นักแต่งเพลงแห่งยุคโรแมนติก โรแมนติกตอนปลาย

แนวโรแมนติกในดนตรี

บทความหลัก: เพลงแห่งยุคโรแมนติก

ในดนตรี ทิศทางของการยวนใจพัฒนามา 1820 ปี การพัฒนาใช้เวลาทั้งหมด XIXศตวรรษ. นักแต่งเพลงโรแมนติกพยายามด้วยความช่วยเหลือของ หมายถึงดนตรีแสดงความลึกและความร่ำรวยของโลกภายในของมนุษย์ ดนตรีมีความเป็นปัจเจกมากขึ้น แนวเพลงกำลังพัฒนารวมถึง เพลงบัลลาด.

ตัวแทนของความโรแมนติกในดนตรีคือ: ใน ออสเตรีย - ฟรานซ์ ชูเบิร์ต; วี เยอรมนี - เออร์เนสต์ เทโอดอร์ ฮอฟมันน์, คาร์ล มาเรีย เวเบอร์,ริชาร์ด วากเนอร์, เฟลิกซ์ เมนเดลซอห์น, โรเบิร์ต ชูมันน์, ลุดวิก สปอร์; วี อิตาลี - นิโคโล ปากานินี่, วินเชนโซ เบลลินี, แต่แรก จูเซปเป้ แวร์ดี; ใน ฝรั่งเศส - G. Berlioz, ดี.เอฟ. โอเบอร์, เจ เมเยอร์เบียร์; วี โปแลนด์ - เฟรเดริก โชแปง; วี ฮังการี - ฟรานซ์ ลิซท์.

ในรัสเซียพวกเขาทำงานในแนวโรแมนติก A. A. Alyabiev, เอ็ม. ไอ. กลินกา, ดาร์โกมิจสกี, บาลาคิเรฟ, N. A. Rimsky-Korsakov, มุสซอร์กสกี้,โบโรดิน, คุ้ย, พี. ไอ. ไชคอฟสกี.

แนวคิดของการสังเคราะห์ศิลปะพบการแสดงออกในอุดมการณ์และแนวปฏิบัติของแนวโรแมนติก แนวโรแมนติกในดนตรีเริ่มก่อตัวขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 19 ภายใต้อิทธิพลของวรรณกรรมแนวจินตนิยม และพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับวรรณกรรมโดยทั่วไป การดึงดูดโลกภายในของบุคคลซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกนั้นแสดงออกในลัทธิอัตนัยความอยากที่รุนแรงทางอารมณ์ซึ่งกำหนดความเป็นอันดับหนึ่งของดนตรีและเนื้อเพลงในแนวโรแมนติก

เพลงที่ 1 ครึ่งหนึ่งของ XIXวี. วิวัฒนาการอย่างรวดเร็ว เกิดภาษาดนตรีใหม่ ในดนตรีบรรเลงและแชมเบอร์-โวคอล จิ๋วได้รับตำแหน่งพิเศษ วงออเคสตราเป่าด้วยสเปกตรัมของสีที่หลากหลาย ความเป็นไปได้ของเปียโนและไวโอลินถูกเปิดเผยในรูปแบบใหม่ เพลงโรแมนติกเป็นอัจฉริยะมาก

แนวโรแมนติกทางดนตรีแสดงออกมาในหลายสาขาที่เกี่ยวข้องกัน วัฒนธรรมของชาติและด้วยการเคลื่อนไหวทางสังคมต่างๆ ตัวอย่างเช่นรูปแบบโคลงสั้น ๆ ที่ใกล้ชิดของโรแมนติกเยอรมันและสิ่งที่น่าสมเพชทางแพ่ง "เชิงปราศรัย" ซึ่งเป็นลักษณะของความคิดสร้างสรรค์นั้นแตกต่างกันอย่างมีนัยสำคัญ นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส. ในทางกลับกัน ตัวแทนของโรงเรียนแห่งชาติแห่งใหม่ที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในวงกว้าง (โชแปง, โมเนียสโก, ดโวรัค, สเมทานา, กรีก) รวมถึงตัวแทนของโรงเรียนโอเปร่าอิตาลีซึ่งเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับขบวนการริซอร์จิเมนโต (แวร์ดี Bellini) ในหลาย ๆ ด้านแตกต่างจากคนรุ่นเดียวกันในเยอรมนี ออสเตรีย หรือฝรั่งเศส โดยเฉพาะอย่างยิ่ง แนวโน้มที่จะอนุรักษ์ประเพณีคลาสสิก

อย่างไรก็ตามหลักการทางศิลปะทั่วไปบางอย่างถูกทำเครื่องหมายไว้ทั้งหมดซึ่งทำให้เราสามารถพูดถึงโครงสร้างทางความคิดที่โรแมนติกได้

เนื่องจากความสามารถพิเศษของดนตรีในการเปิดเผยโลกที่เต็มไปด้วยประสบการณ์ของมนุษย์อย่างลึกซึ้งและทะลุปรุโปร่ง สุนทรียศาสตร์โรแมนติกจึงถูกยกให้เป็นศิลปะแนวโรแมนติกเป็นอันดับแรกในบรรดาศิลปะแขนงอื่นๆ เพลงโรแมนติกหลายเรื่องเน้นที่การเริ่มต้นดนตรีโดยสัญชาตญาณ เนื่องจากเป็นคุณสมบัติในการแสดงความ "ไม่รู้" ผลงานของนักแต่งเพลงโรแมนติกที่โดดเด่นมีพื้นฐานที่สมจริง ความสนใจในชีวิต คนธรรมดา, ความบริบูรณ์ของชีวิตและความจริงของความรู้สึก, การพึ่งพาดนตรีในชีวิตประจำวันกำหนดความสมจริงของงานของตัวแทนที่ดีที่สุดของแนวโรแมนติกทางดนตรี แนวโน้มปฏิกิริยา (เวทย์มนต์ การหลบหนีจากความเป็นจริง) มีอยู่ในงานโรแมนติกจำนวนค่อนข้างน้อยเท่านั้น พวกเขาปรากฏตัวในโอเปร่า Euryanta โดย Weber (1823) ในละครเพลงโดย Wagner, oratorio Christ โดย Liszt (1862) เป็นต้น

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 การศึกษาพื้นฐานของนิทานพื้นบ้าน ประวัติศาสตร์ วรรณกรรมโบราณปรากฏขึ้น ตำนานยุคกลาง ศิลปะกอธิค และวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการที่ถูกลืมได้รับการฟื้นคืนชีพ ในเวลานี้โรงเรียนระดับชาติประเภทพิเศษหลายแห่งพัฒนาขึ้นในผลงานของนักแต่งเพลงในยุโรปซึ่งถูกกำหนดให้ขยายขอบเขตของวัฒนธรรมยุโรปร่วมกันอย่างมีนัยสำคัญ รัสเซียซึ่งในไม่ช้าก็เป็นหนึ่งในสถานที่แรก ๆ ในการสร้างสรรค์ทางวัฒนธรรมของโลก (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), โปแลนด์ (Chopin, Moniuszko), เช็ก (Sour Cream, Dvorak), ฮังการี ( รายการ) จากนั้นนอร์เวย์ (Grieg), สเปน (Pedrel), ฟินแลนด์ (Sibelius), อังกฤษ (Elgar) - ทั้งหมดนี้รวมเข้ากับกระแสหลักทั่วไปของงานนักแต่งเพลงในยุโรปโดยไม่ขัดแย้งกับประเพณีโบราณที่จัดตั้งขึ้น . ภาพวงกลมชุดใหม่ปรากฏขึ้น แสดงถึงคุณลักษณะประจำชาติอันเป็นเอกลักษณ์ของวัฒนธรรมประจำชาติที่ผู้แต่งเพลงสังกัดอยู่ โครงสร้างน้ำเสียงของงานช่วยให้คุณรับรู้ได้ทันทีด้วยหูที่เป็นของโรงเรียนระดับชาติแห่งใดแห่งหนึ่ง

นักแต่งเพลงมีส่วนร่วมในภาษาดนตรีของยุโรปทั่วไปซึ่งเป็นภาษาพื้นบ้านของนิทานพื้นบ้านแบบเก่าซึ่งส่วนใหญ่เป็นชาวนาในประเทศของตน พวกเขาได้ชำระล้างเพลงพื้นบ้านของรัสเซียออกจากโอเปร่าเคลือบเงา พวกเขานำระบบน้ำเสียงสากลของเพลงในศตวรรษที่ 18 มาใช้ในแนวเพลงพื้นบ้านในชีวิตประจำวัน ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นที่สุดในดนตรีแนวโรแมนติกซึ่งรับรู้ได้อย่างชัดเจนโดยเฉพาะเมื่อเปรียบเทียบกับทรงกลมเชิงเปรียบเทียบของลัทธิคลาสสิกคือความโดดเด่นของหลักการทางจิตวิทยาและโคลงสั้น ๆ แน่นอนว่าลักษณะเด่นของศิลปะดนตรีโดยทั่วไปคือการหักเหของปรากฏการณ์ใด ๆ ผ่านขอบเขตของความรู้สึก ดนตรีทุกยุคทุกสมัยอยู่ภายใต้รูปแบบนี้ แต่ความโรแมนติกนั้นเหนือกว่ารุ่นก่อน ๆ ทั้งหมดในด้านคุณค่าของการเริ่มต้นบทเพลงในดนตรีของพวกเขา ความแข็งแกร่งและความสมบูรณ์แบบในการถ่ายทอดความลึกของโลกภายในของบุคคล เฉดสีของอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด

ธีมของความรักครองตำแหน่งที่โดดเด่นเพราะมันเป็นสภาวะของจิตใจที่สะท้อนถึงความลึกและความแตกต่างของจิตใจมนุษย์อย่างครอบคลุมและครบถ้วนที่สุด แต่ใน ระดับสูงสุดเป็นลักษณะเฉพาะที่ธีมนี้ไม่ จำกัด เฉพาะแรงจูงใจของความรักเท่านั้น อย่างแท้จริงคำ แต่ถูกระบุด้วยปรากฏการณ์ที่หลากหลายที่สุด ประสบการณ์อันไพเราะของตัวละครล้วนถูกเปิดเผยโดยมีฉากหลังเป็นภาพพาโนรามาทางประวัติศาสตร์ที่กว้าง ความรักของคนๆ หนึ่งที่มีต่อบ้านของเขา ต่อปิตุภูมิ และต่อผู้คนของเขาดำเนินไปเหมือนเส้นด้ายผ่านผลงานของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกทุกคน

สถานที่ขนาดใหญ่มอบให้ในผลงานดนตรีในรูปแบบขนาดเล็กและใหญ่เพื่อภาพลักษณ์ของธรรมชาติซึ่งเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดและแยกไม่ออกกับธีมของการสารภาพโคลงสั้น ๆ เช่นเดียวกับภาพแห่งความรัก ภาพของธรรมชาติบ่งบอกถึงสภาพจิตใจของฮีโร่ ซึ่งมักถูกแต่งแต้มด้วยความรู้สึกไม่ลงรอยกันกับความเป็นจริง

ธีมของแฟนตาซีมักจะแข่งขันกับภาพของธรรมชาติ ซึ่งอาจเกิดจากความปรารถนาที่จะหลบหนีจากการถูกจองจำในชีวิตจริง โดยทั่วไปแล้วสำหรับความโรแมนติกคือการค้นหาสิ่งที่ยอดเยี่ยม ประกายระยิบระยับด้วยสีสันของโลก ซึ่งตรงกันข้ามกับชีวิตประจำวันสีเทา ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาวรรณกรรมอุดมไปด้วยเทพนิยายเพลงบัลลาดของนักเขียนชาวรัสเซีย นักแต่งเพลงของโรงเรียนโรแมนติกมีนิยาย ภาพที่ยอดเยี่ยมถือเป็นเอกลักษณ์ประจำชาติ เพลงบัลลาดได้รับแรงบันดาลใจจากนักเขียนชาวรัสเซีย และด้วยเหตุนี้ ผลงานของแผนพิลึกพิลั่นอันน่าอัศจรรย์จึงถูกสร้างขึ้น เป็นสัญลักษณ์ของความศรัทธาด้านที่ผิด พยายามที่จะย้อนกลับความคิดเรื่องความกลัวต่อพลังแห่งความชั่วร้าย

นักแต่งเพลงโรแมนติกหลายคนทำหน้าที่เป็นนักเขียนเพลงและนักวิจารณ์ (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt ฯลฯ ) งานทางทฤษฎีของตัวแทนของแนวโรแมนติกที่ก้าวหน้ามีส่วนสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาประเด็นที่สำคัญที่สุดของศิลปะดนตรี แนวจินตนิยมยังพบการแสดงออกในศิลปะการแสดง (นักไวโอลินปากานินี นักร้อง A. Nurri และอื่นๆ)

