뮤지컬 문학. 뮤지컬 사전 뮤지컬 사전의 순환 형식 : 뮤지컬 백과 사전 클래식 음악이란 무엇입니까

제2절 합창음악의 장르

주제 11-12 성악-합창 음악의 주기

성악과 합창 기악 작품작곡가는 종종 주기적으로 결합됩니다. 기억하자 도구 주기 Camille Saint-Saens 동물의 카니발. 이 작품의 음악은 유머가 넘치고 동물의 목소리가 담겨 있습니다.

K, Saint-Saens 작품의 많은 팬들이 가장 좋아하는 연극은 "The Swan"입니다. 안에 주요 주제첼로로 연주되는 이 작품은 물 위를 유유히 움직이는 백조의 모습을 묘사한 작품이다.

보컬 사이클은 하나의 아이디어로 결합된 로맨스 또는 노래의 사이클입니다.

이전 수업에서 들었던 C. Saint-Saens의 Carnival of the Animals 사이클 중 어떤 연극을 기억하세요. 이주기의 작업을 통합하는 것은 무엇입니까?

러시아 작곡가 Modest Petrovich Mussorgsky는 피아노와 함께 1~2명의 보컬리스트가 연주할 수 있는 7개의 뮤지컬 미니어처로 구성된 탁월한 보컬 사이클 "Children's"를 만들었습니다. 이 작은 장면 각각에 대한 구절은 작곡가가 직접 썼습니다.

미니어처는 작은 음악 조각으로, 대부분 기악 작품입니다.

첫 번째 연극인 With the Nanny에서 한 아이가 유모를 설득하여 다른 이야기. 이 작품의 특징은 작곡가가 레치타티브를 통해 소년의 감성적 매력을 전달한다는 점이다. ah라는 단어에서 강조된 음절은 멜로디 도약과 일치합니다. 이러한 음악적 수단 덕분에 아이의 생생한 말의 인상이 만들어집니다.

주기의 두 번째 작업 인 "In the Corner"는 애완 동물 Mikhasik에게 화를내는 유모의 "높은"감정적 메모로 시작됩니다. 공이 풀리고 막대가 사라졌습니다! 아티! 모든 루프를 삭제했습니다! 스타킹에 잉크가 튀었어요!” 끝이 떨어지는 작은 억양으로 구현된 소년의 감성적인 반응을 듣기 위한 3개의 코너. 아이는 유모에게 자신이 아니라 새끼 고양이가 해를 끼쳤다고 설명합니다.

"Children's" 주기의 인쇄된 악보 표지. 무소르그스키

Mikhas의 연설은 점차 발전하고 있습니다. 역학이 변하고 속도가 빨라지고 불확실한 변명의 억양이 불쾌한 아이의 외침으로 성장합니다. 마지막 네 마디에서 음악의 템포는 다소 느려집니다. 소년은 유모가 그를 모욕했기 때문에 앞으로 그녀를 사랑하지 않을 것이라고 "위협"합니다.

주기에는 연극 "딱정벌레", "인형과 함께", "다가오는 수면을 위해", "고양이 선원", "막대기"가 포함되었습니다. 작곡가가 친구들에게 연주한 다른 것들은 음악적 형식으로 보존되지 않았습니다.

각 부분에서 아이들은 자신의 성격을 다른 방식으로 보여줍니다. 생활 상황. 이를 위해 작가는 가사와 음악을 조화롭게 결합한다. 이러한 상호 작용 덕분에 각각의 뮤지컬 및 시적 연극은 사이클 밖에서 생명권을 가진 완전하고 완전한 작품의 인상을 만듭니다.

Modest Mussorgsky, "With the Nanny", 보컬 사이클 "Children 's"의 "In the Corner".

보컬 신 중에서 가장 마음에 드셨나요? 작곡가는 어떤 음악적 수단으로 아이의 세계를 드러내는가? 보컬 멜로디의 표현력, 텍스트와의 연결에 주목하십시오. 음악적, 시적 이미지를 만드는 데 있어 악기 반주의 역할은 무엇인가요?

작곡가의 초상

겸손한 Petrovich Mussorgsky :

“간단한 말로 표현된 인간의 생각과 감정이 내 음악에 올바르게 반영되고 그러한 재생산이 음악적이고 예술적이라면 모든 것이 정상입니다!”

Modest Petrovich Mussorgsky (1839-1881) - 러시아의 혁신적인 작곡가, 오페라 걸작 "Boris Godunov"와 "Khovanshchina"의 저자 , 그의 음악은 깊은 국가적 뿌리를 가지고 있습니다. 그는 또한 그가 의지했던 창작물인 오케스트라 및 실내악 작품, 로맨스의 저자이기도 합니다. 민속 예술. 작가의 작품은 이미지의 깊이, 드라마 및 진실성으로 구별됩니다.

로 태어났다. Karevo, 프 스코프 지방. 상트 페테르부르크에서 공부하고 일했으며 군대에서 복무했습니다. 전문적인 음악 교육작곡가는 그것을 이해하지 못하고 아마추어(amateur)로서 음악을 만들기 시작했다.

그러나 그는 나중에 서비스를 떠나 예술에 평생을 바치기로 결정했습니다.

활동적인 창의적인 활동러시아 작곡가 "The Mighty Handful"의 유명한 국가 애국계에서 시작되었습니다. 그러나 물질적 필요로 인해 그는 다양한 기관에서 공무원으로 다시 일해야 했고, 이로 인해 창의성이 산만해졌습니다.

1879년에는 오페라 가수 Daria Leonova는 우크라이나 도시를 콘서트 투어했습니다. 우크라이나 모티프는 그의 미완성 오페라 " 소로친스카야 박람회 Nikolai Gogol의 동명 작품을 기반으로 합니다.

근처 N. Mussorgsky 기념비 음악 학교 Krivoy Rog(우크라이나)

1. 어떤 작품이 음악적 순환으로 결합되는가? 보컬 사이클의 기초는 무엇입니까?

2. 작품에서 음악적 예를 들어보십시오 : 기악, 성악, 순환 형식으로 작성되었습니다.

음악 프로젝트. 섹션 입력 학교 도서관"어린이를 위한 음악". 음악 라이브러리에서 각 주기의 서문 삽화가 될 수 있는 어린이에 대한 사진을 선택하십시오. 마음대로 할당. 여러 사이클 만들기 유명한 노래특정 주제에 대해 이름을 지정합니다. 선택한 작품의 줄거리와 주변 노래의 내용에 따른 보컬주기의 구성, 음악의 발전에 대해 생각해보십시오.

음악주기에는 특정 주제에 따라 생성되거나 자신의 오페라, 발레, 교향곡 조각의 저자와 함께 결론을 내린 노래 또는 연극 모음이 포함됩니다.

작곡가들이 항상 "마법" 음악을 만들도록 영감을 준 가장 사랑받는 주제 중 하나는 크리스마스 연휴입니다. 그래서, 피아노 사이클우크라이나 사람들의 삶에서 흔히 볼 수 있는 캐롤 멜로디의 미니어처는 Vasily Barvinsky의 작품에 속합니다.

멀리하지 않았고 외국 예술가, 그 중 많은 부분이 청취자들에게 즐거운 크리스마스 음악을 선사했습니다. 예를 들어, 영국 작곡가벤자민 브리튼(Benjamin Britten)은 크리스마스 연휴 동안 들을 수 있는 캐롤 합창단을 만들었습니다. 콘서트 홀다른 나라.

나는 음악의 세계에 있다: 나는 인지한다, 나는 이해한다

Benjamin Britten, "Wreath of Carols" 또는 "Wreath of Christmas Carols" 합창단, 고음 독주자 및 하프(No. 2, 5, 10).

작품의 전반적인 분위기와 개인에 대해 설명 합창 미니어처. 하프 소리는 어떤 음색을 가져오나요?

작곡가의 초상

벤자민 브리튼:

"새로운 곡을 처음 들어도 이해가 안 된다고 포기하지 마세요... 음악은 가벼운 음악의 목적이기는 하지만 오락이 아니라는 점을 기억하세요."

