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계몽주의 시대의 음악. 음악 계몽주의 17세기 18세기 음악적 인물

MKOU Sinyavskaya 중등 학교

수업-강의

10학년 학생들이 진행하는

N교사

2013년.

수업의 목적:계몽주의 음악 문화의 특성을 밝힙니다.

수업 목표:새로운 음악 장르인 코믹 오페라의 미학을 특징짓는다. "Viennese Classical School" 작곡가의 작품에 대해 이야기하십시오. 음악 작품을 적절하게 인식하고 평가하는 능력을 형성합니다.

강의 계획:

1. 코믹 오페라의 탄생.

2. "비엔나 고전 학교».

Y. 가이딘.

수업 중

1.코믹 오페라의 탄생.

~ 안에 세계사 18세기는 '이성과 계몽의 시대'로 접어들었다. 중세 세계관을 무너뜨린 자유로운 인간 사상의 승리는 자연과학, 문학, 예술의 비약적인 발전으로 이어진다.

다양한 장르의 탄생과 교류, 예술적 스타일 18세기 음악에서 일상 생활에서 악기의 광범위한 사용과 음악 연주의 새로운 전통, 출현 합창단 예배당, 오케스트라, 오페라 그룹, 개발 음악 교육그리고 콘서트 활동의 형성, 국가의 출현 작곡가 학교창조와 번영을 준비 고전 음악 19세기에. 뮤지컬 장르 중 주요 장소는 오페라였습니다. 코믹 오페라는 선진국에서 발전했습니다. 오페라 문화법원 오페라 세리아의 대안으로. 이탈리아는 그녀의 고향으로 간주되며, 이 장르는 오페라 부파(이탈리아 오페라 부파 - 희가극). 그 출처는 17세기 로마 학교의 코미디 오페라였습니다. 그리고 commedia dell'arte. 처음에는 오페라 세리아의 막 사이에 감정적 해방을 위해 삽입된 재미있는 막간이었습니다. 최초의 부파 오페라는 G. B. Pergolesi의 Servant-Mistress로, 작곡가가 자신의 오페라 시리즈인 The Proud Captive(1733)의 막간극으로 썼습니다. 앞으로 부파 오페라는 독립적으로 공연되기 시작했습니다. 그들은 소규모, 적은 수로 구별되었습니다. 배우, 버푼 유형의 아리아, 보컬 파트의 후두둑, 앙상블의 강화 및 개발 (솔로 파트가 기본이고 앙상블과 합창단이 거의 사용되지 않은 오페라 세리아와 반대). 뮤지컬 드라마투르기, 노래와 춤 민속 장르. 나중에 서정적이고 감성적인 특징이 부파 오페라에 침투하여 거친 코메디아 델라르테에서 C. Gozzi의 기발한 문제와 플롯 원칙으로 전환했습니다. 오페라 부파의 발전은 작곡가 N. Piccini, G. Paisiello, D. Cimarosa의 이름과 관련이 있습니다.

프랑스에서는 오페라 코미크(프랑스어 - 코믹 오페라)라는 이름으로 장르가 발전했습니다. 그것은 "그랜드 오페라"의 풍자 패러디에서 시작되었습니다. 이탈리아의 발전 방식과 달리 프랑스에서는 처음에 극작가에 의해 장르가 형성되었으며, 뮤지컬 번호대화와 함께. 그래서 최초의 프랑스 오페라 코미크(The Village Sorcerer, 1752)의 작가가 고려된다. 오페라 코미크의 음악 극작술은 작곡가 E. Dunya와 F. Philidor의 작업에서 발전했습니다. 혁명 이전 시대에 오페라 코미크는 진지한 감정과 시사적 내용으로 가득 찬 낭만적인 성향을 획득했습니다(작곡가 P. Monsigny, A. Grétry).

2.위대한 작곡가

학생 1. 하이든요제프(1732-1809) - 오스트리아 작곡가, 클래식 교향곡과 사중주의 창시자, 대표 비엔나 작곡가 학교 . 어렸을 때 그는 비엔나의 성 슈테판 대성당 합창단에서 합창단으로 봉사했습니다. 그는 스스로 작곡 기술을 마스터했습니다. 30년 이상 동안 그는 헝가리 왕자 Esterhazy와 함께 뮤지컬 예배당의 수장으로 봉사했습니다. 그가 비엔나에서 살았던 말년; 90년대 런던을 두 번 여행했다. 하이든은 거대한 창조적 유산- 100개 이상의 교향곡, 30개 이상의 오페라, 오라토리오(그 중 "세상의 창조", "계절", "십자가 위의 그리스도의 일곱 말씀"), 14개의 미사("넬슨 미사" 포함, "대중 테레지아", "Harmoniemesse"), 83 현악 사중주, 52개의 피아노 소나타, 많은 기악곡 및 노래. 그의 작품의 절정 - 12 개의 소위 "런던 심포니"(주로 영국에서 작성); 다른 교향곡 중에서 이별(45번), "장례식"(44번), "마리아 테레사"(48번), "열정"(49번), "사냥"(73번) , 6 개의 파리 교향곡 (No. 82-87), "Oxford"(No. 92) 그의 작품은 풍부한 내용으로 표시되며 삶의 밝은면, 존재의 즉각적인 기쁨을 찬양합니다. 그러나 그들은 또한 동요 된 파토스, 깊은 드라마, 개방적인 좋은 본성, 교활한 유머가 특징입니다. 하이든의 음악은 낙천주의로 가득 차 있고 우아함과 매력으로 가득 찬 진정으로 민속적입니다. 지칠 줄 모르는 멜로디, 형태의 조화, 이미지의 단순성과 선명도를 통해 이해하기 쉽고 접근하기 쉽습니다. 가장 넓은 원청취자. 교향곡 분야에서의 하이든의 개혁과 작곡을 형성하는 작곡가의 역할 심포니 오케스트라좋았어 역사적 의미, 하이든에게 "교향곡의 아버지"라는 명예 칭호를 승인합니다. “Haydn은 교향곡 작곡 사슬에서 필요하고 강력한 연결 고리입니다. 그가 아니었다면 모차르트도 베토벤도 없었을 것입니다.”라고 P. I. Tchaikovsky는 썼습니다.