ความหมายที่ก้าวหน้าของลัทธิจินตนิยมในช่วงนี้ส่วนใหญ่อยู่ในกิจกรรม ฟรานซ์ ลิซท์. งานของ Liszt แม้จะมีโลกทัศน์ที่ขัดแย้งกัน แต่โดยทั่วไปแล้วมีความก้าวหน้าและสมจริง หนึ่งในผู้ก่อตั้งและคลาสสิกของดนตรีฮังการี ศิลปินแห่งชาติที่โดดเด่น

ธีมประจำชาติของฮังการีสะท้อนให้เห็นอย่างกว้างขวางในงานหลายชิ้นของลิซท์ การประพันธ์เพลงที่โรแมนติกและเป็นอัจฉริยะของ Liszt ได้ขยายความเป็นไปได้ทางเทคนิคและการแสดงออกของการเล่นเปียโน (Concertos, Sonatas) สิ่งสำคัญคือความสัมพันธ์ของ Liszt กับตัวแทนของดนตรีรัสเซียซึ่งเขาสนับสนุนผลงานของเขาอย่างแข็งขัน

ในเวลาเดียวกัน Liszt มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะดนตรีโลก หลังจาก Liszt “ทุกอย่างเป็นไปได้สำหรับเปียโนฟอร์เต้” ลักษณะเฉพาะของดนตรีของเขาคือการปรับตัว, ความอิ่มเอมใจของความรู้สึกโรแมนติก, ท่วงทำนองที่แสดงออก Liszt ได้รับการยกย่องในฐานะนักแต่งเพลง นักแสดง นักดนตรี ผลงานหลักของนักแต่งเพลง: อุปรากร “ Don Sancho หรือปราสาทแห่งความรัก” (พ.ศ. 2368), บทกวีไพเราะ 13 บท” ทัสโซ”, ” โพร”, “แฮมเล็ต" และอื่น ๆ ทำงานให้กับวงออเคสตรา, คอนแชร์โต 2 ชิ้นสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, ความรัก 75 เรื่อง, การประสานเสียงและผลงานอื่น ๆ ที่มีชื่อเสียงไม่แพ้กัน

หนึ่งในการแสดงแนวโรแมนติกในดนตรีครั้งแรกคือความคิดสร้างสรรค์ ฟรานซ์ ชูเบิร์ต(พ.ศ.2340-2371). ชูเบิร์ตเข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะผู้ก่อตั้งแนวโรแมนติกทางดนตรีที่ใหญ่ที่สุดและเป็นผู้สร้างแนวเพลงใหม่ ๆ มากมาย: ซิมโฟนีโรแมนติก, เปียโนจิ๋ว, เพลงโรแมนติก (โรแมนติก) สิ่งที่สำคัญที่สุดในการทำงานของเขาคือ เพลง,ซึ่งเขาแสดงให้เห็นถึงแนวโน้มนวัตกรรมมากมายโดยเฉพาะ ในเพลงของ Schubert โลกภายในของบุคคลถูกเปิดเผยอย่างลึกซึ้งที่สุด ความเชื่อมโยงลักษณะเฉพาะของเขากับดนตรีพื้นบ้านนั้นชัดเจนที่สุด หนึ่งในคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของความสามารถของเขานั้นชัดเจนที่สุด - ความหลากหลายที่น่าทึ่ง ความสวยงาม เสน่ห์ของท่วงทำนอง ถึง เพลงที่ดีที่สุดช่วงต้นเป็นของ " Margarita ที่ล้อหมุน”(1814) , “เจ้าป่า". ทั้งสองเพลงเขียนถึงคำพูดของเกอเธ่ ในตอนแรกหญิงสาวที่ถูกทอดทิ้งจำคนที่เธอรักได้ เธอเหงาและทรมานมาก เพลงของเธอเศร้า ท่วงทำนองที่เรียบง่ายและจริงใจถูกสะท้อนโดยเสียงครวญเพลงแห่งสายลมที่ซ้ำซากจำเจเท่านั้น "ราชาแห่งป่า" เป็นงานที่ซับซ้อน นี่ไม่ใช่เพลง แต่เป็นฉากดราม่าที่มีตัวละครสามตัวปรากฏตัวต่อหน้าเรา: พ่อขี่ม้าผ่านป่า เด็กป่วยที่เขาแบกไปด้วย และราชาป่าผู้น่าเกรงขามที่ดูเหมือนเด็กผู้ชายเป็นไข้ เพ้อ แต่ละคนมีภาษาไพเราะของตัวเอง เพลง "Trout", "Barcaroll", "Morning Serenade" ของ Schubert นั้นโด่งดังและเป็นที่รักไม่น้อย เพลงเหล่านี้เขียนขึ้นในปีต่อๆ มา มีความโดดเด่นด้วยเมโลดี้ที่เรียบง่ายและสื่อความหมายอย่างน่าประหลาดใจ รวมถึงสีสันที่สดใส

ชูเบิร์ตยังเขียนเพลงสองรอบ -“ มิลเลอร์คนสวย"(พ.ศ. 2366) และ" เส้นทางฤดูหนาว"(2415) - เป็นคำพูด กวีชาวเยอรมันวิลเฮล์ม มุลเลอร์. ในแต่ละเพลงรวมเป็นหนึ่งเดียว เพลงของวงจร "The Beautiful Miller's Woman" บอกเล่าเกี่ยวกับเด็กหนุ่ม ตามกระแสน้ำ เขาออกเดินทางเพื่อแสวงหาความสุขของเขา เพลงส่วนใหญ่ในรอบนี้มีลักษณะเบา อารมณ์ของวัฏจักร "Winter Way" นั้นแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ชายหนุ่มผู้ยากจนถูกเจ้าสาวผู้มั่งคั่งปฏิเสธ ด้วยความสิ้นหวัง เขาจึงออกจากบ้านเกิดของเขาและออกท่องโลกกว้าง สหายของเขาคือลม พายุหิมะ และอีกาที่ร้องเป็นลางไม่ดี

ตัวอย่างบางส่วนที่ให้ไว้ในที่นี้ช่วยให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับคุณลักษณะของการแต่งเพลงของ Schubert

ชูเบิร์ตชอบที่จะเขียน เพลงเปียโน. สำหรับเครื่องดนตรีนี้ เขาเขียนผลงานจำนวนมาก เช่นเดียวกับเพลง งานเปียโนของเขาใกล้เคียงกับดนตรีทั่วไป เรียบง่ายและเข้าใจได้พอๆ กัน แนวเพลงที่เขาชื่นชอบคือการเต้นรำ การเดินขบวน และใน ปีที่แล้วชีวิต - ทันควัน

Waltzes และการเต้นรำอื่น ๆ มักจะปรากฏที่ลูกบอลของ Schubert ในการเดินเล่นในชนบท ที่นั่นเขาด้นสดและบันทึกเสียงที่บ้าน

หากเราเปรียบเทียบท่อนเปียโนของ Schubert กับเพลงของเขา เราจะพบความคล้ายคลึงกันหลายประการ ประการแรก มันคือความไพเราะที่ยอดเยี่ยม ความสง่างาม การผสมผสานที่มีสีสันของเมเจอร์และไมเนอร์

ที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่ง ภาษาฝรั่งเศส นักแต่งเพลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 จอร์ช บิเซต์ผู้สร้างผลงานอมตะสำหรับละครเพลง - โอเปร่า “คาร์เมน” และดนตรีประกอบละครยอดเยี่ยมโดย Alphonse Daudet” อาร์เลเซียน”.

งานของ Bizet โดดเด่นด้วยความถูกต้องและความชัดเจนของความคิด ความแปลกใหม่และความสดใหม่ของวิธีการแสดงออก ความสมบูรณ์และความสง่างามของรูปแบบ Bizet โดดเด่นด้วยความคมชัดของการวิเคราะห์ทางจิตวิทยาในการทำความเข้าใจความรู้สึกและการกระทำของมนุษย์ซึ่งเป็นลักษณะของงานของเพื่อนร่วมชาติที่ยิ่งใหญ่ของนักแต่งเพลง - นักเขียน Balzac, Flaubert, Maupassant สถานที่สำคัญในงานของ Bizet ซึ่งมีความหลากหลายในประเภทเป็นของโอเปร่า ศิลปะโอเปร่าของนักแต่งเพลงเกิดขึ้นบนดินของชาติและได้รับการหล่อเลี้ยงตามประเพณีของโรงอุปรากรฝรั่งเศส Bizet ถือว่างานแรกในงานของเขาคือการเอาชนะสิ่งที่มีอยู่ อุปรากรฝรั่งเศสข้อ จำกัด ประเภทขัดขวางการพัฒนา โอเปร่า "ใหญ่" สำหรับเขาดูเหมือนเป็นประเภทที่ตายแล้ว โอเปร่าที่มีโคลงสั้น ๆ สร้างความหงุดหงิดให้กับน้ำตาและความใจแคบของชนชั้นนายทุนน้อย การ์ตูนเรื่องนี้สมควรได้รับความสนใจมากกว่าเรื่องอื่น ๆ เป็นครั้งแรกในโอเปร่าของ Bizet ฉากในประเทศและมวลชนที่มีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวาปรากฏขึ้น คาดการณ์ถึงชีวิตและฉากที่สดใส

เพลงของ Bizet สำหรับละครของ Alphonse Daudet “อาร์เลสเซียน” เป็นที่รู้จักกันเป็นหลักสำหรับห้องสวีทคอนเสิร์ตสองห้องที่ประกอบด้วยหมายเลขที่ดีที่สุดของเธอ Bizet ใช้ท่วงทำนองแบบโพรวองซ์แท้ๆ : “มาร์ชสามกษัตริย์” และ "การเต้นรำของม้าขี้เล่น".

โอเปร่าของ Bizet คาร์เมน” - ละครเพลงที่เปิดเผยต่อหน้าผู้ชมด้วยความจริงที่น่าเชื่อถือและพลังทางศิลปะที่น่าดึงดูดใจเรื่องราวของความรักและความตายของวีรบุรุษ: ทหาร Jose และ Carmen ยิปซี Opera Carmen สร้างขึ้นตามประเพณีของโรงละครดนตรีฝรั่งเศส แต่ในขณะเดียวกันก็นำเสนอสิ่งใหม่ ๆ มากมาย Bizet สร้างขึ้นจากความสำเร็จที่ดีที่สุดของโอเปร่าแห่งชาติและการปฏิรูปองค์ประกอบที่สำคัญที่สุด แนวใหม่- ละครเพลงที่สมจริง

ในประวัติศาสตร์ของโรงละครโอเปร่าในศตวรรษที่ 19 โอเปร่า Carmen เป็นหนึ่งในสถานที่แรก ๆ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2419 ขบวนแห่ฉลองชัยชนะของเธอเริ่มขึ้นตามขั้นตอนต่างๆ โรงละครโอเปร่าเวียนนา บรัสเซลส์ ลอนดอน

การแสดงออกของความสัมพันธ์ส่วนตัวกับสิ่งแวดล้อมนั้นแสดงออกโดยกวีและนักดนตรีประการแรกคือความฉับไว "ความเปิดกว้าง" ทางอารมณ์และความหลงใหลในการแสดงออกในความพยายามที่จะโน้มน้าวใจผู้ฟังด้วยความช่วยเหลือจากน้ำเสียงที่เข้มข้นไม่หยุดหย่อน การรับรู้หรือการสารภาพ

เทรนด์ศิลปะใหม่เหล่านี้มีอิทธิพลอย่างเด็ดขาดต่อการเกิดขึ้น เนื้อเพลงโอเปร่า. มันเกิดขึ้นเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับ "ใหญ่" และ การ์ตูนโอเปร่าแต่เธอไม่สามารถผ่านชัยชนะและความสำเร็จในด้านละครโอเปร่าและวิธีการแสดงออกทางดนตรีได้

คุณลักษณะที่โดดเด่นของประเภทโอเปร่าใหม่คือการตีความแบบโคลงสั้น ๆ ของโครงเรื่องวรรณกรรม - ประวัติศาสตร์ ปรัชญา หรือ ธีมที่ทันสมัย. วีรบุรุษของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ ได้รับการประดับประดาด้วยคุณสมบัติของคนธรรมดาปราศจากความพิเศษและการไฮเปอร์โบลิซึมซึ่งเป็นลักษณะของโอเปร่าโรแมนติก ศิลปินที่สำคัญที่สุดในด้านบทกวีโอเปร่าคือ ชาลส์ กูนอด.