벤자민 브리튼(Benjamin Britten, 1913-1976) - 거의 모든 음악 장르를 대표하는 20세기 최고의 작곡가 중 한 명인 영국 피아니스트, 지휘자.

Suffolk에서 의사의 아들로 태어났습니다. 어린 시절 발견 음악적 능력아마추어 피아니스트이자 지역 합창단의 정회원 인 어머니의지도 아래 음악 공부를 시작했습니다. 인상에서 영감을 받은 최초의 작은 조각들 가족 생활, 8 세에 일찍 나타났습니다. 벤자민은 12세에 현악 오케스트라를 위한 "심플 ​​교향곡"을 작곡했고, 16세에 왕립 음악원(음악원)에 입학했습니다. 공부하는 동안 그는 많은 합창, 교향곡 및 챔버 작업여러 어린이 노래를 포함합니다. 그 이후로 저자는 끊임없이 아이들을 위한 음악으로 눈을 돌렸다.

젊은 작곡가는 영화 회사에서 첫 직장을 얻었습니다. 다큐멘터리작은 기악 앙상블이 있던 곳. 영화 작업 덕분에 Britten은 영감이 없을 때에도 다양한 시적 주제 (예 : 선박 하역)에 대해 빠르게 음악을 쓰는 법을 배웠습니다.

1939년, 두 번째 세계 대전, Britten은 미국에 갔다. 에 대한 응답으로 비극적 사건유럽에서 일어난 칸타타 "Ballad of Heroes"가 스페인의 파시즘에 맞서 싸우는 데 전념했습니다. 3년 동안 작곡가는 고국으로 돌아와 해변 마을 Aldbor에 정착했습니다. 여러 오페라, 특히 "Peter Grimes"가 그곳에서 세계를 보았습니다.

작가는 또한 어린이와 청소년을 위한 많은 음악을 작곡했습니다. 연극 "오페라를 만들자"에서 젊은 시청자스스로 참여하십시오.

오이 폴리 쟁기 광석

오, 밭에 광석 쟁기가 있습니다.

좋은 저녁입니다, 좋은 저녁입니다

건강에 좋은 사람들!

(각 줄마다 반복합니다.)

거기에서 Vasilko는 쟁기를 들고 걷습니다.

그의 어머니는 그에게 음식을 가져옵니다.

오리, 아들, 투유 옥수수밭.

예, 밀을 좀 드세요.

1. 당신과 그들의 저자가 알고 있는 합창단 주기의 이름을 말하십시오.

2. 성탄절과 새해 연휴에 캐롤을 부를 때와 관대할 때를 기억하고 설명하십시오.

음악 프로젝트. 귀하의 지역에서 어떤 캐롤과 캐롤이 일반적인지 물어보십시오. 좋아하는 노래의 제목과 가사를 적어보세요. 가능하면 멜로디를 녹음하십시오. 부모님 또는 어른들과 함께 "내 가족에게 캐롤과 관대함의 화환" 또는 "내 땅에서 온 노래의 크리스마스 화환"을 만드십시오.

에피소드가 있는 소나타 형식은 다른 장르: 별도의 조각, 순환 형식의 끝, 느린 부분.

에피소드는 하나 또는 다른 완성된 형식을 가질 수 있습니다.

어떤 경우에는 에피소드에서 재현까지 무리가 나타납니다.

또한 소나타 형식으로 에피소드와 전개를 사용하거나 그 반대의 결합 중간이 있습니다.

소나타 형식의 드라마투르기. 소나타 드라마투르기(소나타)의 본질은 소나타 형식의 구조가 아니라 그 전개 과정 자체에 있다. 이 과정은 주제 자료의 특별한 관계와 기능으로 표현됩니다. 복잡한 3성부 형식이나 론도의 전형적인 병치나 전개와 달리 소나타 형식은 다음 주제나 섹션의 집중적인 준비로 표현되는 역동적인 조합이 특징입니다.

소나타 드라마투르기에서 훨씬 더 중요한 것은 설명에서 재료의 역할과 기능의 상호 작용이며 그 중 세 가지가 있습니다.

1. 작품에서 중요한 역할을 하며 듣는 이의 주의를 집중시키는 주요 소재(메인 토픽)

2. 다음을 기대하게 만드는 준비 자료(소개, 링크, 예측)

3. 긍정적 성격의 최종 자료(최종 주제, 코드).

메인 파티와 사이드 파티의 비율에는 항상 P.P에 유리한 불균형이 있습니다. 이것은 후자의 큰 크기, 특히 긍정적인 성격과 종지의 재료를 통한 음조 고정에 의해 촉진됩니다.

소나타 형식은 소나타 교향곡주기 (첫 번째 악장, 피날레, 느린 악장), 독립적 인 성격의 개별 작품, 서곡, 덜 자주 성악 및 오페라 장면에 사용됩니다. 41. 기악 순환 작업의 일부 연결.

음악의 순환 형식은 작품의 음악적 형식으로, 구조는 독립적이지만 의도의 통일성에 의해 연결된 별도의 부분이 있음을 나타냅니다. 학술 음악의 역사에서 사이클 "전주곡-푸가", 모음곡 사이클, 소나타-심포니 사이클이 알려져 있습니다. 순환은 일련의 상호 연결된 작품(각각 순환 형식을 가질 수도 있고 그렇지 않을 수도 있음) 또는 콘서트 프로그램이라고도 합니다. 비학술적 음악(재즈, 록)에서는 개념적인 앨범과 별도의 주요 작품이 순환 형식으로 끌릴 수 있습니다.

두 부분으로 구성된 "전주곡-푸가"는 바로크 시대부터 알려졌습니다. 그것은 푸가에 대한 즉흥적인 소개로서 전주곡의 기능화를 제안합니다.

"전주곡-푸가" 주기는 어떤 형식적 또는 주제 원리에 기초하여 더 큰 주기로 결합될 수 있습니다. 가장 유명한 예는 모달 대응의 특정 교대 원리에 기반한 J.S. Bach의 평균율 곡집입니다. 20 세기 음악의 예는 D. D. Shostakovich의 "24 Preludes and Fugues"입니다.

16세기부터 알려진 모음곡은 다음과 같은 특징이 있습니다.

작품의 개별 부분과 전통적인 응용 (노래, 춤) 장르의 연결, 부분 구조의 단순성;

부품의 대비 병치;

부품 키의 단일성 또는 가장 가까운 친화력을 향한 경향.

바로크 음악 장르의 정점은 W. A. ​​Mozart와 J. Haydn의 고전 시대 J. S. Bach와 G. F. Handel 모음곡입니다. 19세기에 주요 작곡가들은 주로 양식화(E. Grieg, M. Ravel 등)를 목적으로 모음곡 장르로 전환했습니다.

20세기에 모음곡의 장르가 크게 재검토되고 새로운 기술이 적용되었습니다(예: A. Schoenberg 및 A. Berg의 12음 오케스트라 모음곡). 신소재(예를 들어, P. Hindemith의 모음곡 "1922"에서는 shimmy, boston, ragtime과 같은 해당 시간의 세련된 댄스가 사용됩니다).

비학술적 음악(주로 프로그레시브 록)의 일부 작품도 모음곡 형식에 끌립니다. 예를 들면 King Crimson의 셀프 타이틀 앨범의 "Lizard"와 Pink Floyd의 셀프 타이틀 앨범의 "Atom Heart Mother"가 있습니다. 그러나 "록 모음곡"은 종종 자유롭고 혼합된 형식(전통적인 음악 이론 용어)에 더 끌리는 작곡이라고도 합니다.

소나타-심포닉 사이클에는 교향곡, 소나타, 사중주, 협주곡과 같은 가장 추상적인 학술 음악 장르가 포함됩니다. 다음과 같은 특징이 있습니다.