학생 2. 볼프강 아마데우스 모짜르트 1756년 1월 27일 잘츠부르크에서 태어 났으며 현재이 도시는 오스트리아 영토에 있습니다. 게임 시작 악기모차르트는 바이올리니스트이자 작곡가인 아버지에게 작곡을 배웠습니다. 레오폴드 모차르트. 4 세부터 Mozart는 하프시 코드를 연주했고 5-6 세부터 작곡을 시작했습니다 (8-9 세에 Mozart는 첫 번째 교향곡을 만들었고 10-11 세에 첫 번째 작품을 만들었습니다. 뮤지컬 극장). 1762년 모차르트와 그의 누이인 피아니스트 마리아 안나는 독일, 오스트리아, 프랑스, 영국, 스위스 순회 공연을 시작했습니다. 모차르트는 피아니스트, 바이올리니스트, 오르간 연주자, 가수로 활동했습니다. 몇 년 동안 그는 잘츠부르크 왕자 대주교의 궁정에서 오르간 연주자로 반주자로 봉사했습니다. 1769년에서 1774년 사이에 그는 이탈리아를 세 번 여행했다. 1770년에 그는 볼로냐에 있는 필하모닉 아카데미의 회원으로 선출되었고(그는 아카데미의 수장인 파드레 마르티니에게서 작곡 수업을 들었습니다) 로마 교황으로부터 황금 박차 훈장을 받았습니다. 밀라노에서 모차르트는 그의 오페라 폰투스의 왕 미트리다테스를 지휘했습니다. 19세 때 작곡가는 10개의 뮤지컬 및 무대 작품의 저자가 되었습니다. 독일 Singspiel Bastien과 Bastienne "(1768, 비엔나), 이탈리아 오페라 부파 "The Feigned Simple Girl"(1769, Salzburg) 및 "The Imaginary Gardener"(1775, 뮌헨), 이탈리아 오페라 시리즈 "Mithridates"및 "Lucius Sulla" " (1772, 밀라노), 오페라 -세레나데 (목회) "Ascanius in Alba"(1771, 밀라노), "The Dream of Scipio"(1772, Salzburg) 및 "The Shepherd King"(1775, Salzburg); 2개의 칸타타, 다수의 교향곡, 협주곡, 사중주, 소나타 등 뮤직 센터독일이나 파리는 성공하지 못했습니다. 파리에서 모차르트는 J.J. 노베라"장신구"(1778). 모차르트는 뮌헨(1781)에서 오페라 "크레타의 왕 이도메네오"를 공연한 후 대주교와 결별하고 비엔나에 정착하여 수업과 학원(콘서트)을 통해 생계를 꾸렸다. 국립 뮤지컬 극장 발전의 이정표는 모차르트의 노래 The Abduction from the Seraglio (1782, Vienna)였습니다. 1786년 모차르트의 작은 뮤지컬 코미디 '극장 감독'과 코미디를 바탕으로 한 오페라 '피가로의 결혼' 초연 보마르셰. 빈 이후 피가로의 결혼은 프라하에서 상연되어 모차르트의 다음 오페라인 〈돈 조반니〉(1787)와 마찬가지로 열광적인 환영을 받았습니다. 1787년 말부터 모차르트는 황제 요제프 2세의 궁정에서 가장 무도회를 위한 춤을 작곡하는 임무를 맡은 실내악 연주자로 활동했습니다. 오페라 작곡가로서 모차르트는 비엔나에서 성공하지 못했습니다. Mozart가 Vienna Imperial Theatre를 위해 음악을 작곡 한 것은 단 한 번이었습니다. 명랑하고 우아한 오페라 "모두가 그렇거나 연인 학교"(즉, "All Women Do This", 1790). 프라하 (1791)의 대관식과 일치하는 골동품 음모의 오페라 "타이투스의 자비"는 차갑게 받아 들였습니다. 모차르트의 마지막 오페라 마법의 피리"(비엔나 교외 극장, 1791)은 민주적 대중들 사이에서 인정을 받았습니다. 삶의 고난, 빈곤, 질병으로 인해 작곡가의 삶의 비극적 인 끝이 가까워졌고 그는 36 세가되기 전에 죽었고 공동 무덤에 묻혔습니다.

학생 3. 루트비히 판 베토벤 1770년 12월 본에서 태어났다. 정확한 생년월일은 정해지지 않았으며 아마도 12월 16일로 추정됩니다. 작곡가의 아버지는 아들에게서 두 번째 모차르트를 만들고 싶었고 그에게 하프시코드와 바이올린 연주를 가르치기 시작했습니다. 1778년 쾰른에서 소년의 첫 공연이 열렸습니다. 그러나 베토벤은 기적의 아이가 되지 않았고, 아버지는 소년을 동료와 친구들에게 맡겼습니다. 한 사람은 루드비히에게 오르간 연주를 가르쳤고, 다른 한 사람은 바이올린을 가르쳤습니다. 1780년 오르간 연주자이자 작곡가인 Christian Gottlob Nefe가 본에 도착했습니다. 그는 베토벤의 진정한 스승이 되었습니다. Nefe 덕분에 Dressler의 행진곡에 대한 변주인 베토벤의 첫 번째 작곡도 출판되었습니다. 당시 베토벤은 12세였고 이미 궁정 오르간 반주자 보조로 일하고 있었습니다. 베토벤은 작곡을 시작했지만 서두르지 않고 작품을 출판했습니다. 그가 Bonn에서 쓴 것의 대부분은 나중에 그에 의해 수정되었습니다. 작곡가의 젊은 작품에서 "Marmot"를 포함하여 세 개의 어린이 소나타와 여러 곡이 알려져 있습니다. 1792년 가을, 베토벤은 본을 떠납니다. 비엔나에 도착한 베토벤은 하이든과 함께 수업을 시작했고, 이후 하이든이 그에게 아무것도 가르친 것이 없다고 주장했습니다. 수업은 학생과 교사 모두를 빠르게 실망시켰습니다. 베토벤은 하이든이 자신의 노력에 충분히 주의를 기울이지 않았다고 믿었습니다. Haydn은 당시 Ludwig의 대담한 견해뿐만 아니라 그 당시에는 흔하지 않은 다소 우울한 멜로디에도 겁을 먹었습니다. 곧 Haydn은 영국으로 떠났고 유명한 교사이자 이론가 인 Albrechtsberger에게 그의 학생을주었습니다. 결국 베토벤 자신이 멘토 인 Antonio Salieri를 선택했습니다.