ในบรรดามรดกทางโอเปร่าที่มีอยู่มากมายของ Gounod โอเปร่า " เฟาสต์" ครอบครองสถานที่พิเศษและอาจกล่าวได้ว่ายอดเยี่ยม ของเธอ ชื่อเสียงไปทั่วโลกและความนิยมไม่แพ้โอเปร่าเรื่องอื่นๆ ของ Gounod ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของโอเปร่า Faust นั้นยอดเยี่ยมเป็นพิเศษเพราะไม่เพียง แต่ดีที่สุดเท่านั้น แต่โดยพื้นฐานแล้วเป็นโอเปร่าแรกในทิศทางใหม่ซึ่งไชคอฟสกีเขียนว่า:“ เป็นไปไม่ได้ที่จะปฏิเสธว่าเฟาสต์เขียนขึ้นถ้าไม่ใช่ด้วย อัจฉริยะแล้วมีทักษะพิเศษและไม่มีตัวตนที่สำคัญ” ในภาพลักษณ์ของ Faust ความไม่ลงรอยกันอย่างรุนแรงและ "การหักสองทาง" ของจิตสำนึกของเขา ความไม่พอใจชั่วนิรันดร์ที่เกิดจากความปรารถนาที่จะรู้ว่าโลกถูกทำให้ราบเรียบ Gounod ไม่สามารถถ่ายทอดความเก่งกาจและความซับซ้อนทั้งหมดของภาพลักษณ์ของหัวหน้าปีศาจของเกอเธ่ซึ่งรวบรวมจิตวิญญาณของการวิจารณ์สงครามในยุคนั้น

หนึ่งในเหตุผลหลักสำหรับความนิยมของ "เฟาสท์" ก็คือการรวมคุณสมบัติใหม่ที่ดีที่สุดและโดยพื้นฐานของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ ประเภทเยาวชน: การถ่ายโอนอารมณ์โดยตรงและมีชีวิตชีวาของแต่ละบุคคลในโลกภายในของตัวละครโอเปร่า ความหมายทางปรัชญาที่ลึกซึ้งของ Faust ของเกอเธ่ซึ่งพยายามเปิดเผยชะตากรรมทางประวัติศาสตร์และสังคมของมวลมนุษยชาติในตัวอย่างความขัดแย้งของตัวละครหลักนั้น Gounod เป็นตัวเป็นตนในรูปแบบของละครโคลงสั้น ๆ ที่มีมนุษยธรรมของ Marguerite และ Faust

นักแต่งเพลง วาทยกร นักวิจารณ์ดนตรีชาวฝรั่งเศส เอคตอร์ แบร์ลิออซเข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะนักแต่งเพลงโรแมนติกที่ใหญ่ที่สุด ผู้สร้างโปรแกรมซิมโฟนี ผู้ริเริ่มในด้านรูปแบบดนตรี ความกลมกลืน และโดยเฉพาะอย่างยิ่งการบรรเลง ในงานของเขาพวกเขาพบศูนย์รวมที่ชัดเจนของคุณลักษณะที่น่าสมเพชและความกล้าหาญในการปฏิวัติ Berlioz คุ้นเคยกับ M. Glinka ซึ่งเขาชื่นชอบเพลงของเขามาก เขาเป็นมิตรกับผู้นำของ "Mighty Handful" ซึ่งยอมรับงานเขียนและหลักการสร้างสรรค์ของเขาอย่างกระตือรือร้น

เขาสร้างผลงานละครเวทีถึง 5 เรื่อง รวมทั้งโอเปร่า" เบนเวนูโต ซิลลินี”(1838), “ โทรจัน”,”เบียทริซและเบเนดิกต์(อิงจากละครตลกของเชกสเปียร์เรื่อง Much Ado About Nothing, 1862); ผลงานเสียงร้องและซิมโฟนี 23 ชิ้น, ความรัก 31 ชิ้น, นักร้องประสานเสียง เขาเขียนหนังสือ "บทความยอดเยี่ยมเกี่ยวกับการบรรเลงและการบรรเลงสมัยใหม่" (พ.ศ. 2387), "ค่ำคืนในวงออเคสตรา" (พ.ศ. 2396), "ผ่านเพลง" (พ.ศ. 2405), "ดนตรีอยากรู้อยากเห็น" (2402), "ความทรงจำ" (2413), บทความ บทวิจารณ์

ภาษาเยอรมัน นักแต่งเพลง วาทยกร นักเขียนบทละคร นักประชาสัมพันธ์ ริชาร์ด วากเนอร์เข้าสู่ประวัติศาสตร์ของโลก วัฒนธรรมดนตรีในฐานะหนึ่งในผู้สร้างดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและนักปฏิรูปที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ศิลปะการแสดง. เป้าหมายของการปฏิรูปของเขาคือการสร้างงานร้อง-ซิมโฟนิกแบบตั้งโปรแกรมในรูปแบบละคร ซึ่งออกแบบมาเพื่อแทนที่โอเปร่าและดนตรีซิมโฟนิกทุกประเภท งานดังกล่าวเป็นละครเพลงที่ดนตรีไหลเป็นกระแสต่อเนื่องเชื่อมโยงละครทั้งหมดเข้าไว้ด้วยกัน แว็กเนอร์ปฏิเสธการร้องเพลงที่เสร็จสิ้นแล้วแทนที่ด้วยบทบรรยายที่เต็มไปด้วยอารมณ์ สถานที่ขนาดใหญ่ในโอเปร่าของ Wagner ถูกครอบครองโดยวงออร์เคสตร้าอิสระซึ่งเป็นผลงานอันมีค่าสำหรับดนตรีซิมโฟนิกระดับโลก

มือของวากเนอร์เป็นของโอเปร่า 13 เรื่อง:“ The Flying Dutchman” (1843),”Tannhäuser” (1845), “Tristan and Isolde” (1865), “Gold of the Rhine” (1869) และอื่น ๆ.; นักร้องประสานเสียง, เปียโน, ความรัก

นักแต่งเพลง วาทยกร นักเปียโน ครู และนักดนตรีชาวเยอรมันที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งคือ เฟลิกซ์ เมนเดลโซน-บาร์โธลดี. ตั้งแต่อายุ 9 ขวบเขาเริ่มแสดงเป็นนักเปียโนเมื่ออายุได้ 17 ปีเขาได้สร้างผลงานชิ้นเอกชิ้นหนึ่ง - การทาบทามสู่หนังตลก " ความฝันในคืนกลางฤดูร้อน” เช็คสเปียร์ ในปี 1843 เขาก่อตั้งเรือนกระจกแห่งแรกในเยอรมนีที่เมืองไลพ์ซิก ในผลงานของ Mendelssohn "ความคลาสสิกท่ามกลางความโรแมนติก" ลักษณะโรแมนติกผสมผสานกับระบบความคิดแบบคลาสสิก เพลงของเขาโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่สดใส, การแสดงออกของประชาธิปไตย, การกลั่นกรองของความรู้สึก, ความสงบของความคิด, ความโดดเด่นของอารมณ์ที่สดใส, อารมณ์โคลงสั้น ๆ , ไม่ได้ปราศจากความรู้สึกซาบซึ้ง, รูปแบบที่ไร้ที่ติ, งานฝีมือที่ยอดเยี่ยม R. Schumann เรียกเขาว่า "โมสาร์ทแห่งศตวรรษที่ 19", G. Heine - "ปาฏิหาริย์ทางดนตรี"

ผู้ประพันธ์ซิมโฟนีแนวโรแมนติก (“ สก็อต”, “ อิตาลี”), โปรแกรมคอนเสิร์ตทาบทาม, ไวโอลินคอนแชร์โตยอดนิยม, วงจรของชิ้นส่วนสำหรับเปียโนฟอร์ท“ เพลงที่ไม่มีคำพูด”; โอเปร่าเรื่อง Camacho's Marriage เขาเขียนเพลงประกอบละครเรื่อง Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) โดย Sophocles, Atalia โดย Racine (1845), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1843) และอื่นๆ; oratorios "พอล" (2379), "เอลียาห์" (2389); 2 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและ 2 สำหรับไวโอลิน

ในภาษาอิตาลี วัฒนธรรมดนตรีเป็นสถานที่พิเศษของ Giuseppeแวร์ดี- นักแต่งเพลง วาทยกร นักออร์แกนดีเด่น พื้นที่หลักของงานของแวร์ดีคือโอเปร่า เขาทำหน้าที่เป็นกระบอกเสียงให้กับความรู้สึกรักชาติอย่างกล้าหาญและแนวคิดการปลดปล่อยชาติของชาวอิตาลีเป็นหลัก ในปีต่อๆ มา เขาให้ความสนใจกับความขัดแย้งอันน่าทึ่งที่เกิดจากความไม่เท่าเทียมทางสังคม ความรุนแรง การกดขี่ และการประณามความชั่วร้ายในละครของเขา ลักษณะเฉพาะของผลงานของ Verdi: ดนตรีพื้นบ้าน, อารมณ์ที่น่าทึ่ง, ความไพเราะ, ความเข้าใจในกฎของฉาก

เขาเขียนโอเปร่า 26 เรื่อง:“ Nabucco", "Macbeth", "Troubadour", "La Traviata", "Othello", "Aida" และอื่น ๆ . , 20 ความรัก, วงดนตรีที่เปล่งออกมา .

หนุ่มสาว นอร์เวย์ นักแต่งเพลง เอดวาร์ด กริก (2386-2450) มีแรงบันดาลใจในการพัฒนาเพลงชาติ สิ่งนี้ไม่เพียงแสดงออกในงานของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการส่งเสริมดนตรีของนอร์เวย์ด้วย

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในโคเปนเฮเกน Grieg เขียนเพลงมากมาย:“ ภาพกวี” และ "อารมณ์ขัน",โซนาตาสำหรับเปียโนและโซนาตาไวโอลินตัวแรก เพลง ในผลงานใหม่แต่ละชิ้น ภาพของ Grieg ในฐานะนักแต่งเพลงชาวนอร์เวย์จะชัดเจนยิ่งขึ้น ในบทกวี "Poetic Pictures" (1863) ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ลักษณะของชาติยังคงไม่ชัดเจน จังหวะมักพบในดนตรีพื้นบ้านของนอร์เวย์ มันกลายเป็นลักษณะเฉพาะของท่วงทำนองหลายเพลงของ Grieg

งานของ Grieg มีมากมายและหลายแง่มุม Grieg เขียนงานประเภทต่างๆ เปียโนคอนแชร์โตและเพลงบัลเลด โซนาตาสามตัวสำหรับไวโอลินและเปียโน และโซนาตาหนึ่งตัวสำหรับเชลโลและเปียโน ควอเตตเป็นพยานถึงความปรารถนาอย่างต่อเนื่องของ Grieg แบบฟอร์มขนาดใหญ่. ในเวลาเดียวกัน ความสนใจของนักแต่งเพลงในเครื่องมือขนาดเล็กยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ในระดับเดียวกับเปียโนฟอร์เต้นักแต่งเพลงถูกดึงดูดโดยเสียงร้องของแชมเบอร์ - เพลงรัก อย่าเป็นคนหลักกับ Grieg พื้นที่ของความคิดสร้างสรรค์ซิมโฟนิกถูกทำเครื่องหมายด้วยผลงานชิ้นเอกเช่นห้องชุด " ต่อ Gounod”, “ตั้งแต่สมัยโฮลเบิร์ก". หนึ่งใน สายพันธุ์ที่มีลักษณะเฉพาะผลงานของ Grieg - การจัดเรียงเพลงและการเต้นรำพื้นบ้าน: ในรูปแบบของเปียโนธรรมดา, วงจรชุดสำหรับเปียโนสี่มือ

ภาษาดนตรีของ Grieg เป็นต้นฉบับที่สดใส ความแตกต่างของสไตล์ของนักแต่งเพลงนั้นขึ้นอยู่กับความสัมพันธ์อันลึกซึ้งของเขากับดนตรีพื้นบ้านของนอร์เวย์ Grieg ใช้คุณสมบัติประเภท โครงสร้างน้ำเสียง สูตรจังหวะของเพลงพื้นบ้านและท่วงทำนองเต้นรำอย่างกว้างขวาง

ความเชี่ยวชาญอันน่าทึ่งของ Grieg ในการพัฒนาท่วงทำนองแบบแปรผันและแปรผันนั้นมีรากฐานมาจากประเพณีพื้นบ้านของการทำซ้ำทำนองซ้ำ ๆ โดยมีการเปลี่ยนแปลง “ฉันบันทึกเพลงพื้นบ้านในประเทศของฉัน” เบื้องหลังคำพูดเหล่านี้คือทัศนคติที่เคารพนับถือของ Grieg ที่มีต่อ ศิลปท้องถิ่นและการรับรู้ถึงบทบาทที่กำหนดสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของเขาเอง

แนวโรแมนติกและในที่สุดความสมจริงที่ทรงพลัง ... ตามมา ครั้งที่สอง ยวนใจในภาพวาดรัสเซีย ยวนใจต่างกันที่รัสเซีย...