음악의 응용된 특성으로부터의 추상화(응용된 자료가 어떤 부분의 자료로 사용되는 경우에도);

별도의 부분 사이의 비 유적 및 의미 론적 대조의 가능성 (직접 반대까지);

복잡한 음조 발달;

개별 부품의 기능 및 형식이 확립되었습니다(소나타 교향곡의 개별 장르 특성).

클래식 소나타는 18세기에 형성되어 빈 클래식에서 절정에 이르렀고 일부 제한 사항이 있지만 살아있는 장르로 남아 있습니다. 장르로서의 교향곡은 18세기 중반에 형성되었으며 비엔나 고전에서도 절정에 이르렀으며 학술 음악의 살아있는 장르로 남아 있습니다. (교향곡 형식은 이 형식에 속하지 않는 작품의 특징일 수도 있는 교향곡과 혼동해서는 안 됩니다.) 4 중주는 J. Haydn의 작업에서 소나타주기의 형식을 획득했으며 비엔나 고전 작업에서 더욱 발전했습니다. 20세기 후반에 라이트모티프와 단일 주제 원칙은 이 장르의 많은 작품의 특징이 되었습니다. 협주곡은 전체 앙상블과 개별 그룹 또는 솔리스트의 소리가 반대되는 것이 특징인 소나타-교향곡 순환 작품의 일종으로 18세기 말에 현재 알려진 형태로 형성되었습니다.

음악 작품은 나열된 장르와 다른 원칙에 따라 결합된 부분으로 구성될 수 있지만 어느 정도 순환적인 특성을 가지고 있습니다. 많은 장르의 적용된 종교 음악(미사, 성스러운 연주회, 철야), 칸타타, 성악 및 성악 주기(이야기 및 서정)가 있습니다.

전체 저작물을 하나의 순환으로 결합할 수도 있습니다(각 순환 특성이 있을 수도 있고 없을 수도 있음). 위에서 언급한 전주곡과 푸가의 순환, R. Wagner의 4부작 Der Ring des Nibelungen, 비학술적 음악의 개념 앨범, 재즈와 록 음악의 개별 주요 작품입니다. 42. 음악 언어.

음악적 언어는 다른 것과 마찬가지로 언어 체계, 이러한 종류의 조직, 계층적 시스템의 형태로 표현하는 것은 단순한 분류학적 설명보다 더 설명력이 있습니다. 결과적으로 우리가 관찰하는 음악 텍스트는 어떤 이상적인(직접 관찰할 수 없는) 시스템인 음악적 "언어"의 산물인 실현인 "음악적 연설"을 구성한다는 것이 인정됩니다. ... 첫째, "음악적 언어"(따라서 "음악적 연설")의 개념 자체에 대한 설명이 필요합니다. 첫 번째는 어떤 구성 패턴을 감소시키는 문학적 텍스트에서만 실현되지 않는 시스템으로 이해됩니다. 말하기. 예를 들어 "베토벤 작품의 언어"는 이러한 작품뿐만 아니라 베토벤 작품의 특징적인 패턴을 보존하는 모든 종류의 텍스트를 생성하는 시스템을 의미합니다. . . . 이러한 이해를 가진 음악적 연설은 열린 것으로 밝혀졌습니다. 즉, 무한한 수의 텍스트로 구성됩니다. .

다음으로 스타일의 개념이 중요합니다. 이 개념은 하나의 시스템 구현을 나타내기 위해 가정된 일련의 텍스트로 정의할 수 있습니다. 반대편에. 다른 스타일과 관련하여 서로 다른 시스템을 구현한다고 가정합니다. .

음악 시스템의 구조는 레벨의 계층 구조로 표현됩니다. 따라서 분명히 개별 소리의 수준, 소리 조합의 수준, 화음 수준(화음 수준), 형식 조음 수준(또는 여러 수준)을 구분하는 것이 가능합니다. 한 레벨 내에는 사운드, 사운드 조합, 코드, 양식의 다양한 섹션과 같은 동일한 순서의 단위가 있습니다. 분명히 각 레벨의 모델은 이 레벨의 관점에서 올바른 텍스트를 생성해야 합니다. "43. 음악적 어휘 구조

순수한 용어 어휘와 함께 사전에는 음악 작품을 평가하고 설명하고 음악 작품에 미치는 영향을 설명하기 위해 음악 문학에서 사용되는 광범위한 일반 문학 어휘가 포함되어 있습니다. 내면 세계사람, 청취자의 미적 인식에. 사전은 영어와 미국을 사용하여 준비되었습니다. 설명 사전음악으로, 뮤지컬 백과사전, 뿐만 아니라 음악 책의 원본 텍스트. 인간의 삶은 음악을 인지할 때 정신 공간에서 발생하는 건전한 예술적 이미지 없이는 상상할 수 없습니다. 이 모노그래프는 현대 영어로 표현되는 세계 그림의 "음악적" 단편의 내용 구조를 조사합니다. 전문가와 아마추어 모두가 음악적 어휘에 대한 인식의 기초가 되는 인지 구조를 분석합니다. 은유적 모델은 영어의 음악 용어와 일반적으로 사용되는 음악 어휘의 형성을 위한 인지적 기반으로 제시됩니다. 언어적 부분과 시각적 부분의 비율이 다른 텍스트에서 음악 언어의 기능이 고려됩니다. 이 책은 언어와 음악이라는 두 세계 사이의 관계를 연구하는 또 다른 단계입니다. 이 책은 주변 현실에 대한 언어 인식의 정신적 구조화 문제에 관심이 있는 모든 사람을 대상으로 합니다. 44. 단순한 음악적 수단과 그 의미

작업은 별도의 음악 문구로 구성됩니다-작은 통합 음악 조각. 악구는 마침표로 결합됩니다. 비슷하게 들리는 마침표는 부분으로 결합됩니다. 음악 작품의 단편(구, 마침표, 부분)은 A, B, C 등의 라틴 문자로 표시됩니다. 조각의 다양한 조합은 다양한 음악 형식을 형성합니다. 그래서 클래식 음악에서 흔히 볼 수 있는 형식인 ABA(노래 형식)는 원래의 A 부분이 B 부분으로 바뀌면 사라지고, 곡의 끝에서 반복되는 것을 의미합니다.

더 복잡한 구조도 있습니다: 동기(음악 형식의 가장 작은 요소, 1-2마디), 프레이즈(완전한 음악적 생각, 2-4마디), 문장(어떤 종류의 음악에 의해 완성되는 멜로디의 가장 작은 부분) 케이던스, 4-8마디), 마침표(음악 형식의 요소, 8-16마디, 2문장)

멜로디의 요소를 개발하고 비교하는 다양한 방법으로 다양한 유형이 형성되었습니다. 음악 형식:

원피스 형태(A)

발라드 형식 또는 공기라고도합니다. 가장 원시적인 형태. 멜로디는 약간의 변경으로 반복될 수 있습니다(AA1A2... 형식). 예: ditties.

두 부분으로 된 형식(AB)

그것은 논쟁과 반론의 두 ​​가지 대조되는 단편으로 구성됩니다 (예 : P.I. Tchaikovsky의 "Children 's Album"의 연극 "The Organ Grinder Sings"). 그러나 조각들이 대조되지 않는 경우, 즉 두 번째 조각이 첫 번째 조각의 재료 위에 구축되면 두 부분으로 된 형태는 한 부분으로 된 형태의 변형으로 바뀝니다. 그럼에도 불구하고 그러한 작품(예를 들어 R. Schumann의 "Album for Youth"의 연극 "Remembrance")은 때때로 두 부분으로 언급됩니다.

세 부분으로 구성된 양식(ABA)

노래 또는 삼항이라고도합니다. 단순형과 복합형의 2가지 유형의 3부분 형식이 있습니다. 간단히 말해서 각 섹션은 기간이고 중간 섹션은 짧은 전환이 될 수 있습니다. 복잡하게 - 각 섹션은 일반적으로 두 부분 또는 간단한 세 부분 형식입니다.

