Συνθέτες της ρομαντικής εποχής. Ύστεροι Ρομαντικοί

Ρομαντισμός στη μουσική

Κύριο άρθρο: Μουσική της ρομαντικής περιόδου

Στη μουσική αναπτύχθηκε η κατεύθυνση του ρομαντισμού 1820 χρόνια, η ανάπτυξή του πήρε το σύνολο XIXαιώνας. Ρομαντικοί συνθέτες προσπάθησαν με τη βοήθεια του μουσικά μέσαεκφράζουν το βάθος και τον πλούτο του εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου. Η μουσική γίνεται πιο ανάγλυφη, ατομική. Τα είδη τραγουδιών αναπτύσσονται, συμπεριλαμβανομένων μπαλάντα.

Εκπρόσωποι του ρομαντισμού στη μουσική είναι: στο Αυστρία - Φραντς Σούμπερτ; V Γερμανία - Ernest Theodor Hoffmann, Καρλ Μαρία Βέμπερ,Ρίτσαρντ Βάγκνερ, Φέλιξ Μέντελσον, Ρόμπερτ Σούμαν, Ludwig Spohr; V Ιταλία - Νικολό Παγκανίνι, Βιντσέντζο Μπελίνι, νωρίς Τζουζέπε Βέρντι; σε Γαλλία - Γ. Μπερλιόζ, D. F. Ober, J. Meyerbeer; V Πολωνία - Φρεντερίκ Σοπέν; V Ουγγαρία - Φραντς Λιστ.

Στη Ρωσία, σύμφωνα με τον ρομαντισμό, εργάστηκαν A. A. Alyabiev, Μ. Ι. Γκλίνκα, Dargomyzhsky, Μπαλακίρεφ, N. A. Rimsky-Korsakov, Μουσόργκσκι,Μποροντίν, Cui, Π. Ι. Τσαϊκόφσκι.

Η ιδέα της σύνθεσης τέχνης βρήκε έκφραση στην ιδεολογία και την πρακτική του ρομαντισμού. Ο ρομαντισμός στη μουσική διαμορφώθηκε στη δεκαετία του 20 του 19ου αιώνα υπό την επίδραση της λογοτεχνίας του ρομαντισμού και αναπτύχθηκε σε στενή σχέση με αυτήν, με τη λογοτεχνία γενικότερα (στραφή σε συνθετικά είδη, κυρίως όπερα, τραγούδι, οργανικές μινιατούρες και μουσικό προγραμματισμό). Η έλξη στον εσωτερικό κόσμο ενός ανθρώπου, χαρακτηριστικό του ρομαντισμού, εκφράστηκε στη λατρεία του υποκειμενικού, τη λαχτάρα για το συναισθηματικά έντονο, που καθόρισε την πρωτοκαθεδρία της μουσικής και του στίχου στον ρομαντισμό.

Μουσική 1η μισό του XIX V. εξελίχθηκε γρήγορα. Μια νέα μουσική γλώσσα εμφανίστηκε. στην ενόργανη και τη φωνητική δωματίου, η μινιατούρα έλαβε μια ιδιαίτερη θέση. η ορχήστρα ακουγόταν με ποικίλο φάσμα χρωμάτων. Οι δυνατότητες του πιάνου και του βιολιού αποκαλύφθηκαν με έναν νέο τρόπο. η μουσική των ρομαντικών ήταν πολύ βιρτουόζικη.

Ο μουσικός ρομαντισμός εκδηλώθηκε σε πολλούς διαφορετικούς κλάδους που συνδέονται με διαφορετικά εθνικούς πολιτισμούςκαι με διάφορα κοινωνικά κινήματα. Έτσι, για παράδειγμα, το οικείο, λυρικό ύφος των Γερμανών ρομαντικών και το «ορατορικό» πολιτικό πάθος, χαρακτηριστικό της δημιουργικότητας, διαφέρουν σημαντικά. Γάλλοι συνθέτες. Με τη σειρά τους, εκπρόσωποι νέων εθνικών σχολείων που προέκυψαν στη βάση ενός ευρέος εθνικοαπελευθερωτικού κινήματος (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), καθώς και εκπρόσωποι της ιταλικής σχολής όπερας, που συνδέονται στενά με το κίνημα Risorgimento (Verdi, Bellini), διαφέρουν κατά πολλούς τρόπους από τους σύγχρονους στη Γερμανία, την Αυστρία ή τη Γαλλία, ιδιαίτερα την τάση διατήρησης των κλασικών παραδόσεων.

Ωστόσο, όλα αυτά χαρακτηρίζονται από κάποιες γενικές καλλιτεχνικές αρχές που μας επιτρέπουν να μιλάμε για μια ενιαία ρομαντική δομή σκέψης.

Λόγω της ιδιαίτερης ικανότητας της μουσικής να αποκαλύπτει βαθιά και διεισδυτικά τον πλούσιο κόσμο των ανθρώπινων εμπειριών, τέθηκε στην πρώτη θέση μεταξύ άλλων τεχνών από τη ρομαντική αισθητική. Πολλοί ρομαντικοί τόνισαν μια διαισθητική αρχή στη μουσική, απέδιδαν σε αυτήν την ιδιότητα να εκφράζει το «άγνωστο». Το έργο των εξαιρετικών ρομαντικών συνθετών είχε μια ισχυρή ρεαλιστική βάση. ενδιαφέρον για τη ζωή απλοί άνθρωποι, η πληρότητα της ζωής και η αλήθεια των συναισθημάτων, η εξάρτηση από τη μουσική της καθημερινότητας καθόρισε τον ρεαλισμό του έργου των καλύτερων εκπροσώπων του μουσικού ρομαντισμού. Οι αντιδραστικές τάσεις (μυστικισμός, φυγή από την πραγματικότητα) είναι εγγενείς μόνο σε έναν σχετικά μικρό αριθμό έργων ρομαντικών. Εμφανίστηκαν εν μέρει στην όπερα Euryanta του Βέμπερ (1823), σε ορισμένα μουσικά δράματα του Βάγκνερ, στο ορατόριο Χριστός του Λιστ (1862) κ.λπ.

Στις αρχές του 19ου αιώνα, εμφανίστηκαν θεμελιώδεις μελέτες της λαογραφίας, της ιστορίας, της αρχαίας λογοτεχνίας, οι μεσαιωνικοί θρύλοι, η γοτθική τέχνη και ο πολιτισμός της Αναγέννησης που είχε ξεχαστεί αναστήθηκαν. Ήταν εκείνη την εποχή που αναπτύχθηκαν πολλά εθνικά σχολεία ειδικού τύπου στο έργο του συνθέτη της Ευρώπης, τα οποία έμελλε να διευρύνουν σημαντικά τα όρια του κοινού ευρωπαϊκού πολιτισμού. Ρωσική, η οποία σύντομα πήρε, αν όχι την πρώτη, τότε μια από τις πρώτες θέσεις στην παγκόσμια πολιτιστική δημιουργικότητα (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), Πολωνικά (Chopin, Moniuszko), Τσέχικα (Sour Cream, Dvorak), Ουγγρικά ( Λίστα), στη συνέχεια Νορβηγικά (Grieg), Ισπανικά (Pedrel), Φινλανδικά (Sibelius), Αγγλικά (Elgar) - όλα αυτά, που συγχωνεύονται στο γενικό ρεύμα του έργου του συνθέτη στην Ευρώπη, δεν αντιτάχθηκαν σε καμία περίπτωση στις καθιερωμένες αρχαίες παραδόσεις . Ένας νέος κύκλος εικόνων αναδύθηκε, εκφράζοντας τα μοναδικά εθνικά χαρακτηριστικά του εθνικού πολιτισμού στον οποίο ανήκε ο συνθέτης. Η δομή του τονισμού του έργου σας επιτρέπει να αναγνωρίσετε αμέσως από το αυτί ότι ανήκουν σε ένα συγκεκριμένο εθνικό σχολείο.

Οι συνθέτες εμπλέκουν στην κοινή ευρωπαϊκή μουσική γλώσσα τις τονικές στροφές της παλιάς, κυρίως αγροτικής λαογραφίας των χωρών τους. Καθάρισαν, σαν να λέγαμε, το ρωσικό λαϊκό τραγούδι από τη λακαρισμένη όπερα, εισήγαγαν στο κοσμοπολίτικο σύστημα τονισμού του 18ου αιώνα στροφές τραγουδιών λαϊκών-καθημερινών ειδών. Το πιο εντυπωσιακό φαινόμενο στη μουσική του ρομαντισμού, που γίνεται ιδιαίτερα έντονα αντιληπτό σε σύγκριση με την εικονιστική σφαίρα του κλασικισμού, είναι η κυριαρχία της λυρικής-ψυχολογικής αρχής. Φυσικά, χαρακτηριστικό γνώρισμα της μουσικής τέχνης γενικότερα είναι η διάθλαση κάθε φαινομένου μέσα από τη σφαίρα των συναισθημάτων. Η μουσική όλων των εποχών υπόκειται σε αυτό το μοτίβο. Αλλά οι ρομαντικοί ξεπέρασαν όλους τους προκατόχους τους στην αξία της λυρικής αρχής στη μουσική τους, σε δύναμη και τελειότητα στη μεταφορά του βάθους του εσωτερικού κόσμου ενός ανθρώπου, των πιο λεπτών αποχρώσεων της διάθεσης.

Το θέμα της αγάπης κατέχει κυρίαρχη θέση σε αυτό, γιατί αυτή η κατάσταση του νου είναι που αντικατοπτρίζει πιο ολοκληρωμένα και πλήρως όλα τα βάθη και τις αποχρώσεις της ανθρώπινης ψυχής. Αλλά σε τον υψηλότερο βαθμόΕίναι χαρακτηριστικό ότι το θέμα αυτό δεν περιορίζεται στα κίνητρα της αγάπης στο Κυριολεκτικάλέξεις, αλλά ταυτίζεται με το ευρύτερο φάσμα φαινομένων. Οι αμιγώς λυρικές εμπειρίες των χαρακτήρων αποκαλύπτονται με φόντο ένα ευρύ ιστορικό πανόραμα. Η αγάπη ενός ανθρώπου για το σπίτι του, για την πατρίδα του, για τον λαό του διατρέχει σαν νήμα το έργο όλων των ρομαντικών συνθετών.