Zweig พูดถูก: ยุโรปไม่ได้เห็นยุคโรแมนติกที่ยอดเยี่ยมเช่นนี้ตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ภาพที่น่าอัศจรรย์ของโลกแห่งความฝัน ความรู้สึกที่เปลือยเปล่า และความปรารถนาที่จะมีจิตวิญญาณอันสูงส่ง สิ่งเหล่านี้คือสีสันที่แต่งแต้มวัฒนธรรมดนตรีแนวโรแมนติก

การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกและสุนทรียศาสตร์

ในขณะที่การปฏิวัติอุตสาหกรรมกำลังเกิดขึ้นในยุโรป ความหวังอยู่ที่มหาราช การปฏิวัติฝรั่งเศส. ลัทธิแห่งเหตุผลซึ่งประกาศโดย Age of Enlightenment ถูกล้มล้าง ลัทธิความรู้สึกและหลักธรรมชาติในมนุษย์ขึ้นแท่น

นี่เป็นวิธีที่ความโรแมนติกเกิดขึ้น ในวัฒนธรรมดนตรี ดนตรีมีอายุมากกว่าหนึ่งศตวรรษเล็กน้อย (พ.ศ. 2343-2453) ในขณะที่ในด้านที่เกี่ยวข้อง (จิตรกรรมและวรรณกรรม) วาระนี้หมดไปเมื่อครึ่งศตวรรษก่อน บางทีดนตรีอาจเป็น "โทษ" สำหรับสิ่งนี้ - เธอคือผู้ที่อยู่ด้านบนสุดของศิลปะโรแมนติกในฐานะศิลปะทางจิตวิญญาณและอิสระที่สุด

อย่างไรก็ตามแนวโรแมนติกซึ่งแตกต่างจากตัวแทนของยุคโบราณและยุคคลาสสิกไม่ได้สร้างลำดับชั้นของศิลปะโดยมีการแบ่งออกเป็นประเภทและประเภทที่ชัดเจน ระบบโรแมนติกเป็นสากล ศิลปะสามารถย้ายเข้าหากันได้อย่างอิสระ แนวคิดเรื่องการสังเคราะห์ศิลปะเป็นหนึ่งในแนวคิดหลักในวัฒนธรรมดนตรีแนวโรแมนติก

ความสัมพันธ์นี้ยังใช้กับหมวดหมู่ของสุนทรียศาสตร์: ความสวยงามเชื่อมโยงกับสิ่งที่น่าเกลียด, ความสูงกับฐาน, โศกนาฏกรรมกับการ์ตูน การเปลี่ยนแปลงดังกล่าวเชื่อมโยงกันด้วยการประชดประชันที่โรแมนติกซึ่งสะท้อนภาพสากลของโลกด้วย

ทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับความงามได้รับความหมายใหม่ในหมู่ความโรแมนติก ธรรมชาติกลายเป็นวัตถุบูชา ศิลปินถูกบูชาในฐานะมนุษย์สูงสุด และความรู้สึกอยู่เหนือเหตุผล

ความจริงที่ไร้วิญญาณนั้นตรงกันข้ามกับความฝัน สวยงาม แต่ไม่สามารถบรรลุได้ โรแมนติกโดยใช้จินตนาการสร้างโลกใหม่ของเขาซึ่งแตกต่างจากความเป็นจริงอื่น ๆ

ศิลปินแนวโรแมนติกเลือกธีมอะไร

ความสนใจของคู่รักนั้นแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในการเลือกรูปแบบที่พวกเขาเลือกในงานศิลปะ

• ธีมความเหงา. อัจฉริยะที่ถูกประเมินต่ำหรือคนโดดเดี่ยวในสังคม - ธีมเหล่านี้เป็นธีมหลักสำหรับนักแต่งเพลงในยุคนี้ ("Love of the Poet" ของ Schumann, "Without the Sun" ของ Mussorgsky)
• หัวข้อของ "คำสารภาพโคลงสั้น ๆ ". บทประพันธ์ของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกหลายๆ บทประพันธ์มีกลิ่นอายของอัตชีวประวัติ (คาร์นิวัลของชูมันน์, ซิมโฟนีมหัศจรรย์ของแบร์ลิออซ)
• ธีมความรัก โดยพื้นฐานแล้วนี่คือหัวข้อที่ไม่มีการแบ่งแยกหรือ ความรักที่น่าเศร้าแต่ไม่จำเป็น (“ความรักและชีวิตของผู้หญิง” โดยชูมันน์, “โรมิโอและจูเลียต” โดยไชคอฟสกี)
• ธีมเส้นทาง เธอยังถูกเรียกว่า ธีมการเดินทาง. จิตวิญญาณแห่งความโรแมนติกที่แตกสลายด้วยความขัดแย้ง กำลังมองหาเส้นทางของตัวเอง (“Harold in Italy” โดย Berlioz, “Years of Wanderings” โดย Liszt)
• ธีมแห่งความตาย โดยพื้นฐานแล้วมันคือความตายทางวิญญาณ (ซิมโฟนีที่หกของไชคอฟสกี, "การเดินทางในฤดูหนาว" ของชูเบิร์ต)
• ธีมธรรมชาติ ธรรมชาติในสายตาของมารดาผู้โรแมนติกและเป็นผู้ปกป้อง และเพื่อนผู้เห็นอกเห็นใจ และลงโทษชะตากรรม ("The Hebrides" โดย Mendelssohn, "In เอเชียกลาง» โบโรดินา). ลัทธิของดินแดนพื้นเมือง (polonaises และเพลงบัลลาดของโชแปง) ก็เชื่อมโยงกับธีมนี้เช่นกัน
• ธีมแฟนตาซี โลกในจินตนาการสำหรับความรักนั้นยิ่งใหญ่กว่าโลกจริงมาก (" นักกีฬามายากล» เวเบอร์ «Sadko» ริมสกี้-คอร์ซาคอฟ)

แนวเพลงในยุคโรแมนติก

วัฒนธรรมดนตรีแนวโรแมนติกเป็นแรงผลักดันในการพัฒนาประเภทของเนื้อเพลงร้องห้อง: เพลงบัลลาด(“ราชาแห่งป่า” โดยชูเบิร์ต) บทกวี(“สตรีแห่งทะเลสาบ” โดย ชูเบิร์ต) และ เพลงมักจะรวมกันเป็น รอบ("เมอร์เทิล" โดยชูมันน์)

โอเปร่าโรแมนติก มีความโดดเด่นไม่เพียงแค่โครงเรื่องที่น่าอัศจรรย์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงความเชื่อมโยงที่แน่นแฟ้นของคำ ดนตรี และ การแสดงบนเวที. โอเปร่ากำลังได้รับการประสานเสียง แค่ระลึกถึง Ring of the Nibelungen ของ Wagner ด้วยเครือข่ายบทประพันธ์ที่พัฒนาขึ้น

ในบรรดาแนวเพลงโรแมนติกก็มี เปียโนจิ๋ว. ในการถ่ายทอดภาพเดียวหรืออารมณ์ชั่วขณะ การเล่นเพียงเล็กน้อยก็เพียงพอแล้วสำหรับพวกเขา แม้จะมีขนาดที่ใหญ่ แต่บทละครก็เต็มไปด้วยการแสดงออก เธออาจจะเป็น "เพลงไม่มีคำพูด" (เหมือน Mendelssohn) มาซูร์กา, วอลทซ์, กลางคืน หรือเล่นโดยใช้ชื่อโปรแกรม (Schumann's Impulse)

เช่นเดียวกับเพลง ละครบางครั้งก็รวมกันเป็นวงจร (“ผีเสื้อ” โดยชูมันน์) ในขณะเดียวกัน ส่วนต่างๆ ของวัฏจักรซึ่งตัดกันอย่างชัดเจน มักจะก่อตัวเป็นองค์ประกอบเดียวเนื่องจากความเชื่อมโยงทางดนตรี

คนโรแมนติกชอบเพลงรายการที่ผสมผสานกับวรรณกรรม ภาพวาด หรือศิลปะอื่นๆ ดังนั้นโครงเรื่องในงานเขียนของพวกเขาจึงมักถูกครอบงำ มีโซนาตาจังหวะเดียว (โซนาตา B minor ของลิซต์) คอนแชร์โตจังหวะเดียว (เปียโนคอนแชร์โตเพลงแรกของลิสซ์) และกวีซิมโฟนี (พรีลูเดสของลิซต์) ซิมโฟนีห้าจังหวะ (Fantastic Symphony ของแบร์ลิออซ)

ภาษาดนตรีของคีตกวีโรแมนติก

การสังเคราะห์ศิลปะที่ร้องโดยชาวโรแมนซ์มีอิทธิพลต่อวิธีการนี้ การแสดงออกทางดนตรี. ท่วงทำนองกลายเป็นปัจเจกบุคคลมากขึ้น อ่อนไหวต่อบทกวีของคำ และดนตรีประกอบก็ไม่เป็นกลางและเป็นแบบฉบับของเนื้อสัมผัส

ความกลมกลืนถูกเติมแต่งด้วยสีสันที่ไม่เคยมีมาก่อนเพื่อบอกเล่าประสบการณ์ของฮีโร่ผู้โรแมนติก ดังนั้น น้ำเสียงโรแมนติกของความอิดโรยจึงถ่ายทอดความกลมกลืนที่เปลี่ยนแปลงซึ่งเพิ่มความตึงเครียดได้อย่างสมบูรณ์แบบ คนโรแมนติกชอบเอฟเฟกต์ของ Chiaroscuro เมื่อการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญ ผู้เยาว์ที่มีชื่อเดียวกันและคอร์ดสเต็ปด้านข้าง และการแมปคีย์ที่สวยงาม นอกจากนี้ยังพบเอฟเฟกต์ใหม่ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อจำเป็นต้องถ่ายทอดจิตวิญญาณพื้นบ้านหรือภาพที่น่าอัศจรรย์ในเพลง

โดยทั่วไปแล้ว ท่วงทำนองของเพลงแนวโรแมนติกพยายามดิ้นรนเพื่อการพัฒนาที่ต่อเนื่อง ปฏิเสธการทำซ้ำโดยอัตโนมัติ หลีกเลี่ยงความสม่ำเสมอของสำเนียงและการแสดงออกทางลมหายใจในแต่ละแรงจูงใจ และเนื้อสัมผัสกลายเป็นตัวเชื่อมสำคัญที่เปรียบได้กับเมโลดี้

ฟังสิ่งที่ mazurka Chopin มีที่ยอดเยี่ยม!

แทนที่จะเป็นข้อสรุป

วัฒนธรรมดนตรีแนวโรแมนติก ถึงคราวที่ XIXและในศตวรรษที่ XX ได้ประสบกับสัญญาณแรกของวิกฤต "ฟรี" รูปแบบดนตรีเริ่มสลายตัว ความกลมกลืนมีชัยเหนือท่วงทำนอง ความรู้สึกอันสูงส่งของวิญญาณโรแมนติกทำให้เกิดความกลัวอันเจ็บปวดและความปรารถนาพื้นฐาน

แนวโน้มการทำลายล้างเหล่านี้ทำให้แนวโรแมนติกสิ้นสุดลงและเปิดทางสู่ความทันสมัย แต่เมื่อสิ้นสุดตามแนวโน้มแล้ว แนวโรแมนติกยังคงมีชีวิตอยู่ทั้งในดนตรีของศตวรรษที่ 20 และในดนตรีของศตวรรษปัจจุบันในส่วนประกอบต่างๆ Blok พูดถูกเมื่อเขากล่าวว่าแนวโรแมนติกเกิดขึ้น "ในทุกยุคทุกสมัยของชีวิตมนุษย์"

แนวโรแมนติกในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุดคือปรากฏการณ์ของศิลปะยุโรปตะวันตก เป็นภาษารัสเซีย เพลงของวันที่ 19วี. จาก Glinka ถึง Tchaikovsky คุณลักษณะของลัทธิคลาสสิกถูกรวมเข้ากับคุณลักษณะของแนวโรแมนติกองค์ประกอบหลักคือหลักการประจำชาติที่สดใสและเป็นต้นฉบับ

เวลา (พ.ศ. 2355 การจลาจลของผู้หลอกลวง ปฏิกิริยาที่ตามมา) ทิ้งรอยไว้บนดนตรี ไม่ว่าเราจะชอบแนวไหน - โรแมนติก โอเปร่า บัลเลต์ แชมเบอร์มิวสิค นักแต่งเพลงชาวรัสเซียทุกแห่งต่างก็พูดคำใหม่ของพวกเขา

ต้นศตวรรษที่ 19 - เป็นปีแห่งการออกดอกครั้งแรกและสดใสของแนวโรแมนติก เนื้อเพลงที่จริงใจแต่เจียมเนื้อเจียมตัวยังคงไพเราะและทำให้ผู้ฟังเพลิดเพลิน อเล็กซานเดอร์ อเล็กซานโดรวิช อัลยาบีเยฟ (2330-2394)เขาเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ให้กับกวีหลายคน แต่ผู้เป็นอมตะ "นกไนติงเกล"ถึงโองการของเดลวิก "ถนนฤดูหนาว", "ฉันรักคุณ"ในบทกวีของพุชกิน

อเล็กซานเดอร์ เอโกโรวิช วาร์ลามอฟ (2344-2391)เขียนเพลงสำหรับการแสดงละคร แต่เรารู้จักเขาดีกว่าจาก ความรักที่มีชื่อเสียง “ชุดอาบแดดสีแดง”, “อย่าปลุกฉันตอนรุ่งสาง”, “เรือใบเดียวเปลี่ยนเป็นสีขาว”

Alexander Lvovich Gurilev (2346-2401)- นักแต่งเพลง นักเปียโน นักไวโอลิน และอาจารย์ เขาเป็นเจ้าของความรักเช่น “ระฆังดังซ้ำซากจำเจ”, “ยามรุ่งอรุณแห่งวัยเยาว์ที่มีหมอกหนา”และอื่น ๆ.

