 정보 소스 선택, 읽은 내용 기록, 특정 개념을 비판적으로 이해하고 창의적으로 적용하는 능력, 계획 작성, 논문, 요약, 리뷰를 초기 요소 중 하나로 작성하는 능력이 포함됩니다. 연구 작업의 형태. 또한 학생은 문제를 특성화하고 요약할 수 있어야 합니다. 수집한 자료, 주어진 주제에 대한 문헌을 간략히 검토하고 주제에 대한 주요 조항을 분석합니다. 독립적인 저작물의 구조는 주제의 올바른 공개에 기여해야 합니다. 즉, 자료의 제시 순서를 올바르게 선택해야 합니다. 작품의 구조는 서론, 본론, 결론의 세 부분으로 구성된다. 서론에는 작업에 대한 일반적인 설명이 포함되어 있으며 결론에는 연구 주제가 요약되어 있습니다. 작업량은 컴퓨터 타이핑 20페이지 이상이어야 합니다(인쇄 용지 1장 - 띄어쓰기 포함 40,000자). 전통적으로 독립 저작물 텍스트 구조의 주요 요소는 다음과 같습니다. 1. 제목 페이지. 2. 내용(목차). 3. 소개. 4. 주요 부분. 5. 결론. 6. 사용 문헌 목록. 4.3. 교사 지침 "악기 연주 교육 방법"은 필요한 연주 기술을 습득하는 방법과 그에 상응하는 방법에 관한 학문 분야입니다. 현대적인 방법학습. 이 과정은 학부 OOP 구조의 주요 위치 중 하나를 차지하며 "특수 악기", "앙상블", "계측 및 계측", "앙상블 작업 방법"과 같은 전문 사이클 분야와 밀접한 관련이 있습니다. , "역사 공연 예술”, “오케스트라 수업”. 이 분야는 특정 학문 과목에서 지식, 기술 및 실용적인 기술을 형성하는 다양한 방법의 조합으로 특징지어지는 교육학과 학제 간 연결을 가지고 있습니다. 방법론 과정에 대한 연구는 커리큘럼에 따라 6-7학기에 실시되며 기악 연주 분야의 학사, 교사의 포괄적인 전문 교육의 필수적인 부분이며 자격 요건에 따라 결정됩니다. 이론적 기초에서 규율은 교육학에서 개발된 교훈적 원리 체계에 의존합니다. 가장 중요한 것은 연구 자료의 과학적 특성 및 접근성, 가시성, 동화 인식, 지식의 강도, 기술 및 능력, 학생의인지 활동 활동, 독립성, 학습과 삶의 연결 및 미래 직업입니다. 교육 과정의 효과는 방법론의 수준과 현대 교육학 요구 사항의 준수 여부에 달려 있습니다. 32 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 규율 "악기 연주 교육 방법", 프로그램에서 공부 고등 교육, "현악기 연주 교육 방법"이라는 주제를 연구하는 중등 전문 음악 교육 수준을 기반으로합니다. 이와 관련하여 이 분야는 얻은 지식을 요약하고 모든 유형의 현악기에 공통적입니다. 학생의 역량은 두 가지 방향으로 조건부로 훈련을 마스터한 결과로 형성됩니다. - 특수 악기에서 수행 과정을 연구(연주 이론); - 현대 공연 기술을 가르치는 방법 연구. 코스 학습의 주요 과제는 다음과 같습니다. - 특수 악기 연주 이론 마스터, 기본 연주 기술 형성 방법론 마스터; - 현악기 연주를 배우는 다양한 학교의 교육학적 원리에 대한 연구; - 국립 교육 학교의 형성 분석; - 뛰어난 교사의 경험을 연구합니다. - 음악가-연주자가 되는 과정에 대한 연구; - 젊은 음악가 교육에서 교사의 역할에 대한 인식, 음악적 능력의 심리적 특성 연구 -수업의 방법론을 마스터하고 활동을 제어합니다. - 특정 기능에 대한 연구 다른 단계학생들의 전문 교육; - 음악 텍스트 작업 문화 교육, 문해력, 구문의 의미, 조음 및 기타 사운드 추출 방법, 다양한 스타일과 장르의 작품 연주 방법 연구 - 핑거링 기술, 사운드 제작 기술, 역동적인 계조, 스트로크 및 연주 기술에 대한 기술 습득 - 교육 활동 및 과학 및 방법론 작업에 대한 관심 증가. 음악 교육학의 가장 중요한 원칙은 다음과 같습니다. 음악, 예술 및 기술 개발의 통합, 지식, 기술의 점진적이고 일관된 축적, 학생의 독립성과 창의적 주도권 개발. 33 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" "악기 연주 교육 방법" 분야에서 소그룹 형태의 수업을 제공합니다. 강의에서 학생들은 이론적 지식을 습득한 다음 실습 수업에서 이를 구현합니다. 실기 수업은 학생들이 이 작품을 작업하기 위한 완전한 연주 분석 및 방법론적 권장 사항을 가지고 간단한 기악 작품을 연주하는 것을 의미합니다. 교사는 교실에서 바로 배우는 학생들의 수행 능력을 고려하여 자신이 선택한 작품을 제공합니다. 선택한 작품의 분석은 연주 전후에 수행되어야 합니다. 또 다른 작업 방법은 더 큰 수준의 학생 자율성을 포함합니다. 각 학생에게는 강의에서 얻은 지식을 사용하여 독립적으로 분해해야하는 작업이 제공됩니다. 이 작품의 결과는 각 학생이 자신의 창작 작품을 보여줄 작은 콘서트 공연이 될 수 있으며, 이 구성의 연주 어려움에 대한 방법론적 논평이 이어집니다. 학생들의 이론적 지식을 확인하는 것은 티켓 시험의 형태로 이루어집니다. 교사의 임무는 학생들의 이론 자료 및 실습을 제출할 때 요구 사항 준수를 제어하는 것입니다. 그것은 학생의 개인을 고려한 차별화 된 접근 방식을 의미합니다. 전문적인 자질 반주자와 함께 작업할 때. 실제로는 권위주의가 아닌 지침 작업 방법을 고수하여 학생에게 전문 교육 활동에서 창의적으로 실현할 수있는 기회를 제공하는 것이 좋습니다. 4.4. 교육 기술 설명 교육 53.03.02 (073100.62) "음악 및 기악 예술" 방향으로 "악기 연주 교육 방법" 분야를 구현하는 과정에서 다음 교육 기술이 사용됩니다. 1. 과목 중심 기술 : 목표 설정 기술, 집중 학습 기술, 완전한 동화, 교육 과정 기술. 이 부서는 독립적인 작업 조직에 기여하는 KemGUKI의 과학 라이브러리에서 사용할 수 있는 출판물의 일반 목록을 보완하는 방법론적 문헌을 보유하고 있습니다. 34 Copyright OJSC "Central Design Bureau"BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 2. 개인적 지향 기술: 교육 연구로서의 학습 기술, 실습 경험으로서의 학습 기술, 집단 활동 기술, 휴리스틱 학습 기술. 고등 전문 교육의 연방 주 교육 표준의 요구 사항에 따라 대화식 형식으로 진행되는 수업의 비율은 다음을 사용하여 교육 세션을 실시하는 것을 포함하여 BEP의 세부 사항을 고려하여 교실 수업의 40%입니다. - 원탁, - 토론, - 상황 분석, - 롤 플레잉 게임, - 포트폴리오 방법. 인터넷에 접속할 수 있는 최신 멀티미디어 교구도 사용됩니다. 4.5. 분야의 재료 및 기술 지원 교육 53.03.02 (073100.62) "음악 및 기악 예술" 방향으로 "악기 연주 교육 방법" 분야를 구현하려면 다음이 필요합니다. 인터넷에 통합; - 교육 및 음악 문헌을 갖춘 도서관 - 음악 라이브러리; - 현악기: 바이올린, 비올라, 첼로, 더블 베이스. 학생들의 개별 학습을 위한 학문의 재료 및 기술 지원은 수업에 필요한 피아노와 현악기가 있는 교실이 있다고 가정합니다. 5. 제어 및 측정 재료 5.1. 현재 통제의 형태: - 독립적인 서면 작업(서부 연방 지구용), - 창의적인 작업, - 자기 통제를 위한 질문. 35 Copyright OJSC Central Design Bureau BIBCOM & LLC 대행사 예약 서비스 5.1.1. 독립적인 서면 작업의 주제 1. "악기 연주를 가르치는 방법" 과정의 목표와 목적. 2. 일반적인 방법론적 원칙. 3. 교훈. 구현의 조직 및 방법론. 4. 학생의 독립적 연구 조직. 5. 현악기의 소리 추출. 오른손의 위치. 6. 음악적 표현 수단으로서의 획. 스트로크 작업. 7. 뇌졸중의 분류. 8. 왼손 설정. 한 위치에서 재생합니다. 9. 현악기를 연주할 때 가장 중요한 표현 수단인 진동. 10. 인토네이션 like 중요한 요소구부러진 악기 연주. 5.1.2. 창의적인 작업 1. 동적 계획을 세우고 제안된 예에서 정점 영역을 지정합니다. 2. 이 구절에서 획과 운지법에 대한 다양한 옵션을 제안하십시오. 