Τεράστια θέση δίνεται σε μουσικά έργα μικρών και μεγάλων μορφών στην εικόνα της φύσης, στενά και άρρηκτα συνυφασμένη με το θέμα της λυρικής εξομολόγησης. Όπως οι εικόνες της αγάπης, η εικόνα της φύσης προσωποποιεί τη νοητική κατάσταση του ήρωα, τόσο συχνά χρωματισμένη από μια αίσθηση δυσαρμονίας με την πραγματικότητα.

Το θέμα της φαντασίας συχνά ανταγωνίζεται τις εικόνες της φύσης, που πιθανώς δημιουργείται από την επιθυμία να ξεφύγουμε από την αιχμαλωσία της πραγματικής ζωής. Χαρακτηριστική για τους ρομαντικούς ήταν η αναζήτηση μιας υπέροχης, αστραφτερής από τον πλούτο των χρωμάτων του κόσμου, αντίθετη με τη γκρίζα καθημερινότητα. Αυτά τα χρόνια ήταν που η λογοτεχνία εμπλουτίστηκε με παραμύθια, μπαλάντες Ρώσων συγγραφέων. Οι συνθέτες της ρομαντικής σχολής έχουν υπέροχα, φανταστικές εικόνεςαποκτήσουν εθνική ταυτότητα. Οι μπαλάντες είναι εμπνευσμένες από Ρώσους συγγραφείς και χάρη σε αυτό δημιουργούνται έργα ενός φανταστικού γκροτέσκου σχεδίου, που συμβολίζουν, σαν να λέγαμε, τη λάθος πλευρά της πίστης, προσπαθώντας να αντιστρέψουν τις ιδέες του φόβου των δυνάμεων του κακού.

Πολλοί ρομαντικοί συνθέτες έδρασαν επίσης ως μουσικοί συγγραφείς και κριτικοί (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt κ.λπ.). Το θεωρητικό έργο των εκπροσώπων του προοδευτικού ρομαντισμού συνέβαλε πολύ σημαντικά στην ανάπτυξη των σημαντικότερων ζητημάτων της μουσικής τέχνης. Ο ρομαντισμός βρήκε έκφραση και στις τέχνες του θεάματος (ο βιολονίστας Paganini, ο τραγουδιστής A. Nurri κ.ά.).

Το προοδευτικό νόημα του ρομαντισμού σε αυτή την περίοδο έγκειται κυρίως στη δραστηριότητα Φραντς Λιστ. Το έργο του Λιστ, παρά την αντιφατική κοσμοθεωρία, ήταν κατά βάση προοδευτικό, ρεαλιστικό. Ένας από τους ιδρυτές και κλασικούς της ουγγρικής μουσικής, ένας εξαιρετικός εθνικός καλλιτέχνης.

Τα ουγγρικά εθνικά θέματα αντικατοπτρίζονται ευρέως σε πολλά από τα έργα του Λιστ. Οι ρομαντικές, βιρτουόζικές συνθέσεις του Λιστ διεύρυναν τις τεχνικές και εκφραστικές δυνατότητες του παιξίματος πιάνου (κονσέρτα, σονάτες). Σημαντικές ήταν οι διασυνδέσεις του Λιστ με εκπροσώπους της ρωσικής μουσικής, τα έργα των οποίων προώθησε ενεργά.

Παράλληλα, ο Λιστ έπαιξε μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη της παγκόσμιας μουσικής τέχνης. Μετά τον Λιστ, «όλα έγιναν δυνατά για το πιάνοφόρτε». Τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα της μουσικής του είναι ο αυτοσχεδιασμός, η ρομαντική αγαλλίαση συναισθημάτων, η εκφραστική μελωδία. Ο Λιστ εκτιμάται ως συνθέτης, ερμηνευτής, μουσική φιγούρα. Τα κυριότερα έργα του συνθέτη: όπερα " Don Sancho ή το κάστρο της αγάπης"(1825), 13 συμφωνικά ποιήματα" Τάσο”, ” Προμηθέας”, “Χωριουδάκι” και άλλα, έργα για ορχήστρα, 2 κοντσέρτα για πιάνο και ορχήστρα, 75 ρομάντζα, χορωδίες και άλλα εξίσου γνωστά έργα.

Μία από τις πρώτες εκδηλώσεις του ρομαντισμού στη μουσική ήταν η δημιουργικότητα Φραντς Σούμπερτ(1797-1828). Ο Σούμπερτ μπήκε στην ιστορία της μουσικής ως ο μεγαλύτερος από τους ιδρυτές του μουσικού ρομαντισμού και ο δημιουργός μιας σειράς νέων ειδών: ρομαντική συμφωνία, μινιατούρα πιάνου, λυρικό-ρομαντικό τραγούδι (ρομάντζο). Το πιο σημαντικό στη δουλειά του είναι τραγούδι,στην οποία έδειξε ιδιαίτερα πολλές καινοτόμες τάσεις. Στα τραγούδια του Schubert, ο εσωτερικός κόσμος ενός ανθρώπου αποκαλύπτεται πιο βαθιά, η χαρακτηριστική του σχέση με τη λαϊκή μουσική είναι πιο αισθητή, ένα από τα πιο ουσιαστικά χαρακτηριστικά του ταλέντου του είναι πιο εμφανές - η εκπληκτική ποικιλία, η ομορφιά, η γοητεία των μελωδιών. ΠΡΟΣ ΤΗΝ τα καλύτερα τραγούδιαπρώιμη περίοδο ανήκουν σε " Η Μαργαρίτα στον περιστρεφόμενο τροχό”(1814) , “βασιλιάς του δάσους". Και τα δύο τραγούδια είναι γραμμένα στα λόγια του Γκαίτε. Στο πρώτο από αυτά, η εγκαταλελειμμένη κοπέλα θυμάται τον αγαπημένο της. Είναι μοναχική και υποφέρει βαθιά, το τραγούδι της είναι λυπημένο. Μια απλή και ειλικρινής μελωδία αντηχεί μόνο το μονότονο βουητό του αερίου. «Ο Βασιλιάς του Δάσους» είναι ένα σύνθετο έργο. Αυτό δεν είναι ένα τραγούδι, αλλά μάλλον μια δραματική σκηνή όπου τρεις χαρακτήρες εμφανίζονται μπροστά μας: ένας πατέρας που καβαλάει ένα άλογο μέσα στο δάσος, ένα άρρωστο παιδί που κουβαλάει μαζί του και ένας τρομερός βασιλιάς του δάσους που εμφανίζεται σε ένα αγόρι πυρετωμένο. παραλήρημα. Καθένα από αυτά έχει τη δική του μελωδική γλώσσα. Τα τραγούδια του Schubert "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" δεν είναι λιγότερο διάσημα και αγαπημένα. Γραπτά τα τελευταία χρόνια, αυτά τα τραγούδια είναι αξιοσημείωτα για την εκπληκτικά απλή και εκφραστική μελωδία και τα φρέσκα χρώματα τους.

Ο Σούμπερτ έγραψε επίσης δύο κύκλους τραγουδιών - " όμορφος μυλωνάς"(1823) και" χειμερινό μονοπάτι"(1872) - στα λόγια Γερμανός ποιητής Wilhelm Müller. Σε καθένα από αυτά τα τραγούδια ενώνονται από μια πλοκή. Τα τραγούδια του κύκλου "The Beautiful Miller's Woman" μιλάνε για ένα νεαρό αγόρι. Ακολουθώντας την πορεία του ρέματος, ξεκινά ένα ταξίδι για να αναζητήσει την ευτυχία του. Τα περισσότερα τραγούδια αυτού του κύκλου έχουν ανάλαφρο χαρακτήρα. Η διάθεση του κύκλου «Winter Way» είναι εντελώς διαφορετική. Ένας φτωχός νέος απορρίπτεται από μια πλούσια νύφη. Σε απόγνωση, εγκαταλείπει την πατρίδα του και πηγαίνει να περιπλανηθεί στον κόσμο. Οι σύντροφοί του είναι ο άνεμος, μια χιονοθύελλα, ένα δυσοίωνο κοράκι.

Τα λίγα παραδείγματα που δίνονται εδώ μας επιτρέπουν να μιλήσουμε για τα χαρακτηριστικά της τραγουδοποιίας του Σούμπερτ.

Ο Σούμπερτ αγαπούσε να γράφει μουσική για πιάνο. Για αυτό το όργανο, έγραψε έναν τεράστιο αριθμό έργων. Όπως τα τραγούδια, τα έργα του για πιάνο ήταν κοντά στην καθημερινή μουσική και το ίδιο απλά και κατανοητά. Τα αγαπημένα είδη των συνθέσεων του ήταν οι χοροί, οι πορείες και το in τα τελευταία χρόνιαζωή - αυτοσχέδια.

Τα βαλς και οι άλλοι χοροί εμφανίζονταν συνήθως στις μπάλες του Σούμπερτ, σε εξοχικούς περιπάτους. Εκεί τα αυτοσχεδίασε, και τα ηχογράφησε στο σπίτι.

Αν συγκρίνουμε τα κομμάτια για πιάνο του Σούμπερτ με τα τραγούδια του, μπορούμε να βρούμε πολλές ομοιότητες. Πρώτα απ 'όλα, είναι μια μεγάλη μελωδική εκφραστικότητα, χάρη, πολύχρωμη αντιπαράθεση μείζονος και ελάσσονος.

Ενα από τα μεγαλύτερα γαλλική γλώσσα συνθέτες του δεύτερου μισού του 19ου αιώνα Ζορζ Μπιζέ, ο δημιουργός μιας αθάνατης δημιουργίας για το μουσικό θέατρο - όπερες “Κάρμεν"και υπέροχη μουσική για το δράμα του Alphonse Daudet" Αρλεσιανή”.

