Romantikkens komponister. Senromantikk

Romantikk i musikk

Hovedartikkel: Musikk fra den romantiske perioden

I musikken utviklet retningen av romantikken seg i 1820 år, tok utviklingen det hele XIXårhundre. Romantiske komponister prøvde ved hjelp av musikalske virkemidler uttrykke dybden og rikdommen i menneskets indre verden. Musikken blir mer preget, individuell. Sangsjangre er i utvikling, bl.a ballade.

Representanter for romantikk i musikk er: in Østerrike - Franz Schubert; V Tyskland - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber,Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; V Italia - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, tidlig Giuseppe Verdi; i Frankrike - G. Berlioz, D. F. Ober, J. Meyerbeer; V Polen - Frederic Chopin; V Ungarn - Franz Liszt.

I Russland jobbet de i tråd med romantikken A. A. Alyabiev, M. I. Glinka, Dargomyzhsky, Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Mussorgsky,Borodin, Cui, P. I. Tsjaikovskij.

Ideen om kunstsyntese kom til uttrykk i romantikkens ideologi og praksis. Romantikken i musikken tok form på 20-tallet av 1800-tallet under påvirkning av romantikkens litteratur og utviklet seg i nær forbindelse med den, med litteraturen generelt (med sikte på syntetiske sjangre, først og fremst opera, sang, instrumentelle miniatyrer og musikalsk programmering). Appellen til en persons indre verden, karakteristisk for romantikken, ble uttrykt i kulten av det subjektive, suget etter det følelsesmessig intense, som bestemte musikkens og tekstenes forrang i romantikken.

Musikk 1 halvparten av XIX V. utviklet seg raskt. Et nytt musikalsk språk vokste fram; i instrumental og kammervokalmusikk fikk miniatyren en spesiell plass; orkesteret lød med et mangfoldig spekter av farger; mulighetene til piano og fiolin ble avslørt på en ny måte; romantikernes musikk var veldig virtuos.

Musikalsk romantikk manifesterte seg i mange ulike grener knyttet til ulike nasjonale kulturer og med ulike sosiale bevegelser. Så for eksempel skiller den intime, lyriske stilen til de tyske romantikerne og den "oratoriske" sivile patosen, karakteristisk for kreativitet, seg betydelig. franske komponister. På sin side oppsto representanter for nye nasjonale skoler som oppsto på grunnlag av en bred nasjonal frigjøringsbevegelse (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), samt representanter for den italienske operaskolen, nært knyttet til Risorgimento-bevegelsen (Verdi, Bellini), skiller seg på mange måter fra samtidige i Tyskland, Østerrike eller Frankrike, spesielt tendensen til å bevare de klassiske tradisjonene.

Ikke desto mindre er alle preget av noen generelle kunstneriske prinsipper som lar oss snakke om en enkelt romantisk tankestruktur.

På grunn av musikkens spesielle evne til dypt og gjennomtrengende å avsløre den rike verden av menneskelige opplevelser, ble den satt i første rekke blant andre kunster av romantisk estetikk. Mange romantikere la vekt på en intuitiv begynnelse til musikk, og tilskrev den egenskapen til å uttrykke det "ukjennelige". Arbeidet til fremragende romantiske komponister hadde et sterkt realistisk grunnlag. interesse for livet vanlige folk, livets fylde og følelsenes sannhet, avhengighet av musikken i hverdagen bestemte realismen i arbeidet til de beste representantene for musikalsk romantikk. Reaksjonære tendenser (mystikk, virkelighetsflukt) er iboende i bare et relativt lite antall romantikeres verk. De dukket delvis opp i operaen Euryanta av Weber (1823), i noen musikalske dramaer av Wagner, oratorium Kristus av Liszt (1862), etc.

Ved begynnelsen av 1800-tallet dukket det opp grunnleggende studier av folklore, historie, gammel litteratur, middelalderlegender, gotisk kunst og renessansens kultur som hadde blitt glemt ble gjenoppstått. Det var på dette tidspunktet mange nasjonale skoler av en spesiell type utviklet seg i komponistens arbeid i Europa, som var bestemt til å utvide grensene for felles europeisk kultur betydelig. Russisk, som snart tok, om ikke den første, så en av de første stedene i verdens kulturell kreativitet (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), polsk (Chopin, Moniuszko), tsjekkisk (rømme, Dvorak), ungarsk ( Liste), deretter norsk (Grieg), spansk (Pedrel), finsk (Sibelius), engelsk (Elgar) - alle sammen, smeltet sammen i den generelle hovedstrømmen av komponistens arbeid i Europa, motsatte seg på ingen måte de etablerte eldgamle tradisjonene . En ny sirkel av bilder dukket opp, som uttrykker de unike nasjonale trekkene til den nasjonale kulturen som komponisten tilhørte. Intonasjonsstrukturen til verket lar deg umiddelbart gjenkjenne på øret som tilhører en bestemt nasjonal skole.

Komponister involverer i det felles europeiske musikalske språket de innasjonale svingene til den gamle, hovedsakelig bondefolkloren i deres land. De renset så å si den russiske folkesangen fra den lakkerte operaen, de introduserte i det kosmopolitiske intonasjonssystemet til 1700-tallets sangvendinger av folkelige hverdagssjangre. Det mest slående fenomenet i romantikkens musikk, som er spesielt levende oppfattet sammenlignet med klassisismens figurative sfære, er dominansen til det lyrisk-psykologiske prinsippet. Selvfølgelig er et særtrekk ved musikalsk kunst generelt brytningen av ethvert fenomen gjennom følelsessfæren. Musikk fra alle tidsepoker er underlagt dette mønsteret. Men romantikerne overgikk alle sine forgjengere i verdien av den lyriske begynnelsen i musikken deres, i styrke og perfeksjon i å formidle dybden av en persons indre verden, de mest subtile nyanser av humør.

Temaet kjærlighet inntar en dominerende plass i det, fordi det er denne sinnstilstanden som mest omfattende og fullstendig gjenspeiler alle dybder og nyanser i den menneskelige psyken. Men i høyeste grad Det er karakteristisk at dette temaet ikke er begrenset til kjærlighetens motiver i bokstavelig ord, men er identifisert med det bredeste spekteret av fenomener. De rent lyriske opplevelsene til karakterene avsløres på bakgrunn av et bredt historisk panorama. Et menneskes kjærlighet til sitt hjem, til sitt fedreland, til sitt folk går som en tråd gjennom alle romantiske komponisters verk.

En enorm plass er gitt i musikalske verk av små og store former til bildet av naturen, tett og uløselig sammenvevd med temaet lyrisk bekjennelse. I likhet med bildene av kjærlighet, personifiserer bildet av naturen heltens sinnstilstand, så ofte farget av en følelse av disharmoni med virkeligheten.

Temaet fantasi konkurrerer ofte med bilder av naturen, som sannsynligvis er generert av ønsket om å rømme fra det virkelige livets fangenskap. Typisk for romantikere var jakten på en herlig, glitrende med verdens rikdom av farger, i motsetning til grå hverdag. Det var i disse årene at litteraturen ble beriket med eventyr, ballader av russiske forfattere. Komponistene av den romantiske skolen har fantastiske, fantastiske bilder ta på seg en nasjonal identitet. Balladene er inspirert av russiske forfattere, og takket være dette skapes verk med en fantastisk grotesk plan, som symboliserer så å si feil side av troen, og streber etter å snu ideene om frykt for ondskapens krefter.

Mange romantiske komponister fungerte også som musikkskribenter og kritikere (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, etc.). Det teoretiske arbeidet til representanter for progressiv romantikk ga et svært viktig bidrag til utviklingen av de viktigste spørsmålene innen musikalsk kunst. Romantikken kom også til uttrykk i scenekunsten (fiolinisten Paganini, sangeren A. Nurri og andre).