3. 제안된 예에서 한 위치에서 다른 위치로의 전환 유형을 지정합니다. 4. 제안된 악절에서 자연 화음으로 연주할 수 있는 소리를 결정합니다. 5. 작품의 스타일을 결정하고 그에 따라 획을 배열하고 올바른 문구를 만듭니다. 6. 번역 음악 용어 이 에세이에서 찾았습니다. 7. 이 음악 작품을 쉽게 공부할 수 있도록 필요한 준비 연습과 연습곡을 선택하도록 제안하십시오. 8. 제안된 예에서 사용된 장비 유형을 결정합니다. 9. 구성 스타일에 따라 성능의 특징(음향 생성, 진동)의 이름을 지정합니다. 10. 제안된 음악 예에서 위치의 이름을 표시합니다. 36 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 5.1.3. 자제력에 대한 질문 1. 대형 작업의 특징. 2. 현활 연주의 표현 수단. 3. 음악 교육학 및 심리학에서의 대중적 흥분의 문제. 4. 기술 자료 작업에서 이론적 사고의 적극적인 역할. 5. 초보자 작업의 특징. 첫 수업 내용입니다. 6. 설정의 주요 문제. 7. 전문 분야의 수업에서 교사의 교육적 역할. 8. 음악 교육 방법 중 하나로서의 교육학적 전시. 9. 음악적 및 청각적 표현과 공연의 소리, 기술 및 표현적 측면을 식별하는 역할. 10. 전문 분야의 교실에서 시력 읽기 기술 개발. 11. 소리 형성의 기초를 형성하는 요소. 건전한 과학, 활 분포, 소리 솎아내기. 12. 작은 형태의 작품에 대한 작업의 특징. 13. 앙상블 게임의 특징. 기본 성능 요구 사항. 14. 창작 과정으로서의 성과. 음악적 사고의 이미지에 관하여. 15. 다양한 음악적 귀와 음악 자료 동화에서의 역할. 16. 현악기 교육에 대한 성공적인 교육 작업의 일부 일반 조항. 17. 기술이자 표현 수단으로서의 진동. 진동의 종류. 18. 교육 자료 학습의 역할과 방법. 19. 음악적 표현 수단으로서의 획. 뇌졸중 분류. 20. 음악 및 교육학 활동. 그 의미와 특징. 5.2. 경계 및 중간 제어의 형태: - 제어 조사, - 테스트 조사(테스트 작업 참조: EOS KemGUKI - UMKD), - 시험. 37 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 5.2.1. 시험 문제 1. 특수 도구 수업의 기본 원칙. 2. 음악적 능력과 개발 방법. 3. 연주 과정에서 음악적 귀의 역할. 4. 음악 리듬의 개념. 5. 음악적 기억, 그 유형 및 개발 방법. 6. 초보자와의 첫 수업. 7. 왼손 설정. 8. 오른손의 진술. 9. 왼손의 기술. 10. 획, 그 음악적 및 표현적 속성. 11. 뇌졸중의 분류. 12. 게임의 예술적 요소이자 기술로서의 진동. 진동의 종류. 13. 현 활 연주의 표현 수단. 14. 음악 작업 방법. 15. 운지법은 표현력을 발휘하는 가장 중요한 수단입니다. 16. 교육 자료 연구. 학습의 모든 단계에서 음계, 아르페지오, 에튜드를 공부하는 것의 가치. 17. 교육 레퍼토리 선택. 18. 학생의 공연 준비. 19. 학습에서 숙제의 역할. 20. 특수 반 교사의 교육 및 교육 과제. 6. 규율의 교육-서지 및 정보 지원 6.1. 참조 6.1.1. 기초 문헌 1. Berkman, T. 음악적 예술적 능력의 발달 [텍스트] / T. Berkman. - 모스크바: 음악, 2009. - 222p. 2. Ilyina, E. 뮤지컬 및 교육학 워크샵 [텍스트]: 교과서. 대학 수당 / E. Ilyina. - 모스크바: 아카데미. 프로젝트, 2008. - 415쪽. 3. Petrushin, N. 음악 억양 문제 [텍스트] / N. Petrushin. - 모스크바: 음악, 2010. - 126p. 38 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 4. Preisman, E. M. 현악기 연주 방법 [텍스트] / E. M. Preisman. – 크라스노야르스크: 크라스노야르. GAMT, 2009. - 36쪽. 5. Razhnikov, V. 음악 교육학에 대한 대화 [텍스트] / V. Razhnikov. - 고전 - XXI 세기. - 모스크바: 클래식, 2012. - 156p. 6. Shulpyakov, O. 바이올린 연주 및 교육학 [텍스트] / O. Shulpyakov. - St. Petersburg: Composer, 2006. - 496p. 6.1.2. 추가 자료 7. Avratiner, V. 음악가 교사 교육 및 교육 [텍스트] / V. Avratiner. - 모스크바: GMPI, 1981. - 80p. 8. Auer, L. My violin school [텍스트] / L. Auer. - St. Petersburg: Composer, 2004. -120 p. 9. 바이올린 연주에서 음악적 표현 수단으로서의 Agarkov, O. Vibrato [텍스트] / O. Agarkov. - 모스크바: 의회. 작곡가, 1956. - 88p. 10. Belenky, B. 바이올린 연주 및 교육학에 대한 질문 [텍스트] / B. Belenky. - 모스크바: 음악, 1968. - 126p. 11. Garbuzov, N. 음악에 대한 Intrazonal 귀 및 개발 방법 [텍스트] / N. Garbuzov. - 모스크바: Kopozitor, 2002. - 98p. 12. Garbuzov, N. 큰 형식의 현대 음악 작품 작업 [텍스트] / N. Garbuzov. - 모스크바: Composer, 2007. - 138p. 13. Ginsburg, L. 뮤지컬 작업에 대하여 [텍스트] / L. Ginsburg. - 모스크바: 음악, 2008. – 110초. 14. Dikov, B. 저울 작업 정보 [전자 자원] / B. Dikov. – 액세스 모드: http://www.tubastas.narod.ru/book_172.htm 15. 교사-음악가의 방법론적 문화 [텍스트]: 교과서. 대학 수당. - 모스크바: 아카데미, 2002. - 268쪽. 16. Mostras, K. 바이올리니스트의 가정 연습 시스템 [텍스트] / K. Mostras. - 모스크바: 음악, 1956. - 55p. 17. Nazarov, I. 음악 연주 기법의 기초 및 개선 방법 [텍스트] / I. Nazarov. - 레닌그라드: 평의회. 작곡가, 1969. - 112p. 18. Osenneva, M. 음악 교육 방법 [텍스트]: 교과서. 대학 수당 / M. Osenneva. - 모스크바: 아카데미, 2001. - 366쪽. 19. Oskina, S., Parnes, D. 뮤지컬 이어. 개발 및 개선의 이론 및 방법론 [텍스트] / S. Oskina, D. Parnes. - 모스크바: 출판사 AST, 2001. - 80p. 39 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 6.1.3. 인터넷 리소스 http://blagaya.ru/skripka/ http://www.cello.org/ http://www.violamusic.me/ http://cello-music.info/redkie-noty-dlya-violonceli . html http://aceofbass.ru/ http://contrabas.borda.ru/ http://contrabass.ru/ http://dneprviolin.ucoz.ua/publ/2 http://dneprviolin.ucoz.ua / publ/3 7. 교육 및 참조 자료 7.1. 