Το έργο του Bizet χαρακτηρίζεται από ακρίβεια και σαφήνεια σκέψης, καινοτομία και φρεσκάδα των εκφραστικών μέσων, πληρότητα και κομψότητα της φόρμας. Το Bizet χαρακτηρίζεται από την οξύτητα της ψυχολογικής ανάλυσης στην κατανόηση των ανθρώπινων συναισθημάτων και πράξεων, που είναι χαρακτηριστικό του έργου των μεγάλων συμπατριωτών του συνθέτη - των συγγραφέων Balzac, Flaubert, Maupassant. Η κεντρική θέση στο έργο του Bizet, ποικιλόμορφο σε είδη, ανήκει στην όπερα. Η οπερατική τέχνη του συνθέτη αναδύθηκε σε εθνικό έδαφος και γαλουχήθηκε από τις παραδόσεις της γαλλικής όπερας. Ο Bizet θεώρησε ότι το πρώτο καθήκον στη δουλειά του ήταν η υπέρβαση του υπάρχοντος Γαλλική όπεραπεριορισμοί του είδους που εμποδίζουν την ανάπτυξή του. Η «μεγάλη» όπερα του φαίνεται νεκρό είδος, η λυρική όπερα ερεθίζει με το δακρύβρεχτο και τη μικροαστική στενόμυαλη της, το κόμικ αξίζει περισσότερο από άλλα. Για πρώτη φορά στην όπερα του Bizet εμφανίζονται ζουμερές και ζωηρές εγχώριες και μαζικές σκηνές που προσδοκούν τη ζωή και τις ζωηρές σκηνές.

Η μουσική του Bizet για το δράμα του Alphonse Daudet «ΑρλεσιανόςΕίναι γνωστή κυρίως για δύο σουίτες συναυλιών που αποτελούνται από τα καλύτερα νούμερά της. Η Bizet χρησιμοποίησε μερικές αυθεντικές Προβηγκιανές μελωδίες : «Πορεία των Τριών Βασιλιάδων» Και «Χορός φρικιασμένων αλόγων».

Η όπερα του Μπιζέ Κάρμεν”- ένα μουσικό δράμα που ξετυλίγεται μπροστά στο κοινό με πειστική αλήθεια και με σαγηνευτική καλλιτεχνική δύναμη την ιστορία του έρωτα και του θανάτου των ηρώων του: του στρατιώτη Χοσέ και της τσιγγάνας Κάρμεν. Η Opera Carmen δημιουργήθηκε με βάση τις παραδόσεις του γαλλικού μουσικού θεάτρου, αλλά ταυτόχρονα εισήγαγε και πολλά νέα πράγματα. Βασισμένος στα καλύτερα επιτεύγματα της εθνικής όπερας και αναμορφώνοντας τα πιο σημαντικά στοιχεία της, ο Bizet δημιούργησε νέο είδος- ρεαλιστικό μουσικό δράμα.

Στην ιστορία της όπερας του 19ου αιώνα, η όπερα Κάρμεν καταλαμβάνει μία από τις πρώτες θέσεις. Από το 1876 ξεκινά η θριαμβευτική της πομπή στα στάδια. όπερεςΒιέννη, Βρυξέλλες, Λονδίνο.

Η εκδήλωση της προσωπικής σχέσης με το περιβάλλον εκφράστηκε από ποιητές και μουσικούς, πρώτα απ 'όλα, με αμεσότητα, συναισθηματικό «άνοιγμα» και πάθος έκφρασης, σε μια προσπάθεια να πείσουν τον ακροατή με τη βοήθεια της αδιάκοπης έντασης του τόνου. αναγνώριση ή ομολογία.

Αυτές οι νέες τάσεις στην τέχνη είχαν καθοριστική επίδραση στην ανάδυση λυρική όπερα. Προέκυψε ως αντίθεση του «μεγάλου» και κωμική όπερα, αλλά δεν μπορούσε να προσπεράσει τις κατακτήσεις και τα επιτεύγματά τους στον τομέα της οπερατικής δραματουργίας και των μέσων μουσικής έκφρασης.

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του νέου είδους όπερας ήταν η λυρική ερμηνεία κάθε λογοτεχνικής πλοκής - ιστορικής, φιλοσοφικής ή σύγχρονο θέμα. Οι ήρωες της λυρικής όπερας είναι προικισμένοι με τα χαρακτηριστικά των απλών ανθρώπων, χωρίς αποκλειστικότητα και κάποιο υπερβολισμό, χαρακτηριστικό μιας ρομαντικής όπερας. Ο σημαντικότερος καλλιτέχνης στο χώρο της λυρικής όπερας ήταν Charles Gounod.

Μεταξύ της αρκετά πολυάριθμης οπερατικής κληρονομιάς του Gounod, η όπερα " Φάουστ" κατέχει μια ξεχωριστή και, θα έλεγε κανείς, εξαιρετική θέση. Αυτήν παγκόσμια φήμηκαι η δημοτικότητα είναι απαράμιλλη από τις άλλες όπερες του Gounod. Η ιστορική σημασία της όπερας Faust είναι ιδιαίτερα μεγάλη γιατί δεν ήταν μόνο η καλύτερη, αλλά ουσιαστικά η πρώτη μεταξύ των όπερων της νέας σκηνοθεσίας, για την οποία ο Τσαϊκόφσκι έγραψε: «Είναι αδύνατο να αρνηθούμε ότι ο Φάουστ γράφτηκε, αν όχι με ιδιοφυΐα, τότε με εξαιρετική ικανότητα και χωρίς σημαντική ταυτότητα». Στην εικόνα του Φάουστ εξομαλύνεται η έντονη ασυνέπεια και η «διχασμός» της συνείδησής του, η αιώνια δυσαρέσκεια που προκαλεί η επιθυμία να γνωρίσει τον κόσμο. Ο Γκουνό δεν μπορούσε να μεταφέρει όλη την ευελιξία και την πολυπλοκότητα της εικόνας του Μεφιστοφελή του Γκαίτε, ο οποίος ενσάρκωσε το πνεύμα της μαχητικής κριτικής εκείνης της εποχής.

Ένας από τους κύριους λόγους για τη δημοτικότητα του «Φάουστ» ήταν ότι συγκέντρωνε τα καλύτερα και θεμελιωδώς νέα χαρακτηριστικά του νεανικού είδους της λυρικής όπερας: μια συναισθηματικά άμεση και ζωντανή ατομική μεταφορά του εσωτερικού κόσμου των χαρακτήρων της όπερας. Το βαθύ φιλοσοφικό νόημα του Φάουστ του Γκαίτε, που προσπάθησε να αποκαλύψει τα ιστορικά και κοινωνικά πεπρωμένα όλης της ανθρωπότητας με το παράδειγμα της σύγκρουσης των κύριων χαρακτήρων, ενσαρκώθηκε από τον Γκουνό με τη μορφή ενός ανθρώπινου λυρικού δράματος της Μαργκερίτας και του Φάουστ.

Γάλλος συνθέτης, μαέστρος, κριτικός μουσικής Έκτορας Μπερλιόζμπήκε στην ιστορία της μουσικής ως ο μεγαλύτερος ρομαντικός συνθέτης, δημιουργός της προγραμματικής συμφωνικής, καινοτόμος στον τομέα της μουσικής φόρμας, της αρμονίας και ιδιαίτερα της ενόργανης. Στο έργο του, βρήκαν μια ζωντανή ενσάρκωση των χαρακτηριστικών του επαναστατικού πάθους και του ηρωισμού. Ο Μπερλιόζ ήταν εξοικειωμένος με τον Μ. Γκλίνκα, τη μουσική του οποίου εκτιμούσε ιδιαίτερα. Διατηρούσε φιλικές σχέσεις με τους ηγέτες της «Ισχυρής χούφτας», οι οποίοι αποδέχονταν με ενθουσιασμό τα γραπτά και τις δημιουργικές του αρχές.

Δημιούργησε 5 μουσικά σκηνικά έργα, συμπεριλαμβανομένης της όπερας " Benvenuto Cillini”(1838), “ Τρώες”,”Βεατρίκη και Βενέδικτος(βασισμένο στην κωμωδία του Σαίξπηρ «Πολλή φασαρία για το τίποτα», 1862). 23 φωνητικά και συμφωνικά έργα, 31 ρομάντζα, χορωδίες, έγραψε τα βιβλία «Μεγάλη πραγματεία για τη σύγχρονη οργάνωση και ενορχήστρωση» (1844), «Βράδια στην ορχήστρα» (1853), «Μέσα από τραγούδια» (1862), «Μουσικές περιέργεια» ( 1859), «Απομνημονεύματα» (1870), άρθρα, κριτικές.

Γερμανός συνθέτης, μαέστρος, θεατρικός συγγραφέας, δημοσιογράφος Ρίτσαρντ Βάγκνερμπήκε στην ιστορία του κόσμου μουσική κουλτούραως ένας από τους μεγαλύτερους μουσικούς δημιουργούς και τους μεγαλύτερους μεταρρυθμιστές οπερατική τέχνη. Στόχος των μεταρρυθμίσεων του ήταν να δημιουργήσει ένα μνημειώδες προγραμματικό φωνητικό-συμφωνικό έργο σε δραματική μορφή, σχεδιασμένο να αντικαταστήσει όλα τα είδη όπερας και συμφωνικής μουσικής. Ένα τέτοιο έργο ήταν ένα μουσικό δράμα, στο οποίο η μουσική ρέει σε μια συνεχή ροή, συγχωνεύοντας όλους τους δραματικούς κρίκους. Απορρίπτοντας το τελειωμένο τραγούδι, ο Βάγκνερ τα αντικατέστησε με ένα είδος συναισθηματικά πλούσιου ρετσιτάτιου. Μεγάλη θέση στις όπερες του Βάγκνερ καταλαμβάνουν ανεξάρτητα ορχηστρικά επεισόδια, που αποτελούν πολύτιμη συμβολή στην παγκόσμια συμφωνική μουσική.

Το χέρι του Βάγκνερ ανήκει σε 13 όπερες: Ο Ιπτάμενος Ολλανδός» (1843), «Tannhäuser» (1845), «Τριστάνος ​​και Ιζόλδη» (1865), «Ο χρυσός του Ρήνου» (1869) και τα λοιπά.; χορωδίες, κομμάτια για πιάνο, ρομάντζα.

Ένας άλλος εξέχων Γερμανός συνθέτης, μαέστρος, πιανίστας, δάσκαλος και μουσική φιγούρα ήταν Felix Mendelssohn-Bartholdy. Από την ηλικία των 9 ετών άρχισε να παίζει ως πιανίστας, σε ηλικία 17 ετών δημιούργησε ένα από τα αριστουργήματα - μια ουρά σε μια κωμωδία " Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας» Σαίξπηρ. Το 1843 ίδρυσε το πρώτο ωδείο στη Γερμανία στη Λειψία. Στο έργο του Μέντελσον, «ένας κλασικός ανάμεσα στους ρομαντικούς», τα ρομαντικά χαρακτηριστικά συνδυάζονται με το κλασικό σύστημα σκέψης. Η μουσική του χαρακτηρίζεται από λαμπερή μελωδία, δημοκρατισμό έκφρασης, μετριοπάθεια συναισθημάτων, ηρεμία σκέψης, κυριαρχία φωτεινών συναισθημάτων, λυρικές διαθέσεις, όχι χωρίς μια μικρή πινελιά συναισθηματισμού, άψογες φόρμες, λαμπρή δεξιοτεχνία. Ο R. Schumann τον αποκάλεσε «Μότσαρτ του 19ου αιώνα», ο G. Heine - «ένα μουσικό θαύμα».