Romantikkens progressive betydning i denne perioden ligger hovedsakelig i aktiviteten Franz Liszt. Liszts verk, til tross for det motstridende verdensbildet, var i utgangspunktet progressivt, realistisk. En av grunnleggerne og klassikerne av ungarsk musikk, en fremragende nasjonal artist.

Ungarske nasjonale temaer gjenspeiles mye i mange av Liszts verk. Liszts romantiske, virtuose komposisjoner utvidet de tekniske og uttrykksfulle mulighetene for pianospill (konserter, sonater). Viktige var Liszts forbindelser med representanter for russisk musikk, hvis verk han aktivt promoterte.

Samtidig spilte Liszt en stor rolle i utviklingen av verdensmusikalsk kunst. Etter Liszt ble "alt mulig for pianoforte." De karakteristiske trekkene ved musikken hans er improvisasjon, romantisk oppstemthet av følelser, uttrykksfull melodi. Liszt er verdsatt som en komponist, utøver, musikalsk figur. Hovedverk av komponisten: opera " Don Sancho eller kjærlighetens slott"(1825), 13 symfoniske dikt" Tasso”, ” Prometheus”, “Hamlet” og andre, verk for orkester, 2 konserter for piano og orkester, 75 romanser, kor og andre like kjente verk.

En av de første manifestasjonene av romantikk i musikk var kreativitet Franz Schubert(1797-1828). Schubert gikk inn i musikkhistorien som den største av grunnleggerne av musikalsk romantikk og skaperen av en rekke nye sjangre: romantisk symfoni, pianominiatyr, lyrisk-romantisk sang (romantikk). Det viktigste i arbeidet hans er sang, der han viste spesielt mange nyskapende tendenser. I Schuberts sanger er den indre verdenen til en person dypest avslørt, hans karakteristiske forbindelse med folkemusikk er mest merkbar, en av de mest essensielle egenskapene til talentet hans er mest tydelig - den fantastiske variasjonen, skjønnheten, sjarmen til melodier. TIL de beste sangene tidlig periode tilhører " Margarita ved spinnehjulet”(1814) , “skogkonge". Begge sangene er skrevet til Goethes ord. I den første av dem husker den forlatte jenta sin elskede. Hun er ensom og lider dypt, sangen hennes er trist. En enkel og oppriktig melodi gjenspeiles bare av den monotone summingen av brisen. «Skogkongen» er et komplekst verk. Dette er ikke en sang, men snarere en dramatisk scene der tre karakterer dukker opp foran oss: en far som rir på en hest gjennom skogen, et sykt barn som han bærer med seg, og en formidabel skogkonge som viser seg for en gutt i feber. delirium. Hver av dem har sitt eget melodiske språk. Schuberts sanger "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" er ikke mindre kjente og elskede. Disse sangene er skrevet i senere år, og er bemerkelsesverdige for sin overraskende enkle og uttrykksfulle melodi og friske farger.

Schubert skrev også to sykluser med sanger - " vakker møller"(1823), og" vintersti"(1872) - til ord tysk poet Wilhelm Müller. I hver av dem er sangene forent av ett plot. Sangene til syklusen "The Beautiful Miller's Woman" forteller om en ung gutt. Etter bekkens løp legger han ut på en reise for å søke sin lykke. De fleste sangene i denne syklusen har en lett karakter. Stemningen i syklusen "Winter Way" er helt annerledes. En fattig ung mann blir avvist av en rik brud. I desperasjon forlater han fødebyen og drar rundt i verden. Hans følgesvenner er vinden, en snøstorm, en illevarslende kråke.

De få eksemplene som er gitt her, lar oss snakke om trekkene ved Schuberts låtskriving.

Schubert elsket å skrive pianomusikk. For dette instrumentet skrev han et stort antall verk. Som sanger var pianoverkene hans nær hverdagsmusikken og like enkle og forståelige. Favorittsjangrene til komposisjonene hans var danser, marsjer og inn i fjor liv - improvisert.

Valser og andre danser dukket vanligvis opp på Schuberts baller, i landvandringer. Der improviserte han dem, og spilte dem inn hjemme.

Sammenligner vi Schuberts pianostykker med sangene hans, kan vi finne mange likhetstrekk. Først av alt er det en stor melodisk uttrykksevne, ynde, fargerik sammenstilling av dur og moll.

En av de største fransk komponister fra andre halvdel av 1800-tallet Georges Bizet, skaperen av en udødelig skapelse for musikkteater - operaer “Carmen"og fantastisk musikk til dramaet av Alphonse Daudet" Arlesisk”.

Bizets verk er preget av nøyaktighet og klarhet i tankene, nyhet og friskhet av uttrykksmidler, fullstendighet og eleganse i form. Bizet er preget av skarpheten til psykologisk analyse i å forstå menneskelige følelser og handlinger, som er karakteristisk for arbeidet til komponistens store landsmenn - forfatterne Balzac, Flaubert, Maupassant. Den sentrale plassen i arbeidet til Bizet, mangfoldig i sjangere, tilhører operaen. Komponistens operakunst oppsto på nasjonal jord og ble næret av tradisjonene til det franske operahuset. Bizet anså den første oppgaven i sitt arbeid å være å overvinne eksisterende fransk opera sjangerbegrensninger som hindrer utviklingen. Den «store» operaen virker for ham som en død sjanger, den lyriske operaen irriterer med sin tårefullhet og småborgerlige trangsynthet, tegneserien fortjener oppmerksomhet mer enn andre. For første gang i Bizets opera dukker det opp saftige og livlige hjemlige scener og massescener, i påvente av liv og levende scener.

Bizets musikk til Alphonse Daudets drama «Arlesisk” er hovedsakelig kjent for to konsertsuiter som består av hennes beste numre. Bizet brukte noen autentiske provençalske melodier : "De tre kongers mars" Og "Dans av friske hester".

Bizets opera Carmen”- et musikkdrama som med overbevisende sannhet og med fengslende kunstnerisk kraft utspiller historien om kjærligheten og døden til sine helter: soldaten Jose og sigøyneren Carmen. Opera Carmen ble skapt på bakgrunn av tradisjonene fra fransk musikkteater, men samtidig introduserte den også mye nytt. Basert på de beste prestasjonene til den nasjonale operaen og reformere dens viktigste elementer, skapte Bizet ny sjanger- realistisk musikkdrama.

I historien til operahuset på 1800-tallet inntar operaen Carmen en av de første plassene. Siden 1876 begynner hennes triumftog gjennom scenene. operahus Wien, Brussel, London.

Manifestasjonen av et personlig forhold til miljøet ble uttrykt av poeter og musikere, først og fremst i umiddelbarhet, emosjonell "åpenhet" og lidenskap for uttrykk, i et forsøk på å overbevise lytteren ved hjelp av den uopphørlige intensiteten i tonen til anerkjennelse eller tilståelse.

Disse nye trendene innen kunst hadde en avgjørende innflytelse på fremveksten lyrisk opera. Det oppsto som en motsetning til "stort" og komisk opera, men hun kunne ikke gå forbi deres erobringer og prestasjoner innen operadramaturgi og musikalske uttrykksmidler.

Et særtrekk ved den nye operasjangeren var den lyriske tolkningen av ethvert litterært plot - historisk, filosofisk eller moderne tema. Heltene i den lyriske operaen er utstyrt med trekkene til vanlige mennesker, blottet for eksklusivitet og en viss hyperbolisering, karakteristisk for en romantisk opera. Den mest betydningsfulle artisten innen lyrisk opera var Charles Gounod.