동심원 모양

동심원 형태는 3개 이상의 부분으로 구성되며 중앙 부분 다음에 역순으로 반복됩니다. 예: A B C B A 45. 음악 작곡 형식의 의미론

음악-작곡 시스템에는 음악 작품을 가장 작은 세부 사항까지 "볼" 수 있는 세부적인 개념 세트가 있습니다. 다른 음악 과학은 음악의 역사, 공연 이론, 음악 민족지, 음악 미학 등 "비전"의 선명도와 정확성을 가지고 있지 않습니다. 동시에 음악적 개념과 작곡적 개념은 음악을 설명하는 개념 체계와 소통하는 음악가의 오랜 경험에서 형성되는 의미론을 "획득"하는 경향이 있습니다. 시맨틱과 자신 작곡- 유형, 품종, 개별 사례. 음악 형식은 음악적 사고의 본질을 포착하고, 또한 시대, 국립 예술 학교, 작곡가의 스타일 등을 반영하는 다층적 사고를 반영합니다. 따라서 고려 대상인 음악 작품의 형식, 구성 및 분석 방법은 모두 음악의 표현 및 의미 영역과 연결되어야 합니다.

이론 음악학은 음악의 예술적 언어와 음악에 대한 이론적 개념의 과학적 언어라는 두 가지 유형의 언어를 다룹니다. 이 언어들 사이에는 범주적인 차이가 있지만 유사성, 즉 확립된 의미 론적 의미의 존재도 있습니다. 안에 음악적 언어의미론은 과학적으로 연관-개념적 혼합과 함께 연관-표현적 특성을 가지고 있습니다. 반대로 연관-표현적 혼합과 연관-개념적입니다. 음악에서 언어의 단위는 억양이고 음악 이론에서는 단어 용어입니다. 음악 분석 방법론 측면에서 음악적 억양과 음악 학적 개념 (단어) 사이의 연결이 지속적으로 형성되어 음악 과학의 언어 인 중요성, 개념 및 이미지, 표현력이 증가한 음악 언어를 포화시키는 것이 중요합니다. "소나타 전개"를 예로 들어보겠습니다. 한편으로 음악적, 예술적 측면에서 연주자는 소나타 형식의 이 부분을 매우 불안정하고 환상적이어서 개념적 기호가 콘서트 홀의 "공중에서" 치솟아야 합니다. 개발". 한편, 이론 과학의 관점에서 "소나타 전개"의 개념인 기호는 일종의 음악적 불안정성, 환상의 아이디어를 불러일으키고 소나타 전개의 가상 억양 소리에 둘러싸여 있어야 합니다. 음악-예술적 언어와 음악-이론적 언어의 요소 사이의 이러한 연결의 "메커니즘"의 작동에서 음악 분석의 작동(적절한 기술, 예술)이 표현적이고 의미적인 것을 드러내는 데 도움이 될 수 있음을 보장합니다. 음악 작품의 논리.

"음악 형식의 교리"(musikalische Formenlehre)는 역사적으로 18세기 말 독일에서 발생했습니다. 모테트, 오페라 아리아, 소나타 등 다양한 장르의 작품에 대한 작곡 구조의 규범을 결정하는 것을 목표로 삼았습니다. A.B. 마르크스(1837-1847)는 음정, 화성, 다성음, 악기 등 음악 구성의 모든 측면과 장르의 체계적 통합에서 "형식"을 고려했습니다. 제목에 붙은 것은 "form"이라는 단어가 아니라 "composition"이라는 단어였습니다. "형태"라는 단어는 오랜 철학적 전통을 가지고 있었고 무엇보다도 18-19 세기에 부활 한 그의 "미의 형이상학"(3 세기) 인 Plotinus에서 시작하여 아름다움의 범주와 일치했습니다. Shaftesbury와 Winkelman. 그리고 Glinka는 "형태는 부분과 전체의 비율을 의미하고 형태는 아름다움을 의미합니다. "라고 말했습니다.

동시에 "음악 형식"의 개념은 철학과 미학에서 "형식"의 개념과 동일하지 않습니다. "음악 형식"은 단일 범주이며 다른 범주와 2개 또는 3개로 연결되지 않습니다. 그것은 "콘텐츠"에 반대되는 것이 아니라 콘텐츠, 즉 음악 작품의 표현적-의미적, 억양적 본질을 가지고 있습니다. 철학적 전통에서 "형식"은 독립적이지 않으며 보완적인 범주, 즉 물질 및 "eidos"(즉, 플라톤에서 "형식"), 물질, 형식, 내용(헤겔에서), 형식 내용 (Schiller에서). , 마르크스-레닌주의 철학과 미학에서). 철학적 및 음악적 "형식"의 비동일성과 저자의 의견으로는 철학적 dyad "내용-형식"의 진부화를 고려하여 음악학에서 더 새롭고 기호학적 대립을 사용하는 것이 좋습니다. 내용의 평면 - 표현의 평면".

I. 현상으로서의 음악 형식;

II. 역사적으로 유형화된 구성으로서의 음악 형식;

III. 작품의 개별 구성으로서의 음악 형식.

현상(I)으로서의 음악 형식의 내용은 일반적으로 음악과 예술의 내용 개념에 해당한다. 예술 전체에서는 레이어가 융합되어 "특수"와 "비특수"라고 할 수 있습니다. "비특수" 레이어는 현실 세계부정적인 측면을 포함합니다. "스페셜"은 인간에 대한 선함의 윤리적 아이디어, 우주의 조화라는 미학적 아이디어, 심리적으로 기쁨의 감정을 전달하는 이상적인 아름다움의 세계입니다. 음악 형식은 주로 예술의 "특별한" 내용과 관련이 있습니다. 그리고 음악 및 작곡 이론의 전체 시스템은 불협화음이 아닌 조화의 성취, 목소리의 일관성, 분리가 아닌 리듬 조직, 무질서가 아닌 결국 형태의 형성, 형태의 구성 및 형태 없음을 가르칩니다. . 그리고 그녀는 특정 작품의 구체적인 아이디어에 따라 변하지 않는 보편적인 구성 규칙을 개발하기 위해 노력합니다. 따라서 음악 형식의 과학은 음악적 아름다움, 음악 콘텐츠의 이상적이고 "특별한" 층에 대한 과학입니다.

역사적으로 전형화된 작곡(II)으로서의 음악 형식의 내용, 의미론은 의미론과 동일한 언어적 메커니즘을 기반으로 형성된다. 음악 장르. 장르 형식은 그레고리안 미사, 중세 부흥 론도, 비렐, 발라타, 르 등이며, 장르 색상은 고전적인 2부 및 3부 "노래 형식", "아다지오 형식" 등입니다. 음악 형식의 의미론은 주로 미학, 예술적 아이디어출현에 영향을 미치거나 한 형태 또는 다른 형태의 개화로 이어진 시대. 예를 들어, 발라드,시의 시적 장르의 음악에 대한 비유적이고 건설적인 영향의 시대에 등장한 19 세기의 혼합 형식에는 기적적인 변형 (변형)과 함께 비정상적인 사건에 대한 내레이션의 의미가 포함되어 있습니다. 격렬하고 절정에 달하는 결말. 전형적이고 역사적으로 선택된 음악 형식의 의미론을 확립하는 것이 이 교과서의 방법론적 특징이다.

작품의 개별 구성으로서의 음악 형식(III)은 1) 역사적으로 유형화된 형식의 구체화, 2) 개별적이고 유형화되지 않은 형식의 두 가지 주요 경우의 형식으로 나타납니다. 두 경우 모두 형식의 의미 있는 의미는 구성의 생생하고 독창적인 아이디어에 의해 결정됩니다. 그래서 쇼팽의 c-moll로 된 야상곡은 전형화된 복잡한 3부 형식으로 쓰여진 드문 특징을 가지고 있습니다. 그리고 예를 들어 Gubaidulina의 세 번째 사중주에서 유형이 지정되지 않은 형식은 피치카토와 활을 연주할 때 소리 표현 유형의 상호 작용에 대한 독특한 아이디어에서 비롯됩니다.