สถานที่ที่โดดเด่นที่สุดของที่นี่ถูกครอบครองโดยความรักของ Glinka ยังไม่มีใครประสบความสำเร็จในการผสมผสานดนตรีเข้ากับบทกวีของ Pushkin, Zhukovsky อย่างเป็นธรรมชาติ

มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกา (2347-2400)- ผู้ก่อตั้งร่วมสมัยของพุชกินซึ่งเป็นวรรณกรรมคลาสสิกของรัสเซีย ดนตรีคลาสสิก. งานของเขาเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของวัฒนธรรมดนตรีของรัสเซียและโลก มันผสมผสานความมั่งคั่งอย่างกลมกลืน ดนตรีพื้นบ้านและความสำเร็จสูงสุดของนักแต่งเพลง งานพื้นบ้านที่เหมือนจริงอย่างลึกซึ้งของ Glinka สะท้อนให้เห็นถึงความเฟื่องฟูอันทรงพลังของวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งเกี่ยวข้องกับสงครามรักชาติในปี 1812 และขบวนการ Decembrist ลักษณะเด่นของชีวิต ความกลมกลืนของรูปแบบ ความสวยงามของท่วงทำนองที่สื่อความหมายและไพเราะ ความหลากหลาย ความสดใส และความละเอียดอ่อนของเสียงประสานเป็นคุณสมบัติที่มีค่าที่สุดของดนตรีของกลินกา ใน โอเปร่าที่มีชื่อเสียง "อีวาน ซูซานิน"(พ.ศ. 2379) ได้รับการแสดงความคิดที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับความรักชาติของประชาชน ความยิ่งใหญ่ทางศีลธรรมของชาวรัสเซียยังได้รับการยกย่องในเทพนิยายโอเปร่า " รุสลันและลุดมิลา". งานออเคสตราโดย Glinka: “Fantasy Waltz”, “ค่ำคืนในมาดริด”และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "คามารินสกายา",เป็นพื้นฐานของซิมโฟนีคลาสสิกของรัสเซีย โดดเด่นทั้งด้านพลังการแสดงละครและความสดใสของลักษณะของเพลงโศกนาฏกรรม "เจ้าชายโคล์มสกี้"เนื้อเพลงของ Glinka (โรแมนติก "ฉันจำได้ ช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยม", "สงสัย") เป็นศูนย์รวมของบทกวีรัสเซียในดนตรีที่ไม่มีใครเทียบได้

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ XIX การกำเนิดโรงเรียนสอนดนตรีแห่งชาติ ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ XIX ครอบงำโดยแนวโน้มโรแมนติกซึ่งแสดงออกมาในงานของ A.N. Verstovsky ซึ่งใช้วิชาประวัติศาสตร์ในงานของเขา ผู้ก่อตั้งโรงเรียนดนตรีรัสเซียคือ M.I. Glinka ผู้สร้างแนวดนตรีหลัก: โอเปร่า ("Ivan Susanin", "Ruslan and Lyudmila"), ซิมโฟนี, โรแมนติก, ซึ่งใช้ลวดลายคติชนวิทยาในงานของเขา ผู้ริเริ่มในด้านดนตรีคือ A.S. Dargomyzhsky ผู้แต่งโอเปร่าบัลเล่ต์ "The Triumph of Bacchus" และผู้สร้างบทบรรยายในโอเปร่า เพลงของเขาเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับผลงานของนักแต่งเพลง "Mighty Handful" - M.P. Mussorgsky, M.A. Balakireva, N.A. ริมสกี้-คอร์ซาคอฟ, A.P. Borodin, Ts.A. Cui ผู้ปรารถนาที่จะรวมเอา "ชีวิต ไม่ว่ามันจะส่งผลกระทบที่ใด" ลงในผลงานของพวกเขา โดยหันไปใช้โครงเรื่องทางประวัติศาสตร์และคติชนวิทยาอย่างแข็งขัน งานของพวกเขาสร้างแนวเพลงละคร "Boris Godunov" และ "Khovanshchina" โดย Mussorgsky, "Prince Igor" โดย Borodin, "The Snow Maiden" และ " เจ้าสาวของราชวงศ์"Rimsky-Korsakov เป็นความภาคภูมิใจของศิลปะรัสเซียและโลก

สถานที่พิเศษในดนตรีรัสเซียถูกครอบครองโดย P.I. ไชคอฟสกีซึ่งรวมเอาละครภายในและความสนใจไว้ในผลงานของเขา โลกภายในมนุษย์ลักษณะของรัสเซีย วรรณคดี XIXศตวรรษที่นักแต่งเพลงมักจะหันมา (โอเปร่า "Eugene Onegin", " ราชินีโพดำ", "มาเซปา").

ประวัติดนตรีที่สั้นที่สุด คู่มือที่สมบูรณ์และรัดกุมที่สุดของ Henley Daren

โรแมนติกตอนปลาย

โรแมนติกตอนปลาย

นักแต่งเพลงหลายคนในยุคนี้ยังคงเขียนเพลงได้ดีในศตวรรษที่ 20 อย่างไรก็ตาม เราพูดถึงพวกเขาที่นี่ ไม่ใช่ในบทถัดไป ด้วยเหตุผลที่ว่ามันเป็นจิตวิญญาณของความโรแมนติกที่หนักแน่นในดนตรีของพวกเขา

ควรสังเกตว่าบางคนมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดและแม้แต่มิตรภาพกับนักแต่งเพลงที่กล่าวถึงในหัวข้อย่อย "Early Romantics" และ "Nationalists"

นอกจากนี้ควรระลึกไว้เสมอว่าในช่วงเวลานี้แตกต่างกัน ประเทศในยุโรปสร้างนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมมากมายจนการแบ่งตามหลักการใด ๆ จะเป็นไปโดยพลการ หากในวรรณคดีต่าง ๆ ที่อุทิศให้กับยุคคลาสสิกและยุคบาโรกจะมีการกล่าวถึงกรอบเวลาเดียวกันโดยประมาณ ช่วงเวลาโรแมนติกจะถูกกำหนดแตกต่างกันไปทุกที่ ดูเหมือนว่าเขตแดนระหว่างการสิ้นสุดของยุคโรแมนติกและต้นศตวรรษที่ 20 ในดนตรีนั้นเบลอมาก

นักแต่งเพลงชั้นนำของอิตาลีในศตวรรษที่ 19 คือไม่ต้องสงสัย จูเซปเป้ แวร์ดี.อันนี้มองเรา ดวงตาเป็นประกายชายที่มีหนวดหนาและคิ้วหนายืนสูงกว่าผู้แต่งโอเปร่าคนอื่น ๆ ทั้งหมด

การแต่งเพลงทั้งหมดของ Verdi เต็มไปด้วยท่วงทำนองที่สดใสและน่าจดจำอย่างแท้จริง โดยรวมแล้วเขาเขียนโอเปร่ายี่สิบหกเรื่องซึ่งส่วนใหญ่จัดแสดงเป็นประจำจนถึงทุกวันนี้ ในบรรดาผลงานศิลปะโอเปร่าที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดตลอดกาล

เพลงของ Verdi มีมูลค่าสูงแม้ในช่วงชีวิตของผู้แต่ง ในรอบปฐมทัศน์ ฮาเดสผู้ชมปรบมืออย่างยาวนานจนศิลปินต้องคำนับมากถึงสามสิบสองครั้ง

Verdi เป็นคนร่ำรวย แต่เงินไม่สามารถช่วยชีวิตทั้งภรรยาและลูกสองคนของผู้แต่งจากการเสียชีวิตก่อนวัยอันควรได้ดังนั้นจึงมีช่วงเวลาที่น่าเศร้าในชีวิตของเขา เขายกมรดกให้เป็นที่พักพิงสำหรับนักดนตรีเก่าที่สร้างขึ้นภายใต้การดูแลของเขาในมิลาน Verdi เองถือว่าการสร้างที่พักพิงไม่ใช่ดนตรีเป็นความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา

แม้ว่าชื่อของ Verdi จะเกี่ยวข้องกับโอเปร่าเป็นหลัก แต่การพูดถึงเขาเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึง บังสุกุลถือเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่ดี เพลงประสานเสียง. มันเต็มไปด้วยละครและคุณลักษณะบางอย่างของโอเปร่าหลุดลอยไป

นักแต่งเพลงคนต่อไปของเราไม่ใช่คนที่มีเสน่ห์ที่สุด โดยทั่วไปแล้วนี่เป็นตัวเลขที่น่าอับอายและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในบรรดาผู้ที่กล่าวถึงในหนังสือของเรา หากเราจะทำรายการตามลักษณะบุคลิกภาพเพียงอย่างเดียวแล้วล่ะก็ ริชาร์ด วากเนอร์จะไม่ตีมัน อย่างไรก็ตาม เราได้รับคำแนะนำจากหลักเกณฑ์ทางดนตรีเท่านั้น และประวัติศาสตร์ของดนตรีคลาสสิกก็เป็นไปไม่ได้หากไม่มีชายคนนี้

พรสวรรค์ของวากเนอร์เป็นสิ่งที่ปฏิเสธไม่ได้ จาก - ภายใต้ปากกาของเขามีสิ่งที่สำคัญและน่าประทับใจที่สุด การประพันธ์ดนตรีตลอดระยะเวลาของการยวนใจ - โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับโอเปร่า ในเวลาเดียวกัน เขาถูกพูดถึงว่าเป็นพวกต่อต้านชาวยิว เหยียดเชื้อชาติ เทปสีแดง ผู้หลอกลวงคนสุดท้ายและแม้แต่หัวขโมยที่ไม่ลังเลที่จะรับทุกสิ่งที่เขาต้องการ และคนที่หยาบคายโดยไม่สำนึกผิด วากเนอร์มีความนับถือตนเองสูงเกินจริง และเขาเชื่อว่าอัจฉริยภาพของเขายกระดับเขาเหนือคนอื่นๆ

วากเนอร์เป็นที่จดจำจากการแสดงโอเปร่าของเขา นักแต่งเพลงคนนี้ยกระดับอุปรากรเยอรมันไปสู่อีกระดับหนึ่ง และแม้ว่าเขาจะเกิดในช่วงเวลาเดียวกับแวร์ดี แต่ดนตรีของเขาก็แตกต่างจากบทประพันธ์ของอิตาลีในยุคนั้นอย่างมาก

นวัตกรรมอย่างหนึ่งของวากเนอร์คือตัวละครหลักแต่ละตัวได้รับธีมดนตรีของตัวเอง ซึ่งทำซ้ำทุกครั้งที่เขาเริ่มมีบทบาทสำคัญบนเวที

วันนี้ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง แต่ในเวลานั้นความคิดนี้ทำให้เกิดการปฏิวัติอย่างแท้จริง

ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวากเนอร์คือวัฏจักร วงแหวนแห่ง Nibelung,ประกอบด้วยโอเปร่าสี่เรื่อง: ไรน์โกลด์, วาลคิรี, ซิกฟรีดและ ความตายของเทพเจ้าโดยปกติจะใส่ติดต่อกันสี่คืนและโดยรวมแล้วจะใช้เวลาประมาณสิบห้าชั่วโมง โอเปร่าเหล่านี้เพียงอย่างเดียวก็เพียงพอที่จะเชิดชูนักแต่งเพลงของพวกเขา แม้จะมีความคลุมเครือของวากเนอร์ในฐานะบุคคล แต่ก็ควรได้รับการยอมรับว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่น