키워드 목록 운지법 마지막 부분 아티큘레이션 음향 제작 공격 즉흥 연주 진정성 악기 비브라토 해석 진동 인토네이션 비올라 케이던스 주요 부분 칸타빌레 글리산도 칸틸레나 악기 그룹 Kapellmeister Groupetto Clavier Detache 알토 음자리표 Diminuendo Bass clef Dynamics Violin clef 40 -Service» 테너 음자리표 코다 후렴구의 반복 채색 Ricochet Concertmaster Rubato Crescendo 연결 부분 Climax Synchronicity Legato Soloist Legato Marked Spicato Leitmotif Staccatissimo Markato Staccato Martelet Epoque style Melisma Scale Modulation Mute Mordent Sforzando 조율 음색 논 레가토 Tenuto 뉘앙스 손가락의 기술 장식적 해석 Tremolo Pizzicato Tutti 측부 하모니카 위치 인공 화성 폰티첼로 내추럴 하모닉스 Portato 그레이스 노트 Portemento Phrasing Pulsation Caesura Development Strokes Register Exposition Repertore 41 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Book-Service” 목차 소개 ...... 3 1. 규율의 구조와 내용........................................................................... 5 1.1. 규율의 구조. .................................................. . 5 1.1.1. 전일제 학생을 위한 주제별 계획.......................... 5 1.1.2. 원격 학습 학생을 위한 주제별 계획 .................................................. 7 1.2. 훈육의 내용 .................................................................................................. 8 2. 교육 및 이론 자료 .................................................................................. 8 .................................. 14 2.1. 과정의 이론적인 부분에 대한 안내........................................................................................................................................................... ......................... 26 3.1. 세미나 설명 .................................................................. 26 . 독립적이고 실용적인 작업 조직에 대한 학생들을위한 지침 .................................... ............................................... 27 4.2 . 통신 과정 수강생을 위한 서면 독립 작문 구현을 위한 지침 .................................................. 31 4.3. 교사를 위한 지침 .................................. 32 4.4. 교육 기술에 대한 설명 .................................................................. 34 4.5 . 분야의 물류........................................................... 35 5. 제어 및 측정 재료 ...................................... 35 5.1. 전류 제어의 형태 .................................................................................. 35 5.1.1. 독립 저작물의 주제 .................................................. 36 5.1.2. 창의적인 작업 .................................................................. 36 5.1.3. 자기 통제를 위한 질문 .................................................................................. 37 5.2. 중간 및 중간 통제의 형태 ················ 37 5.2.1. 시험 문제 .................................................................................................. 38 6. 해당 분야의 교육, 서지 및 정보 지원 ........................ ......................................................................................38 6.1. 참고문헌 .................................................................................................................. .................................................................................................................. .................................................................................................................. .................................................................................................................. .................................................................................................................. ………………. 주요 문헌 .................................................................. 38 6.1.2. 추가 문헌 .................................................................. ... 39 6.1.3. 인터넷 자원 .................................................................................. 40 7. 교육 및 참고 자료 .................................................................................. 40 ...40 7.1. 키워드 목록 ………………………………………………… 40 42 Copyright OJSC "Central Design Bureau" BIBCOM "& LLC" Agency Book-Service "Editor O. in Shomshina Computer M. B. Sorokina의 교정 2015년 4월 24일 발행을 위해 서명됨. 60x841/16 형식. 오프셋 용지. 헤드셋 "시간". Uch.-ed. 엘. 1.8. 전환 오븐 엘. 2.5. 발행 부수 300부. 주문 번호 42. _____________________________________________________________ 출판사 KemGUKI: 650029, Kemerovo, Voroshilov, 19. 전화. 73-45-83. 이메일: [이메일 보호] 43
학습 기술다양한 악기 그룹은 다양한 난이도의 연주 기술 개발이 필요합니다. 따라서 오케스트라에 참여하는 이들에게는 개개인의 역량을 고려하여 차별화된 업무가 주어져야 한다.