음악 형식의 세 가지 콘텐츠 수준 중 첫 번째인 메타 수준은 보편적이며 모든 음악 작품에 존재합니다. 두 번째는 기호학적 의미에서 장르의 범주에 가깝고 의미론적으로 가장 명확하며 역사적으로 지역적입니다. 세 번째 수준은 필수 불가결하지만 그 그라데이션은 표준 형식의 표준에서 최소한의 편차에서 흉내낼 수 없는 독특한 음악 구성에 이르기까지 다양합니다. 46. ​​음악 언어의 요소로서의 질감.

인보이스(lat. factura - 장치, 구조) - 전형적인 방법(폴리포닉) 음악 창고 중 하나에서 폴리포닉 음악 구성의 디자인. 러시아 음악학에서 (은유적) 용어 "음악적 직물"은 종종 질감의 동의어로 사용됩니다. 예를 들어, "합창 질감"이라는 문구는 모노리듬 편곡에서 음악 구성의 전형적인 구성을 설명합니다. 교회 노래("choralakh") I.S. 바흐 및 기타 바로크 작곡가, "아르페지오 질감" - D. Scarlatti의 클라비에 소나타, 점묘법 - 질감, A. Webern 등의 음악에서 개별 음성 또는 악기 사이에 분산된 "고립된" 톤으로 구성됨

질감의 개념은 음악 창고의 개념과 밀접한 관련이 있으며, 예를 들어 "오래된 동음이의 질감", "다성음 질감", "헤테로폰 질감" 등의 일반적인 문구로 표현됩니다. 47. 음악 언어의 요소로서의 멜로디.

음악을 이해하기 위해서는 세 가지가 필요합니다. 그 중 두 가지는 분명하고 세 번째는 그렇지 않습니다.

첫 번째로 필요한 것은 동적, 음색, 리듬, 선율, 조화, 다성, 구조와 같은 음악 언어의 귀 요소를 구별하는 능력입니다. 이 특별한 단어를 두려워해서는 안됩니다. 모든 것이 그렇게 어렵지 않습니다.

동적 요소가 가장 분명합니다. 음악은 부드럽거나 클 수 있으며 사운드가 페이드 인 또는 페이드 아웃될 수 있습니다.

예를 들어 음색 요소는 다양한 악기의 소리가 서로 다른 것입니다. 우리는 최소한의 음악적 경험만으로도 틀림없이 바이올린 소리와 피아노 소리를 구별할 수 있습니다. 첫 번째 근사치로서 음색이 우리가 다양한 음원을 인식하게 만드는 것이라는 점에 동의합시다. 플루트의 목소리와 하프의 목소리, 어머니의 목소리와 아버지의 목소리입니다.

리듬 요소는 가장 단순한 표현에서 소리 지속 시간의 비율입니다. 음악은 시간 속에 존재하며 어떤 소리는 다른 소리보다 오래 지속됩니다. 사실 모든 것이 훨씬 더 복잡하지만 처음에는 그러한 정의로 제한하겠습니다.

멜로디 요소는 소리의 높이 비율입니다. 이 경우 소리가 동시에 재생되지 않고 차례로 재생되어야 합니다. 사실 다시 말하지만 모든 것이 더 복잡하지만 지금은 이 정의로 충분합니다. "피치"가 무엇인지 완전히 명확하지 않은 경우 여기에 접근 가능한 정의가 있습니다. 소리가 들리려면 종, 현, 튜브의 공기 기둥과 같은 소리가 나는 몸체가 있어야합니다. 플루트, 오르간 파이프 등). 소리를 내는 본체는 한 가지 또는 다른 속도로 진동합니다(예: 초당 100 또는 500 진동). 그들이 말하는 것처럼 초당 진동이 많을수록 소리가 높아집니다. 소위 "비 음악적"사람들조차도 (실제로 그런 사람들은 없지만 그렇게 말하지만) "두꺼운"소리와 "얇은"소리, "어두운"소리와 "빛"소리를 구별합니다. 피치에서 소리의 구별.

고조파 요소도 소리의 높이 비율이지만 이제 소리는 차례로 재생되는 것이 아니라 동시에 재생되어야 합니다. 이 경우, 이와 같은 동시 재생음은 원칙적으로 2개 이상 존재한다. 그리고 다시 말하지만 사실 모든 것이 더 복잡하지만 지금은 "조화"라는 단어를 적어도 어떻게 든 이해하기에 충분합니다.

폴리포닉 요소는 동시 재생이지만 개별 사운드가 아니라 두 개 이상의 다른 멜로디입니다.

구조적 요소는 음악이 특히 언어 및 문학과 유사한 점입니다. 음악에서 개별 음악 "단어", "구", "단락", "챕터"를 들을 수 있습니다. 그러나 이것은 우리가 예를 들어 스페인어에서 러시아어로 번역하는 것과 같은 방식으로 뮤지컬 "단어"가 일반 언어로 번역된다는 의미는 아닙니다. 그럼에도 불구하고 음악적 흐름은 연속적이지 않고 작은 부분과 큰 부분으로 나뉘며 이 구분은 귀로 감지할 수 있습니다.

이제 내가 갑자기 강약, 음색, 리듬, 멜로디, 하모니, 폴리포니 및 구조에 대해 이야기하기 시작하면 이미 우리가 말하는 내용을 알게 될 것입니다.

위에서 언급했듯이 음악을 이해하려면 세 가지가 필요하며 지금까지 우리는 그 중 첫 번째인 음악 언어의 요소를 귀로 구별하는 능력에 대해서만 이야기했습니다.

현대 음악학은 음악과 그 언어에 대한 기호학적 접근의 기본 원칙을 사용합니다. 음악의 언어는 역사적 발전 과정에서 발달해 온 음악적 수단(요소)의 집합체로 볼 수 있으며, 모든 요소가 서로 연결되어 있는 공통 문화 유산으로 간주되는 복잡한 구조를 가지고 있습니다.

주변 세계는 다양한 종류의 소리로 가득 차 있습니다. 여기에는 사람이 직접 발음하는 소리와 악기의 도움으로 자신의 생각, 경험 및 자연에 직접 존재하는 소리를 표현하는 소리가 있습니다. 모든 개체는 다양한 품질의 소리(생물 및 무생물 모두)를 생성할 수 있습니다. 소리는 어디에서나 들리며 집, 직장, 해변, 숲 등 어디에서나들을 수 있습니다. 때로는 평범한 소리가 작곡가에 의해 음악으로 옮겨진 다음 음악적 상태를 획득하여 비명 소리, 영향의 소리가 음악적 메시지의 흐름에 포함되면 음악적이라고 할 수 있습니다. 음악적 의미가 부여됩니다.

전통적으로 특수 기호 시스템으로서 음악 언어의 요소에는 멜로디, 하모니(개별 자음, 화음)를 구성하는 피치, 크기, 지속 시간 및 음색을 특징으로 하는 사운드가 포함됩니다. 서로 상호 작용하는 음악적 사운드는 메트로 리듬 패턴을 형성하며 특정 음악적 이미지를 포함하는 작품으로 구성됩니다.

음악 언어의 특징은 서로 상호 작용하는 다양한 기호 수준이 존재한다는 것입니다. 레벨 시스템을 형성하는 다음과 같은 수준의 음악적 표현(음악 언어)이 있습니다. 피치(모드, 하모니, 음색, 레지스터, 음조, 멜로디); 리듬 (리듬 패턴); 작곡 측면(전체로서의 음악 과정): 작곡을 만드는 모든 수단; 공연 해석(고고학, 아티큘레이션, 스트로크 및 공연 인토네이션). 음악의 언어는 고도로 조직화된 요소(화성 측면)와 덜 조직화된 요소(역동성)를 모두 포함하는 이질적인 시스템입니다.

따라서 음악의 언어는 개발 경향, 일관성 및 이를 구성하는 부분의 업데이트 가능성이 특징인 복잡한 계층적 다단계 시스템입니다. 48. 음악 언어의 요소로서의 하모니.