ลักษณะเด่นของโอเปร่าของวากเนอร์คือระยะเวลา ของเขา โอเปร่าครั้งสุดท้าย พาร์ซิฟาลกินเวลานานกว่าสี่ชั่วโมง

วาทยกร David Randolph เคยกล่าวถึงเธอว่า:

“ นี่คือโอเปร่าจากหมวดหมู่ของโอเปร่าที่เริ่มตอนหกโมงและเมื่อคุณดูหลังจากผ่านไปสามชั่วโมง นาฬิกาข้อมือปรากฎว่าพวกเขาแสดง 6:20

ชีวิต แอนตัน บรั๊คเนอร์ในฐานะนักแต่งเพลง นี่เป็นบทเรียนในการไม่ยอมแพ้และยืนหยัดในความเป็นตัวเอง เขาฝึกฝนสิบสองชั่วโมงต่อวันอุทิศเวลาทั้งหมดให้กับงาน (เขาเป็นนักเล่นออร์แกน) และเรียนรู้ดนตรีมากมายด้วยตัวเขาเอง จบการเรียนรู้ทักษะการเขียนทางจดหมายเมื่ออายุครบสามสิบเจ็ดปี

ทุกวันนี้ ซิมโฟนีของ Bruckner มักเป็นที่จดจำ ซึ่งเขาแต่งทั้งหมดเก้าชิ้น บางครั้งเขาถูกครอบงำด้วยความสงสัยเกี่ยวกับความสามารถของเขาในฐานะนักดนตรี แต่เขาก็ยังได้รับการยอมรับ แม้ว่าในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา หลังจากดำเนินการแล้ว ซิมโฟนีหมายเลข 1ในที่สุดนักวิจารณ์ก็ยกย่องนักแต่งเพลงซึ่งในเวลานั้นอายุได้สี่สิบสี่ปีแล้ว

โยฮันเนส บรามส์ไม่ใช่หนึ่งในนักแต่งเพลงที่เกิดมาพร้อมกับไม้กายสิทธิ์สีเงิน เมื่อถึงเวลาที่เขาเกิด ครอบครัวได้สูญเสียความมั่งคั่งในอดีตไปและแทบจะหาเลี้ยงชีพไม่ได้ ในช่วงวัยรุ่นเขาหาเลี้ยงชีพด้วยการเล่นซ่องโสเภณีของเขา บ้านเกิดฮัมบูร์ก. เมื่อ Brahms โตเป็นผู้ใหญ่ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเขาคุ้นเคยกับด้านที่น่าดึงดูดที่สุดของชีวิต

เพลงของ Brahms ได้รับการโปรโมตโดย Robert Schumann เพื่อนของเขา หลังจากการเสียชีวิตของ Schumann Brahms ก็สนิทกับ Clara Schumann และในที่สุดก็ตกหลุมรักเธอ ไม่มีใครรู้แน่ชัดว่าพวกเขามีความสัมพันธ์แบบใดแม้ว่าความรู้สึกที่มีต่อเธออาจมีบทบาทบางอย่างในความสัมพันธ์ของเขากับผู้หญิงคนอื่น - เขาไม่ได้มอบหัวใจให้กับพวกเขาเลย

โดยส่วนตัวแล้ว Brahms ค่อนข้างจะไร้การควบคุมและขี้หงุดหงิด แต่เพื่อน ๆ ของเขาอ้างว่าเขามีความอ่อนโยน แม้ว่าเขาจะไม่ได้แสดงให้คนรอบข้างเห็นก็ตาม วันหนึ่ง กลับจากงานเลี้ยง เขาพูดว่า:

“ถ้าฉันไม่ได้ทำให้ใครขุ่นเคือง ฉันก็ขออโหสิกรรมจากพวกเขา”

Brahms คงไม่ชนะการแข่งขันสำหรับนักแต่งเพลงที่แต่งตัวหรูหราและทันสมัยที่สุด เขาไม่ชอบซื้อ เสื้อผ้าใหม่และมักจะสวมกางเกงขายาวแบบเดียวกันที่มีปะ เกือบจะสั้นเกินไปสำหรับเขา ในระหว่างการแสดงครั้งหนึ่ง กางเกงของเขาเกือบหลุด ครั้งหนึ่งเขาต้องถอดเนคไทออกแล้วใช้มันแทนเข็มขัด

สไตล์ดนตรีของ Brahms ได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Haydn, Mozart และ Beethoven และนักประวัติศาสตร์ดนตรีบางคนอ้างว่าเขาเขียนด้วยจิตวิญญาณของความคลาสสิก ซึ่งในตอนนั้นล้าสมัยไปแล้ว ในเวลาเดียวกัน เขายังเป็นเจ้าของความคิดใหม่ๆ อีกหลายประการ เขาประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในการพัฒนาดนตรีชิ้นเล็กๆ และเล่นซ้ำไปซ้ำมาตลอดทั้งงาน ซึ่งนักแต่งเพลงเรียกว่า

Opera Brahms ไม่ได้เขียน แต่เขาได้ลองเล่นดนตรีคลาสสิกประเภทอื่นๆ เกือบทั้งหมดด้วยตัวเอง ดังนั้นจึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นหนึ่งใน นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดกล่าวถึงในหนังสือของเรา ยักษ์ใหญ่แห่งดนตรีคลาสสิกอย่างแท้จริง เขาพูดสิ่งนี้เกี่ยวกับงานของเขา:

"การแต่งเพลงไม่ใช่เรื่องยาก แต่การโยนโน้ตพิเศษลงไปใต้โต๊ะนั้นยากอย่างน่าประหลาดใจ"

แม็กซ์ บรูชเกิดหลังบราห์มส์เพียง 5 ปี และคนหลังคงจะบดบังเขาอย่างแน่นอน หากไม่ใช่เพราะผลงานชิ้นเดียว ไวโอลินคอนแชร์โต้หมายเลข 1.

Bruch เองยอมรับข้อเท็จจริงนี้โดยระบุด้วยความถ่อมตนว่าผิดปกติสำหรับนักแต่งเพลงหลายคน:

"อีก 50 ปีนับจากนี้ บราห์มส์จะถูกเรียกว่าเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล และฉันจะถูกจดจำจากการเขียนไวโอลินคอนแชร์โต้ใน G Minor"

และเขาก็เป็นฝ่ายถูก จริงอยู่ Brujah เองก็มีบางอย่างที่ต้องจำ! เขาแต่งผลงานอื่น ๆ อีกมากมาย - รวมประมาณสองร้อยชิ้น - เขามีผลงานมากมายโดยเฉพาะสำหรับนักร้องประสานเสียงและโอเปร่าซึ่งไม่ค่อยมีการจัดฉากในทุกวันนี้ เพลงของเขามีความไพเราะ แต่เขาไม่ได้มีส่วนร่วมในการพัฒนาสิ่งใหม่เป็นพิเศษ นักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ในยุคนั้นดูเหมือนจะเป็นนักประดิษฐ์ตัวจริง

ในปี 1880 Bruch ได้รับการแต่งตั้งเป็นวาทยกรของ Liverpool Royal Philharmonic Society แต่กลับมาที่เบอร์ลินในอีกสามปีต่อมา นักดนตรีของวงดุริยางค์ไม่พอใจเขา

ในหน้าหนังสือของเรา เราได้พบกับอัจฉริยะทางดนตรีมากมายแล้ว และ คามิลล์ แซงต์-ซองส์ไม่ใช่สถานที่สุดท้ายในหมู่พวกเขา เมื่ออายุได้ 2 ขวบ Saint-Saens ก็สามารถเล่นทำนองบนเปียโนได้แล้ว และเขาเรียนรู้ที่จะอ่านและเขียนเพลงไปพร้อมๆ กัน ตอนอายุสามขวบเขาเล่นละคร องค์ประกอบของตัวเอง. ตอนอายุสิบขวบเขาแสดง Mozart และ Beethoven ได้อย่างสมบูรณ์แบบ อย่างไรก็ตาม เขาสนใจอย่างจริงจังในกีฏวิทยา (ผีเสื้อและแมลง) และต่อมาในวิทยาศาสตร์อื่น ๆ รวมทั้งธรณีวิทยา ดาราศาสตร์ และปรัชญา ดูเหมือนว่าเป็นเช่นนั้น เด็กเก่งไม่สามารถจำกัดเพียงสิ่งเดียว

หลังจากจบการศึกษาจาก Paris Conservatory แล้ว Saint-Saens ก็ทำงานเป็นนักเล่นออร์แกนเป็นเวลาหลายปี ด้วยวัยเริ่มมีอิทธิพล ชีวิตดนตรีฝรั่งเศสและต้องขอบคุณเขาที่ดนตรีของนักแต่งเพลงเช่น J.S. Bach, Mozart, Handel และ Gluck เริ่มแสดงบ่อยขึ้น

ที่สุด เรียงความที่มีชื่อเสียงเซนต์ - ซานซ่า - เทศกาลสัตว์,ซึ่งผู้แต่งห้ามแสดงตลอดชีวิต เขากังวลเกี่ยวกับวิธีการ นักวิจารณ์เพลงเมื่อได้ยินงานนี้ไม่คิดว่ามันไร้สาระเกินไป ท้ายที่สุด มันเป็นเรื่องตลกเมื่อวงออเคสตร้าบนเวทีแสดงภาพสิงโต ไก่กับไก่ เต่า ช้าง จิงโจ้ พิพิธภัณฑ์สัตว์น้ำที่มีปลา นก ลา และหงส์

Saint-Saens เขียนผลงานชิ้นอื่นๆ ของเขาสำหรับการผสมผสานเครื่องดนตรีที่ไม่บ่อยนัก รวมถึงเครื่องดนตรีที่มีชื่อเสียงด้วย "ออร์แกน" ซิมโฟนีหมายเลข 3,ฟังในภาพยนตร์เรื่อง "Babe"

ดนตรีของ Saint-Saens มีอิทธิพลต่องานของคีตกวีชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ รวมทั้ง กาเบรียล โฟเร่.ชายหนุ่มคนนี้สืบทอดตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในโบสถ์ St. Magdalene ของกรุงปารีส ซึ่งก่อนหน้านี้ Saint-Saens เคยดำรงตำแหน่ง

และแม้ว่าพรสวรรค์ของ Faure จะเทียบกับพรสวรรค์ของครูไม่ได้ แต่เขาเป็นนักเปียโนที่ยอดเยี่ยม

Fauré เป็นคนยากจน ดังนั้นเขาจึงทำงานหนัก เล่นออร์แกน กำกับคณะนักร้องประสานเสียง และสอนบทเรียน เขากำลังเขียนใน เวลาว่างซึ่งเหลืออยู่น้อยมาก แต่ถึงกระนั้นเขาก็สามารถเผยแพร่ผลงานของเขาได้มากกว่าสองร้อยห้าสิบชิ้น บางคนแต่งขึ้นเป็นเวลานานมากเช่นทำงานต่อไป บังสุกุลกินเวลากว่ายี่สิบปี

ในปี 1905 Fauré ได้กลายเป็นผู้อำนวยการของ Paris Conservatory ซึ่งก็คือชายผู้ซึ่งการพัฒนาดนตรีฝรั่งเศสในยุคนั้นขึ้นอยู่กับตัวเขาเป็นหลัก สิบห้าปีต่อมา Faure เกษียณ บั้นปลายชีวิตต้องสูญเสียการได้ยิน

วันนี้ Faure เป็นที่นับถือนอกฝรั่งเศส แม้ว่าเขาจะเป็นที่ชื่นชมที่สุดที่นั่น

สำหรับแฟนๆ เพลงภาษาอังกฤษการปรากฏตัวของร่างเช่น เอ็ดเวิร์ด เอลการ์,มันต้องดูเหมือนปาฏิหาริย์จริงๆ นักประวัติศาสตร์ดนตรีหลายคนเรียกเขาว่าเป็นคนสำคัญคนแรก นักแต่งเพลงชาวอังกฤษหลังจาก Henry Purcell ผู้ซึ่งทำงานในช่วงยุคบาโรก แม้ว่าก่อนหน้านี้เราจะพูดถึง Arthur Sullivan เพียงเล็กน้อยก็ตาม

Elgar ชื่นชอบประเทศอังกฤษมาก โดยเฉพาะ Worcestershire บ้านเกิดของเขา ซึ่งเขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิตค้นหาแรงบันดาลใจในทุ่งของ Malvern Hills