이미 비엔나에서의 생애 첫해에 베토벤은 거장 피아니스트로 명성을 얻었습니다. 그의 연주는 청중을 놀라게 했다. 베토벤의 작곡은 널리 출판되기 시작했고 성공을 누렸습니다. 비엔나에서 처음 10년 동안 피아노 소나타 20곡, 피아노 협주곡 3곡, 바이올린 소나타 8곡, 사중주 및 기타 실내악, 감람산의 오라토리오 그리스도, 프로메테우스의 발레 작품, 1번과 교향곡이 작곡되었습니다. . 1796년, 베토벤은 청력을 잃기 시작합니다. 그는 귀염이 발생합니다-내이의 염증으로 인해 귀가 울리는 청각 장애로 인해 베토벤은 거의 집을 떠나지 않고 소리 인식을 잃습니다. 그는 우울해지고 물러납니다. 이 기간 동안 작곡가는 차례로 그의 가장 많은 작품을 창작했습니다. 유명한 작품. 같은 해에 베토벤은 그의 유일한 오페라인 Fidelio를 작업했습니다. 이 오페라는 호러 구조 오페라 장르에 속합니다. Fidelio는 1814년에야 성공을 거두었습니다. 오페라가 비엔나에서 처음 상연된 다음 프라하에서 유명한 독일 작곡가 Weber 그리고 마침내 베를린에서. 1812년 이후 작곡가의 창작 활동은 잠시 떨어졌다. 그러나 3년 후, 그는 같은 에너지로 작업을 시작한다. 이때 생성된 피아노 소나타 28일부터 마지막 32일까지 두 개의 첼로 소나타, 4중주, 성악 사이클 "먼 연인에게". 처리에 많은 시간을 할애 민요. 스코틀랜드, 아일랜드, 웨일즈와 함께 러시아인이 있습니다. 그러나 주요 생물 최근 몇 년베토벤의 가장 기념비적인 두 작품인 "엄숙한 미사"와 코러스가 있는 교향곡 9번이었습니다.

9번 교향곡은 1824년에 연주되었다. 관객들은 작곡가에게 기립박수를 보냈다. 베토벤은 청중에게 등을 대고 서서 아무 소리도 들리지 않았고 가수 중 한 명이 손을 잡고 청중을 향했습니다. 사람들은 손수건, 모자, 손을 흔들며 작곡가를 환영했습니다. 박수는 너무 오래 지속되어 현장에 있던 경찰이 즉시 중단을 요구했습니다. 그러한 인사는 황제의 사람과 관련해서만 허용되었습니다.

베토벤은 1827년 3월 26일에 사망했습니다. 2만 명이 넘는 사람들이 그의 관을 따랐다. 장례식 동안 베토벤이 가장 좋아하는 Luigi Cherubini의 Requiem Mass in C Minor가 연주되었습니다.

3. 교사는 학생들에게 다음 작업을 제공합니다.

연습 1

이것은 새로운 음악 장르가 작곡가가 아니라… 당연히 그는 작곡 기술을 완전히 습득하지는 못했지만 오페라 공연엘리트주의가 아니라 민주적이고 이해하기 쉽고 일반 대중이 접근할 수 있습니다. 이 철학자의 이름과 그가 만든 음악 작품은 무엇입니까?

답변: 1752년에 그는 "The Village Sorcerer"라는 최초의 프랑스 코믹 오페라를 창작했습니다.

작업 2

비엔나 고전 학교와 가장 저명한 대가인 프란츠 요제프 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 크리스토프 빌리발트 글럭. 그 중 한 명은 100곡이 넘는 교향곡을 작곡했으며 "교향곡의 아버지"라고 불립니다. 그의 교향곡 중 가장 유명한 작품은 "세계의 창조", "계절", "장례식", "이별"입니다. 이 작곡가의 이름을 지정하십시오. 이 스승의 작품과 그의 작품에 대한 당신의 인식에 대해 알려주십시오.

답변:조셉 하이든.

모차르트는 묘비를 남기지 않고 떠났다. 손가락은 순종적입니다. 그리고 열쇠는 빠릅니다.

이것이 꽃이 사라지는 방법입니다. 그리고 하늘은 영원히 파랗습니다.

위선적으로 공허한 미화없이-거장의 행복, 예술가는 떨어졌다

높이에서 빛과 햇살 광선. 하늘과 땅 가까이에 산다.

행운의 유령과 의심의 황혼, 모차르트 - 그리고 날아가는 컬이 기억될 것입니다.

그리고 일련의 끝없는 분리 모차르트 - 그리고 음악은 쉽게 실행됩니다.

영감에는 그림자가 드리워지지 않았고, 흉내낼 수 없고, 영원하며,

V. 보로비츠카야

숙제:

사전 작업:학생들은 이미 기념물에 대한 보고서를 준비했습니다. 고대 로마. 이제 그들은 다시 언론인의 역할을 수행하고 모스크바와 상트 페테르부르크의 계몽주의 문화 기념물에 대한 보고서를 준비하도록 초대되었습니다.

종교는 처음으로 혹독한 비판의 대상이 된다. 가장 열렬하고 단호한 비평가, 특히 교회에 대한 비평가는 볼테르입니다.

일반적으로 18세기는 급격히 약화되었다. 종교 재단문화와 세속적 성격의 강화.

18세기 철학긴밀한 협력으로 개발 그리고과학 및 자연 과학과의 협력. 이 협력의 큰 성과는 35권(1751-1780)으로 된 "백과사전"의 출판이었습니다. 디드로 그리고 D "Alamber. 『백과사전』의 내용은 세계와 인간에 대한 선진적인 사상과 견해였다. 과학의 발전에 관한 귀중한 지식과 정보의 집합체였으며,
예술과 공예.

18세기에는 더 이른 과학 혁명, 그리고 과학- 자연 과학을 언급하면 - 고전적인 형태에 도달합니다. 그러한 과학의 주요 특징과 기준은 다음과 같습니다.

지식의 객관성;

그 기원에 대한 경험;

그것에서 주관적인 모든 것을 배제합니다.