조화 (고대 그리스어 ἁρμονία - 연결, 질서, 시스템, 조화, 일관성, 비례, 조화) - 음악 이론의 복잡한 개념. 조화로운 것은 (일상적인 말을 포함하여) 귀에 즐겁고 마음으로 이해하는 소리의 일관성 (음악 및 미적 개념)이라고합니다. 과학적 관점에서 이 아이디어는 소리가 조화와 규칙적인 순서로 결합되는 조화의 구성 및 기술 개념으로 이어집니다. 과학 및 교육-실용 분야로서의 하모니는 음악의 피치 구성을 연구합니다.

하모니의 개념은 논리적으로 구성된 음조 시스템을 특징짓는 데 사용됩니다: 선법의 유형(모달 하모니, 조성 하모니), 음악 스타일(예: "바로크 하모니"), 피치의 개별적인 특정 구현("프로코피예프의 하모니"), 특징적인 화음(" 화음, 협화음"이라는 단어의 동의어로 하모니).

그러나 하모니의 개념은 "반주", 동음이의 개념과 혼동되어서는 안됩니다 (예를 들어 "멜로디와 반주"또는 "멜로디와 코드"대신 "멜로디와 하모니"라는 표현에서; "다 성음") 및 하모니" 대신에 "다성 및 동음" ).

클래식 작곡가는 전 세계적으로 알려져 있습니다. 모든 이름 음악 천재- 문화사에서 독특한 개성.

클래식 음악이란 무엇인가

클래식 음악 - 클래식 작곡가라고 불리는 재능있는 작가가 만든 매혹적인 멜로디. 그들의 작품은 독특하며 연주자와 청취자의 요구가 항상 있을 것입니다. 한편으로는 록, 재즈, 포크, 팝, 샹송 등과 같이 방향과 관련이 없는 엄격하고 심오한 음악을 부르는 것이 일반적입니다. XIII 후반 - XX 세기 초, 고전주의라고 불리는 기간.

클래식 테마는 숭고한 억양, 정교함, 다양한 음영 및 조화로 구별됩니다. 그들은 성인과 어린이의 정서적 세계관에 긍정적인 영향을 미칩니다.

클래식 음악의 발전 단계. 간단한 설명 및 주요 대표자

클래식 음악 발전의 역사에서 단계를 구분할 수 있습니다.

• 르네상스 또는 르네상스 - 14세기 초 - 16세기 마지막 분기. 스페인과 영국에서는 르네상스가 17세기 초까지 지속되었습니다.
• 바로크 양식 - 르네상스를 대체하게 되었으며 18세기 초까지 지속되었습니다. 스페인은 스타일의 중심지였습니다.
• 고전주의 - 개발 기간 유럽 ​​문화 18세기 초부터 19세기 초까지.
• 낭만주의는 고전주의와 반대되는 방향이다. 19세기 중반까지 지속되었다.
• 20세기의 고전 - 현대.

문화 시대의 간략한 설명과 주요 대표자

1. 르네상스 - 모든 문화 영역의 오랜 발전 기간. - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria가 작곡하여 불멸의 창조물을 후세에 남겼습니다.

2. 바로크 - 이 시대에는 다성음악, 오페라와 같은 새로운 음악 형식이 등장합니다. 이 기간 동안 Bach, Handel, Vivaldi가 유명한 작품을 만들었습니다. 바흐의 푸가는 고전주의의 요구 사항, 즉 대포의 의무 준수에 따라 구성되었습니다.

3. 고전주의. 고전주의 시대에 불멸의 작품을 만든 비엔나 클래식 작곡가 : Haydn, Mozart, Beethoven. 소나타 형식이 나타나고 오케스트라의 구성이 늘어납니다. 그리고 Haydn은 복잡하지 않은 구성과 멜로디의 우아함으로 인해 Bach의 무거운 작품과 다릅니다. 그것은 여전히 ​​완벽을 위해 노력하는 고전이었습니다. 베토벤의 작곡은 낭만주의와 클래식 스타일. L. van Beethoven의 음악에는 이성적인 정경보다 관능과 열정이 더 많습니다. 교향곡, 소나타, 모음곡, 오페라 등 중요한 장르가 두드러졌다. 베토벤은 낭만주의 시대를 열었습니다.

4. 낭만주의. 뮤지컬 작품은 색채와 드라마가 특징입니다. 예를 들어 발라드와 같은 다양한 노래 장르가 형성됩니다. 리스트와 쇼팽의 피아노 작곡이 인정을 받았습니다. 낭만주의의 전통은 차이코프스키, 바그너, 슈베르트에 의해 계승되었습니다.

5. 20세기의 고전 - 멜로디의 혁신에 대한 저자의 열망이 특징인, 우발적, 무조적이라는 용어가 생겨났습니다. Stravinsky, Rachmaninov, Glass의 작품은 고전적인 형식으로 언급됩니다.

러시아의 고전 작곡가

차이코프스키 P.I. - 러시아 작곡가 음악 평론가, 공인, 교사, 지휘자. 그의 작곡은 가장 많이 연주됩니다. 그들은 성실하고 쉽게 인식되며 러시아 영혼의 시적 독창성, 러시아 자연의 그림 같은 그림을 반영합니다. 작곡가는 6개의 발레, 10개의 오페라, 100편 이상의 로맨스, 6개의 교향곡을 만들었습니다. 세계적으로 유명한 발레 " 백조의 호수”, 오페라 "유진 오네긴", "어린이 앨범".

라흐마니노프 S.V. - 작품 뛰어난 작곡가감정적이고 쾌활하며 일부는 내용이 극적입니다. 장르는 소극장부터 콘서트, 오페라까지 다양하다. 저자의 일반적으로 인정되는 작품 : 오페라 " 인색한 기사", 푸쉬킨의시 "집시"를 기반으로 한 "Aleko", "에서 빌린 음모를 기반으로 한 "Francesca da Rimini" 신곡» Dante, 시 "The Bells"; 모음곡 "심포닉 댄스"; 피아노 협주곡; 피아노 반주와 함께 음성을 위한 발성.

보로딘 A.P. 작곡가, 교사, 화학자, 의사였습니다. 가장 중요한 창작물은 오페라 "이고르 왕자"입니다. 역사적인 작품저자가 거의 18년 동안 쓴 "이고르 캠페인 이야기". 그의 생애 동안 Borodin은 그것을 끝낼 시간이 없었고 그의 죽음 이후 A. Glazunov와 N. Rimsky-Korsakov가 오페라를 완성했습니다. 위대한 작곡가조상이다 클래식 사중주러시아의 교향곡. "Bogatyr"교향곡은 세계 및 러시아 국가 영웅 교향곡의 최고의 업적으로 간주됩니다. 기악 실내악 사중주인 제1사중주와 제2사중주가 뛰어난 것으로 인정받았다. 고대 러시아 문학의 영웅적 인물을 로맨스에 처음으로 소개한 사람 중 한 사람.

위대한 음악가

위대한 현실주의 작곡가, 첨예한 사회 문제를 건드리는 대담한 혁신가, 뛰어난 피아니스트, 뛰어난 성악가라고 할 수 있는 M. P. 무소르그스키. 가장 중요한 뮤지컬 작품 A.S. 의 극적인 작품을 바탕으로 한 오페라 "Boris Godunov"입니다. 푸쉬킨과 "Khovanshchina"- 민속 뮤지컬 드라마, 메인 연기 캐릭터이 오페라 - 다른 사회 계층의 반항적 인 사람들; Hartmann의 작품에서 영감을 얻은 크리에이티브 사이클 "Pictures at an Exhibition".

글린카 M.I. -러시아 음악 문화의 고전적인 방향의 창시자 인 유명한 러시아 작곡가. 그는 민속 음악과 전문 음악의 가치를 바탕으로 러시아 작곡가 학교를 만드는 과정을 완료했습니다. 주인의 작품은 조국에 대한 사랑으로 가득 차 있으며 그 사람들의 이데올로기 적 지향을 반영합니다. 역사적 시대. 세계적으로 유명한 민속 드라마 "Ivan Susanin"과 동화 오페라 "Ruslan and Lyudmila"는 러시아 오페라의 새로운 트렌드가되었습니다. 교향곡 작품 Glinka의 "Kamarinskaya"와 "Spanish Overture"는 러시아 교향곡의 기초입니다.