ตอนเป็นเด็ก เขาถูกห้อมล้อมไปด้วยเสียงดนตรีทุกที่ พ่อของเขาเป็นเจ้าของร้านดนตรีในท้องถิ่นและสอนเอลการ์ตัวน้อยให้เล่นเพลงต่างๆ เครื่องดนตรี. ตอนอายุสิบสอง เด็กชายได้เปลี่ยนออร์แกนในงานบริการของโบสถ์แล้ว

หลังจากทำงานในสำนักงานทนายความ Elgar ตัดสินใจอุทิศตนให้กับอาชีพที่มีความมั่นคงทางการเงินน้อยกว่ามาก บางครั้งเขาทำงานนอกเวลาให้บทเรียนไวโอลินและเปียโนเล่นในวงออเคสตราท้องถิ่นและแม้แต่ดำเนินการเล็กน้อย

ชื่อเสียงของ Elgar ในฐานะนักแต่งเพลงค่อยๆ เพิ่มขึ้น แม้ว่าเขาจะต้องดิ้นรนเพื่อหลีกทางให้ออกไปนอกเขตบ้านเกิดของเขา ชื่อเสียงนำเขามา รูปแบบบน ชุดรูปแบบเดิม, ซึ่งปัจจุบันรู้จักกันดีในชื่อ รูปแบบปริศนา

ตอนนี้เพลงของ Elgar ถูกมองว่าเป็นภาษาอังกฤษและฟังในช่วงเหตุการณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดระดับประเทศ ที่เสียงแรกของมัน เชลโล่คอนแชร์โต้ชนบทอังกฤษปรากฏขึ้นทันที นิมโรดจาก รูปแบบต่างๆมักเล่นในงานพิธีการและ การเดินขบวนเคร่งขรึมและพิธีการหมายเลข 1รู้จักกันในนาม ดินแดนแห่งความหวังและความรุ่งโรจน์ดำเนินการ ปาร์ตี้รับปริญญาทั่วสหราชอาณาจักร

Elgar เป็นคนในครอบครัวและรักชีวิตที่เงียบสงบและเป็นระเบียบ อย่างไรก็ตาม เขาทิ้งร่องรอยไว้ในประวัติศาสตร์ นักแต่งเพลงที่มีหนวดเขียวชอุ่มสามารถสังเกตเห็นได้ทันทีบนธนบัตร 20 ปอนด์ เห็นได้ชัดว่าผู้ออกแบบธนบัตรพบว่าขนบนใบหน้านั้นปลอมได้ยากมาก

ในอิตาลี ผู้สืบทอดศิลปะโอเปร่าของจูเซปเป้แวร์ดีคือ จาโกโม ปุชชินี, ถือเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ศิลปะแขนงนี้ที่ได้รับการยอมรับในระดับโลก

ครอบครัว Puccini มีความเกี่ยวข้องกันมานานแล้ว เพลงคริสตจักรแต่เมื่อ Giacomo ได้ฟังโอเปร่าครั้งแรก ไอด้า Verdi เขาตระหนักว่านี่คือการเรียกของเขา

หลังจากเรียนที่มิลาน ปุชชินีแต่งโอเปร่า มานอน เลสโก, ซึ่งทำให้เขาประสบความสำเร็จอย่างยิ่งใหญ่ครั้งแรกในปี พ.ศ. 2436 หลังจากนั้น การผลิตที่ประสบความสำเร็จตามมาอีกชิ้นหนึ่ง: โบฮีเมียในปี พ.ศ. 2439 โหยหาในปี พ.ศ. 2443 และ มาดามบัตเตอร์ฟลายในปี 1904

โดยรวมแล้ว ปุชชีนีแต่งโอเปร่าสิบสองเรื่อง ซึ่งเรื่องสุดท้ายคือ ทูรันดอท.เขาเสียชีวิตโดยไม่ได้แต่งเพลงให้เสร็จ และนักแต่งเพลงอีกคนก็ทำงานให้เสร็จ ในรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า วาทยกร Arturo Toscanini ได้หยุดวงออร์เคสตราตรงที่ปุชชินีออกไปพอดี เขาหันไปหาผู้ชมและพูดว่า:

ด้วยการมรณกรรมของ Puccini ความรุ่งเรืองของศิลปะโอเปร่าของอิตาลีก็สิ้นสุดลง หนังสือของเราจะไม่กล่าวถึงภาษาอิตาลีอีกต่อไป นักแต่งเพลงโอเปร่า. แต่ใครจะรู้อนาคตของเรา

ในชีวิต กุสตาฟ มาห์เลอร์เขาเป็นที่รู้จักในฐานะวาทยกรมากกว่านักแต่งเพลง เขาดำเนินการในฤดูหนาวและในฤดูร้อนตามกฎแล้วเขาชอบเขียน

เมื่อตอนเป็นเด็ก กล่าวกันว่ามาห์เลอร์พบเปียโนในห้องใต้หลังคาของบ้านคุณย่าของเขา สี่ปีต่อมาเมื่ออายุสิบขวบเขาได้แสดงครั้งแรกแล้ว

มาห์เลอร์เรียนที่ Vienna Conservatory ซึ่งเขาเริ่มแต่งเพลง ในปี พ.ศ. 2440 เขาได้ดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการของ Vienna State Opera และในอีก 10 ปีต่อมา เขาได้รับชื่อเสียงอย่างมากในด้านนี้

ตัวเขาเองเริ่มเขียนโอเปร่าสามเรื่อง แต่ยังไม่จบ ในสมัยของเรา เขาเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะนักแต่งเพลงซิมโฟนี ในประเภทนี้เขาเป็นเจ้าของ "เพลงฮิต" ที่แท้จริง - ซิมโฟนีหมายเลข 8,ในการแสดงที่มีนักดนตรีและนักร้องเข้าร่วมมากกว่าพันคน

หลังจากการเสียชีวิตของมาห์เลอร์ ดนตรีของเขาก็ล้าสมัยไปเป็นเวลา 50 ปี แต่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เพลงของเขากลับมาได้รับความนิยมอีกครั้ง โดยเฉพาะในบริเตนใหญ่และสหรัฐอเมริกา

ริชาร์ด สเตราส์เกิดในเยอรมนีและราชวงศ์ เวียนนาสเตราส์ไม่ได้เป็นเจ้าของ แม้ว่านักแต่งเพลงคนนี้จะมีชีวิตอยู่เกือบครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 แต่เขาก็ยังถือว่าเป็นตัวแทนของแนวโรแมนติกทางดนตรีของเยอรมัน

ความนิยมทั่วโลกของริชาร์ด สเตราส์ค่อนข้างได้รับความเดือดร้อนจากการที่เขาตัดสินใจอยู่ในเยอรมนีหลังปี 1939 และหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 เขาถูกกล่าวหาโดยสิ้นเชิงว่าร่วมมือกับพวกนาซี

สเตราส์เป็นวาทยกรที่ยอดเยี่ยม ต้องขอบคุณที่เขาเข้าใจอย่างถ่องแท้ว่าเครื่องดนตรีชิ้นนี้หรือชิ้นนั้นในวงออเคสตราควรให้เสียงอย่างไร เขามักจะนำความรู้นี้ไปใช้ในทางปฏิบัติ นอกจากนี้เขายังให้คำแนะนำต่าง ๆ แก่นักแต่งเพลงคนอื่น ๆ เช่น:

"อย่าดูทรอมโบน คุณแค่ให้กำลังใจพวกเขา"

“อย่าเหงื่อออกขณะแสดง คนฟังเท่านั้นที่ควรร้อน”

วันนี้สเตราส์จำได้ว่าเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของเขาเป็นหลัก Zarathustra พูดดังนี้ว่าบทนำที่ Stanley Kubrick ใช้ในภาพยนตร์ของเขา 2001: A Space Odyssey แต่เขายังเขียนโอเปร่าเยอรมันที่ดีที่สุดบางเรื่องอีกด้วย - โรเซนกาวาเลียร์, ซาโลเมและ Ariadne บน Naxosหนึ่งปีก่อนเสียชีวิตเขายังแต่งได้ไพเราะมาก สี่ เพลงใหม่ล่าสุด สำหรับเสียงและวงออเคสตรา ที่จริงแล้วนี่ไม่ใช่เพลงสุดท้ายของสเตราส์ แต่กลายเป็นเพลงสุดท้ายของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา

จนถึงขณะนี้ในบรรดานักแต่งเพลงที่กล่าวถึงในหนังสือเล่มนี้มีตัวแทนเพียงคนเดียวของสแกนดิเนเวีย - Edvard Grieg แต่ตอนนี้เราถูกส่งไปยังดินแดนที่หนาวเหน็บและหนาวเหน็บอีกครั้ง - คราวนี้ไปที่ฟินแลนด์ ฌอง ซิเบลิอุส,อัจฉริยะทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม

เพลงของ Sibelius ซึมซับตำนานและตำนานของบ้านเกิดของเขา ของเขา งานที่ยิ่งใหญ่ที่สุด, ฟินแลนด์,ถือเป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณแห่งชาติของชาวฟินน์ เช่นเดียวกับในสหราชอาณาจักร สมบัติของชาติผลงานของ Elgar ได้รับการยอมรับ นอกจากนี้ Sibelius ก็เหมือนกับ Mahler ซึ่งเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านซิมโฟนีที่แท้จริง

สำหรับความสนใจอื่น ๆ ของนักแต่งเพลงนั้น ในชีวิตประจำวันของเขาเขาชอบดื่มเหล้าและสูบบุหรี่มากเกินไป จนเมื่ออายุได้สี่สิบกว่าปี เขาก็ล้มป่วยด้วยโรคมะเร็งในลำคอ บ่อยครั้งที่เขาขาดเงินและรัฐให้เงินบำนาญแก่เขาเพื่อที่เขาจะได้เขียนเพลงต่อไปโดยไม่ต้องกังวลเกี่ยวกับความเป็นอยู่ทางการเงินของเขา แต่กว่ายี่สิบปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Sibelius หยุดแต่งเพลงเลย เขาใช้ชีวิตที่เหลืออยู่อย่างสันโดษ เขารุนแรงเป็นพิเศษเกี่ยวกับผู้ที่ได้รับเงินจากการวิจารณ์เพลงของเขา:

“อย่าใส่ใจกับสิ่งที่นักวิจารณ์พูด จนถึงตอนนี้ยังไม่มีนักวิจารณ์สักคนเดียวที่ได้รับรูปปั้น”

คนสุดท้ายในรายชื่อนักแต่งเพลงในยุคโรแมนติกของเราก็มีชีวิตอยู่จนถึงเกือบกลางศตวรรษที่ 20 แม้ว่าส่วนใหญ่ของเขา ผลงานที่มีชื่อเสียงเขาเขียนในปี 1900 และถึงกระนั้นเขาก็ได้รับการจัดอันดับให้อยู่ในกลุ่มโรแมนติกและสำหรับเราแล้วดูเหมือนว่านี่คือนักแต่งเพลงที่โรแมนติกที่สุดของทั้งกลุ่ม

เซอร์เก วาซิลเยวิช ราห์มานินอฟเกิดในตระกูลขุนนางซึ่งสมัยนั้นใช้เงินมาก เขาพัฒนาความสนใจในดนตรีตั้งแต่เนิ่นๆ เด็กปฐมวัยและพ่อแม่ของเขาส่งเขาไปเรียนที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก่อนจากนั้นจึงไปที่มอสโกว

Rachmaninov เป็นนักเปียโนที่มีพรสวรรค์อย่างน่าประหลาดใจ และเขายังกลายเป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย

ของฉัน เปียโนคอนแชร์โต หมายเลข 1เขาเขียนตอนอายุสิบเก้า นอกจากนี้เขายังหาเวลาสำหรับการแสดงโอเปร่าเรื่องแรกของเขาด้วย อเลโกะ.