악기 연주 학습 방법론에서 다양한 음악 작업을 수행하는 순서를 설정하는 것이 중요합니다. 이 문제에 대한 길고 강력한 교육적 전통은 아직 없습니다. 어떤 연주든 곡을 배울 때 올바른 연주법을 사용하는 것이 필요합니다. 집단 및 개별 작업의 연속성은 중요합니다. 일반 수업 및 독립 음악 제작, 휴일 공연 및 엔터테인먼트에서.
교사의 (다양한 악기에 대한) 작품의 표현적인 연주, 기술 시연, 소리 생성 방법 및 설명 (잘 테스트 된 전통적인 방법)은 여전히 다른 사람들이 보완 할 수 있습니다. 아이들은 스스로 악기를 "검사"하도록 제안받고, 간단한 창의적 과제를 부여받으며, 독학. 이러한 방법의 조합으로 훈련이 이루어지면 교육적 성공을 기대할 수 있습니다.
실제로는 여러 악기를 동시에 연주하는 법을 배우기 시작하지만 각 악기마다 다른 연주 기술이 필요하거나 전체 곡을 한 번에 배우게 됩니다. 동시에 어떤 아이들은 다른 아이들이 배우는 동안 기다려야 합니다. 이것은 사람들을 지치게 하고 주의를 분산시킵니다.
분명히 다른 것이 적절할 수 있습니다. 예를 들어, 일반 수업에서 아이들을 치터의 모습과 연주의 기본 기술로 소개하고 여러 수업을 통해 2-3개의 성가를 배운 후 악기는 나중에 그룹으로 이전됩니다. 게임, 아이들은 스스로 주도권을 계속
악기에 익숙해지면 교사가 도와줍니다. 그 동안 일반 수업에서는 다른 악기에 익숙해지고 있습니다. 더욱이, 때때로 가장 유능한 아이들이 악기를 검사하고 연주 방법을 찾도록 초대받은 다음 교사가 직접 수정합니다.
점차적으로 아이들은 메탈로 폰, 트리플렛, 아코디언, 치터와 같은 온음계 또는 반음계가있는 악기를 접하게됩니다. 쇼크 그룹은 그것에 익숙해지는 데 더 적은 시간이 필요합니다. 예를 들어 드럼, 탬버린, 캐스터네츠와 같은 두세 개의 악기를 한 번에 수업에 가져올 수 있습니다.
다음 작업 측면에서 교육 방법론의 특징을 고려하십시오. 게임의 기술 방법을 마스터합니다. 개별 악기로 게임을 마스터하기 위한 일련의 작업; 몇 가지 조각을 배우고 있습니다.
기술
연주 기술은 각 악기의 디자인에 따라 다릅니다. 우선, 어린이와 관련하여 올바른 초기 위치와 악기의 위치를 설정할 필요가 있습니다.
Metallophones, zithers는 플레이어의 무릎 높이에 위치한 작은 스탠드에 가장 잘 배치됩니다. 스탠드가 없으면 도구를 무릎에 놓을 수 있습니다. 관악기(게임 시작 전)도 무릎을 꿇습니다. 드럼과 탬버린은 허리 높이로 잡고 삼각형은 스탠드에 걸거나 아이가 왼손으로 잡습니다.
올바른 사운드 제작 기술을 가르치는 것은 매우 중요합니다. 에서 플레이할 때 글로켄슈필망치는 집게 손가락에 얹고 엄지 손가락으로 망치를 잡도록 잡아야합니다. 타격은 판 중앙에 떨어지며 가장 중요한 것은 가벼워야합니다. 브러시는 자유로워야 합니다. 아이가 망치를 주먹에 꽉 쥐고 큰 소리로 치고 레코드에 보관하면 소리가 "더럽고"불쾌한 것으로 판명됩니다.
에서 플레이할 때 치터중재자는 엄지와 집게 손가락 사이에 끼워야 합니다. 현을 따라 가볍고 탄력적으로 움직여 소리가 납니다. 동시에 불필요한 줄을 건드리지 않도록 노력해야 합니다.
캐스터네츠그들은 매우 크게 들리므로 오른손으로 잡고 왼쪽 손바닥의 "꽃잎"으로 가볍게칩니다. 소리가 다소 약하고 리듬 패턴이 명확하게 들립니다.
그릇아이들은 스트랩을 잡고 슬라이딩 동작으로 스트랩을 서로 부딪칩니다. 소리를 즉시 멈추기 위해 플레이트를 무릎에 붙입니다. 때때로 심벌즈 (매달려)는 막대기로 칠 수 있으며 끝은 여러 층의 부드러운 재료 또는 충전재로 덮여 있습니다.
에서 플레이할 때 삼각형수평 부분의 중간에 막대기로 치는 것이 필요합니다. 소리는 가볍고 탄력적이어야 합니다.
오랫동안 계속되면 손으로 삼각형을 눌러야합니다. 소리가 즉시 멈 춥니 다.
탬버린손가락, 손바닥의 부드러운 부분 또는 엄지 손가락으로 그의 막을 치는지에 따라 다른 특성의 소리를 냅니다. 또한 임팩트 위치가 변경되면(공명이 더 강한) 나무 프레임에 더 가깝게, 중간으로, 프레임 자체를 치거나, 마지막으로 이러한 임팩트를 번갈아 가며 흥미로운 음색 병치가 가능합니다. 달성됩니다.
재생 트리올렛그리고 멜로디-26동일한 단계를 따릅니다. 아이는 튜브의 구멍에 숨을 불어 고르게 숨을 쉰다. 동시에 그는 원하는 키를 누릅니다. triola의 키는 색상이 있으며 각각 고유한 색상과 이름이 있습니다. 첫 번째 키 - 다시, fa#, 소금그리고 추가 규모 소금 전공.따라서 트리올에서 멜로디를 연주하는 것이 가능합니다. 사장조일부는 다른 키에 있지만 제한된 범위에 있습니다.
Melody-26이라고 하는 이 악기는 반음계(2옥타브)로 제작되었으며 실제로 2옥타브 내의 모든 멜로디를 연주할 수 있습니다.