Blant den ganske tallrike operatarven til Gounod, er operaen " Faust" inntar en spesiell og, kan man si, eksepsjonell plass. Henne verdensomspennende berømmelse og populariteten er uovertruffen av Gounods andre operaer. Den historiske betydningen av operaen Faust er spesielt stor fordi den ikke bare var den beste, men i hovedsak den første blant operaene i den nye retningen, som Tsjaikovskij skrev om: «Det er umulig å benekte at Faust ble skrevet, om ikke med geni, da med ekstraordinær dyktighet og uten nevneverdig identitet.» I bildet av Faust utjevnes den skarpe inkonsekvensen og "bifurkasjonen" i bevisstheten hans, den evige misnøyen forårsaket av ønsket om å kjenne verden. Gounod kunne ikke formidle all allsidigheten og kompleksiteten til bildet av Goethes Mephistopheles, som legemliggjorde ånden av militant kritikk fra den tiden.

En av hovedårsakene til populariteten til "Faust" var at den konsentrerte de beste og grunnleggende nye trekkene i den unge sjangeren lyrisk opera: en følelsesmessig direkte og levende individuell overføring av operakarakterenes indre verden. Den dype filosofiske betydningen av Goethes Faust, som forsøkte å avsløre hele menneskehetens historiske og sosiale skjebner på eksemplet om hovedpersonenes konflikt, ble legemliggjort av Gounod i form av et humant lyrisk drama av Marguerite og Faust.

Fransk komponist, dirigent, musikkritiker Hector Berlioz kom inn i musikkhistorien som den største romantiske komponisten, skaperen av programmets symfoni, innovatør innen musikalsk form, harmoni og spesielt instrumentering. I hans arbeid fant de en levende legemliggjøring av trekkene til revolusjonær patos og heroikk. Berlioz var kjent med M. Glinka, hvis musikk han satte stor pris på. Han var på vennskapelig fot med lederne av "Mighty Handful", som entusiastisk aksepterte hans forfatterskap og kreative prinsipper.

Han skapte 5 musikalske sceneverk, inkludert operaen " Benvenuto Cillini”(1838), “ Trojanere”,”Beatrice og Benedict(basert på Shakespeares komedie Much Ado About Nothing, 1862); 23 vokale og symfoniske verk, 31 romanser, kor, han skrev bøkene "Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration" (1844), "Evenings in the Orchestra" (1853), "Through Songs" (1862), "Musical Curiosities" ( 1859), "Memoirs" (1870), artikler, anmeldelser.

tysk komponist, dirigent, dramatiker, publisist Richard Wagner kom inn i verdenshistorien musikalsk kultur som en av de største musikalske skaperne og de største reformatorene operakunst. Målet med reformene hans var å skape et monumentalt programmatisk vokal-symfonisk verk i dramatisk form, designet for å erstatte alle typer opera og symfonisk musikk. Et slikt verk var et musikkdrama, der musikken flyter i en kontinuerlig strøm og smelter sammen alle de dramatiske leddene. Wagner avviste den ferdige sangen og erstattet dem med en slags følelsesmessig rik resitativ. En stor plass i Wagners operaer er okkupert av uavhengige orkestrale episoder, som er et verdifullt bidrag til verdens symfoniske musikk.

Wagners hånd tilhører 13 operaer:" Den flygende nederlenderen"(1843),"Tannhäuser"(1845),"Tristan og Isolde"(1865), "Rhinens gull"(1869) og så videre.; kor, pianostykker, romanser.

En annen fremragende tysk komponist, dirigent, pianist, lærer og musikalsk figur var Felix Mendelssohn-Bartholdy. Fra en alder av 9 begynte han å opptre som pianist, i en alder av 17 skapte han et av mesterverkene - en ouverture til en komedie " En midtsommernatts drøm" Shakespeare. I 1843 grunnla han det første konservatoriet i Tyskland i Leipzig. I Mendelssohns verk, «en klassiker blant romantikerne», kombineres romantiske trekk med det klassiske tenkningssystemet. Musikken hans er preget av lys melodi, uttrykksdemokratisme, moderering av følelser, ro i tankene, overvekt av lyse følelser, lyriske stemninger, ikke uten et lite snev av sentimentalitet, upåklagelige former, strålende håndverk. R. Schumann kalte ham "1800-tallets Mozart", G. Heine - "et musikalsk mirakel".

Forfatter av landskapsromantiske symfonier ("skotsk", "italiensk"), programkonsertouverturer, en populær fiolinkonsert, sykluser av stykker for pianoforte "Sang uten ord"; operaene Camacho's Marriage.Han skrev musikk til det dramatiske stykket Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) av Sophocles, Atalia av Racine (1845), Shakespeares En midtsommernattsdrøm (1843) og andre; oratorier "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 konserter for piano og 2 for fiolin.

Iitaliensk musikalsk kultur et spesielt sted tilhører GiuseppeVerdi- en fremragende komponist, dirigent, organist. Hovedområdet for Verdis arbeid er opera. Han fungerte hovedsakelig som en talsmann for det italienske folks heroisk-patriotiske følelser og nasjonale frigjøringsideer. I de påfølgende årene ga han oppmerksomhet til dramatiske konflikter generert av sosial ulikhet, vold, undertrykkelse og fordømte ondskap i operaene hans. Karakteristiske trekk ved Verdis arbeid: folkemusikk, dramatisk temperament, melodisk lysstyrke, forståelse av scenens lover.

Han skrev 26 operaer: " Nabucco”, “Macbeth”, “Trubadur”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida" og så videre . , 20 romanser, vokalensembler .

Ung norsk komponist Edvard Grieg (1843-1907) ønsket å utvikle nasjonal musikk. Dette kom ikke bare til uttrykk i hans arbeid, men også i promoteringen av norsk musikk.

I løpet av årene i København skrev Grieg mye musikk: " Poetiske bilder" Og "Humoresk", sonate for piano og første fiolinsonate, sanger. For hvert nytt verk kommer bildet av Grieg som norsk komponist tydeligere frem. I den underfundige lyriske «Poetiske bilder» (1863) bryter nasjonale trekk fortsatt fryktsomt gjennom. Den rytmiske figuren finnes ofte i norsk folkemusikk; den ble karakteristisk for mange av Griegs melodier.

Griegs arbeid er stort og mangefasettert. Grieg skrev verk av ulike sjangre. Pianokonsert og ballader, tre sonater for fiolin og piano og en sonate for cello og piano, vitner kvartetten om Griegs konstante sug etter stor form. Samtidig forble komponistens interesse for instrumentelle miniatyrer uendret. I samme grad som pianoforte ble komponisten tiltrukket av kammervokalminiatyren - en romanse, en sang. Ikke vær den viktigste med Grieg, feltet for symfonisk kreativitet er preget av slike mesterverk som suitene " Per Gounod”, “Fra Holbergs dager". En av karakteristiske arter Griegs verk - arrangementer av folkesanger og danser: i form av enkle pianostykker, en suitesyklus for piano firehender.

Griegs musikalske språk er sterkt originalt. Egenskapen til komponistens stil er mest av alt bestemt av hans dype tilknytning til norsk folkemusikk. Grieg bruker mye sjangertrekk, intonasjonsstruktur, rytmiske formler for folkesang og dansemelodier.

Griegs bemerkelsesverdige mestring av variasjons- og variantutvikling av en melodi er forankret i folketradisjoner med gjentatt repetisjon av en melodi med dens forandringer. "Jeg spilte inn folkemusikken i landet mitt." Bak disse ordene ligger Griegs ærbødige holdning til folkekunst og anerkjennelse av hans avgjørende rolle for sin egen kreativitet.

romantikk, og til slutt en kraftig realistisk ... fulgte. II. Romantikk i russisk maleri Romantikk annerledes i Russland...