Συγγραφέας ρομαντικών συμφωνιών τοπίων («Σκοτσέζικα», «Ιταλικά»), οβερτούρες συναυλιών προγραμμάτων, ένα δημοφιλές κονσέρτο για βιολί, κύκλοι κομματιών για πιάνοφόρτε «Τραγούδι χωρίς λόγια». τις όπερες Camacho's Marriage.Έγραψε μουσική για το δραματικό έργο Αντιγόνη (1841), Oedipus in Colon (1845) του Σοφοκλή, Atalia του Racine (1845), Όνειρο καλοκαιρινής νύχτας του Σαίξπηρ (1843) και άλλα. oratorios "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 κοντσέρτα για πιάνο και 2 για βιολί.

ΣΕιταλικός μουσική κουλτούρα μια ξεχωριστή θέση ανήκει στον GiuseppeΟ Βέρντι- εξαιρετικός συνθέτης, μαέστρος, οργανίστας. Ο κύριος τομέας της δουλειάς του Βέρντι είναι η όπερα. Ενήργησε κυρίως ως εκφραστής των ηρωϊκών-πατριωτικών συναισθημάτων και των εθνικοαπελευθερωτικών ιδεών του ιταλικού λαού. Τα επόμενα χρόνια, έδωσε προσοχή στις δραματικές συγκρούσεις που προκλήθηκαν από την κοινωνική ανισότητα, τη βία, την καταπίεση και κατήγγειλε το κακό στις όπερες του. Χαρακτηριστικά γνωρίσματα του έργου του Βέρντι: λαϊκή μουσική, δραματικό ταμπεραμέντο, μελωδική φωτεινότητα, κατανόηση των νόμων της σκηνής.

Έγραψε 26 όπερες: Nabucco», «Macbeth», «Troubadour», «La Traviata», «Othello», «Aida" και τα λοιπά . , 20 ρομάντζα, φωνητικά σύνολα .

Νέος Νορβηγός συνθέτης Edvard Grieg (1843-1907) φιλοδοξούσε την ανάπτυξη της εθνικής μουσικής. Αυτό δεν εκφράστηκε μόνο στη δουλειά του, αλλά και στην προώθηση της νορβηγικής μουσικής.

Στα χρόνια του στην Κοπεγχάγη, ο Grieg έγραψε πολλή μουσική: Ποιητικές εικόνες» Και "Ιδιότροπη μουσική σύνθεση",σονάτα για πιάνο και πρώτη σονάτα βιολιού, τραγούδια. Με κάθε νέα δουλειά, η εικόνα του Grieg ως Νορβηγού συνθέτη αναδύεται πιο καθαρά. Στις λεπτές λυρικές «Ποιητικές Εικόνες» (1863), τα εθνικά γνωρίσματα εξακολουθούν να διαπερνούν δειλά. Η ρυθμική φιγούρα βρίσκεται συχνά στη νορβηγική λαϊκή μουσική. έγινε χαρακτηριστικό πολλών από τις μελωδίες του Grieg.

Το έργο του Γκριγκ είναι τεράστιο και πολύπλευρο. Ο Γκριγκ έγραψε έργα διαφόρων ειδών. Κοντσέρτο για πιάνο και μπαλάντες, τρεις σονάτες για βιολί και πιάνο και μια σονάτα για τσέλο και πιάνο, το κουαρτέτο μαρτυρεί τη συνεχή λαχτάρα του Γκριγκ για μεγάλη μορφή. Ταυτόχρονα, το ενδιαφέρον του συνθέτη για τις οργανικές μινιατούρες παρέμεινε αμετάβλητο. Στον ίδιο βαθμό με το pianoforte, ο συνθέτης προσελκύθηκε από τη φωνητική μινιατούρα δωματίου - ένα ειδύλλιο, ένα τραγούδι. Μην είστε ο κύριος με τον Grieg, ο τομέας της συμφωνικής δημιουργικότητας χαρακτηρίζεται από τέτοια αριστουργήματα όπως οι σουίτες " Per Gounod”, “Από την εποχή του Χόλμπεργκ". Ενας από χαρακτηριστικό είδοςΈργα του Grieg - διασκευές λαϊκών τραγουδιών και χορών: σε μορφή απλών κομματιών για πιάνο, κύκλος σουίτας για πιάνο τέσσερα χέρια.

Η μουσική γλώσσα του Grieg είναι έντονα πρωτότυπη. Η ατομικότητα του στυλ του συνθέτη καθορίζεται κυρίως από τη βαθιά σύνδεσή του με τη νορβηγική λαϊκή μουσική. Ο Grieg χρησιμοποιεί ευρέως τα χαρακτηριστικά του είδους, τη δομή του τονισμού, τις ρυθμικές φόρμουλες του δημοτικού τραγουδιού και τις μελωδίες του χορού.

Η αξιοσημείωτη μαεστρία του Grieg στην παραλλαγμένη και παραλλαγμένη ανάπτυξη μιας μελωδίας έχει τις ρίζες του στις λαϊκές παραδόσεις της επαναλαμβανόμενης επανάληψης μιας μελωδίας με τις αλλαγές της. «Ηχογράφω τη λαϊκή μουσική της χώρας μου». Πίσω από αυτά τα λόγια κρύβεται η ευλαβική στάση του Γκριγκ απέναντι παραδοσιακή τέχνηκαι αναγνώριση του καθοριστικού του ρόλου για τη δική του δημιουργικότητα.

ρομαντισμός, και τελικά ακολούθησε μια ισχυρή ρεαλιστική .... II. Ρομαντισμόςστη ρωσική ζωγραφική Ρομαντισμόςδιαφορετικά στη Ρωσία...

Ο Τσβάιχ είχε δίκιο: η Ευρώπη δεν έχει δει μια τόσο υπέροχη γενιά ως ρομαντικούς από την Αναγέννηση. Θαυμάσιες εικόνες του κόσμου των ονείρων, των γυμνών συναισθημάτων και της επιθυμίας για εξαιρετική πνευματικότητα - αυτά είναι τα χρώματα που ζωγραφίζουν τη μουσική κουλτούρα του ρομαντισμού.

Η ανάδυση του ρομαντισμού και η αισθητική του

Ενώ η βιομηχανική επανάσταση γινόταν στην Ευρώπη, οι ελπίδες εναποθόταν στον Μεγάλο Γαλλική επανάσταση. Η λατρεία της λογικής, που διακηρύχθηκε από την εποχή του Διαφωτισμού, ανατράπηκε. Η λατρεία των συναισθημάτων και η φυσική αρχή στον άνθρωπο ανέβηκε στο βάθρο.

Έτσι γεννήθηκε ο ρομαντισμός. Στη μουσική κουλτούρα διήρκεσε λίγο περισσότερο από έναν αιώνα (1800-1910), ενώ σε συναφείς τομείς (ζωγραφική και λογοτεχνία) η θητεία του έληξε μισό αιώνα νωρίτερα. Ίσως, η μουσική "φταίει" για αυτό - ήταν αυτή που ήταν στην κορυφή μεταξύ των τεχνών των ρομαντικών ως η πιο πνευματική και η πιο ελεύθερη από τις τέχνες.

Ωστόσο, οι ρομαντικοί, σε αντίθεση με τους εκπροσώπους των εποχών της αρχαιότητας και του κλασικισμού, δεν έχτισαν μια ιεραρχία των τεχνών με τη σαφή διαίρεση της σε τύπους και. Το ρομαντικό σύστημα ήταν καθολικό, οι τέχνες μπορούσαν ελεύθερα να κινηθούν μεταξύ τους. Η ιδέα της σύνθεσης των τεχνών ήταν μια από τις βασικές ιδέες στη μουσική κουλτούρα του ρομαντισμού.

Αυτή η σχέση ίσχυε και για τις κατηγορίες της αισθητικής: το ωραίο συνδέθηκε με το άσχημο, το υψηλό με τη βάση, το τραγικό με το κωμικό. Τέτοιες μεταβάσεις συνδέονταν με ρομαντική ειρωνεία, η οποία αντανακλούσε επίσης την καθολική εικόνα του κόσμου.

Ό,τι είχε να κάνει με την ομορφιά απέκτησε νέο νόημα στους ρομαντικούς. Η φύση έγινε αντικείμενο λατρείας, ο καλλιτέχνης ειδωλοποιήθηκε ως ο ύψιστος των θνητών και τα συναισθήματα εξυψώθηκαν έναντι της λογικής.

Η άπνευστη πραγματικότητα ήταν αντίθετη σε ένα όνειρο, όμορφο, αλλά ανέφικτο. Ένας ρομαντικός, με τη βοήθεια της φαντασίας, έχτισε τον νέο του κόσμο, σε αντίθεση με άλλες πραγματικότητες.

Ποια θέματα επέλεξαν οι ρομαντικοί καλλιτέχνες;

Τα ενδιαφέροντα των ρομαντικών εκδηλώνονταν ξεκάθαρα στην επιλογή των θεμάτων που επέλεγαν στην τέχνη.