아이가 음질의 차이를 느끼고 다양한 연주 방법을 탐색하기 시작하면 청각 제어와 연주의 부정확성을 수정하는 능력이 발달합니다.
작업 순서
훈련을 시작할 때 지도자의 방법론적 기술은 자연스럽게 아이에게 새로운 유형의 직업에 대한 관심을 불러일으키도록 지시됩니다.
각 악기 소리의 특성상 새, 동물의 목소리, 인간의 말과 같은 자연 현상과의 유사점을 찾을 수 있습니다. 예를 들어 교사는 새들이 높고 크고 부드럽게 노래한다는 사실에 아이들의 관심을 끌고 있으며 이것은 치터에 묘사 될 수 있습니다.
메탈로 폰은 빗방울이 떨어지는 소리를 잘 전달합니다. 처음에는 거의 떨어지지 않고 점점 더 자주 울리고 비가 심해집니다.
트리올라의 소리가 마치 숲 속에서 누군가가 외치는 소리처럼 여운을 남긴다.
그리고 플루트 또는 Melody-26은 모든 사람들에게 말합니다-하이킹 준비를하십시오.
드럼에서 스틱은 천둥 소리와 같이 일부를 녹아웃시킵니다 (교사는 두 개의 스틱으로 번갈아 빠른 타격을 가함).
이러한 기술의 의미는 어린이들에게 각 악기의 표현 가능성을 익히는 것입니다.
이 초기 단계에서는 오케스트라에서 연주하는 데 매우 중요한 앙상블 감각을 개발하기 위해 조정 된 공동 작업을 위해 어린이를 준비하는 것도 유용합니다. 이를 위해 독특한 리듬 "오케스트라"가 사용됩니다. 아이들은 손뼉을 치고, 발을 구르고, 나무 막대기, 막대, 플라스틱 상자로 두드립니다. 비어 있거나 자갈, 완두콩 등으로 채워져 있습니다. 여기에서 소리 추출 기술이 다를 수 있습니다. 따라서 반쯤 구부러진 손가락으로 한 손바닥을 다른 손바닥에 대고 치면 소리가 울리고 귀머거리가됩니다. "심벌즈"에서와 같이 "평평한"손바닥으로 치면 소리가 뚜렷하고 경쾌합니다.
한 손의 손가락을 다른 손의 손바닥에 대는 것이 가능하며, 손가락을 쭉 뻗은 상태로 유지하는지 또는 자유롭게 반쯤 구부린 상태로 유지하는지에 따라 소리가 상당히 다릅니다. 발의 스톰프도 다릅니다. 발 전체, 발가락 또는 발 뒤꿈치, 교대로-발가락, 발 뒤꿈치. 소위 "때리기"는 허벅지에 손바닥이나 손가락 끝으로 사용됩니다.
나무, 플라스틱, 금속 물체도 소리를 추출할 수 있습니다. 다른 성격. 관심있는 아이들
그들의 말을 듣고, 리드미컬한 작업을 수행하고, 공동 또는 순차적 작업 기술을 습득하십시오. 예를 들어 어린이에게는 다음 연습이 제공됩니다.
음악적 메아리
아이들은 두 개의 하위 그룹으로 나뉩니다.
첫 번째 줄.선생님은 막대기로 두드립니다.
두 번째 줄.어린이의 첫 번째 하위 그룹은 발가락으로 두드립니다.
세 번째 줄.두 번째 어린이 하위 그룹은 다른 손바닥을 손가락으로 두드립니다. 
이러한 연습은 리듬과 박수, 발 구르기, "때리기" 등의 다양한 방식으로 다양할 수 있습니다.
예를 들어 발가락, 발 뒤꿈치, 손, 손가락, 귀머거리 박수를 번갈아 가며 기차의 움직임을 잘 모방합니다. 이 경우 템포가 임의로 빨라지거나 느려질 수 있으며 소리가 강해지거나 가라앉습니다.
첫 번째 줄.힐 스트라이크.
두 번째 줄.발가락 차기.
어린이들에게 음성의 리드미컬한 암송 억양의 인식 및 표현 수행을 소개하는 것이 유용합니다. 처음에는 단순한 리드미컬한 문장, 억양, 암송으로 그들의 표현력을 보여줄 수 있습니다. 아시다시피 암송은 선율적인 암송에 가깝습니다. 천연 성분이 함유되어 구어체 연설인토네이션 상승 및 하강, 악센트, 일시 중지가 명확하게 들립니다.
다양한 게임 및 생활 상황에서 리드미컬 한 문장과 음악 및 음성 억양을 사용할 수 있다는 사실에 아이들의 관심을 끄는 것이 좋습니다.
아이들을 지속적으로 표현력으로 이끄는 다양한 기술의 예를 들어 보겠습니다.
교사는 아이들에게 그녀가 누구라고 불렀는지 추측하도록 초대합니다-Tanya 또는 Andryusha. 아이들은 성인이 박수를 치거나 메탈로폰을 연주하는 리듬 패턴으로 이것을 인식해야 합니다.
아이들은 그 소녀의 이름이 무엇인지 알게 될 것입니다-Tanya 또는 Tanechka:
그 후, 사람들은 스스로 서로를 부를 수 있습니다. 특정 리듬이 나오면 그들은 부록에서 뮤지컬 입문서에 있는 카드를 사용하여 플라넬로그래프에 카드를 배치합니다. 넓은 카드는 4분의 1을 나타내고 좁은 카드는 8분의 1을 나타냅니다.
그들은 메탈로폰, 3극관 또는 타악기에서 동일한 리듬 패턴을 연주할 수 있습니다.
리듬 패턴의 연주에서 아이들은 암송으로 이동합니다. 그들은 서로를 부르도록 초대 받았지만 서로 다른 방식으로 : 다정하게, 화를 내며, 호기심을 갖고, 초대합니다. 아이들은 노래에 가까운 표현 억양을 생각해냅니다. 정확한 음높이와 선율적인 사운드를 가진 보컬 인토네이션은 아직 아닙니다. 그들은 말한다. 억양을 높이거나 낮추면서 동시에 악기에서 들리는 비슷한 소리를 찾아 짧은 성가를 작곡합니다.
추가 교육은 다음 순서로 진행됩니다. 먼저 한 악기 연주를 마스터 한 다음 다른 악기 연주를 마스터합니다. 동시에 연주 기술의 양이 증가합니다. 첫째, 리듬 패턴; 그런 다음 좁은 간격으로 만들어진 멜로디; 스케일의 중요한 부분과 더 넓은 음정을 포함하는 후기 멜로디.