Zweig hadde rett: Europa har ikke sett en så fantastisk generasjon som romantikere siden renessansen. Fantastiske bilder av drømmenes verden, nakne følelser og ønsket om sublim spiritualitet - dette er fargene som maler romantikkens musikalske kultur.

Fremveksten av romantikken og dens estetikk

Mens den industrielle revolusjonen fant sted i Europa, ble det satt håp til den store den franske revolusjon. Kulten av fornuft, forkynt av opplysningstiden, ble styrtet. Følelseskulten og det naturlige prinsippet i mennesket steg opp på pidestallen.

Slik ble romantikken født. I musikalsk kultur varte det litt mer enn et århundre (1800-1910), mens det i beslektede områder (maleri og litteratur) utløp et halvt århundre tidligere. Kanskje musikken har "skylden" for dette - det var hun som var på toppen blant romantikernes kunst som den mest åndelige og frieste av kunstene.

Romantikerne, i motsetning til representanter for antikkens og klassisismens epoker, bygde imidlertid ikke et hierarki av kunst med sin klare inndeling i typer og. Det romantiske systemet var universelt, kunstene kunne fritt bevege seg inn i hverandre. Ideen om syntesen av kunst var en av nøkkelideene i romantikkens musikalske kultur.

Dette forholdet gjaldt også kategoriene estetikk: det vakre ble forbundet med det stygge, det høye med det basale, det tragiske med det komiske. Slike overganger var forbundet med romantisk ironi, som også reflekterte det universelle bildet av verden.

Alt som hadde med skjønnhet å gjøre fikk en ny betydning blant romantikerne. Naturen ble et objekt for tilbedelse, kunstneren ble idolisert som den høyeste av dødelige, og følelser ble opphøyet over fornuften.

Åndløs virkelighet var i motsetning til en drøm, vakker, men uoppnåelig. En romantiker bygde ved hjelp av fantasien sin nye verden, i motsetning til andre virkeligheter.

Hvilke temaer valgte de romantiske kunstnerne?

Romantikernes interesser ble tydelig manifestert i valget av temaer de valgte i kunsten.

• Ensomhetstema. Et undervurdert geni eller en ensom person i samfunnet - disse temaene var de viktigste for komponistene fra denne epoken (Schumanns "Kjærlighet til poeten", Mussorgskys "Uten solen").
• Temaet "lyrisk bekjennelse". I mange opus av romantiske komponister er det et snev av selvbiografi (Schumanns karneval, Berlioz' Fantastiske symfoni).
• Kjærlighets tema. I utgangspunktet er dette et tema om udelt eller tragisk kjærlighet, men ikke nødvendigvis ("Love and Life of a Woman" av Schumann, "Romeo and Juliet" av Tchaikovsky).
• Banetema. Hun kalles også reise tema. Romantikkens sjel, revet i stykker av motsetninger, lette etter sin egen vei ("Harold i Italia" av Berlioz, "År av vandringer" av Liszt).
• Temaet død. I bunn og grunn var det åndelig død (Tsjaikovskijs sjette symfoni, Schuberts "Vinterreise").
• Natur tema. Naturen i øynene til en romantisk og en beskyttende mor, og en empatisk venn, og straffer skjebnen ("Hebridene" av Mendelssohn, "I Sentral Asia» Borodina). Kulten av hjemlandet (polonaiser og ballader av Chopin) er også forbundet med dette temaet.
• Fantasi-tema. Den imaginære verdenen for romantikere var mye rikere enn den virkelige (" magisk skytespill» Weber, «Sadko» Rimsky-Korsakov).

Musikalske sjangere fra den romantiske epoken

Romantikkens musikalske kultur ga drivkraft til utviklingen av sjangrene for kammervokaltekster: ballade("Skogen" av Schubert), dikt("Lady of the Lake" av Schubert) og sanger, ofte kombinert til sykluser("Myrtle" av Schumann).

romantisk opera ble preget ikke bare av den fantastiske handlingen, men også ved den sterke sammenhengen mellom ord, musikk og scenehandling. Operaen blir symfonisert. Det er nok å minne om Wagners Ring of the Nibelungen med et utviklet nettverk av ledemotiver.

Blant romantikkens instrumentelle sjangere er det piano miniatyr. For å formidle ett bilde eller en øyeblikkelig stemning, er et lite skuespill nok for dem. Til tross for omfanget er stykket fullt av uttrykk. Det kan hun være "sang uten ord" (som Mendelssohn) mazurka, vals, nocturne eller leker med programmatiske titler (Schumanns Impuls).

Som sanger blir skuespill noen ganger kombinert til sykluser ("Sommerfugler" av Schumann). Samtidig dannet deler av syklusen, sterkt kontrasterende, alltid en enkelt komposisjon på grunn av musikalske forbindelser.

Romantikere elsket programmusikk som kombinerte den med litteratur, maleri eller annen kunst. Derfor styrte ofte handlingen i deres forfattere. Det var en-sats sonater (Liszts h-moll sonate), en-sats konserter (Liszts første klaverkonsert) og symfoniske dikt (Liszts Preludier), en fem-sats symfoni (Berlioz' Fantastic Symphony).

Musikalsk språk av romantiske komponister

Syntesen av kunst, sunget av romantikerne, påvirket virkemidlene musikalsk uttrykksevne. Melodien er blitt mer individuell, følsom for ordets poetikk, og akkompagnementet har sluttet å være nøytralt og typisk i teksturen.

Harmony ble beriket med enestående farger for å fortelle om opplevelsene til den romantiske helten.Dermed formidlet de romantiske intonasjonene av sløvhet perfekt endrede harmonier som øker spenningen. Romantikere elsket også effekten av chiaroscuro da majoren endret seg mindreårig med samme navn, og sidesteg-akkorder, og vakre toneartmappinger. Nye effekter ble også funnet i, spesielt når det var nødvendig å formidle folkeånden eller fantastiske bilder i musikk.

Generelt strevet melodien til romantikerne etter kontinuitet i utviklingen, avviste enhver automatisk repetisjon, unngikk regelmessigheten av aksenter og pustet uttrykksfullhet i hvert av motivene. Og tekstur har blitt et så viktig ledd at dens rolle kan sammenlignes med melodiens.

Hør hvilken fantastisk mazurka Chopin har!

I stedet for en konklusjon

Musikalsk kultur av romantikk omgang XIX og XX århundrer opplevde de første tegnene på en krise. "Gratis" musikalsk form begynte å gå i oppløsning, harmonien seiret over melodien, de forhøyede følelsene til den romantiske sjelen ga plass til smertefull frykt og basale lidenskaper.

Disse destruktive tendensene brakte romantikken til slutt og åpnet veien for modernismen. Men etter å ha endt som en trend, fortsatte romantikken å leve både i musikken på 1900-tallet og i musikken fra det nåværende århundre i dens forskjellige komponenter. Blok hadde rett da han sa at romantikken oppstår «i alle epoker av menneskelivet».

Romantikken i sin reneste form er et fenomen i vesteuropeisk kunst. På russisk musikk av det 19 V. fra Glinka til Tchaikovsky ble klassisismens trekk kombinert med romantikkens trekk, det ledende elementet var et lyst, originalt nasjonalt prinsipp.

Tiden (1812, Decembrist-opprøret, reaksjonen som fulgte) satte sitt preg på musikken. Uansett hvilken sjanger vi tar - romantikk, opera, ballett, kammermusikk - overalt har russiske komponister sagt sitt nye ord.