비정상적으로 증가한 과학의 권위는 이미 18세기에 과학, 과학을 종교의 자리에 두는 것입니다. 이를 바탕으로 사회의 법칙이 완전히 "투명"해지고 완전히 알려질 수있는 소위 과학적 유토피아주의도 형성됩니다. 및 정치 - 엄격하게 기반 과학적 법칙그것은 자연의 법칙과 구별할 수 없습니다. 특히 이러한 견해는 자연과학과 자연법칙의 프리즘을 통해 사회와 인간을 바라보는 디드로가 지지했다. 이 접근 방식을 통해 사람은 더 이상 인식과 행동의 주체가 되지 않고 자유를 박탈당하며 평범한 사물이나 기계와 동일시됩니다.

일반적으로 예술 XVIII세기- 이전에 비해 덜 깊고 숭고해 보이며 더 가볍고 경쾌하며 피상적으로 보입니다. 그것은 이전에 고상하고 선택되고 숭고하다고 여겨졌던 것에 대한 아이러니하고 회의적인 태도를 보여줍니다. Epicurean 원리, 쾌락주의에 대한 갈망, 쾌락과 쾌락의 정신이 눈에 띄게 향상되었습니다. 동시에 예술은 더욱 자연스러워지고 현실에 가까워집니다. 게다가 점점 더 공격적으로 사회 생활, 투쟁과 정치가 참여하게됩니다.

18세기 미술여러면에서 이전 세기의 직접적인 연속입니다. 주요 스타일은 여전히 고전주의와 바로크입니다. 동시에 예술의 내부 차별화, 점점 더 많은 경향과 방향으로의 분열이 있습니다. 새로운 스타일이 등장하고 세부 사항 로코코 그리고 감상주의.

고전주의무엇보다 먼저 나타내는 프랑스 예술가 J.-L. 다윗 (1748-1825). 크기가 큰 역사적 사건, 주제 시민의 의무.

바로크절대주의 시대의 "훌륭한 스타일"이기 때문에 점차 영향력을 잃고 18 세기 중반에 스타일 로코코.가장 유명한 대표자 중 하나는 예술가입니다. 에 대한. 프라고나르 (1732-1806). 그의 "Bathers"는 삶의 진정한 신격화, 관능적 인 기쁨과 즐거움입니다. 동시에 프라고나르가 묘사한 육체와 형태는 실체가 없고 경쾌하며 심지어 덧없는 것처럼 보인다. 에 대한 그의 작품에서 전경기교, 우아함, 세련미, 조명 및 공기 효과가 나옵니다. 이 정신으로 "Swing"이라는 그림이 쓰여졌습니다.

감상주의(18세기 후반) 이성에 대한 자연스러운 감정 숭배를 반대했습니다. 감상주의의 창시자이자 주요 인물 중 한 명은 J.-J. 루소. 그는 소유 유명한 말: "마음은 틀릴 수 있지만, 느낌은 절대 아닙니다!". 그의 작품 "줄리아 또는 뉴 엘로이즈", "고백"등에서 그는 평범한 사람들의 삶과 관심사, 그들의 감정과 생각, 자연의 노래를 묘사하고 도시 생활을 비판적으로 평가하며 가부장적 농민 생활을 이상화합니다.

18세기 최고의 예술가유행이 지났다. 여기에는 주로 프랑스 예술가가 포함됩니다. A. 와토 (1684 - 1721) 및 스페인 화가 F. 고야 (1746 - 1828).

Creativity Watteau ( "아침 화장실", "Pierrot", "Cythera 섬 순례")는 Rococo 스타일에 가장 가깝습니다. 동시에 그의 작품에는 루벤스와 반 다이크, 푸생과 티치아노의 영향이 느껴진다. 그는 낭만주의의 선구자이자 회화에서 최초의 위대한 낭만주의로 간주됩니다.

그의 작품으로 F. Goya ( "Marie-Louise 여왕의 초상화", "발코니의 마하", "Sabasa Garcia의 초상화", 일련의 에칭 "Caprichos")은 Rembrandt의 현실적인 추세를 이어갑니다. 그의 작품에서 푸생, 루벤스 및 기타 위대한 예술가들의 영향을 감지할 수 있습니다. 동시에 그의 예술은 스페인 회화, 특히 Velázquez의 예술과 유기적으로 통합됩니다. 고야는 뚜렷한 민족적 성격을 지닌 작품의 화가 중 한 명입니다.

뮤지컬 아트전례 없는 성장과 번영을 경험하고 있습니다. 만약에 XVII세기는 극장의 세기로 간주됩니다. XVIII세기는 당연히 음악의 시대라고 할 수 있습니다. 그녀의 사회적 명성이 너무 높아져 예술 중 1 위를 차지하며 거기에서 회화를 대체합니다.

음악 XVIII세기는 다음과 같은 이름을 나타냅니다. F. 하이든, K. 글럭, G. 헨델. 위대한 작곡가들 중에서 세심한 주의~ 받을 만하다 이다. 바흐 (1685 - 1750) 및 안에. A. 모차르트 (1756- 1791).

바흐는 바로크 시대의 마지막 위대한 천재입니다. 그는 거의 모든 분야에서 성공적으로 일했습니다. 음악 장르오페라 제외. 그의 음악은 낭만주의를 포함하여 많은 후기 스타일을 예상하여 시대를 훨씬 앞서갔습니다. 바흐의 작품은 폴리포니 예술의 정점입니다. 성악과 연극 음악 분야에서 가장 유명한 걸작작곡가는 칸타타 "Matthew Passion"입니다. 지난 날들그리스도의 삶. 그의 생애 동안 바흐에게 가장 큰 영광이 가져온 오르간 음악.클라비어를 위한 음악 분야에서 작곡가의 빛나는 창작물은 "평균율 클라비에" XVII-XVIII 세기의 음악 스타일에 대한 일종의 백과 사전입니다.

작품에서 오스트리아 작곡가 W. A. 모차르트, 고전주의의 원리는 감상주의의 미학과 결합됩니다. 동시에 모차르트는 낭만주의의 선구자이며 음악에서 최초의 위대한 낭만주의입니다. 그의 작업은 거의 모든 장르를 아우르며 모든 곳에서 대담한 혁신가로 활동합니다. 모차르트의 생애 동안 그의 오페라는 가장 큰 성공을 거두었습니다. 그 중에서 가장 유명한 것은 "피가로의 결혼식", "돈 후안", "마술피리". 또한 특별히 언급할 가치가 있습니다. "레퀴엠".