단순한 곡, 노래, 성가의 선율을 배우는 아이들은 리듬 패턴과 선율을 재현하는 두 가지 어려움에 대처해야 합니다. 첫째, 올바른 소리 추출 기술을 습득 할 때 교사는 리듬 연주, 올바른 소리 추출 기술 학습, "Musical Primer"의 초기 부분과 같은 더 쉬운 작업을 어린이에게 제공합니다. 그들의 예술적 장점은 피아노 반주와 함께 리드미컬한 농담이 주어져 더욱 표현력이 높아진다는 것입니다.
선생님의 연주가 끝나면 아이들은 쉽게 곡을 익히고 박자를 치며 노래를 부릅니다. 응용 프로그램 "Music Lotto"( "Music Primer")의 카드를 사용하는 것이 좋습니다.
카드는 flannelgraph에 배치됩니다.
아이들은 메탈로 폰의 여섯 번째 판을 세도록 제안됩니다 (처음부터)-“이것은 메모입니다 라", 그리고그런 다음 리드미컬 한 패턴을 연주합니다. "The sky is blue"라는 노래입니다. 선생님은 피아노를 동반합니다. 2차 공연은 합창으로 진행된다. 작업이 완료되고 사람들이 스스로 노래를 연주 할 수 있습니다.
하늘은 파랗다
E. Tilicheeva의 음악
[고요히]
다음 음악 수업에서 개별 설문 조사가 실시됩니다. 아이들은이 노래를 다른 소리 (음반)로 연주합니다. 이를 음표라고 합니다(레코드에서 위치는 어린이에게 친숙함). 미,메모에 전에"등 동시에, 당신은 필요합니다
그러나 메탈로 폰의 소리가 더 높고 미취학 아동의 음성 기능과 일치하지 않기 때문에 아이들은 잘 배운 노래 만 메탈로 폰에서 노래하고 반주 할 수 있음을 기억하십시오. 메탈로 폰의 동일한 음이 다른 옥타브 (높은)로 들리기 때문에 어린이가 길을 잃기 쉽습니다.
몇 가지 리드미컬한 챈트를 배운 후 다음 작업으로 진행할 수 있습니다. 먼저 가까운 간격으로 구성된 챈트를 배운 다음 더 넓은 간격에서 챈트를 배웁니다. 교육 방법은 동일하게 유지됩니다. 시적 텍스트는 암기를 용이하게 하고 아이들이 학습한 작품을 독립적인 학습에 사용할 수 있게 해준다는 점을 기억해야 합니다. 일관되게 작업을 복잡하게 만드는 것도 중요합니다. 가장 쉬운 플레이 초,그들의 소리는 나란히 있습니다. 따라서 한 소리에 대한 연습 후에는이 간격에 따라 만들어진 성가를 연주하는 것이 좋습니다 (예 : E. Tilicheeva의 "Magpie-magpie", "Accordion"등의 러시아 민속 성가).
까치 까치
러시아 민요
고조파
E. Tilicheeva의 음악
[안에 중간 템포, 리드미컬하게]
보다 복잡한 연주 기술을 동화하면 점차 레퍼토리가 복잡해집니다. 단계적 움직임은 작은 스케일 내의 성가에 나타나고 간격이 확장됩니다. 생생하고 표현력 있게 표현되는 피아노 반주는 아이들의 흥미를 더해 주며, 아이들이 음악적 표현 수단을 듣고 음악의 분위기를 느끼는 것이 중요합니다. 각 예술 작품은 독창적이고 고유하며 마스터하는 방법이 달라야합니다.
어린이의 음악적 인식은 곡을 처음 들은 후 예를 들어 다음과 같은 질문을 받으면 활성화됩니다. "이 곡을 연주하는 것이 더 좋은 악기는 무엇입니까?"; "곡의 어떤 부분에서 다른 악기를 연주해야 하나요? 어떤 악기를 연주해야 하나요?" 작품의 성격이 충분히 명확하고 음악적 형식이 명확하며 성격이 대조되는 부분으로 구성되어 있으면 어린이는 일반적으로 악기를 더 쉽게 선택합니다. 물론 아이들은 곡을 오케스트레이션할 수 없습니다. 그러나 그들이 작곡을 시도하고 "결정"을 내리는 흥미로운 기술을 사용하는 것이 중요합니다. 능숙하고 재치 있는 접근 방식을 통해 적시에 제안에 영향을 미치고 응답을 지시할 수 있습니다.
학습 기술 개인 작품
곡이 복잡할수록 곡의 피아노 반주가 더 발전하고 학습 과정이 더 여유로워야 합니다. "Rain"과 "Our Orchestra"의 두 가지 예를 고려하십시오.
첫 번째 곡은 '비'입니다. T. Popatenko의 처리에서 러시아 민요는 나란히 누워있는 두 소리를 모티브로 만들어졌습니다. (장초).이 모티프는 작은 리드미컬한 변형으로 여러 번 반복됩니다. 처음에는 챈트가 강한 비트("Rain, more rain!")로 시작하고 그 다음에는 오프 비트("Let's give you thicker")로 시작합니다. . 피아노 처리의 일반적인 특성은 움직이고 깨끗하며 가볍습니다. 텍스처가 투명합니다 - 많은 일시 중지, 주요 스트로크 - 단음.서론과 결론이 있습니다. 서론에서는 노래의 단순화 된 동기가 들리고 결론은 그대로 빗방울을 "그립니다".
곡의 투명한 성질은 악기를 연주할 때 그 매력을 잃지 않아야 한다. 도입부에서는 두 개의 레지스터의 점호를 들을 수 있습니다. 마지막으로 삼각형이 있습니다. 특히 결론의 멜로디가 어린이 메탈로 폰과 치터의 소리로 전달 될 수 없기 때문에 그들은 "물방울"의 특성을 아주 잘 재현합니다. 이 작품에서는 경쾌하고 경쾌하며 갑작스러운 소리가 특징인 소수의 악기를 사용하는 것이 바람직하다.
이 노래를 배우기 위한 레슨 순서는 다음과 같이 요약할 수 있습니다.
레슨 1.아이들은 어른이 연주하는 이 친숙한 노래를 듣습니다. 피아노 파트의 가볍고 투명한 사운드에 주목합니다. 아이들은 노래를 기억하고 부릅니다. 선생님은 어떤 악기가 자신의 소리에 가장 잘 맞는지 생각해보라고 제안합니다.
수업 2.노래가 연주된 후 악기 연주 방법에 대한 토론이 시작됩니다. 소개, 결론 및 두 번째 문구와 첫 번째 문구 사이의 차이점에 주의를 기울입니다. 아이들의 제안을 토론하고 실제로 테스트합니다. 악기의 한 버전 또는 다른 버전이 좋은 것으로 판명되면 이 단원에서 전체적으로 수행할 수 있습니다.