Tidlig på 1800-tallet - dette er årene med den første og lyse blomstringen av romantikksjangeren. De beskjedne oppriktige tekstene høres fortsatt ut og gleder lytterne. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Han skrev romanser til versene til mange diktere, men de udødelige er det "Nattergal" til versene til Delvig, "Vintervei", "Jeg elsker deg" på Pushkins dikt.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) skrev musikk til dramatiske forestillinger, men vi kjenner ham bedre fra kjente romanser "Rød sundress", "Ikke vekk meg ved daggry", "Et ensomt seil blir hvitt".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- komponist, pianist, fiolinist og lærer, han eier slike romanser som «Klokken ringer monotont», «Ved daggry av en tåkete ungdom» og så videre.

Den mest fremtredende plassen her er okkupert av Glinkas romanser. Ingen andre hadde ennå oppnådd en så naturlig fusjon av musikk med poesien til Pushkin, Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- en samtidig av Pushkin, en klassiker av russisk litteratur, ble grunnleggeren musikalske klassikere. Hans arbeid er et av høydepunktene i russisk og verdensmusikalsk kultur. Den kombinerer rikdom harmonisk folkemusikk og de høyeste prestasjoner av komponistens ferdigheter. Glinkas dypt folkerealistiske arbeid reflekterte den kraftige oppblomstringen av russisk kultur i første halvdel av 1800-tallet, assosiert med den patriotiske krigen i 1812 og Decembrist-bevegelsen. Lett, livsbekreftende karakter, harmoni av former, skjønnhet i uttrykksfulle og melodiøse melodier, variasjon, glans og subtilitet av harmonier er de mest verdifulle egenskapene til Glinkas musikk. I kjent opera "Ivan Susanin"(1836) fikk et strålende uttrykk for ideen om populær patriotisme; Den moralske storheten til det russiske folket er også glorifisert i eventyroperaen " Ruslan og Ludmila". Orkesterverk av Glinka: "Fantasy Waltz", "Natt i Madrid" og spesielt "Kamarinskaya", danne grunnlaget for russisk klassisk symfonisme. Bemerkelsesverdig når det gjelder kraften til dramatisk uttrykk og lysstyrken til karakteristikkene til musikken for tragedien "Prins Kholmsky". Glinkas vokaltekster (romanser "Jeg husker fantastisk øyeblikk", "Tvil") er en uovertruffen legemliggjøring av russisk poesi i musikk.

I første halvdel av XIX århundre. fødselen til en nasjonal musikkskole. I de første tiårene av XIX århundre. dominert av romantiske tendenser, manifestert i arbeidet til A.N. Verstovsky, som brukte historiske emner i sitt arbeid. Grunnleggeren av den russiske musikkskolen var M.I. Glinka, skaperen av de viktigste musikalske sjangrene: operaer ("Ivan Susanin", "Ruslan og Lyudmila"), symfonier, romantikk, som aktivt brukte folkloremotiver i arbeidet sitt. En innovatør innen musikkfeltet var A.S. Dargomyzhsky, forfatter av operaballetten "The Triumph of Bacchus" og skaperen av resitativ i operaen. Musikken hans var nært knyttet til arbeidet til komponistene av "Mighty Handful" - M.P. Mussorgsky, M.A. Balakireva, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, som ønsket å legemliggjøre i sine verk "livet, uansett hvor det påvirker", og vendte seg aktivt til historiske plott og folkloremotiver. Arbeidet deres etablerte sjangeren musikalsk drama. "Boris Godunov" og "Khovanshchina" av Mussorgsky, "Prince Igor" av Borodin, "The Snow Maiden" og " kongelig brud"Rimsky-Korsakov er stoltheten til russisk og verdenskunst.

En spesiell plass i russisk musikk er okkupert av P.I. Tsjaikovskij, som legemliggjorde i sine verk det indre dramaet og oppmerksomheten til indre verden menneskelig, karakteristisk for russeren litteratur XIXårhundre, som komponisten ofte henvendte seg til (operaer "Eugene Onegin", " Spardame", "Mazepa").

Musikkens korteste historie. Den mest komplette og mest konsise håndboken til Henley Daren

Senromantikk

Senromantikk

Mange av komponistene fra denne perioden fortsatte å skrive musikk langt inn på 1900-tallet. Vi snakker imidlertid om dem her, og ikke i neste kapittel, av den grunn at det var nettopp romantikkens ånd som var sterk i musikken deres.

Det skal bemerkes at noen av dem opprettholdt nære bånd og til og med vennskap med komponistene nevnt i underavsnittene "Tidlige romantikere" og "nasjonalister".

I tillegg bør det tas i betraktning at i løpet av denne perioden i forskjellige europeiske land skapte så mange store komponister at enhver inndeling av dem etter ethvert prinsipp ville være helt vilkårlig. Hvis det i forskjellig litteratur viet den klassiske perioden og barokkperioden nevnes omtrent samme tidsramme, er den romantiske perioden definert forskjellig overalt. Det ser ut til at grensen mellom slutten av den romantiske perioden og begynnelsen av 1900-tallet i musikken er veldig uklar.

Den ledende komponisten i Italia på 1800-tallet var utvilsomt Giuseppe Verdi. Denne ser på oss skinnende øyne en mann med tykk bart og øyenbryn sto et helt hode høyere enn alle de andre operakomponistene.

Alle Verdis komposisjoner er bokstavelig talt overfylte av lyse, minneverdige melodier. Totalt skrev han tjueseks operaer, hvorav de fleste er jevnlig satt opp til i dag. Blant dem er de mest kjente og mest fremragende verkene av operakunst gjennom tidene.

Verdis musikk ble høyt verdsatt selv under komponistens levetid. på premieren Hades Publikum ga en så langvarig applaus at artistene måtte bøye seg så mange som trettito ganger.

Verdi var en rik mann, men penger kunne ikke redde både koner og to barn til komponisten fra den tidlige døden, så det var tragiske øyeblikk i livet hans. Han testamenterte formuen sin til et krisesenter for gamle musikere bygget under hans ledelse i Milano. Verdi selv anså opprettelsen av et krisesenter, og ikke musikk, for å være hans største prestasjon.

Til tross for at navnet til Verdi først og fremst er assosiert med operaer, når vi snakker om ham, er det umulig å ikke nevne Requiem, regnet som et av de beste eksemplene kormusikk. Den er full av dramatikk, og noen trekk ved operaen slipper gjennom den.

Vår neste komponist er på ingen måte den mest sjarmerende personen. Generelt er dette den mest skandaløse og kontroversielle figuren av alle de som er nevnt i vår bok. Hvis vi skulle lage en liste basert kun på personlighetstrekk, da Richard Wagner ville aldri truffet den. Vi styres imidlertid utelukkende av musikalske kriterier, og historien til klassisk musikk er utenkelig uten denne mannen.

Wagners talent er ubestridelig. Fra - under pennen hans kom noe av det mest betydningsfulle og imponerende musikalske komposisjoner for hele romantikkens periode - spesielt for opera. Samtidig blir han omtalt som en antisemitt, rasist, byråkrati, den siste bedrageren og til og med en tyv som ikke nøler med å ta alt han trenger, og uhøflige mennesker uten anger. Wagner hadde en overdreven selvfølelse, og han mente at genialiteten hans hevet ham over alle andre mennesker.

Wagner huskes for sine operaer. Denne komponisten tok tysk opera til et helt nytt nivå, og selv om han ble født samtidig med Verdi, var musikken hans veldig forskjellig fra de italienske komposisjonene fra den perioden.

En av Wagners nyvinninger var at hver hovedperson fikk sitt eget musikalske tema, som ble gjentatt hver gang han begynte å spille en betydelig rolle på scenen.

I dag virker det selvsagt, men på den tiden gjorde denne ideen en reell revolusjon.