แต่ชีวิตนี้ นักดนตรีที่ยอดเยี่ยมตามกฎแล้วไม่พอใจอย่างยิ่ง ในหลาย ๆ ภาพ เราเห็นชายที่โกรธเกรี้ยวและขมวดคิ้ว Igor Stravinsky นักแต่งเพลงชาวรัสเซียอีกคนหนึ่งเคยกล่าวไว้ว่า:

“แก่นแท้อมตะของ Rachmaninoff คือการขมวดคิ้วของเขา เขาขมวดคิ้วสูงหกฟุตครึ่ง...เขาเป็นคนที่น่ากลัว"

เมื่อ Rachmaninoff วัยเยาว์เล่นให้กับ Tchaikovsky เขารู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งที่ได้ให้คะแนน 5 บวก 4 บนแผ่นคะแนนของเขาซึ่งเป็นคะแนนสูงสุดในประวัติศาสตร์ของ Moscow Conservatory เร็ว ๆ นี้โอ้ พรสวรรค์รุ่นเยาว์คนทั้งเมืองพูด

อย่างไรก็ตามชะตากรรมยังคงไม่เอื้ออำนวยต่อนักดนตรีเป็นเวลานาน

นักวิจารณ์รุนแรงกับเขามาก ซิมโฟนีหมายเลข 1,ซึ่งการฉายรอบปฐมทัศน์จบลงด้วยความล้มเหลว สิ่งนี้ทำให้ Rachmaninoff พบกับช่วงเวลาที่ยากลำบาก ความรู้สึกของจิตวิญญาณเขาสูญเสียศรัทธาในความแข็งแกร่งของตัวเองและไม่สามารถเขียนอะไรได้เลย

ในท้ายที่สุด มีเพียงความช่วยเหลือจากจิตแพทย์ที่มีประสบการณ์ Nikolai Dahl เท่านั้นที่ทำให้เขารอดพ้นจากวิกฤตได้ ในปี 1901 รัคมานินอฟได้เล่นเปียโนคอนแชร์โตเสร็จ ซึ่งเขาได้ทำงานอย่างหนักเป็นเวลาหลายปีและอุทิศให้กับดร.ดาห์ล ครั้งนี้ผู้ชมทักทายผลงานของนักแต่งเพลงด้วยความยินดี ตั้งแต่นั้นมา เปียโนคอนแชร์โต้ หมายเลข 2กลายเป็นที่ชื่นชอบ คลาสสิกดำเนินการโดยต่างๆ กลุ่มดนตรีทั่วโลก

รัคมานินอฟเริ่มทัวร์ยุโรปและสหรัฐอเมริกา กลับไปรัสเซียเขาดำเนินการและแต่งเพลง

หลังจากการปฏิวัติในปี 1917 Rachmaninov และครอบครัวของเขาไปดูคอนเสิร์ตในสแกนดิเนเวีย เขาไม่เคยกลับบ้าน เขาย้ายไปสวิตเซอร์แลนด์แทน ซึ่งเขาซื้อบ้านบนชายฝั่งทะเลสาบลูเซิร์น เขารักผืนน้ำมาโดยตลอด และตอนนี้เมื่อเขากลายเป็นคนร่ำรวย เขามีเงินพอที่จะพักผ่อนบนชายฝั่งและชื่นชมทิวทัศน์ที่เปิดกว้างได้

รัคมานินอฟเป็นวาทยกรที่ยอดเยี่ยมและมักจะให้คำแนะนำต่อไปนี้แก่ผู้ที่ต้องการเป็นเลิศในสาขานี้:

“ผู้นำที่ดีจะต้องเป็นคนขับรถที่ดี ทั้งสองต้องการคุณสมบัติที่เหมือนกัน: สมาธิ ความสนใจอย่างต่อเนื่องและจิตใจ ผู้ควบคุมวงดนตรีจำเป็นต้องรู้ดนตรีเพียงเล็กน้อย…”

ในปี 1935 Rachmaninoff ตัดสินใจตั้งถิ่นฐานในสหรัฐอเมริกา ตอนแรกเขาอาศัยอยู่ที่นิวยอร์ก แล้วจึงย้ายไปลอสแองเจลิส ที่นั่นเขาเริ่มสร้างเพื่อตัวเอง บ้านใหม่เหมือนกับสิ่งที่เขาทิ้งไว้ในมอสโกว

ตูร์ชิน วี เอส

จากหนังสือ Bretons [โรแมนติกของทะเล (ลิตร)] โดย Gio Pierre-Roland

จากหนังสือประวัติโดยย่อของดนตรี คู่มือที่สมบูรณ์และรัดกุมที่สุด ผู้เขียน เฮนลีย์ ดาเรน

สามส่วนย่อยของความรัก เมื่อคุณอ่านหนังสือของเรา คุณจะสังเกตเห็นว่านี่เป็นบทที่ใหญ่ที่สุดในบรรดาบททั้งหมด ซึ่งมีการกล่าวถึงนักแต่งเพลงไม่น้อยกว่าสามสิบเจ็ดคน หลายคนอาศัยและทำงานพร้อมกันใน ประเทศต่างๆ. เราจึงได้แบ่งบทนี้ออกเป็นสามส่วน: "แต่เนิ่นๆ

จากหนังสือ ชีวิตจะดับ แต่ฉันจะอยู่ : รวมผลงาน ผู้เขียน Glinka Gleb Alexandrovich

Early Romantics เหล่านี้คือนักแต่งเพลงที่กลายเป็นสะพานเชื่อมระหว่างยุคคลาสสิกกับยุคโรแมนติกตอนปลาย หลายคนทำงานในเวลาเดียวกันกับ "คลาสสิก" และ Mozart และ Beethoven มีอิทธิพลอย่างมากต่องานของพวกเขา ในเวลาเดียวกันหลายคนมีส่วนร่วม

จากหนังสือความรักและชาวสเปน ผู้เขียน อัพตัน นีน่า

บทกวีในภายหลังไม่รวมอยู่ในคอลเลคชัน หลงผิด ฉันจะไม่กลับไปสู่เส้นทางเดิมของฉัน สิ่งที่เคยเป็นจะไม่เป็น ไม่ใช่แค่รัสเซีย-ยุโรป ฉันเริ่มลืม ชีวิตเสียไปทั้งหมดหรือเกือบทั้งหมด ฉันพูดกับตัวเองว่า: ฉันมาอยู่ที่อเมริกาได้อย่างไร เพื่ออะไร และทำไม - ไม่

จากหนังสือที่ด้านหลังของกระจก 1910-1930 ผู้เขียน Bondar-Tereshchenko อิกอร์

บทที่สิบ ชาวต่างชาติที่โรแมนติกและโคพลาสต์ชาวสเปน นิทรรศการภาพวาดสเปนในปี พ.ศ. 2381 ได้ทำให้ทั้งปารีสหลงใหล เธอเป็นคนเปิดเผยอย่างแท้จริง สเปนกำลังเป็นที่นิยม ความโรแมนติกสั่นสะเทือนด้วยความยินดี Théophile Gauthier, Prosper Mérimée, Alexandre Dumas (ผู้ที่ถูกตบหน้า

จากหนังสือถึงต้นกำเนิดของมาตุภูมิ [ผู้คนและภาษา] ผู้เขียน Trubachev Oleg Nikolaevich

จากหนังสือของผู้แต่ง

ประวัติศาสตร์คือ "ชีวิต": จากเรื่องโรแมนติกไปจนถึงลัทธิปฏิบัตินิยม นักวิชาการวรรณกรรมมักเน้นความเป็นอิสระจากวรรณกรรมและพูดถึงผู้ที่เขียนเกี่ยวกับวิทยาวิทยาไม่จำเป็นต้องมีไรบา ฉันไม่พอดี ไม่สมกับที่ตัวเองเป็นริบาเป็นนักเขียน-นักอักษรศาสตร์

ในยุคโรแมนติก ดนตรีมีความสำคัญยิ่งในระบบศิลปะ นี่เป็นเพราะความเฉพาะเจาะจงซึ่งช่วยให้คุณสะท้อนประสบการณ์ทางอารมณ์ได้อย่างเต็มที่ด้วยความช่วยเหลือจากคลังแสงทั้งหมดของวิธีการแสดงออก

แนวโรแมนติกในดนตรีปรากฏในศตวรรษที่ 19 ในผลงานของ F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. เวเบอร์, จี. รอสซินี. หลังจากนั้นไม่นานสไตล์นี้ก็สะท้อนให้เห็นในผลงานของ F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ

แนวโรแมนติกมีต้นกำเนิดในยุโรปในช่วงต้นศตวรรษที่สิบเก้า มันกลายเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับความคลาสสิค แนวโรแมนติกทำให้ผู้ฟังสามารถแทรกซึมเข้าไปได้ โลกเวทมนตร์ตำนาน เพลง และนิทาน หลักการสำคัญของทิศทางนี้คือการต่อต้าน (ความฝันและชีวิตประจำวัน โลกที่สมบูรณ์แบบและชีวิตประจำวัน) สร้างขึ้น จินตนาการที่สร้างสรรค์นักแต่งเพลง. สไตล์นี้กำลังเป็นที่นิยม คนที่มีความคิดสร้างสรรค์จนถึงวัยสี่สิบของศตวรรษที่ 19

แนวโรแมนติกในดนตรีสะท้อนปัญหา คนทันสมัยมันขัดแย้งกับ นอกโลกและความโดดเดี่ยวของเขา ธีมเหล่านี้กลายเป็นศูนย์กลางในการทำงานของนักแต่งเพลง การมีพรสวรรค์ที่ไม่เหมือนใครทำให้รู้สึกว่าคนอื่นเข้าใจผิดอยู่ตลอดเวลา พรสวรรค์ของเขาและกลายเป็นสาเหตุของความเหงา นั่นคือเหตุผลที่วีรบุรุษที่ชื่นชอบของนักแต่งเพลงโรแมนติกคือกวี นักดนตรี และศิลปิน (R. Schumann "The Love of a Poet"; Berlioz เป็นคำบรรยาย "An Episode from the Life of an Artist" ถึง "Fantastic Symphony" เป็นต้น ).

การถ่ายทอดโลกแห่งประสบการณ์ภายในของบุคคลนั้น แนวโรแมนติกในดนตรีมักมีกลิ่นอายของอัตชีวประวัติ ความจริงใจ และการแต่งเนื้อร้อง มีการใช้ธีมของความรักและความหลงใหลกันอย่างแพร่หลาย เช่น, นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียง R. Schumann อุทิศเปียโนหลายชิ้นให้กับ Clara Wieck อันเป็นที่รักของเขา

ธีมของธรรมชาติเป็นเรื่องธรรมดาในงานโรแมนติก นักแต่งเพลงมักจะต่อต้านมัน สติอารมณ์มนุษย์ที่เปรอะเปื้อนไปด้วยเงาแห่งความไม่ลงรอยกัน

ธีมแฟนตาซีได้กลายเป็นการค้นพบความรักที่แท้จริง พวกเขาทำงานอย่างแข็งขันในการสร้างตัวละครที่ยอดเยี่ยมและถ่ายทอดภาพของพวกเขาผ่านองค์ประกอบที่หลากหลาย ภาษาดนตรี(โมสาร์ท" ขลุ่ยวิเศษ"- ราชินีแห่งราตรี)

บ่อยครั้งที่แนวโรแมนติกในดนตรีหมายถึง ศิลปท้องถิ่น. นักแต่งเพลงในผลงานของพวกเขาใช้องค์ประกอบของคติชนวิทยาที่หลากหลาย (จังหวะ เสียงสูงต่ำ โหมดเก่า) ซึ่งนำมาจากเพลงและเพลงบัลลาด สิ่งนี้ช่วยให้คุณเพิ่มเนื้อหาของละครเพลงได้อย่างมีนัยสำคัญ

การใช้รูปภาพและธีมใหม่จำเป็นต้องค้นหาแบบฟอร์มที่เหมาะสมและอื่นๆ ผลงานโรแมนติกน้ำเสียงพูด, ความกลมกลืนตามธรรมชาติ, การตรงกันข้ามของคีย์ต่างๆ, ส่วนเดี่ยว (เสียง) ปรากฏขึ้น

แนวโรแมนติกในดนตรีเป็นตัวเป็นตนในความคิดของการสังเคราะห์ศิลปะ ตัวอย่างนี้คืองานเขียนโปรแกรมของชูมันน์ แบร์ลิออซ ลิซท์ และผู้ประพันธ์เพลงอื่นๆ (ซิมโฟนี "แฮโรลด์ในอิตาลี" บทกวี "โหมโรง" วงจร "ปีพเนจร" เป็นต้น)

แนวโรแมนติกของรัสเซียสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในผลงานของ M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky และคนอื่น ๆ

ในผลงานของเขา A. Dargomyzhsky ถ่ายทอดภาพทางจิตวิทยาหลายแง่มุม (“ นางเงือก” ความรัก) ในโอเปร่า Ivan Susanin M. Glinka วาดภาพชีวิตของคนรัสเซียทั่วไป โดยถูกต้องแล้วผลงานของนักแต่งเพลงของ "Mighty Handful" ที่มีชื่อเสียงถือเป็นจุดสุดยอด พวกเขาใช้ หมายถึงการแสดงออกและน้ำเสียงที่มีลักษณะเฉพาะในภาษารัสเซีย เพลงพื้นบ้าน, เพลงประจำบ้าน , คำพูดภาษาพูด.

ต่อจากนั้นสไตล์นี้ยังถูกใช้โดย A. Scriabin (บทโหมโรง "Dreams", บทกวี "To the Flame") และ S. Rachmaninov (ภาพร่าง, โอเปร่า "Aleko", Cantata "Spring")