수업 3.교사가 제안한 옵션을 배우고있는 경우 (어린이 옵션이 허용되지 않는다고 가정) 먼저 노래의 멜로디 (메탈 폰, 치터) 만 수행하고 당분간 서론과 결론을 수행 할 수 있습니다 피아노에. 치터의 적시 입력에 주의를 기울여야 합니다.
수업 4.전체 노래를 배웁니다. 처음에는 노래하지 않고 일부 어린이는 연주하고 다른 일부는 노래하며 마지막으로 모두가 연주하고 노래합니다.
또 다른 노래-E. Tilicheeva의 "Our Orchestra"(Y. Ostrovsky의 가사)는 앙상블 공연에서 훨씬 더 어렵습니다. 멜로디가 더 다양해지고 그 범위가 이미 일곱째,또한 점프가 있고 단계별 이동이 위아래로 이동합니다. 리듬에도 어려움이 있습니다. 점이 있는 음표가 있습니다. 이 모든 것은 어린이의 특정 기술이 필요합니다. 피아노 반주와 멜로디에서 다양한 악기 그룹의 소리의 음악적 특성이 주어집니다. 드럼을 흉내 낸 듯 선명한 리듬이 주어지는 "드럼, 드럼, 드럼, 드럼"이라는 단어가 들리는 소절을 회상하는 것으로 충분합니다. 그런 다음 더 높은 레기가 나타납니다 따라서 악기 편성은 작곡가와 시인이 촉발합니다. 하지만 아이들이 스스로 악기 선택에 참여할 수 있으려면 당연히 먼저 해결책을 제시하는 가사 없는 노래를 연주해야 합니다.
따라서 다음과 같은 클래스 순서가 적절합니다.
레슨 1.선생님은 노래를 부르지 않고 피아노 파트를 연주합니다. 아이들에게는 음악적 수수께끼가 제공됩니다. 소리를 어느 정도 특징 짓는 별도의 문구를 연주합니다. 다양한 도구. 특정 악구에 적합한 악기를 추측하고 이름을 지정합니다. 그런 다음 교사는 두 번째로 노래를 연주하지만 이미 노래하고 연주합니다. 이런 식으로 아이들은 악기 이름을 올바르게 지정했는지 알아낼 것입니다.
수업 2.노래의 보컬 부분을 학습합니다. 아이들은 멜로디를 배웁니다. 그런 다음 일괄적으로 노래합니다. 세 쌍둥이의 미래 연주자는 첫 번째 구절을 부르고 두 번째는 드럼으로 노래합니다. 노래하는 동안 남자들은 하나 또는 다른 악기를 연주하는 동작을 모방합니다.
수업 3.더 복잡한 파트 학습: 트리올(첫 번째 4마디) 및 치터가 있는 메탈로폰(세 번째 4마디). 먼저, 모든 어린이들이 연주를 한 다음, 이 부분을 연주할 사람을 선택하고, 이 부분을 보여주고, 시작할 음표를 설명하고, 연주를 제안합니다. 그런 다음 모든 어린이가 가상의 드럼을 연주하고 일부 어린이는 실제 악기를 연주합니다.
수업 4.트리올과 메탈로폰의 부분 학습은 계속됩니다. 먼저 멜로디가 연주되는 메탈로 폰이 마지막 문구를 배운 다음 타악기 그룹 인 드럼이 합류합니다. 드럼 부분이 반복됩니다. 수업이 끝나면 전체 악보가 처음으로 연주되지만 노래는 없습니다.
수업 5.각 부분의 연주는 개별적으로 반복됩니다. 모두
비
T. Popatenko 편곡
[조만간 아닙니다]
득점하지만 동시에 일부 어린이는 노래하고 다른 어린이는 연주합니다. 각 악기 그룹의 적시 소개가 제어되고 동적 음영이 세련됩니다.
추가 수업에서는 전체 플레이가 반복되고 습득한 기술이 통합됩니다.
종종 교육학 실습에는 그러한 기술이 있습니다. 어린이는 악기에서 멜로디를 연주하고 성인은 피아노에서 멜로디와 반주를 연주합니다. 소리를 다양화하기 위해 다르게 할 수 있습니다. 예를 들어 전체 연극은 교사가 피아노로 연주하고 아이들은 메탈로 폰으로 멜로디를 연주하지만 그대로 반주, 즉 첫 번째 (I)와 다섯 번째 (V)에 해당하는 소리입니다. 또는 첫 번째(I), 네 번째(IV) 및 다섯 번째(V) 프렛 단계.
여기에 T. Popatenko가 편곡 한 우크라이나 민속 멜로디 "Oh bursting the hoop"의 세 가지 버전이 있습니다. 첫 번째 경우의 메탈로폰은 멜로디를 복제하고 두 번째 경우에는 - 저음, 세 번째 곡에서는 피아노 반주 없이 연주합니다.
또 다른 작품은 N. Rimsky-Korsakov의 오페라 "The Tale of Tsar Saltan"에서 발췌 한 "Squirrel"입니다. 이 구절에서는 멋진 다람쥐의 이미지가 전달됩니다. 이미지를 특징 짓기 위해 작곡가는 유명한 러시아 민요 "In the garden, in the garden"의 멜로디를 사용했습니다. 노래의 멜로디는 경쾌하고 활기차고 댄스 캐릭터이지만 적당한 속도로 연주됩니다. 악기를 연주할 때 가볍고 경쾌하며 덜컹거리는 소리가 나는 악기를 선택해야 합니다. 메탈로 폰과 삼각형이 될 수 있습니다.
작품을 배울 때 다음과 같은 일련의 수업을 제공할 수 있습니다.
레슨 1.아이들은 어른이 연주하는 연극을 듣습니다. 멜로디의 경쾌한 사운드, 발랄하고 댄스적인 성격이 눈길을 끈다. A. S. Pushkin "The Tale of Tsar Saltan"의 작품에서 발췌 한 내용을 읽을 수 있습니다. 교사가 곡을 다시 연주한 후, 어린이들은 음악의 특성과 관련하여 오케스트라에서 연주하는 데 가장 적합한 악기가 무엇인지 생각하도록 요청받습니다. 아이들의 제안이 논의됩니다. 옵션 중 하나가 선택됩니다. 선생님은 메탈폰으로 멜로디를 연주합니다.
수업 2.선생님은 피아노 반주 없이 연극의 멜로디를 연주한다. 아이들은 멜로디의 리드미컬한 패턴에 박수를 칩니다. 그런 다음 삼각형의 파티가 학습됩니다. 일부는 삼각형에서 리듬 패턴을 연주하고 다른 일부는 박수를칩니다. 그런 다음 아이들의 행동이 바뀝니다. 메탈로폰 파트를 배우기 전에 교사가 먼저 멜로디를 직접 연주한 다음 파트별로 학습합니다(첫 번째 4마디, 그 다음 두 번째 4마디).