Wagners største prestasjon var syklusen Ring of the Nibelung, bestående av fire operaer: Rhine Gold, Valkyrie, Siegfried Og gudenes død. De legges vanligvis på fire netter på rad, og til sammen varer de rundt femten timer. Disse operaene alene ville være nok til å glorifisere deres komponist. Til tross for all tvetydigheten til Wagner som person, bør det anerkjennes at han var en fremragende komponist.

Et særtrekk ved Wagners operaer er varigheten. Hans siste opera parsifal varer over fire timer.

Dirigent David Randolph sa en gang om henne:

«Dette er en opera fra kategorien de som starter klokken seks, og når du etter tre timer ser på armbåndsur, viser det seg at de viser 6:20.

Liv Anton Bruckner som komponist er dette en leksjon i hvordan du ikke gir opp og insisterer på egen hånd. Han øvde tolv timer om dagen, viet all sin tid til å jobbe (han var organist) og lærte mye i musikk på egen hånd, og fullførte å mestre skriveferdigheter ved korrespondanse i en ganske moden alder – i trettisju.

I dag huskes Bruckners symfonier oftest, hvorav han skrev i alt ni stykker. Noen ganger ble han grepet av tvil om hans levedyktighet som musiker, men han oppnådde likevel anerkjennelse, om enn mot slutten av livet. Etter å ha utført den Symfonier nr. 1 kritikere roste til slutt komponisten, som på den tiden allerede hadde fylt førtifire år.

Johannes Brahms ikke en av de komponistene som ble født så å si med en sølvstav i hånden. Da han ble født, hadde familien mistet sin tidligere rikdom og knapt fått endene til å møtes. I ungdomsårene levde han av å leke på bordellene hans hjemby Hamburg. Da Brahms ble voksen, ble han uten tvil kjent med langt fra de mest attraktive sidene ved livet.

Brahms musikk ble promotert av vennen hans, Robert Schumann. Etter Schumanns død ble Brahms nær Clara Schumann og ble etter hvert til og med forelsket i henne. Det er ikke kjent nøyaktig hva slags forhold de hadde, selv om følelsen for henne sannsynligvis spilte en viss rolle i forholdet hans til andre kvinner - han ga ikke sitt hjerte til noen av dem.

Som person var Brahms ganske hemningsløs og irritabel, men vennene hans hevdet at det var mykhet i ham, selv om han ikke alltid viste det til de rundt ham. En dag, da han kom hjem fra en fest, sa han:

"Hvis jeg ikke har fornærmet noen, ber jeg om tilgivelse."

Brahms ville ikke ha vunnet konkurransen om den mest fasjonable og elegant kledde komponisten. Han likte ikke å kjøpe nye klær og hadde ofte på seg de samme posete, lappede buksene, nesten alltid for korte for ham. Under en forestilling falt buksene hans nesten av. Ved en annen anledning måtte han ta av seg slipset og bruke det i stedet for et belte.

Brahms' musikalske stil var sterkt påvirket av Haydn, Mozart og Beethoven, og noen musikkhistorikere hevder til og med at han skrev i klassisismens ånd, på den tiden allerede gått av moten. Samtidig eier han også flere nye ideer. Han var spesielt vellykket med å utvikle små musikkstykker og gjenta dem gjennom hele verket – det komponister kaller et «repeterende motiv».

Opera Brahms skrev ikke, men han prøvde seg i nesten alle andre sjangre av klassisk musikk. Derfor kan det kalles en av de største komponistene nevnt i vår bok, en ekte gigant av klassisk musikk. Han sa selv dette om arbeidet sitt:

"Det er ikke vanskelig å komponere, men det er overraskende vanskelig å kaste ekstra toner under bordet."

Max Bruch ble født bare fem år etter Brahms, og sistnevnte ville sikkert ha overskygget ham, hvis ikke for ett verk, Fiolinkonsert nr. 1.

Bruch selv erkjente dette faktum, og uttalte med beskjedenhet uvanlig for mange komponister:

"Om femti år vil Brahms bli kalt en av de største komponistene gjennom tidene, og jeg vil bli husket for å ha skrevet fiolinkonserten i g-moll."

Og han viste seg å ha rett. Riktignok har Brujah selv noe å huske! Han komponerte mange andre verk - rundt to hundre i alt - han har spesielt mange verk for kor og operaer, som sjelden settes opp i disse dager. Musikken hans er melodisk, men han bidro ikke med noe spesielt nytt til utviklingen. På hans bakgrunn ser mange andre komponister på den tiden ut til å være virkelige innovatører.

I 1880 ble Bruch utnevnt til dirigent for Liverpool Royal Philharmonic Society, men returnerte til Berlin tre år senere. Musikerne i orkesteret var ikke fornøyd med ham.

På sidene i boken vår har vi allerede møtt mange musikalske vidunderbarn, og Camille Saint-Sans inntar ikke den siste plassen blant dem. Allerede i en alder av to plukket Saint-Saens opp melodier på pianoet, og han lærte å lese og skrive musikk på samme tid. I en alder av tre spilte han skuespill egen komposisjon. I en alder av ti fremførte han perfekt Mozart og Beethoven. Imidlertid ble han seriøst interessert i entomologi (sommerfugler og insekter), og senere i andre vitenskaper, inkludert geologi, astronomi og filosofi. Det virket slik talentfulle barn kan rett og slett ikke begrenses til én ting.

Etter at han ble uteksaminert fra konservatoriet i Paris, jobbet Saint-Saens som organist i mange år. Med alderen begynte han å påvirke musikkliv Frankrike, og det var takket være ham at musikken til komponister som J.S. Bach, Mozart, Handel og Gluck begynte å bli fremført oftere.

Mest kjent essay Saint - Sansa - dyrekarneval, som komponisten forbød å fremføre i løpet av sin levetid. Han var bekymret for hvordan musikkritikere, etter å ha hørt dette verket, anså det ikke for useriøst. Det er tross alt morsomt når orkesteret på scenen portretterer en løve, høner med hane, skilpadder, en elefant, en kenguru, et akvarium med fisk, fugler, et esel og en svane.

Saint-Saens skrev noen av hans andre komposisjoner for ikke så hyppige kombinasjoner av instrumenter, inkludert de berømte "Orgel" symfoni nr. 3, hørtes ut i filmen "Babe".

Musikken til Saint-Saens påvirket arbeidet til andre franske komponister, inkludert Gabriel Faure. Denne unge mannen arvet stillingen som organist i den parisiske kirken St. Magdalena, som tidligere ble holdt av Saint-Saens.

Og selv om Faures talent ikke kan sammenlignes med talentet til læreren hans, var han en stor pianist.

Fauré var en fattig mann og jobbet derfor hardt, spilte orgel, dirigerte koret og holdt undervisning. Han skrev inn fritid, som forble svært få, men til tross for dette klarte han å publisere mer enn to hundre og femti av verkene sine. Noen av dem ble komponert i svært lang tid: for eksempel arbeid med Requiem varte over tjue år.

I 1905 ble Fauré direktør for Paris-konservatoriet, det vil si mannen som utviklingen av datidens fransk musikk i stor grad var avhengig av. Femten år senere trakk Faure seg. På slutten av livet led han av hørselstap.

I dag er Faure respektert utenfor Frankrike, selv om han er mest verdsatt der.

For fans Engelsk musikk utseendet til en slik figur som Edward Elgar, det må ha virket som et virkelig mirakel. Mange musikkhistorikere omtaler ham som den første betydningsfulle engelsk komponist etter Henry Purcell, som arbeidet under barokken, selv om vi litt tidligere også nevnte Arthur Sullivan.

Elgar var veldig glad i England, spesielt hjemlandet Worcestershire, hvor han tilbrakte mesteparten av livet sitt og fant inspirasjon i feltene i Malvern Hills.