주제 보고: "계몽주의 시대의 음악" 계몽주의 시대에 유례없는 상승이 일어난다 음악 예술. K. V. Gluck(1714–1787)이 개혁을 수행한 후 오페라는 음악, 노래 및 복잡한 극적 행동을 하나의 공연으로 결합하는 합성 예술이 되었습니다. F에 의해 고전 예술의 최고 수준으로 올라갔습니다.

J. 하이든(1732–1809) 기악. 계몽주의 음악 문화의 정점은 J.S. Bach(1685–1750)와 W.A. Mozart(1756–1791)의 작품입니다. 깨달음의 이상은 모차르트의 오페라 마술피리(1791)에서 특히 생생하게 드러납니다. 이 작품은 이성과 빛의 숭배, 인간이 우주의 왕관이라는 생각으로 구별됩니다. 오페라 예술 18 세기 오페라 개혁 18세기 후반. 대체로 문학적이었다

움직임. 그녀의 조상은 프랑스 작가그리고 철학자 J.J. 루소. Rousseau도 음악을 공부했고 철학에서 자연으로의 회귀를 요구했다면 오페라 장르단순함으로의 회귀를 주장했다. 성공하기 1년 전인 1752년 파리 프리미어페르골레시 부인의 시녀인 루소는 자신의 코믹 오페라 <마을의 마법사>를 작곡했고,

Rameau가 공격의 주요 대상이 된 프랑스 음악에 대한 편지. 이탈리아. Monteverdi 이후 Cavalli, Alessandro Scarlatti (하프시 코드 작품의 가장 큰 작가 인 Domenico Scarlatti의 아버지), Vivaldi 및 Pergolesi와 같은 오페라 작곡가가 이탈리아에서 차례로 나타났습니다. 코믹 오페라의 전성기. 또 다른 유형의 오페라는 나폴리에서 유래한 오페라 부파(opera-buffa)로,

오페라 세리아에 대한 반응. 이러한 유형의 오페라에 대한 열정은 유럽의 도시인 비엔나, 파리, 런던을 빠르게 휩쓸었습니다. 이전 통치자 인 1522 년부터 1707 년까지 나폴리를 통치했던 스페인 사람들로부터 도시는 민속 코미디의 전통을 물려 받았습니다. 온실에서 엄격한 교사들에게 욕을 먹었지 만 코미디는 학생들을 사로 잡았습니다. 그들 중 한 사람인 G. B. Pergolesi(1710–1736)는 23세에 인터메조 또는 작은 만화를 썼습니다.

오페라 The Maid-Mistress (1733). 이전에도 작곡가들은 인터메조(보통 오페라 세리아 막 사이에 연주됨)를 작곡했지만 페르골레시의 창작물은 엄청난 성공을 거두었습니다. 그의 대본에서 그것은 고대 영웅의 착취에 관한 것이 아니라 완전히 현대적인 상황에 관한 것입니다. 주인공은 "commedia dell'arte"에서 알려진 유형에 속했습니다. 즉, 표준 만화 역할 세트가있는 전통적인 이탈리아 즉석 코미디입니다.

부파 오페라 장르는 G. Paisiello(1740–1816) 및 D. Cimarosa(1749–1801)와 같은 후기 나폴리인의 작품에서 현저하게 발전했으며 Gluck 및 Mozart의 코믹 오페라는 말할 것도 없습니다. 프랑스. 프랑스에서는 륄리 대신 라모가 자리를 잡았다. 오페라 무대 18세기 전반에 걸쳐. 부파 오페라의 프랑스어 비유는 "코믹 오페라"(오페라 코미크)였습니다.

F. Philidor(1726-1795), P. A. Monsigny(1729-1817) 및 A. Gretry(1741-1813)와 같은 작가들은 Pergolesian의 전통 조롱을 마음에 새기고 자신들만의 코믹 오페라 모델을 개발했습니다. 취향, 암송 대신 대화 장면의 도입을 제공했습니다. 독일. 오페라는 독일에서 덜 발전했다고 믿어집니다. 사실은 많은 독일 오페라 작곡가들이 밖에서 일했다는 것입니다.

독일 - 영국의 헨델, 이탈리아의 가세, 비엔나와 파리의 글루크, 독일 궁정 극장은 유행하는 이탈리아 극단이 차지했습니다. 오페라 부파와 프랑스 코믹 오페라의 현지 유사어인 징슈필은 라틴 국가보다 늦게 개발되기 시작했습니다. 이 장르의 첫 번째 예는 I. A. Hiller(1728–1804)의 "Devil at Large"로, Mozart보다 6년 앞서 1766년에 작성되었습니다.

세라글리오 납치. 아이러니하게도 위대한 독일 시인괴테와 실러는 국내가 아니라 이탈리아와 프랑스에 영감을 주었습니다. 오페라 작곡가. 오스트리아. 비엔나의 오페라는 크게 세 가지로 나뉩니다. 주요 장소는 진지한 사람이 차지했습니다. 이탈리아 오페라(이탈리아 오페라 세리아) 고전 영웅그리고 신들은 큰 비극의 분위기 속에서 살다가 죽었습니다. 덜 형식적인 것은 코믹 오페라(오페라 부파)였다.

이탈리아 코미디 (commedia dell "arte)의 Harlequin과 Columbine의 음모에서 뻔뻔한 부족, 그들의 낡은 주인 및 모든 종류의 도적과 사기꾼으로 둘러싸여 있습니다. 이러한 이탈리아 형식과 함께 독일 코믹 오페라 (singspiel)가 개발되었습니다. 성공은 아마도 일반 대중의 사용에 있었을 것입니다. 독일어. 모차르트의 오페라 경력이 시작되기 전에도

Gluck은 17세기 오페라의 단순성으로의 복귀를 주장했는데, 그 플롯은 액션의 전개를 지연시키는 긴 독주 아리아에 의해 숨막히지 않고 가수들이 그들의 목소리의 힘을 보여주기 위한 핑계로만 사용되었습니다. 그의 재능의 힘으로 모차르트는 이 세 가지 방향을 결합했습니다. 십대 때 그는 각 유형의 오페라를 하나씩 썼습니다. 성숙한 작곡가로서 그는 오페라 세리아의 전통에도 불구하고 세 방향 모두에서 작업을 계속했습니다.