• Θέμα μοναξιάς. Μια υποτιμημένη ιδιοφυΐα ή ένα μοναχικό άτομο στην κοινωνία - αυτά τα θέματα ήταν τα κύρια για τους συνθέτες αυτής της εποχής («Η αγάπη του ποιητή» του Σούμαν, «Χωρίς τον ήλιο» του Μουσόργκσκι).
• Το θέμα της «λυρικής εξομολόγησης». Σε πολλά έργα ρομαντικών συνθετών υπάρχει μια πινελιά αυτοβιογραφίας (το Καρναβάλι του Σούμαν, η Φανταστική Συμφωνία του Μπερλιόζ).
• Θέμα αγάπης. Βασικά, αυτό είναι ένα θέμα αδιαίρετου ή τραγική αγάπη, αλλά όχι απαραίτητα («Love and Life of a Woman» του Schumann, «Romeo and Juliet» του Tchaikovsky).
• Θέμα διαδρομής. Καλείται και αυτή θέμα ταξιδιού. Η ψυχή του ρομαντισμού, σπαρασσόμενη από αντιφάσεις, αναζητούσε τον δικό της δρόμο («Ο Χάρολντ στην Ιταλία» του Μπερλιόζ, «Χρόνια περιπλανήσεων» του Λιστ).
• Το θέμα του θανάτου. Βασικά ήταν ο πνευματικός θάνατος (Έκτη Συμφωνία του Τσαϊκόφσκι, «Χειμωνιάτικο Ταξίδι» του Σούμπερτ).
• Θέμα της φύσης. Η φύση στα μάτια μιας ρομαντικής και προστατευτικής μητέρας, μιας συμπονετικής φίλης και τιμωρίας της μοίρας ("The Hebrides" του Mendelssohn, "In Κεντρική Ασία» Borodina). Με αυτό το θέμα συνδέεται και η λατρεία της πατρίδας (πολονέζες και μπαλάντες του Σοπέν).
• Θέμα φαντασίας. Ο φανταστικός κόσμος για τους ρομαντικούς ήταν πολύ πιο πλούσιος από τον πραγματικό (" μαγικός σκοπευτής» Weber, «Sadko» Rimsky-Korsakov).

Μουσικά είδη της ρομαντικής εποχής

Η μουσική κουλτούρα του ρομαντισμού έδωσε ώθηση στην ανάπτυξη των ειδών φωνητικών στίχων δωματίου: μπαλάντα(«Ο Βασιλιάς του Δάσους» του Σούμπερτ), ποίημα(«Η κυρία της λίμνης» του Σούμπερτ) και ΜΟΥΣΙΚΑ ΚΟΜΜΑΤΙΑ, συχνά συνδυάζονται σε κύκλους(«Myrtle» του Schumann).

ρομαντική όπερα διακρίθηκε όχι μόνο από τη φανταστική πλοκή, αλλά και από την ισχυρή σύνδεση των λέξεων, της μουσικής και σκηνική δράση. Η όπερα συμφωνεί. Αρκεί να θυμηθούμε το Δαχτυλίδι των Νιμπελούνγκεν του Βάγκνερ με ένα ανεπτυγμένο δίκτυο μοτίβων.

Μεταξύ των ορχηστρικών ειδών του ρομαντισμού, υπάρχουν μινιατούρα πιάνου. Για να μεταφέρουν μια εικόνα ή μια στιγμιαία διάθεση, τους αρκεί ένα μικρό παιχνίδι. Παρά την κλίμακα του, το έργο είναι γεμάτο έκφραση. Μπορεί να είναι "τραγούδι χωρίς λόγια" (όπως ο Μέντελσον) μαζούρκα, βαλς, νυχτερινό ή παίζει με προγραμματικούς τίτλους (Schumann's Impulse).

Όπως και τα τραγούδια, τα έργα συνδυάζονται μερικές φορές σε κύκλους (“Butterflies” του Schumann). Ταυτόχρονα, μέρη του κύκλου, με έντονη αντίθεση, σχημάτιζαν πάντα μια ενιαία σύνθεση λόγω μουσικών συνδέσεων.

Οι ρομαντικοί αγαπούσαν τη μουσική προγράμματος που τη συνδύαζε με τη λογοτεχνία, τη ζωγραφική ή άλλες τέχνες. Ως εκ τούτου, η πλοκή στα γραπτά τους συχνά κυριαρχούσε. Υπήρχαν σονάτες μιας κίνησης (σονάτα Β ελάσσονος Λιστ), κοντσέρτα μιας κίνησης (Πρώτο κονσέρτο για πιάνο του Λιστ) και συμφωνικά ποιήματα (Πελούδια του Λιστ), μια συμφωνία πέντε κινήσεων (Φανταστική Συμφωνία του Μπερλιόζ).

Μουσική γλώσσα ρομαντικών συνθετών

Η σύνθεση των τεχνών, που τραγουδούσαν οι ρομαντικοί, επηρέασε τα μέσα μουσική εκφραστικότητα. Η μελωδία έγινε πιο ατομική, ευαίσθητη στην ποιητική της λέξης και η συνοδεία έπαψε να είναι ουδέτερη και τυπική σε υφή.

Το Harmony εμπλουτίστηκε με πρωτόγνωρα χρώματα για να διηγηθεί τις εμπειρίες του ρομαντικού ήρωα.Έτσι, οι ρομαντικοί τόνοι του μαρασμού μετέφεραν τέλεια αλλοιωμένες αρμονίες που αυξάνουν την ένταση. Οι ρομαντικοί λάτρεψαν επίσης την επίδραση του chiaroscuro όταν άλλαξε ο ταγματάρχης ομώνυμο ανήλικο, και πλάγιες χορδές και όμορφες αντιστοιχίσεις πλήκτρων. Βρέθηκαν επίσης νέα εφέ, ειδικά όταν ήταν απαραίτητο να μεταδοθεί το λαϊκό πνεύμα ή φανταστικές εικόνες στη μουσική.

Γενικά, η μελωδία των ρομαντικών προσπάθησε για συνέχεια ανάπτυξης, απέρριπτε κάθε αυτόματη επανάληψη, απέφευγε την κανονικότητα των προφορών και ανέπνεε εκφραστικότητα σε κάθε κίνητρό της. Και η υφή έχει γίνει ένας τόσο σημαντικός κρίκος που ο ρόλος της είναι συγκρίσιμος με αυτόν της μελωδίας.

Ακούστε τι υπέροχη μαζούρκα έχει ο Σοπέν!

Αντί για συμπέρασμα

Μουσική κουλτούρα ρομαντισμού σειρά του XIXκαι οι ΧΧ αιώνες γνώρισαν τα πρώτα σημάδια κρίσης. "Ελεύθερος" μουσική μορφήάρχισαν να διαλύονται, η αρμονία κυριάρχησε στη μελωδία, τα εξυψωμένα συναισθήματα της ρομαντικής ψυχής έδωσαν τη θέση τους στον οδυνηρό φόβο και τα ατίθασα πάθη.

Αυτές οι καταστροφικές τάσεις έφεραν το τέλος του ρομαντισμού και άνοιξαν το δρόμο για τον μοντερνισμό. Όμως, έχοντας τελειώσει ως τάση, ο ρομαντισμός συνέχισε να ζει τόσο στη μουσική του 20ού αιώνα όσο και στη μουσική του τρέχοντος αιώνα στα διάφορα συστατικά του. Ο Μπλοκ είχε δίκιο όταν έλεγε ότι ο ρομαντισμός εμφανίζεται «σε όλες τις εποχές της ανθρώπινης ζωής».

Ο ρομαντισμός στην πιο αγνή του μορφή είναι φαινόμενο της δυτικοευρωπαϊκής τέχνης. Στα ρώσικα μουσική του 19ου V. από τον Γκλίνκα μέχρι τον Τσαϊκόφσκι, τα χαρακτηριστικά του κλασικισμού συνδυάστηκαν με τα χαρακτηριστικά του ρομαντισμού, το κύριο στοιχείο ήταν μια φωτεινή, πρωτότυπη εθνική αρχή.

Ο χρόνος (1812, η ​​εξέγερση των Δεκεμβριστών, η αντίδραση που ακολούθησε) άφησε το στίγμα του στη μουσική. Όποιο είδος κι αν πάρουμε - ρομάντζο, όπερα, μπαλέτο, μουσική δωματίου - παντού Ρώσοι συνθέτες είπαν τη νέα τους λέξη.

Αρχές 19ου αιώνα - αυτά είναι τα χρόνια της πρώτης και λαμπερής ανθοφορίας του ρομαντικού είδους. Οι σεμνοί ειλικρινείς στίχοι εξακολουθούν να ακούγονται και να ευχαριστούν τους ακροατές. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851).Έγραψε ειδύλλια σε στίχους πολλών ποιητών, αλλά οι αθάνατοι είναι "Αηδόνι"στους στίχους του Delvig, "Χειμωνιάτικος δρόμος", "Σ 'αγαπώ"στα ποιήματα του Πούσκιν.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848)έγραψε μουσική για δραματικές παραστάσεις, αλλά τον γνωρίζουμε καλύτερα από αυτό διάσημα ειδύλλια "Red sundress", "Don't wake me at dawn", "A lone sail be white".

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- συνθέτης, πιανίστας, βιολονίστας και δάσκαλος, έχει ρομάντζα όπως «Η καμπάνα χτυπά μονότονα», «Στην αυγή μιας ομιχλώδους νιότης»και τα λοιπά.

Την πιο εξέχουσα θέση εδώ καταλαμβάνουν τα ειδύλλια της Γκλίνκα. Κανείς άλλος δεν είχε ακόμη πετύχει μια τέτοια φυσική συγχώνευση της μουσικής με την ποίηση του Πούσκιν, του Ζουκόφσκι.

Μιχαήλ Ιβάνοβιτς Γκλίνκα (1804-1857)- ένας σύγχρονος του Πούσκιν, κλασικός της ρωσικής λογοτεχνίας, έγινε ο ιδρυτής μουσικά κλασικά. Το έργο του είναι μια από τις κορυφές της ρωσικής και παγκόσμιας μουσικής κουλτούρας. Συνδυάζει αρμονικά τον πλούτο παραδοσιακή μουσικήκαι τα υψηλότερα επιτεύγματα της ικανότητας του συνθέτη. Το βαθιά λαϊκό ρεαλιστικό έργο του Γκλίνκα αντανακλούσε την ισχυρή άνθηση του ρωσικού πολιτισμού στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, που συνδέεται με τον Πατριωτικό Πόλεμο του 1812 και το κίνημα των Δεκεμβριστών. Ο ελαφρύς, επιβεβαιωτικός χαρακτήρας, η αρμονία των μορφών, η ομορφιά των εκφραστικών και μελωδικών μελωδιών, η ποικιλία, η λάμψη και η λεπτότητα των αρμονιών είναι τα πιο πολύτιμα χαρακτηριστικά της μουσικής του Glinka. ΣΕ διάσημη όπερα "Ιβάν Σουσάνιν"(1836) έλαβε μια λαμπρή έκφραση της ιδέας του λαϊκού πατριωτισμού. Το ηθικό μεγαλείο του ρωσικού λαού δοξάζεται επίσης στην όπερα παραμυθιού " Ρουσλάν και Λουντμίλα". Ορχηστρικά έργα της Γκλίνκα: “Fantasy Waltz”, “Night in Madrid”και ιδιαιτερα "Kamarinskaya",αποτελούν τη βάση του ρωσικού κλασικού συμφωνισμού. Αξιοσημείωτο ως προς τη δύναμη της δραματικής έκφρασης και τη φωτεινότητα των χαρακτηριστικών της μουσικής για την τραγωδία «Πρίγκιπας Χόλμσκι».Οι φωνητικοί στίχοι της Glinka (ρομάντζα "Θυμάμαι υπέροχη στιγμή", "Αμφιβολία") είναι μια αξεπέραστη ενσάρκωση της ρωσικής ποίησης στη μουσική.