Som barn var han omgitt av musikk overalt: faren hans eide en lokal musikkbutikk og lærte lille Elgar å spille forskjellige musikkinstrumenter. I en alder av tolv var gutten allerede i ferd med å erstatte organisten ved gudstjenester.

Etter å ha jobbet på et advokatkontor, bestemte Elgar seg for å vie seg til et mye mindre økonomisk sikkert yrke. I noen tid jobbet han deltid, ga fiolin- og pianotimer, spilte i lokale orkestre og dirigerte til og med litt.

Etter hvert vokste Elgars berømmelse som komponist, selv om han måtte slite for å komme seg utenfor hjemfylket. Berømmelse brakte ham Variasjoner på originalt tema, som nå er bedre kjent som Enigma-variasjoner.

Nå oppleves Elgars musikk som veldig engelsk og høres ut under de største begivenhetene i nasjonal skala. Ved de første lydene av det Cellokonsert den engelske landsbygda dukker opp umiddelbart. Nimrod fra Variasjoner ofte spilt ved offisielle seremonier, og Høytidelig og seremoniell marsj nr. 1, kjent som Land med håp og ære utføre på konfirmasjonsfester i hele Storbritannia.

Elgar var en familiefar og elsket et rolig og ryddig liv. Likevel satte han sitt preg på historien. Denne komponisten med en tykk frodig bart kan umiddelbart legges merke til på 20-pundseddelen. Åpenbart fant seddeldesignere ut at slike ansiktshår ville være svært vanskelig å forfalske.

I Italia var Giuseppe Verdis etterfølger innen operakunst Giacomo Puccini, betraktet som en av de anerkjente verdensmesterne i denne kunstformen.

Familien Puccini har lenge vært assosiert med kirkemusikk men da Giacomo først hørte opera Aida Verdi, han innså at dette var hans kall.

Etter å ha studert i Milano komponerer Puccini en opera Manon Lesko, som ga ham hans første store suksess i 1893. Etter det fulgte en vellykket produksjon etter den andre: Böhmen i 1896, Lengter i 1900 og Madama Butterfly i 1904.

Totalt komponerte Puccini tolv operaer, hvorav den siste var Turandot. Han døde uten å fullføre denne komposisjonen, og en annen komponist fullførte verket. Ved operaens premiere stoppet dirigent Arturo Toscanini orkesteret akkurat der Puccini slapp. Han snudde seg mot publikum og sa:

Med Puccinis død endte storhetstiden til operakunsten i Italia. Boken vår vil ikke lenger nevne italiensk operakomponister. Men hvem vet hva fremtiden bringer for oss?

I livet Gustav Mahler Han var bedre kjent som dirigent enn som komponist. Han dirigerte om vinteren, og om sommeren foretrakk han som regel å skrive.

Som barn skal Mahler ha funnet et piano på loftet til bestemorens hus. Fire år senere, i en alder av ti år, ga han allerede sin første forestilling.

Mahler studerte ved konservatoriet i Wien, hvor han begynte å komponere musikk. I 1897 ble han direktør for Wiens statsopera og i løpet av de neste ti årene fikk han betydelig berømmelse på dette feltet.

Selv begynte han å skrive tre operaer, men ble aldri ferdig med dem. I vår tid er han mest kjent som komponist av symfonier. I denne sjangeren eier han en av de virkelige "hitene" - Symfoni nr. 8, i forestillingen som mer enn tusen musikere og sangere er involvert.

Etter Mahlers død gikk musikken hans av moten i femti år, men i andre halvdel av 1900-tallet gjenvant den popularitet, spesielt i Storbritannia og USA.

Richard Strauss født i Tyskland og til dynastiet Wiener Strauss hørte ikke til. Til tross for at denne komponisten levde nesten hele første halvdel av 1900-tallet, regnes han fortsatt som en representant for tysk musikalsk romantikk.

Den verdensomspennende populariteten til Richard Strauss led noe av det faktum at han bestemte seg for å bli i Tyskland etter 1939, og etter andre verdenskrig ble han fullstendig anklaget for å samarbeide med nazistene.

Strauss var en utmerket dirigent, takket være at han perfekt forsto hvordan dette eller det instrumentet i orkesteret skulle høres ut. Han brukte ofte denne kunnskapen i praksis. Han ga også forskjellige råd til andre komponister, for eksempel:

"Aldri se på tromboner, du bare oppmuntrer dem."

«Ikke svett mens du opptrer; bare lytterne skal bli varme.»

I dag huskes Strauss først og fremst i forbindelse med komposisjonen hans Slik talte Zarathustra, introen som Stanley Kubrick brukte i sin film 2001: A Space Odyssey. Men han skrev også noen av de beste tyske operaene, blant dem - Rosenkavalier, Salome Og Ariadne på Naxos. Et år før sin død komponerte han også veldig vakkert Fire siste sanger for stemme og orkester. Egentlig var dette ikke de siste sangene til Strauss, men de ble en slags finale av hans kreative aktivitet.

Til nå, blant komponistene som er nevnt i denne boken, var det bare én representant for Skandinavia - Edvard Grieg. Men nå er vi igjen fraktet til dette harde og kalde landet – denne gangen til Finland, hvor Jean Sibelius, stort musikalsk geni.

Musikken til Sibelius absorberte mytene og legendene fra hans hjemland. Hans største arbeid, Finland, regnes som legemliggjørelsen av finnenes nasjonale ånd, akkurat som i Storbritannia nasjonalskatt Elgars verk er anerkjent. I tillegg var Sibelius, i likhet med Mahler, en sann symfonimester.

Når det gjelder komponistens andre lidenskaper, var han i sitt daglige liv overdrevent glad i å drikke og røyke, slik at han i en alder av førti år ble syk av strupekreft. Han manglet også ofte penger, og staten ga ham pensjon slik at han kunne fortsette å skrive musikk uten å bekymre seg for sin økonomiske ve og vel. Men mer enn tjue år før hans død sluttet Sibelius å komponere noe som helst. Han levde resten av livet i relativ ensomhet. Han var spesielt hard mot de som fikk penger for anmeldelser av musikken hans:

«Ikke ta hensyn til hva kritikerne sier. Så langt har ikke en eneste kritiker fått en statue.»

Den siste i vår liste over komponister fra den romantiske perioden levde også til nesten midten av 1900-tallet, selv om de fleste av hans mest kjente verk skrev han på 1900-tallet. Og likevel er han rangert blant romantikerne, og det ser ut til at dette er den mest romantiske komponisten av hele gruppen.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov ble født inn i en adelig familie, som på den tiden hadde brukt mye penger. Han utviklet interesse for musikk så tidlig som tidlig barndom, og foreldrene hans sendte ham for å studere, først i St. Petersburg, og deretter i Moskva.

Rachmaninov var en overraskende talentfull pianist, og han viste seg også å være en fantastisk komponist.

Min Pianokonsert nr. 1 skrev han som nitten. Han fant også tid til sin første opera, Aleko.

Men dette livet flott musiker, som regel, var ikke spesielt fornøyd. På mange av bildene ser vi en sint, rynket mann. En annen russisk komponist, Igor Stravinsky, sa en gang:

«Den udødelige essensen til Rachmaninoff var rynken hans. Han var seks og en halv fot med rynker... han var en fryktinngytende mann."

Da den unge Rachmaninoff spilte for Tsjaikovskij, var han så henrykt at han satte en femmer med fire plusser på arket med partituret sitt - den høyeste karakteren i Moskva-konservatoriets historie. Snart åh ungt talent hele byen talte.

Likevel forble skjebnen ugunstig for musikeren i lang tid.