시든. Platonova Vera, 11 A 클래스

문학에서 계몽주의 시대는 1688년부터 1789년까지 100년의 기간을 다룬다. 영국은 1688년 명예혁명이 일어나 부르주아지가 권력을 잡은 계몽주의의 발상지였습니다. 계몽주의는 합리주의에 기초한 부르주아지라는 새로운 신분의 사상을 표현한다. 계몽주의의 모든 문학 작품에서 세 가지 조건이 충족되어야 합니다. 재미있는 구성, 교훈성, 내러티브의 우화적 성격입니다.
영문학의 계몽
영문학에서 계몽주의는 여러 단계를 거쳤습니다.
18세기 20~30년대에는 산문이 문학을 지배했고, 모험과 여행을 소재로 한 소설이 인기를 끌었다. 이때 그들은 그들의 유명한 작품다니엘 디포와 조나단 스위프트. Daniel Defoe는 평생을 무역과 저널리즘에 바쳤고 여행을 많이 했으며 바다를 잘 알고 1719년에 첫 소설을 출판했습니다. 그들은 소설 "Robinson Crusoe"가되었습니다. 소설 창작의 원동력은 한때 Defoe가 무인도에 상륙하여 4 년 만에 너무 거칠어 져서 인간 기술을 잃은 스코틀랜드 선원에 관한 잡지 기사를 읽었습니다. Defoe는이 아이디어를 다시 생각했고 그의 소설은 바닥에서 온 남자의 작업에 대한 찬송가가되었습니다. Daniel Defoe는 서사시로 New Time 소설 장르의 창시자가되었습니다. 은둔개인. 조나단 스위프트는 Defoe의 동시대 문학적 반대자였습니다. Swift는 기본적으로 Defoe의 사회적 낙관주의를 받아들이지 않는 Robinson Crusoe의 패러디로 그의 소설 Gulliver 's Travels를 썼습니다. 18세기 40-60년대에는 사회적이고 일상적인 교육 소설 장르가 문학에서 번성했습니다. 이 시기의 문학적 인물은 Henry Fielding과 Samuel Richardson입니다. 최대 유명한 소설 Fielding, Tom Jones의 이야기, Foundling. 인생에서 많은 실수를 저지르지만 여전히 선을 위해 선택하는 영웅의 형성을 보여줍니다. 필딩은 자신의 소설을 리차드슨의 클라리사 또는 젊은 여인의 이야기에 대한 논쟁으로 생각했습니다. 주인공 Clarissa는 나중에 성이 나중에 성이 된 Robert Lovelace 경에게 유혹을받습니다. 18세기의 70-90년대에 계몽주의적 리얼리즘은 감상주의로 대체되었는데, 세상을 인식하는 주된 역할은 감각에 부여되었습니다. 감상주의는 문명을 비판하고 자연 숭배를 기반으로하며 감상 주의자들은 사회적 지위를 벗어난 사람 자체에 관심이 있습니다. 중에 감성 소설소설 "Tristram Shandy의 삶과 신념"과 " 감상적인 여행» 로렌스 스턴. 매우 흥미로운 것은 영국 시인 Thomas Gray, James Thompson, Edward Jung의 "묘지"시입니다. 전낭만주의는 감상주의의 깊이에서 무르익는다. 18 세기의 90 년대에는 영국에서 중세 시대의 고대에 대한 관심이 커지고 소위 "고딕"소설이 등장했습니다. 이것은 사이비 기사 소설, 미스터리와 공포의 소설입니다. 고딕 소설 장르의 창시자는 Horace Walpole이며 그의 소설 The Castle of Otranto의 액션은 첫 번째 시대에 발생합니다. 개혁 운동. 문학의 이러한 전통은 Anna Radcliffe와 Matthew Gregory Lewis에 의해 계속됩니다.
깨달음 프랑스 문학
프랑스 문학에서 계몽주의도 여러 단계를 거치는데, 1715~1751년은 계몽주의 고전주의가 지배하는 시기이다. 이때 Voltaire의 소설 "Candide"와 Charles Louis de Montesquieu의 "Persian Letters"가 등장했습니다. 1751-1780 - 계몽주의적 사실주의가 프랑스 문학에 우세하며 이때 Pierre Beaumarchais "세비야의 이발사"와 "피가로의 결혼"의 유명한 코미디가 등장합니다. 영어와 마찬가지로 프랑스 문학에서도 이때 감상주의가 발생했으며 프랑스의 창시자는 Jean-Jacques Rousseau였습니다.
깨달음 독일 문학
독일 문학에서 계몽주의의 주요 인물은 요한 볼프강 괴테와 프리드리히 쉴러입니다. 후자는 그의 연극 "강도"와 "기만과 사랑"으로 유명하며 괴테는 고전 문학, 모두가 알고 있다고 생각합니다. 계몽주의는 다른 나라보다 늦게 독일에 왔지만 가장 위대한 문학 작품을 탄생시켰습니다. 위대한 파우스트 외에도 괴테는 그의 초기 소설인 젊은 베르테르의 고통과 시집 로마 비가를 읽어야 합니다.
제 생각에는 가장 흥미로운 것은 영어 계몽주의입니다. 예를 들어 프랑스어보다 훨씬 덜 혁신적인 아이디어가 포함되어 있습니다. 게다가 영국 계몽주의는 나에게 고딕 소설의 기원과 감상주의자들의 산문을 열어주었다. 영국 계몽주의의 깊숙한 곳에서 낭만주의 이전이 발생하여 나중에 세계 문학사에서 가장 흥미로운 시대 중 하나 인 낭만주의 시대로 발전했습니다.
계몽주의 시대에 전례 없는 음악 예술의 부상이 일어났습니다. K. V. Gluck(1714–1787)이 개혁을 수행한 후 오페라는 음악, 노래 및 복잡한 극적 행동을 하나의 공연으로 결합하는 합성 예술이 되었습니다. FJ Haydn(1732–1809)은 기악을 최고 수준의 고전 예술로 끌어올렸습니다. 계몽주의 음악 문화의 정점은 J.S. Bach(1685–1750)와 W.A. Mozart(1756–1791)의 작품입니다. 깨달음의 이상은 모차르트의 오페라 마술피리(1791)에서 특히 생생하게 드러납니다. 이 작품은 이성과 빛의 숭배, 인간이 우주의 왕관이라는 생각으로 구별됩니다.