Στο πρώτο μισό του XIX αιώνα. η γέννηση ενός εθνικού μουσικού σχολείου. Στις πρώτες δεκαετίες του XIX αιώνα. κυριαρχούνται από ρομαντικές τάσεις, που εκδηλώνονται στο έργο του Α.Ν. Verstovsky, ο οποίος χρησιμοποίησε ιστορικά θέματα στο έργο του. Ο ιδρυτής της ρωσικής μουσικής σχολής ήταν ο M.I. Glinka, ο δημιουργός των κύριων μουσικών ειδών: όπερες ("Ivan Susanin", "Ruslan and Lyudmila"), συμφωνίες, ρομαντισμό, ο οποίος χρησιμοποίησε ενεργά λαογραφικά μοτίβα στο έργο του. Καινοτόμος στο χώρο της μουσικής ήταν ο Α.Σ. Dargomyzhsky, συγγραφέας της όπερας-μπαλέτου "The Triumph of Bacchus" και ο δημιουργός του ρετσιτάτιου στην όπερα. Η μουσική του ήταν στενά συνδεδεμένη με το έργο των συνθετών του "Mighty Handful" - M.P. Mussorgsky, M.A. Balakireva, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin, Ts.A. Ο Cui, που φιλοδοξούσαν να ενσαρκώσουν στα έργα τους τη «ζωή, όπου κι αν επηρεάζει», στρέφοντας ενεργά σε ιστορικές πλοκές και λαογραφικά μοτίβα. Το έργο τους καθιέρωσε το είδος του μουσικού δράματος. "Boris Godunov" και "Khovanshchina" του Mussorgsky, "Prince Igor" του Borodin, "The Snow Maiden" και " βασιλική νύφη«Ο Ρίμσκι-Κόρσακοφ είναι το καμάρι της ρωσικής και παγκόσμιας τέχνης.

Ξεχωριστή θέση στη ρωσική μουσική κατέχει ο P.I. Τσαϊκόφσκι, που ενσάρκωσε στα έργα του το εσωτερικό δράμα και την προσοχή στο εσωτερικός κόσμοςανθρώπινο, χαρακτηριστικό του Ρώσου λογοτεχνία XIXαιώνα, στον οποίο συχνά στρεφόταν ο συνθέτης (όπερες "Eugene Onegin", " Βασίλισσα των Μπαστούνι», «Μαζέπα»).

Η συντομότερη ιστορία της μουσικής. Το πιο πλήρες και συνοπτικό εγχειρίδιο του Henley Daren

Ύστεροι Ρομαντικοί

Ύστεροι Ρομαντικοί

Πολλοί από τους συνθέτες αυτής της περιόδου συνέχισαν να γράφουν μουσική μέχρι τον 20ό αιώνα. Ωστόσο, μιλάμε γι' αυτούς εδώ, και όχι στο επόμενο κεφάλαιο, για τον λόγο ότι ήταν ακριβώς το πνεύμα του ρομαντισμού που ήταν έντονο στη μουσική τους.

Σημειωτέον ότι κάποιοι από αυτούς διατηρούσαν στενούς δεσμούς έως και φιλία με τους συνθέτες που αναφέρονται στις υποενότητες «Πρώτοι Ρομαντικοί» και «Εθνικιστές».

Επιπλέον, θα πρέπει να ληφθεί υπόψη ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου σε διαφορετικά ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣδημιούργησε τόσους πολλούς σπουδαίους συνθέτες που οποιαδήποτε διαίρεση τους σύμφωνα με οποιαδήποτε αρχή θα ήταν εντελώς αυθαίρετη. Αν σε διάφορες λογοτεχνίες αφιερωμένες στην κλασική περίοδο και την περίοδο του μπαρόκ, αναφέρεται περίπου το ίδιο χρονικό πλαίσιο, τότε η ρομαντική περίοδος ορίζεται διαφορετικά παντού. Φαίνεται ότι τα όρια μεταξύ του τέλους της ρομαντικής περιόδου και των αρχών του 20ου αιώνα στη μουσική είναι πολύ ασαφή.

Ο κορυφαίος συνθέτης της Ιταλίας του 19ου αιώνα ήταν αναμφίβολα Τζουζέπε Βέρντι.Αυτός μας κοιτάζει λαμπερά μάτιαένας άντρας με πυκνό μουστάκι και φρύδια στάθηκε ένα ολόκληρο κεφάλι πιο ψηλός από όλους τους άλλους συνθέτες όπερας.

Όλες οι συνθέσεις του Βέρντι ξεχειλίζουν κυριολεκτικά από φωτεινές, αξέχαστες μελωδίες. Συνολικά έγραψε είκοσι έξι όπερες, οι περισσότερες από τις οποίες ανεβαίνουν τακτικά μέχρι σήμερα. Ανάμεσά τους είναι τα πιο διάσημα και πιο σημαντικά έργα της οπερατικής τέχνης όλων των εποχών.

Η μουσική του Βέρντι εκτιμήθηκε ιδιαίτερα ακόμη και κατά τη διάρκεια της ζωής του συνθέτη. στην πρεμιέρα άδηςΤο κοινό χειροκροτούσε τόσο πολύ που οι καλλιτέχνες έπρεπε να υποκλιθούν έως και τριάντα δύο φορές.

Ο Βέρντι ήταν πλούσιος, αλλά τα χρήματα δεν μπορούσαν να σώσουν και τις δύο συζύγους και τα δύο παιδιά του συνθέτη από τον πρόωρο θάνατο, έτσι υπήρξαν τραγικές στιγμές στη ζωή του. Κληροδότησε την περιουσία του σε ένα καταφύγιο για παλιούς μουσικούς που χτίστηκε υπό τη διεύθυνση του στο Μιλάνο. Ο ίδιος ο Βέρντι θεωρούσε το μεγαλύτερο επίτευγμά του τη δημιουργία καταφυγίου και όχι μουσικής.

Παρά το γεγονός ότι το όνομα του Βέρντι συνδέεται κυρίως με όπερες, μιλώντας γι 'αυτόν, είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε Μνημόσυνο,θεωρείται ένα από τα καλύτερα παραδείγματα χορωδιακή μουσική. Είναι γεμάτο δράμα και μερικά χαρακτηριστικά της όπερας ξεφεύγουν από μέσα του.

Ο επόμενος συνθέτης μας δεν είναι σε καμία περίπτωση ο πιο γοητευτικός άνθρωπος. Σε γενικές γραμμές, αυτή είναι η πιο σκανδαλώδης και αμφιλεγόμενη φιγούρα από όλα όσα αναφέρονται στο βιβλίο μας. Αν κάναμε μια λίστα με βάση μόνο τα χαρακτηριστικά της προσωπικότητας, τότε Ρίτσαρντ Βάγκνερδεν θα το χτυπούσε ποτέ. Ωστόσο, καθοδηγούμαστε αποκλειστικά από μουσικά κριτήρια και η ιστορία της κλασικής μουσικής είναι αδιανόητη χωρίς αυτόν τον άνθρωπο.

Το ταλέντο του Βάγκνερ είναι αδιαμφισβήτητο. Από - κάτω από την πένα του βγήκαν μερικά από τα πιο σημαντικά και εντυπωσιακά μουσικές συνθέσειςγια όλη την περίοδο του ρομαντισμού - ειδικά για την όπερα. Ταυτόχρονα, φέρεται ως αντισημίτης, ρατσιστής, γραφειοκρατικός, ο τελευταίος απατεώνας, ακόμη και ένας κλέφτης που δεν διστάζει να πάρει ό,τι χρειάζεται, και αγενείς ανθρώπους χωρίς τύψεις. Ο Βάγκνερ είχε υπερβολική αυτοεκτίμηση και πίστευε ότι η ιδιοφυΐα του τον εξύψωνε πάνω από όλους τους άλλους ανθρώπους.

Ο Βάγκνερ θυμάται για τις όπερες του. Αυτός ο συνθέτης πήγε τη γερμανική όπερα σε ένα εντελώς νέο επίπεδο, και παρόλο που γεννήθηκε την ίδια εποχή με τον Βέρντι, η μουσική του ήταν πολύ διαφορετική από τις ιταλικές συνθέσεις εκείνης της περιόδου.

Μία από τις καινοτομίες του Βάγκνερ ήταν ότι σε κάθε κύριο χαρακτήρα δόθηκε το δικό του μουσικό θέμα, το οποίο επαναλαμβανόταν κάθε φορά που άρχιζε να παίζει σημαντικό ρόλο στη σκηνή.

Σήμερα φαίνεται αυτονόητο, αλλά εκείνη την εποχή αυτή η ιδέα έκανε μια πραγματική επανάσταση.

Το μεγαλύτερο επίτευγμα του Βάγκνερ ήταν ο κύκλος Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ,που αποτελείται από τέσσερις όπερες: Rhine Gold, Valkyrie, SiegfriedΚαι Θάνατος θεών.Συνήθως τοποθετούνται τέσσερις νύχτες στη σειρά, και συνολικά διαρκούν περίπου δεκαπέντε ώρες. Αυτές οι όπερες και μόνο θα ήταν αρκετές για να δοξάσουν τον συνθέτη τους. Παρά την ασάφεια του Βάγκνερ ως ανθρώπου, πρέπει να αναγνωριστεί ότι ήταν ένας εξαιρετικός συνθέτης.

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα των όπερων του Βάγκνερ είναι η διάρκειά τους. Του τελευταία όπερα παρσιφάλδιαρκεί πάνω από τέσσερις ώρες.