Kritikerne var veldig harde mot ham. Symfonier nr. 1, hvis premiere endte i fiasko. Dette ga Rachmaninoff en hard tid. sjelens følelser, han mistet troen på sin egen styrke og kunne ikke komponere noe i det hele tatt.

Til slutt var det bare hjelpen fra en erfaren psykiater Nikolai Dahl som gjorde at han kunne komme seg ut av krisen. I 1901 hadde Rachmaninoff fullført pianokonserten, som han hadde jobbet hardt i mange år og dedikert til Dr. Dahl. Denne gangen hilste publikum komponistens verk med glede. Siden da Pianokonsert nr. 2 ble en favoritt en klassiker utført av ulike musikalske grupper Verdensomspennende.

Rachmaninoff begynte å turnere i Europa og USA. Da han kom tilbake til Russland, dirigerte og komponerte han.

Etter revolusjonen i 1917 dro Rachmaninov og familien på konserter i Skandinavia. Han kom aldri hjem. I stedet flyttet han til Sveits, hvor han kjøpte et hus ved bredden av Vierwaldstättersee. Han har alltid elsket vannmasser, og nå, da han ble en ganske rik mann, hadde han råd til å slappe av ved kysten og beundre åpningslandskapet.

Rachmaninoff var en utmerket dirigent og ga alltid følgende råd til de som ønsket å utmerke seg på dette feltet:

«En god dirigent må være en god sjåfør. Begge trenger de samme egenskapene: konsentrasjon, kontinuerlig intens oppmerksomhet og sinnets nærvær. Dirigenten trenger bare å kjenne musikken litt..."

I 1935 bestemte Rachmaninoff seg for å bosette seg i USA. Han bodde først i New York, og flyttet deretter til Los Angeles. Der begynte han å bygge for seg selv nytt hus, helt identisk med det han etterlot seg i Moskva.

Turchin V S

Fra boken Bretons [Romantics of the sea (liter)] av Gio Pierre-Roland

Fra boken A Brief History of Music. Den mest komplette og mest konsise guiden forfatter Henley Daren

Tre underseksjoner av romantikk Når du blar gjennom boken vår, vil du legge merke til at dette er det største av alle kapitlene, der ikke mindre enn trettisju komponister er nevnt. Mange av dem bodde og jobbet samtidig i forskjellige land. Vi har derfor delt dette kapittelet inn i tre deler: «Tidlig

Fra boken Livet skal ut, men jeg blir: Samlede verk forfatter Glinka Gleb Alexandrovich

Tidlige romantikere Dette er komponister som har blitt en slags bro mellom den klassiske perioden og senromantikkens periode. Mange av dem arbeidet samtidig med «klassikerne», og Mozart og Beethoven hadde stor innflytelse på arbeidet deres. Samtidig bidro mange av dem

Fra boken Kjærlighet og spanjoler forfatter Upton Nina

SENERE DIKT IKKE INKLUDERT I SAMLINGSVILLINGEN Jeg kommer ikke tilbake til mine tidligere veier. Det som var, skal ikke være. Ikke bare Russland – Europa begynner jeg å glemme. Livet er bortkastet alt eller nesten alt. Jeg sier til meg selv: Hvordan fant jeg meg selv i Amerika, for hva og hvorfor? - Ikke

Fra boken På baksiden av speilet 1910-1930-årene forfatter Bondar-Tereshchenko Igor

Kapittel ti. Romantiske utlendinger og spansk coplas En utstilling med spanske malerier i 1838 trollbundet hele Paris. Hun var en ekte åpenbaring. Spania er på moten. Romantikerne skalv av glede. Théophile Gauthier, Prosper Mérimée, Alexandre Dumas (som ble slått

Fra boken Til opprinnelsen til Rus [Folk og språk] forfatter Trubatsjov Oleg Nikolaevich

Fra forfatterens bok

Historien er «levende»: fra romantikk til pragmatisme Litteraturforskere understreker ofte sin uavhengighet fra litteraturen og snakker om de som for å skrive om iktyologi ikke trenger å være riba. Jeg er ikke i form. Ikke egnet for det faktum at jeg selv er en riba, jeg er en forfatter-litteraturviter,

I romantikkens tid inntok musikk en overordnet plass i kunstsystemet. Dette er på grunn av dens spesifisitet, som lar deg reflektere emosjonelle opplevelser fullt ut ved hjelp av hele arsenalet av uttrykksfulle midler.

Romantikk i musikk dukker opp i det nittende århundre i verkene til F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Litt senere ble denne stilen reflektert i verkene til F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi og andre komponister.

Romantikken har sin opprinnelse i Europa på begynnelsen av det nittende århundre. Det ble en slags opposisjon til klassisismen. Romantikken lot lytteren trenge inn i Magisk verden legender, sanger og fortellinger. Det ledende prinsippet for denne retningen er opposisjon (drømmer og hverdagsliv, perfekt verden og hverdagen), skapt kreativ fantasi komponist. Denne stilen var populær blant kreative mennesker til førtitallet av 1800-tallet.

Romantikk i musikk gjenspeiler problemer moderne mann, dens konflikt med verden utenfor og hans ensomhet. Disse temaene blir sentrale i komponistenes arbeid. Å være begavet i motsetning til andre, føler en person hele tiden misforstått av andre. Hans talent og blir årsaken til ensomhet. Det er grunnen til at favorittheltene til romantiske komponister er poeter, musikere og artister (R. Schumann "The Love of a Poet"; Berlioz er undertittelen "An Episode from the Life of an Artist" til "Fantastic Symphony", etc. ).

For å formidle verden av en persons indre opplevelser, har romantikk i musikk ganske ofte et snev av selvbiografi, oppriktighet og lyrikk. Temaene kjærlighet og lidenskap er mye brukt. f.eks. kjent komponist R. Schumann dedikerte mange pianostykker til sin elskede Clara Wieck.

Temaet natur er også ganske vanlig i romantikernes arbeid. Komponister er ofte imot det sinnstilstand mann, flekker med nyanser av disharmoni.

Temaet fantasy har blitt en ekte oppdagelse av romantikere. De jobber aktivt med å skape fantastiske karakterer og overføring av bildene deres gjennom en rekke elementer. musikalsk språk(Mozart" magisk fløyte"- Nattens dronning).

Ofte refererer romantikk i musikk til folkekunst. Komponister i verkene sine bruker en rekke folkloreelementer (rytmer, intonasjoner, gamle moduser), hentet fra sanger og ballader. Dette lar deg berike innholdet i musikalske skuespill betydelig.

Bruken av nye bilder og temaer gjorde det nødvendig å søke etter passende skjemaer og så videre romantiske verk taleintonasjoner, naturlige harmonier, motsetninger av ulike tonearter, solopartier (stemmer) vises.

Romantikk i musikk legemliggjorde ideen om en syntese av kunst. Et eksempel på dette er de programmatiske verkene til Schumann, Berlioz, Liszt og andre komponister (symfonien «Harold i Italia», diktet «Preludier», syklusen «Vandringsår», etc.).

Russisk romantikk ble levende reflektert i verkene til M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky og andre.

I sine arbeider formidler A. Dargomyzhsky mangefasetterte psykologiske bilder ("Havfrue", romanser). I operaen Ivan Susanin maler M. Glinka bilder av livet til det vanlige russiske folk. Til høyre regnes verkene til komponister av den berømte "Mighty Handful" for å være toppen. De brukte uttrykksmiddel og karakteristiske intonasjoner som er iboende i russisk folkevise, husholdningsmusikk, samtaletale.

Senere ble denne stilen også brukt av A. Skrjabin (preludiumet "Drømmer", diktet "Til flammen") og S. Rachmaninov (skisser-bilder, operaen "Aleko", kantaten "Vår").