18세기 후반 오페라 개혁. 주로 문학 운동이었습니다. 그 조상은 프랑스 작가이자 철학자 J.J. 루소였습니다. Rousseau는 또한 음악을 공부했으며 철학에서 자연으로의 복귀를 요구했다면 오페라 장르에서 그는 단순함으로의 복귀를 옹호했습니다. 1752년, Pergolesi 부인의 하인의 성공적인 파리 초연 1년 전, Rousseau는 자신의 코믹 오페라인 The Village Sorcerer를 작곡했고, 이어서 라모가 공격의 주요 대상이 된 통렬한 프랑스 음악에 관한 편지를 작곡했습니다.
이탈리아. Monteverdi 이후 Cavalli, Alessandro Scarlatti (하프시 코드 작품의 가장 큰 작가 인 Domenico Scarlatti의 아버지), Vivaldi 및 Pergolesi와 같은 오페라 작곡가가 이탈리아에서 차례로 나타났습니다.
코믹 오페라의 전성기. 또 다른 유형의 오페라는 오페라 세리아에 대한 자연스러운 반응으로 발생한 오페라 부파 (opera-buffa) 인 나폴리에서 시작되었습니다. 이러한 유형의 오페라에 대한 열정은 유럽의 도시인 비엔나, 파리, 런던을 빠르게 휩쓸었습니다. 이전 통치자 인 1522 년부터 1707 년까지 나폴리를 통치했던 스페인 사람들로부터 도시는 민속 코미디의 전통을 물려 받았습니다. 온실에서 엄격한 교사들에게 욕을 먹었지 만 코미디는 학생들을 사로 잡았습니다. 그들 중 한 사람인 G. B. Pergolesi(1710–1736)는 23세의 나이에 인터메조 또는 작은 코믹 오페라인 The Servant-Mistress(1733)를 썼습니다. 이전에도 작곡가들은 인터메조(보통 오페라 세리아 막 사이에 연주됨)를 작곡했지만 페르골레시의 창작물은 엄청난 성공을 거두었습니다. 그의 대본에서 그것은 고대 영웅의 착취에 관한 것이 아니라 완전히 현대적인 상황에 관한 것입니다. 주인공은 "commedia dell'arte"에서 알려진 유형에 속했습니다. 즉, 표준 만화 역할 세트가있는 전통적인 이탈리아 즉석 코미디입니다. 부파 오페라 장르는 G. Paisiello(1740–1816) 및 D. Cimarosa(1749–1801)와 같은 후기 나폴리인의 작품에서 현저하게 발전했으며 Gluck 및 Mozart의 코믹 오페라는 말할 것도 없습니다. 프랑스. 프랑스에서 륄리는 18세기 전반에 걸쳐 오페라 무대를 지배했던 라모로 대체되었습니다. 부파 오페라의 프랑스어 비유는 "코믹 오페라"(오페라 코미크)였습니다. F. Philidor(1726-1795), P. A. Monsigny(1729-1817) 및 A. Gretry(1741-1813)와 같은 작가들은 Pergolesian의 전통 조롱을 마음에 새기고 자신들만의 코믹 오페라 모델을 개발했습니다. 취향, 암송 대신 대화 장면의 도입을 제공했습니다. 독일. 오페라는 독일에서 덜 발전했다고 믿어집니다. 사실 많은 독일 오페라 작곡가들이 독일 밖에서 일했습니다. 영국의 헨델, 이탈리아의 가세, 비엔나와 파리의 글루크, 독일 궁정 극장은 유행하는 이탈리아 극단이 차지했습니다. 오페라 부파와 프랑스 코믹 오페라의 현지 유사어인 징슈필은 라틴 국가보다 늦게 개발되기 시작했습니다. 이 장르의 첫 번째 예는 I. A. Hiller(1728-1804)의 "Devil at Large"로, Mozart가 Seraglio에서 납치되기 6년 전인 1766년에 작성되었습니다. 아이러니하게도 독일의 위대한 시인 괴테와 실러는 국내가 아니라 이탈리아와 프랑스의 오페라 작곡가들에게 영감을 주었습니다. 오스트리아. 비엔나의 오페라는 크게 세 가지로 나뉩니다. 주요 장소는 진지한 이탈리아 오페라 (ital. 오페라 세리아), 고전적인 영웅들과 신들이 엄청난 비극의 분위기 속에서 살다가 죽었습니다. 덜 형식적인 것은 이탈리아 코미디 (commedia dell "arte)의 Harlequin과 Columbine의 음모를 기반으로 한 코믹 오페라 (opera buffa)로, 뻔뻔한 부족, 그들의 낡은 주인 및 모든 종류의 도적과 사기꾼으로 둘러싸여 있습니다. 이 이탈리아어와 함께 형태, 독일 코믹 오페라(징슈필)가 개발됨), 그의 성공은 아마도 그의 모국어인 독일어를 사용하여 일반 대중이 접근할 수 있었기 때문일 것입니다. 그의 플롯은 액션의 전개를 지연시키는 긴 솔로 아리아에 의해 음소거되지 않고 가수가 자신의 목소리의 힘을 보여줄 수 있는 유일한 기회로 작용했습니다. 그의 재능의 힘을 통해 모차르트는 이 세 가지 방향을 결합했습니다. 십대 때 그는 각 유형의 오페라 하나 성숙한 작곡가로서 그는 오페라 세리아 전통이 퇴색했지만 세 방향 모두에서 계속 작업했습니다.

* 이 일과학적 작업이 아니며 졸업이 아닙니다. 자격을 갖춘 작업수집된 정보를 처리, 구조화 및 형식화한 결과이며 다음을 위한 자료 소스로 사용하기 위한 것입니다. 독학교육 작업.