수업 3.메탈로폰 부분의 학습은 계속됩니다. 어린이들은 작품의 첫 번째 부분(첫 번째 및 두 번째 4마디)을 연주하고 전체 악보를 연주합니다. 반복하면 삼각형이 메탈로 폰에 부착됩니다.
수업 4.각 파트는 반주 없이 따로따로 연주되고 반주와 함께 연주됩니다. 그런 다음 전체 점수가 재생됩니다. 리듬 패턴의 명확한 실행에 아이들의 관심이 쏠립니다.
수업 5.각 파트는 반주와 함께 별도로 연주된 다음 전체 악보가 연주됩니다. 공연의 표현력에 아이들의 관심이 쏠린다. 반복하면 아이들은 악기를 바꿀 수 있습니다.
우리 오케스트라
작사 Y. Ostrovsky 음악 E. Tilicheeva
[여유 있는. 엄숙하게]
다람쥐(발췌)
오페라 "차르 살탄 이야기" 중에서
N. Rimsky-Korsakov의 음악
[적당히]
악기 연주를 배우는 것은 단지 레퍼토리를 배우는 것으로 제한될 수 없습니다. 이러한 활동이 창의적인 것이 중요합니다.
친숙한 멜로디를 (귀로) 재현하고, 높이가 다른 소리로 리드미컬 한 노래를 연주하고 (조옮김) 악기 연주를위한 새로운 기술을 찾는 것은 물론 어린이의 독립성과 청각 적 표현을 개발하도록 제안 된 운동입니다. 그러나 어린이 자신의 창의적 표현을 위한 전제 조건을 만드는 것도 중요합니다. 즉흥 연주를 장려하기 위해 특정 작품의 연주를 위해 악기를 선택할 수 있는 기회를 제공합니다.
음악적 창의성 개발을 위한 기술
어린이의 음악적 창의성은 악기의 음향 기능에 대한 "검사"에서 시작됩니다. 이것은 매우 귀중하지만 아이들은 종종 검색에 무력합니다. 교사는 이러한 검색을 지시하여 아이들에게 뻐꾸기, 새가 노래하는 방법, 비가 내리는 방법, 천둥 소리 등을 재생하도록 제공합니다. 그러나 메탈로폰, 실로폰에 흥미로운 집단적 창의성 방법을 적용할 수도 있습니다. 메모를 붙이면 에프그리고 시(IV 및 VII 단계) 또는 이러한 소리의 판을 제거하여 아이들이 연주하지 않도록 한 다음 동시에 모든 것을 즉석에서 할 수 있습니다. 아이들은 다섯 가지 소리로 논다 (도, 레, 미, 소금, 라).끊임없이 그리고 예기치 않게 변화하지만 항상 매우 선율적인 매우 흥미로운 고조파 조합이 얻어집니다. 동시에 아이들은 어떤 리듬으로든 놀 수 있지만 때로는 1/4과 2/8와 같은 주어진 리듬이 제공됩니다. 이 기술의 중요성은 조화로운 청력의 발달에만 있는 것이 아닙니다. 아이들은 "자신의 작곡"을 만들기 위해 처음으로 시도하기 위해 스스로 즉흥 연주를 시작합니다.
유치원에서 악기 연주를 가르치는 방법론은 실제 사례보다 더 체계적이고 일관성이 있어야 한다는 점을 강조해야 합니다. 이 학습의 성공은 어린이의 모든 형태의 음악 활동의 일관성에 달려 있습니다. 교실에서 그들은 일정량의 지식과 기술을 습득하고 레퍼토리를 축적합니다.
아이들은 게임에서 배운 노래와 연극을 기꺼이 사용하고 휴일, 오락에서 공연합니다. 흥미로운 작업특정 연극 및 노래의 연주를 위한 악기 선택, 연주의 품질을 (귀로) 평가할 수 있는 능력, 즉흥 연주, 다양한 앙상블에 참여할 수 있는 기회 - 이 모든 것이 연주 악기를 어린이들에게 흥미롭고 가치 있게 만듭니다. 그들의 전반적인 음악적 발전을 위해
어린이의 창의적 표현 개발을 돌보면서 교사는 예를 들어 친숙한 멜로디 연주, 친구의 즉흥 연주 또는 악기 연주를 평가하기 위해 다양한 작업을 제공합니다. 새의 노래, 나뭇잎의 바스락 거리는 소리, 바람의 울부 짖는 소리 등을 묘사 할 수있는 제안 된 악기 중에서 선택하십시오. 하나 또는 다른 연주, 노래가 연주될 수 있는 음색에 적합한 악기를 선택하는 것; 아이가 직접 작곡한 행진곡의 리듬을 드럼이나 탬버린으로 전달한다. 댄스곡 등을 작곡해 보세요.
음악 감독과 교육자의 역할은 매우 분명합니다. 그들은 수업을 가르치는 방법에 능숙할 뿐만 아니라 어린이 악기를 자유롭게 연주할 수 있어야 하며 연주 장치와 기술을 알아야 합니다.
악기 연주는 아이들에게 흥미롭고 유용한 음악 활동입니다. 뮤지컬 장난감과 악기를 사용하면 어린이의 삶을 장식하고 즐겁게 해주고 욕망을 불러일으킬 수 있습니다. 자신의 창의력. 악기 연주를 배우는 과정에서 청각적 표현, 리듬감, 음색, 강약이 잘 형성됩니다. 아이의 행동에서 독립성, 주의력 및 조직력이 발달합니다.
아이들에게 재미있고 복잡한 음악 공연을 소개하는 전체 방법은 아이들이 학교에서 차후 수업을 잘 준비할 수 있도록 합니다.
질문과 과제
1. 미취학 아동의 삶에서 음악 장난감과 악기의 중요성은 무엇입니까?
2. 어린이 악기의 종류를 설명하십시오.
3. 어린이용 악기와 장난감의 특징에 대해 알려주세요.
4. 악기 연주는 몇 살부터 배우는 것이 좋습니까? 학습 목표를 나열합니다.
5. 악기 연주를 배우는 데 사용하기에 적합한 음악 레퍼토리는 무엇입니까?
6. 미취학 아동에게 어린이 악기 연주를 가르치는 방법론은 무엇입니까?
7. 음악의 예에서 선생님이 아이들에게 메탈로폰 연주를 가르치는 수업을 요약하십시오.
8. 어린이 악기 연주 학습의 형태를 나열하십시오.
9. 악기 연주를 마스터하는 과정에서 어린이의 음악적 창의력을 개발하는 기술을 공개합니다.
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음악 및 문학 레퍼토리 컬렉션
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