Rimsky-Korsakov N.A.는 재능있는 러시아 작곡가, 해군 장교, 교사, 홍보 담당자입니다. 그의 작업에서 두 ​​가지 흐름을 추적할 수 있습니다. 구별되는 특징작곡가의 작품: 고전적 가치에 기초한 독창성, 초기 작곡의 조화적 구성에서의 동음성. 그의 작곡에는 작가의 스타일이 있습니다. 비정상적으로 구성된 보컬 악보가 주요 곡인 독창적 인 오케스트라 솔루션입니다.

러시아 고전 작곡가들은 국가의 인지적 사고와 민속적 특성을 작품에 반영하려고 노력했습니다.

유럽 ​​문화

유명한 클래식 작곡가 모차르트, 하이든, 베토벤이 수도에 살았습니다. 음악 문화그 시간 - 비엔나. Genius는 뛰어난 연주, 뛰어난 작곡 솔루션, 다양한 음악 스타일의 사용을 결합합니다. 뮤지컬 테마. 위대한 고전은 종합적이고 창의적인 정신 활동, 능력, 음악 형식 구성의 명확성이 특징입니다. 그들의 작품에는 지성과 감성, 비극적 요소와 희극적 요소, 용이함과 신중함이 유기적으로 연결되어 있다.

베토벤과 하이든은 기악 작곡에 끌렸고 모차르트는 오페라와 오케스트라 작곡을 모두 훌륭하게 관리했습니다. Beethoven은 탁월한 영웅 작품의 창작자였으며 Haydn은 그의 작품에서 유머, 민속 장르 유형을 높이 평가하고 성공적으로 사용했으며 Mozart는 보편적 작곡가였습니다.

모차르트는 소나타 기악 형식의 창시자입니다. 베토벤은 그것을 완성했고, 그것을 타의 추종을 불허하는 높이로 끌어올렸습니다. 그 시기는 4중주 전성기의 시기가 되었다. 하이든, 베토벤, 모차르트가 이 장르의 발전에 크게 기여했습니다.

이탈리아의 거장

주세페 베르디 - 뛰어난 음악가 19세기 이탈리아 전통 오페라를 발전시켰다. 그는 흠잡을 데 없는 솜씨를 가졌습니다. 그의 작곡 활동의 정점은 오페라 작품"Troubadour", "La Traviata", "Othello", "Aida".

니콜로 파가니니 - 니스에서 태어난 18세기와 19세기에 음악적으로 가장 재능 있는 인물 중 한 명. 그는 바이올린의 거장이었다. 그는 카프리스, 소나타, 바이올린, 기타, 비올라, 첼로를 위한 4중주를 작곡했습니다. 그는 바이올린과 관현악을 위한 협주곡을 작곡했다.

조아키노 로시니(Gioacchino Rossini) - 19세기에 활동했습니다. 영적 및 실내 음악, 39개의 오페라를 작곡했다. 뛰어난 작품 - "세비야의 이발사", "오델로", "신데렐라", "도둑 까치", "세미라마이드".

안토니오 비발디는 주요 대표 18세기 바이올린 예술. 그는 그의 최고의 덕분에 명성을 얻었습니다. 주목할만한 작품- 4개의 바이올린 협주곡 "계절". 놀라울 정도로 생산적인 삶을 살았다 창조적 인 삶, 90개의 오페라를 작곡했다.

유명한 이탈리아 클래식 작곡가들은 영원한 음악적 유산을 남겼습니다. 그들의 칸타타, 소나타, 세레나데, 교향곡, 오페라는 한 세대 이상의 즐거움을 줄 것입니다.

어린이의 음악 인식 특성

아동 심리학자들에 따르면 좋은 음악을 듣는 것은 아동의 정신-정서적 발달에 긍정적인 영향을 미칩니다. 좋은 음악예술을 소개하고 미적 취향을 형성하므로 교사는 생각합니다.

많은 잘 알려진 창작물은 어린이를 위한 클래식 작곡가에 의해 만들어졌으며 심리학, 지각 및 연령의 특성, 즉 듣기를 위해 다른 사람들은 귀로 쉽게 인식되고 기술적으로 접근할 수 있는 작은 연주자를 위해 다양한 작품을 작곡했습니다.

차이코프스키 P.I. 작은 피아니스트를 위해. 이 앨범은 음악을 사랑하고 영재. 컬렉션에는 20개 이상의 작품이 포함되어 있으며 그 중 일부는 나폴리 모티브, 러시아 춤, 티롤 및 프랑스 멜로디와 같은 민속 자료를 기반으로 합니다. Tchaikovsky P.I의 "Children 's Songs"컬렉션. 을 위해 설계 청각 지각어린이 관객. 봄, 새, 꽃이 만발한 정원 ( "My garden"), 그리스도와 하나님에 대한 연민 ( "Christ the baby had a garden")에 대한 낙관적 분위기의 노래.

어린이 클래식

많은 클래식 작곡가가 어린이를 위해 일했으며 작품 목록은 매우 다양합니다.

프로코피예프 S.S. "피터와 늑대"는 어린이를 위한 교향곡 동화입니다. 이 동화 덕분에 아이들은 심포니 오케스트라의 악기에 대해 알게 됩니다. 이야기의 텍스트는 Prokofiev 자신이 썼습니다.

Schumann R. "Children 's Scenes"는 어린 시절의 추억, 성인 공연자를 위해 쓰여진 간단한 줄거리가있는 짧은 뮤지컬 스토리입니다.

드뷔시의 피아노 사이클 "Children's Corner".

Ch. Perrault의 동화를 바탕으로 한 Ravel M. "Mother Goose".

Bartok B. "피아노에서의 첫 걸음".

어린이를위한주기 Gavrilova S. "가장 작은"; "동화의 영웅들"; "동물에 관한 아이들."

Shostakovich D. "앨범 피아노 곡어린이들을위한".

바흐 I.S. 안나 막달레나 바흐를 위한 노트. 아이들에게 음악을 가르치면서 그는 아이들이 기술을 개발할 수 있도록 특별한 곡과 연습문제를 만들었습니다.

Haydn J. - 클래식 교향곡의 창시자. "Children 's"라는 특별한 교향곡을 만들었습니다. 사용 된 악기 : 점토 나이팅게일, 딸랑이, 뻐꾸기 - 특이한 소리, 유치하고 도발적입니다.

Saint-Saens K.는 오케스트라를 위한 환상과 "Carnival of the Animals"라는 피아노 2대를 내놓았습니다. 여기에서 그는 닭의 울음소리, 사자의 포효, 코끼리의 안일함과 움직임 방식을 훌륭하게 전달했습니다. 음악적으로 감동적이고 우아한 백조.

어린이와 청소년을 위한 작곡, 위대한 클래식 작곡가들이 흥미로운 줄거리연주자 또는 청취자의 연령을 고려한 작업, 제안된 자료의 가용성.

"Glinka" 2행 변주 형식의 실행 가능성은 소련 작곡가들이 사용한 것으로 입증됩니다. 동시에 개발 기술, 표현 수단 (특히 조화로운 언어), 그러나 형식 자체의 유형은 보존됩니다. Shchedrin의 오페라 "Not Only Love"에서 "Little Cantata"( "Girl 's Chastushkas")의 초기 섹션입니다.

안에 커플릿 변형 형태 보컬 파트는 우선 변주를 받습니다.

변이의 특징: 선율의 변화를 암시하는 변종으로 구조와 음계의 변화가 가능하지만 비유적, 장르적 통일성을 유지한다. 이것의 결과는 변주와 주제의 상대적인 동등성인 반면, 변주는 주제에 종속된 파생적이고 부차적인 현상입니다.