주제 보고: "계몽 시대의 음악"

계몽주의 시대에 전례 없는 음악 예술의 부상이 일어났습니다. K. V. Gluck(1714–1787)이 개혁을 수행한 후 오페라는 음악, 노래 및 복잡한 극적 행동을 하나의 공연으로 결합하는 합성 예술이 되었습니다. FJ Haydn(1732–1809)은 기악을 최고 수준의 고전 예술로 끌어올렸습니다. 계몽주의 음악 문화의 정점은 J.S. Bach(1685–1750)와 W.A. Mozart(1756–1791)의 작품입니다. 깨달음의 이상은 모차르트의 오페라 마술피리(1791)에서 특히 생생하게 드러납니다. 이 작품은 이성과 빛의 숭배, 인간이 우주의 왕관이라는 생각으로 구별됩니다.

18세기 오페라 예술

18세기 후반 오페라 개혁. 주로 문학 운동이었습니다. 그 조상은 프랑스 작가이자 철학자 J.J. 루소였습니다. Rousseau는 또한 음악을 공부했으며 철학에서 자연으로의 복귀를 요구했다면 오페라 장르에서 그는 단순함으로의 복귀를 옹호했습니다. 1752년, Pergolesi 부인의 하인의 성공적인 파리 초연 1년 전, Rousseau는 자신의 코믹 오페라인 The Village Sorcerer를 작곡했고, 이어서 라모가 공격의 주요 대상이 된 통렬한 프랑스 음악에 관한 편지를 작곡했습니다.

이탈리아. Monteverdi 이후 Cavalli, Alessandro Scarlatti (하프시 코드 작품의 가장 큰 작가 인 Domenico Scarlatti의 아버지), Vivaldi 및 Pergolesi와 같은 오페라 작곡가가 이탈리아에서 차례로 나타났습니다.

코믹 오페라의 전성기. 또 다른 유형의 오페라는 오페라 세리아에 대한 자연스러운 반응으로 발생한 오페라 부파 (opera-buffa) 인 나폴리에서 시작되었습니다. 이러한 유형의 오페라에 대한 열정은 유럽의 도시인 비엔나, 파리, 런던을 빠르게 휩쓸었습니다. 이전 통치자 인 1522 년부터 1707 년까지 나폴리를 통치했던 스페인 사람들로부터 도시는 민속 코미디의 전통을 물려 받았습니다. 온실에서 엄격한 교사들에게 욕을 먹었지 만 코미디는 학생들을 사로 잡았습니다. 그들 중 한 사람인 G. B. Pergolesi(1710–1736)는 23세의 나이에 인터메조 또는 작은 코믹 오페라인 The Servant-Mistress(1733)를 썼습니다. 이전에도 작곡가들은 인터메조(보통 오페라 세리아 막 사이에 연주됨)를 작곡했지만 페르골레시의 창작물은 엄청난 성공을 거두었습니다. 그의 대본에서 그것은 고대 영웅의 착취에 관한 것이 아니라 완전히 현대적인 상황에 관한 것입니다. 주인공은 "commedia dell'arte"에서 알려진 유형에 속했습니다. 즉, 표준 만화 역할 세트가있는 전통적인 이탈리아 즉석 코미디입니다. 부파 오페라 장르는 G. Paisiello(1740–1816) 및 D. Cimarosa(1749–1801)와 같은 후기 나폴리인의 작품에서 현저하게 발전했으며 Gluck 및 Mozart의 코믹 오페라는 말할 것도 없습니다.

프랑스. 프랑스에서 륄리는 18세기 전반에 걸쳐 오페라 무대를 지배했던 라모로 대체되었습니다.

부파 오페라의 프랑스어 비유는 "코믹 오페라"(오페라 코미크)였습니다. F. Philidor(1726-1795), P. A. Monsigny(1729-1817) 및 A. Gretry(1741-1813)와 같은 작가들은 Pergolesian의 전통 조롱을 마음에 새기고 자신들만의 코믹 오페라 모델을 개발했습니다. 취향, 암송 대신 대화 장면의 도입을 제공했습니다.

독일. 오페라는 독일에서 덜 발전했다고 믿어집니다. 사실 많은 독일 오페라 작곡가들이 독일 밖에서 일했습니다. 영국의 헨델, 이탈리아의 가세, 비엔나와 파리의 글루크, 독일 궁정 극장은 유행하는 이탈리아 극단이 차지했습니다. 오페라 부파와 프랑스 코믹 오페라의 현지 유사어인 징슈필은 라틴 국가보다 늦게 개발되기 시작했습니다. 이 장르의 첫 번째 예는 I. A. Hiller(1728-1804)의 "Devil at Large"로, Mozart가 Seraglio에서 납치되기 6년 전인 1766년에 작성되었습니다. 아이러니하게도 독일의 위대한 시인 괴테와 실러는 국내가 아니라 이탈리아와 프랑스의 오페라 작곡가들에게 영감을 주었습니다.

오스트리아. 비엔나의 오페라는 크게 세 가지로 나뉩니다. 주요 장소는 고전적인 영웅과 신들이 큰 비극의 분위기에서 살다가 죽은 진지한 이탈리아 오페라 (이탈리아 오페라 세리아)가 차지했습니다. 덜 형식적인 것은 이탈리아 코미디 (commedia dell "arte)의 Harlequin과 Columbine의 음모를 기반으로 한 코믹 오페라 (opera buffa)로, 뻔뻔한 부족, 그들의 낡은 주인 및 모든 종류의 도적과 사기꾼으로 둘러싸여 있습니다. 이 이탈리아어와 함께 형태, 독일 코믹 오페라(징슈필)가 개발됨), 그의 성공은 아마도 그의 모국어인 독일어를 사용하여 일반 대중이 접근할 수 있었기 때문일 것입니다. 그의 음모는 행동의 전개를 지연시키고 가수들이 그들의 목소리의 힘을 보여줄 수 있는 유일한 기회로 작용하는 긴 솔로 아리아에 의해 음소거되지 않았습니다.

그의 재능의 힘으로 모차르트는 이 세 가지 방향을 결합했습니다. 십대 때 그는 각 유형의 오페라를 하나씩 썼습니다. 성숙한 작곡가로서 그는 오페라 세리아 전통이 퇴색했지만 세 방향 모두에서 계속 작업했습니다.

Platonova Vera, 11 A 클래스