Ο μαέστρος Ντέιβιντ Ράντολφ είπε κάποτε γι' αυτήν:

«Αυτή είναι μια όπερα από την κατηγορία εκείνων που ξεκινούν στις έξι, και όταν μετά από τρεις ώρες κοιτάς ΡΟΛΟΙ ΧΕΙΡΟΣ, αποδεικνύεται ότι δείχνουν 6:20.

ΖΩΗ Άντον ΜπρούκνερΩς συνθέτης, αυτό είναι ένα μάθημα για το πώς να μην τα παρατάς και να επιμένεις μόνος σου. Έκανε δώδεκα ώρες την ημέρα, αφιέρωνε όλο τον χρόνο του στη δουλειά (ήταν οργανίστας) και έμαθε πολλά στη μουσική μόνος του, τελειώνοντας τις δεξιότητες γραφής με αλληλογραφία σε αρκετά ώριμη ηλικία - στα τριάντα επτά.

Σήμερα θυμούνται συχνότερα τις συμφωνίες του Μπρούκνερ, από τις οποίες έγραψε συνολικά εννέα κομμάτια. Κατά καιρούς τον έπιασαν αμφιβολίες για τη βιωσιμότητά του ως μουσικός, αλλά και πάλι πέτυχε την αναγνώριση, αν και προς το τέλος της ζωής του. Μετά την εκτέλεσή του Συμφωνίες Νο. 1Οι κριτικοί τελικά επαίνεσαν τον συνθέτη, ο οποίος τότε είχε ήδη γίνει σαράντα τεσσάρων ετών.

Γιοχάνες Μπραμςόχι ένας από εκείνους τους συνθέτες που γεννήθηκε, ας πούμε, με ένα ασημένιο ραβδί στο χέρι. Μέχρι τη στιγμή της γέννησής του, η οικογένεια είχε χάσει τον προηγούμενο πλούτο της και μετά βίας τα κατάφερε. Στην εφηβεία έβγαζε τα προς το ζην παίζοντας στους οίκους ανοχής του ιδιαίτερη πατρίδαΑμβούργο. Όταν ο Μπραμς ενηλικιώθηκε, αναμφίβολα γνώρισε τις πιο ελκυστικές πλευρές της ζωής.

Η μουσική του Μπραμς προωθήθηκε από τον φίλο του, Ρόμπερτ Σούμαν. Μετά το θάνατο του Σούμαν, ο Μπραμς ήρθε κοντά στην Κλάρα Σούμαν και τελικά την ερωτεύτηκε. Δεν είναι γνωστό ακριβώς τι είδους σχέση είχαν, αν και το συναίσθημα για αυτήν πιθανότατα έπαιξε κάποιο ρόλο στις σχέσεις του με άλλες γυναίκες - δεν έδωσε την καρδιά του σε καμία από αυτές.

Ως άνθρωπος, ο Μπραμς ήταν μάλλον ασυγκράτητος και οξύθυμος, αλλά οι φίλοι του ισχυρίστηκαν ότι υπήρχε απαλότητα μέσα του, αν και δεν το έδειχνε πάντα στους γύρω του. Μια μέρα, επιστρέφοντας σπίτι από ένα πάρτι, είπε:

«Αν δεν έχω προσβάλει κανέναν, ζητώ τη συγχώρεση του».

Ο Μπραμς δεν θα κέρδιζε τον διαγωνισμό για τον πιο μοντέρνο και κομψά ντυμένο συνθέτη. Δεν του άρεσε να αγοράζει νέα ρούχακαι συχνά φορούσε το ίδιο φαρδύ, μπαλωμένο παντελόνι, σχεδόν πάντα πολύ κοντό για εκείνον. Κατά τη διάρκεια μιας παράστασης, το παντελόνι του κόντεψε να πέσει. Σε μια άλλη περίπτωση έπρεπε να βγάλει τη γραβάτα του και να τη χρησιμοποιήσει αντί για ζώνη.

Το μουσικό ύφος του Μπραμς επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον Χάιντν, τον Μότσαρτ και τον Μπετόβεν, και ορισμένοι ιστορικοί της μουσικής ισχυρίζονται ακόμη ότι έγραψε στο πνεύμα του κλασικισμού, τότε ήδη εκτός μόδας. Ταυτόχρονα, έχει και αρκετές νέες ιδέες. Είχε ιδιαίτερη επιτυχία στην ανάπτυξη μικρών μουσικών κομματιών και στην επανάληψη τους σε όλο το έργο - αυτό που οι συνθέτες αποκαλούν «επαναλαμβανόμενο μοτίβο».

Ο Όπερα Μπραμς δεν έγραψε, αλλά προσπάθησε τον εαυτό του σε όλα σχεδόν τα άλλα είδη κλασικής μουσικής. Ως εκ τούτου, μπορεί να ονομαστεί ένα από οι μεγαλύτεροι συνθέτεςπου αναφέρεται στο βιβλίο μας, ένας πραγματικός γίγαντας της κλασικής μουσικής. Ο ίδιος είπε για τη δουλειά του:

«Δεν είναι δύσκολο να συνθέσετε, αλλά είναι εκπληκτικά δύσκολο να ρίξετε επιπλέον νότες κάτω από το τραπέζι».

Μαξ Μπρουχγεννήθηκε μόλις πέντε χρόνια μετά τον Μπραμς, και ο τελευταίος σίγουρα θα τον είχε επισκιάσει, αν όχι για ένα έργο, Κοντσέρτο για βιολί Νο. 1.

Ο ίδιος ο Bruch αναγνώρισε αυτό το γεγονός, δηλώνοντας με σεμνότητα ασυνήθιστη για πολλούς συνθέτες:

«Πενήντα χρόνια από τώρα, ο Μπραμς θα αποκαλείται ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες όλων των εποχών και θα με θυμούνται επειδή έγραψα το Κοντσέρτο για βιολί σε Σολ ελάσσονα».

Και αποδείχθηκε ότι είχε δίκιο. Είναι αλήθεια ότι ο ίδιος ο Brujah έχει κάτι να θυμάται! Συνέθεσε πολλά άλλα έργα - περίπου διακόσια συνολικά - έχει ιδιαίτερα πολλά έργα για χορωδία και όπερες, που σπάνια ανεβαίνουν αυτές τις μέρες. Η μουσική του είναι μελωδική, αλλά δεν συνέβαλε κάτι ιδιαίτερα νέο στην ανάπτυξή της. Στο υπόβαθρό του, πολλοί άλλοι συνθέτες εκείνης της εποχής μοιάζουν να είναι πραγματικοί καινοτόμοι.

Το 1880, ο Μπρουχ διορίστηκε μαέστρος της Βασιλικής Φιλαρμονικής Εταιρείας του Λίβερπουλ, αλλά επέστρεψε στο Βερολίνο τρία χρόνια αργότερα. Οι μουσικοί της ορχήστρας δεν ήταν ευχαριστημένοι μαζί του.

Στις σελίδες του βιβλίου μας έχουμε ήδη γνωρίσει πολλά μουσικά θαύματα και Camille Saint-Sansδεν καταλαμβάνει την τελευταία θέση ανάμεσά τους. Σε ηλικία δύο ετών, ο Saint-Saens έπαιρνε ήδη μελωδίες στο πιάνο και έμαθε να διαβάζει και να γράφει μουσική ταυτόχρονα. Σε ηλικία τριών ετών έπαιζε θεατρικά έργα δική του σύνθεση. Σε ηλικία δέκα ετών ερμήνευσε τέλεια τον Μότσαρτ και τον Μπετόβεν. Ωστόσο, άρχισε να ενδιαφέρεται σοβαρά για την εντομολογία (πεταλούδες και έντομα), και αργότερα για άλλες επιστήμες, συμπεριλαμβανομένης της γεωλογίας, της αστρονομίας και της φιλοσοφίας. Φαινόταν έτσι ταλαντούχο παιδίαπλά δεν μπορεί να περιοριστεί σε ένα πράγμα.

Μετά την αποφοίτησή του από το Ωδείο του Παρισιού, ο Saint-Saens εργάστηκε ως οργανίστας για πολλά χρόνια. Με την ηλικία άρχισε να επηρεάζει μουσική ζωήΓαλλία, και χάρη σε αυτόν άρχισε να εκτελείται πιο συχνά η μουσική τέτοιων συνθετών όπως ο J.S. Bach, ο Mozart, ο Handel και ο Gluck.

Πλέον διάσημο δοκίμιο Saint - Sansa - καρναβάλι ζώων,που ο συνθέτης απαγόρευσε να ερμηνεύσει όσο ζούσε. Ανησυχούσε για το πώς κριτικούς μουσικής, έχοντας ακούσει αυτό το έργο, δεν το θεώρησε πολύ επιπόλαιο. Άλλωστε, είναι αστείο όταν η ορχήστρα στη σκηνή απεικονίζει ένα λιοντάρι, κότες με έναν κόκορα, χελώνες, έναν ελέφαντα, ένα καγκουρό, ένα ενυδρείο με ψάρια, πουλιά, έναν γάιδαρο και έναν κύκνο.

Ο Saint-Saens έγραψε μερικές από τις άλλες συνθέσεις του για όχι και τόσο συχνούς συνδυασμούς οργάνων, συμπεριλαμβανομένου του διάσημου "Όργανο" Συμφωνία Νο. 3,ακουγόταν στην ταινία "Babe".

Η μουσική του Saint-Saens επηρέασε το έργο άλλων Γάλλων συνθετών, μεταξύ των οποίων Gabriel Faure.Αυτός ο νεαρός άνδρας κληρονόμησε τη θέση του οργανίστα στην παρισινή εκκλησία της Αγίας Μαγδαληνής, την οποία κατείχε παλαιότερα ο Saint-Saens.

Και παρόλο που το ταλέντο του Faure δεν συγκρίνεται με το ταλέντο του δασκάλου του, ήταν μεγάλος πιανίστας.

Ο Fauré ήταν ένας φτωχός άνθρωπος και γι' αυτό δούλευε σκληρά, παίζοντας όργανο, διευθύνοντας τη χορωδία και έδινε μαθήματα. Έγραφε μέσα ελεύθερος χρόνος, που παρέμειναν πολύ λίγα, αλλά παρόλα αυτά κατάφερε να εκδώσει περισσότερα από διακόσια πενήντα έργα του. Μερικά από αυτά συντέθηκαν για πολύ μεγάλο χρονικό διάστημα: για παράδειγμα, εργαστείτε Μνημόσυνοκράτησε πάνω από είκοσι χρόνια.