명확성, 구조의 명확성, 다양한 방식으로 변경하는 기능 및 텍스트를 따르는 기능의 조합은 2행 변형 형식을 성악의 가장 일반적인 형식 중 하나로 만듭니다. 이 양식은 다음에서 큰 위치를 차지합니다. 작곡슈베르트, 말러. 에서 소비에트 작곡가 G. Sviridov는 "S. Yesenin을 기념하는시"의 "노래가 태어난 방법", "그 땅에서"합창단을 기꺼이 그녀에게 돌립니다. 다른 예로는 Schubert의 Spinning Wheel의 Gretchen, Tchaikovsky의 The Queen of Spades에 나오는 Polina의 Romance가 있습니다.

모양을 통해

교차 편집 형식은 음악이 플롯의 전개를 따라가야 할 필요성에서 비롯되었습니다. 다른 어떤 형식보다 음악의 회화적이고 회화적인 가능성과 텍스트의 정서적 측면을 향상시키는 능력이 여기에 사용됩니다. 텍스트 이미지의 가장 미묘한 음영과 심리적 배음 인 Schubert, Mussorgsky에 특히 민감한 작곡가가이 형식에 큰 관심을 기울인 것은 우연이 아닙니다. Liszt의 대부분의 노래는 관통 형식으로 작성됩니다. 이 형식은 음악에서 큰 자리를 차지했습니다. XIX 후반-20 세기 초, 특히 Medtner, Prokofiev, Gnesin, Tcherepnin, 부분적으로 Rachmaninov 및 산문 텍스트에 대한 성악 작업에서 Wolf의 작업, 러시아 음악에서 널리 퍼진 "음악이있는시"장르에서 (" 미운 오리»프로코피예프).

모든 종단 간 형태는 지속적인 갱신 원칙을 기반으로 합니다. 음악적 소재본문 내용대로. 그러나 작곡가들은 특정 음악적 통합 요소를 교차 형식에 도입하려고 노력합니다. 이를 위해 반복, 반복 종료, 종단 간 후렴구(무소르그스키의 "Lullaby"와 코러스 "bayushki, bayu, bayu"에서 죽음의 "leitakchords"), 부분의 억양-주제 연결의 원칙 형식 및 음조 구성이 사용됩니다.

스루 형식의 예: Schubert의 "Forest King", Kalinnikov의 "The Stars Dim" 합창단.

주제 14. 순환 형식: 모음곡, 소나타-교향곡 순환

스위트룸

소나타

주기적 형식은 독립적이지만 단일 예술적 개념으로 연결된 여러 개의 개별 대조 부분으로 구성된 형식이라고합니다.

순환 양식의 주요 특징:

♦ 여러 부분(2에서 10까지)의 존재,

♦ 각 부분의 형태의 독립성,

♦ 별도의 파트(한 파트를 별도로 수행할 수 있음),

♦ 템포 대비,

♦ 자연의 대비,

♦ 음색 공통성:

a) 모든 부분의 단일 색조,

b) 음조 재현(소나타-교향곡 주기) 생성,

c) 색조 중심 선택(우세한 색조),

♦ 일반적인 의도:

a) 한 팀의 공연자,

b) 하나의 장르 영역,

c) 주제별 커뮤니티,

라) 프로그램.

순환 형식은 보컬, 악기 및 무대입니다.

보컬(성악-기악) 주기는 다음과 같이 나뉩니다. 칸타타 오라토리얼(칸타타, 오라토리오, 미사, 레퀴엠, 열정) 및 챔버 보컬(보컬 사이클).

단계 주기: 오페라와 발레.

도구 주기

순환 형식에는 모음곡과 소나타-교향곡 순환의 두 가지 주요 유형이 있습니다. 주기 부분의 독립성은 개별적으로 수행될 수 있다는 사실에 의해 결정됩니다(조곡의 춤, 소나타 또는 교향곡의 일부).

모음곡 (시리즈, 시퀀스) - 댄스 또는 장르 캐릭터의 성격 및 템포 부분이 대조되는 독립적으로 구성된 순환 작업. 제품군의 부품 교체는 엄격하지 않으며 그 수는 규제되지 않습니다. 종종 모든 부분이 동일한 키로 작성됩니다.

제품군에는 역사적으로 고정된 여러 유형이 있습니다. 고대(바로크) 모음곡은 마침내 17세기 중반에 형성되었습니다. - XVIII 세기 전반기. 다양한 작곡가의 작품에서 국립학교: Froberger, Handel, Corelli, Couperin, Rameau 등 다른 나라에서는 독일-파르티타, 영국-레슨, 프랑스-서곡, 이탈리아-소나타 다 카메라, 발레 등 다르게 불렀습니다.

17세기 모음곡용. 이전에는 춤의 주제별 커뮤니티가 일반적이었지만 18세기에 있었습니다. 비교적 드물어졌습니다(바흐가 아니라 헨델에서 발견됨). 모음곡은 이미 17세기 중반부터 시작되었습니다. 적용된 성격을 잃었고 XVIII 세기에. 작은 형식(단순한 2부 및 3부, 복합 형식, starosonata, 협주곡 및 콘트라스트 컴포지트)이 우세했지만 형식은 훨씬 더 복잡해졌습니다.

XVII-XVIII 세기의 고대 모음곡의 기초. allemande, courant, sarabande 및 jig의 4 가지 춤으로 구성되었습니다. 주기에서 차분하고 느린 춤은 활기차고 빠른 춤과 두 번 반대되었습니다.

1) 알레만다 - 적당히 느린 속도,

2) 종소리 - 적당히 빠름,

3) 사라방드 - 매우 느리고,

4) 지그 - 매우 빠름.

알망드 - 적당한 속도의 2부(크기 4/4) 부드러운 라운드 댄스, 독일계. 그것은 1/18 또는 16분의 1 기간으로 측정(XVII 세기까지) 때문에 시작됩니다. 성부의 수 면에서 알르망드는 저음과 모방이 풍부한 4성부인 경우가 더 많습니다. 동시에 폴리포닉 전개는 리듬의 댄스성을 부드럽게 한다. 알르망드의 형식은 오래된 두 부분으로 된 형식입니다(파트 II - 파트 I의 반전 버전).

용기 − 트리플(3/4 또는 3/2) 댄스 프랑스계. 속도는 보통이거나 빠릅니다. 전형적인 리듬. 처음에 allemande와 함께. 18 세기 Courante는 사용이 중단되어 양식화 대상으로 사용되었습니다 (Bach). 목소리의 수에 따라 차임은 일반적으로 두 부분으로 구성됩니다. 형식은 간단한 두 부분으로 구성됩니다(마지막에는 일종의 반복).

사라방드 - 스페인 출신의 트리플(3/4 또는 3/2) 댄스. 초기 킥이 없습니다. 일반적인 리듬 패턴:

종지 - . 하모니의 변화는 리듬의 기본 유형을 강조합니다. 사라방드는 화음 창고(동음이음-화성 질감)에 의해 지배됩니다. 형식은 세 부분으로 나뉘는 경향이 있습니다(반복이 더 뚜렷함).

지그 − 퀵 트리플(3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16) 댄스 영어 기원. 잦은 안타. 두 번째 부분의 주제 반전을 포함하여 푸가 개발이 자주 발생합니다 투표 수에 따라-2 ~ 3 개의 목소리. 양식은 간단한 세 부분으로 구성됩니다.

메인 댄스 외에도 종종 추가 곡이 모음곡에 도입됩니다.

1) 일부 춤에는 일종의 장식적 변형인 이중(변형)이 있습니다.

2) 알르망드 앞에 전주곡이 있다(서문, 서곡, 토카타, 환상, 신포니아). 그러한 작품은 작은 두 부분 또는 세 부분으로 구성된 주기일 수 있습니다.

3) 모음곡 내부(보통 사라방드와 지그 사이)에는 미뉴에트, 가보트, 부레, 파스피에, 론도, 벌레스크, 스케르초, ​​카프리치오 또는 연극(아리아)과 같은 다른 춤이 배치됩니다.

다른 순환 형식 중에서 소나타와 협주곡은 바로크 시대에 널리 퍼졌습니다.

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