Το 1905, ο Fauré έγινε διευθυντής του Ωδείου του Παρισιού, δηλαδή ο άνθρωπος από τον οποίο εξαρτιόταν σε μεγάλο βαθμό η ανάπτυξη της γαλλικής μουσικής εκείνης της εποχής. Δεκαπέντε χρόνια αργότερα ο Faure συνταξιοδοτήθηκε. Στο τέλος της ζωής του υπέφερε από απώλεια ακοής.

Σήμερα ο Faure είναι σεβαστός εκτός Γαλλίας, αν και τον εκτιμούν περισσότερο εκεί.

Για τους θαυμαστές Αγγλική μουσικήη εμφάνιση μιας τέτοιας φιγούρας όπως Έντουαρντ Έλγκαρ,πρέπει να φαινόταν σαν πραγματικό θαύμα. Πολλοί ιστορικοί της μουσικής τον αναφέρουν ως τον πρώτο σημαντικό Άγγλος συνθέτηςμετά τον Henry Purcell, που εργάστηκε την περίοδο του μπαρόκ, αν και λίγο νωρίτερα αναφέραμε και τον Arthur Sullivan.

Ο Έλγκαρ αγαπούσε πολύ την Αγγλία, ειδικά την πατρίδα του, το Γουόρσεστερσαϊρ, όπου πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του, βρίσκοντας έμπνευση στα χωράφια των λόφων Μάλβερν.

Ως παιδί, ήταν περιτριγυρισμένος από μουσική παντού: ο πατέρας του είχε ένα τοπικό κατάστημα μουσικής και έμαθε στον μικρό Έλγκαρ να παίζει διάφορα μουσικά όργανα. Σε ηλικία δώδεκα ετών, το αγόρι αντικαθιστούσε ήδη τον οργανοπαίκτη στις εκκλησιαστικές λειτουργίες.

Αφού εργάστηκε σε ένα δικηγορικό γραφείο, ο Έλγκαρ αποφάσισε να αφοσιωθεί σε μια πολύ λιγότερο ασφαλή οικονομικά επάγγελμα. Για κάποιο διάστημα εργάστηκε με μερική απασχόληση, παραδίδοντας μαθήματα βιολιού και πιάνου, παίζοντας σε τοπικές ορχήστρες και μάλιστα διευθύνοντας λίγο.

Σταδιακά, η φήμη του Έλγκαρ ως συνθέτης μεγάλωσε, αν και έπρεπε να αγωνιστεί για να βγει έξω από την πατρίδα του. Η φήμη του έφερε Παραλλαγές σε πρωτότυπο θέμα, που είναι πλέον πιο γνωστά ως Παραλλαγές Enigma.

Τώρα η μουσική του Έλγκαρ γίνεται αντιληπτή ως πολύ αγγλική και ακούγεται κατά τη διάρκεια των μεγαλύτερων εκδηλώσεων εθνικής κλίμακας. Στους πρώτους ήχους του Κοντσέρτο για βιολοντσέλοη αγγλική ύπαιθρος εμφανίζεται αμέσως. Nimrodαπό Παραλλαγέςπαίζεται συχνά σε επίσημες τελετές, και Πανηγυρική και εθιμοτυπική πορεία Νο. 1,γνωστός ως Χώρα ελπίδας και δόξαςεκτελούν σε πάρτι αποφοίτησηςσε όλο το Ηνωμένο Βασίλειο.

Ο Έλγκαρ ήταν οικογενειάρχης και αγαπούσε μια ήσυχη, τακτική ζωή. Ωστόσο, άφησε το στίγμα του στην ιστορία. Αυτός ο συνθέτης με το χοντρό πλούσιο μουστάκι γίνεται αντιληπτός αμέσως στο τραπεζογραμμάτιο των είκοσι λιβρών. Προφανώς, οι σχεδιαστές τραπεζογραμματίων διαπίστωσαν ότι τέτοιες τρίχες στο πρόσωπο θα ήταν πολύ δύσκολο να πλαστογραφηθούν.

Στην Ιταλία, ο διάδοχος του Τζουζέπε Βέρντι στην όπερα ήταν Τζιάκομο Πουτσίνι, θεωρείται ένας από τους αναγνωρισμένους παγκόσμιους δεξιοτέχνες αυτής της μορφής τέχνης.

Η οικογένεια Πουτσίνι έχει συνδεθεί εδώ και καιρό εκκλησιαστική μουσικήαλλά όταν ο Τζάκομο άκουσε για πρώτη φορά όπερα ΆινταΒέρντι, συνειδητοποίησε ότι αυτή ήταν η κλήση του.

Μετά τις σπουδές του στο Μιλάνο, ο Πουτσίνι συνθέτει μια όπερα Μανόν Λέσκο, που του έφερε την πρώτη του μεγάλη επιτυχία το 1893. Μετά από αυτό, η μία επιτυχημένη παραγωγή διαδέχτηκε την άλλη: Βοημίατο 1896, Λαχτάρατο 1900 και Madama Butterflyτο 1904.

Συνολικά, ο Πουτσίνι συνέθεσε δώδεκα όπερες, η τελευταία από τις οποίες ήταν Turandot.Πέθανε χωρίς να ολοκληρώσει αυτή τη σύνθεση και ένας άλλος συνθέτης ολοκλήρωσε το έργο. Στην πρεμιέρα της όπερας, ο μαέστρος Arturo Toscanini σταμάτησε την ορχήστρα ακριβώς από εκεί που είχε σταματήσει ο Puccini. Γύρισε στο κοινό και είπε:

Με τον θάνατο του Πουτσίνι τελείωσε η ακμή της οπερατικής τέχνης της Ιταλίας. Το βιβλίο μας δεν θα αναφέρει πλέον ιταλικά συνθέτες όπερας. Αλλά ποιος ξέρει τι μας επιφυλάσσει το μέλλον;

Στη ζωή Γκούσταβ ΜάλερΉταν περισσότερο γνωστός ως μαέστρος παρά ως συνθέτης. Διηύθυνε το χειμώνα και το καλοκαίρι, κατά κανόνα, προτιμούσε να γράφει.

Ως παιδί, ο Μάλερ λέγεται ότι βρήκε ένα πιάνο στη σοφίτα του σπιτιού της γιαγιάς του. Τέσσερα χρόνια αργότερα, σε ηλικία δέκα ετών, έδωσε ήδη την πρώτη του παράσταση.

Ο Μάλερ σπούδασε στο Ωδείο της Βιέννης, όπου άρχισε να συνθέτει μουσική. Το 1897 έγινε διευθυντής της Κρατικής Όπερας της Βιέννης και τα επόμενα δέκα χρόνια απέκτησε μεγάλη φήμη στον τομέα αυτό.

Ο ίδιος άρχισε να γράφει τρεις όπερες, αλλά δεν τις τελείωσε ποτέ. Στην εποχή μας είναι περισσότερο γνωστός ως συνθέτης συμφωνιών. Σε αυτό το είδος, του ανήκει μια από τις πραγματικές "επιτυχίες" - Συμφωνία Νο. 8,στην παράσταση του οποίου συμμετέχουν περισσότεροι από χίλιοι μουσικοί και τραγουδιστές.

Μετά τον θάνατο του Μάλερ, η μουσική του βγήκε από τη μόδα για πενήντα χρόνια, αλλά στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα ανέκτησε δημοτικότητα, ειδικά στη Μεγάλη Βρετανία και τις ΗΠΑ.

Ρίτσαρντ Στράουςγεννήθηκε στη Γερμανία και στη δυναστεία Βιεννέζος Στράουςδεν ανήκε. Παρά το γεγονός ότι αυτός ο συνθέτης έζησε σχεδόν ολόκληρο το πρώτο μισό του 20ού αιώνα, εξακολουθεί να θεωρείται εκπρόσωπος του γερμανικού μουσικού ρομαντισμού.

Η παγκόσμια δημοτικότητα του Richard Strauss υπέφερε κάπως από το γεγονός ότι αποφάσισε να μείνει στη Γερμανία μετά το 1939 και μετά τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο κατηγορήθηκε πλήρως για συνεργασία με τους Ναζί.

Ο Στράους ήταν εξαιρετικός μαέστρος, χάρη στον οποίο καταλάβαινε τέλεια πώς έπρεπε να ακούγεται αυτό ή εκείνο το όργανο στην ορχήστρα. Συχνά εφάρμοζε αυτή τη γνώση στην πράξη. Έδωσε επίσης διάφορες συμβουλές σε άλλους συνθέτες, όπως:

«Μην κοιτάς ποτέ τα τρομπόνια, μόνο τα ενθαρρύνεις».

«Μην ιδρώνετε κατά την εκτέλεση. μόνο οι ακροατές πρέπει να ζεσταθούν».

Σήμερα, ο Στράους μνημονεύεται κυρίως σε σχέση με τη σύνθεσή του Έτσι μίλησε ο Ζαρατούστρα,την εισαγωγή στην οποία χρησιμοποίησε ο Stanley Kubrick στην ταινία του 2001: A Space Odyssey. Αλλά έγραψε επίσης μερικές από τις καλύτερες γερμανικές όπερες, ανάμεσά τους - Rosenkavalier, SalomeΚαι Η Αριάδνη στη Νάξο.Ένα χρόνο πριν τον θάνατό του συνέθεσε και πολύ όμορφα Τέσσερα τελευταία τραγούδια για φωνή και ορχήστρα. Στην πραγματικότητα, αυτά δεν ήταν τα τελευταία τραγούδια του Στράους, αλλά έγιναν ένα είδος φινάλε της δημιουργικής του δραστηριότητας.

Μέχρι τώρα, μεταξύ των συνθετών που αναφέρονται σε αυτό το βιβλίο, υπήρχε μόνο ένας εκπρόσωπος της Σκανδιναβίας - ο Edvard Grieg. Αλλά τώρα μεταφερόμαστε ξανά σε αυτή τη σκληρή και κρύα γη - αυτή τη φορά στη Φινλανδία, όπου Jean Sibelius,μεγάλη μουσική ιδιοφυΐα.

Η μουσική του Σιμπέλιους απορρόφησε τους μύθους και τους θρύλους της πατρίδας του. Του σπουδαιότερο έργο, Φινλανδία,θεωρείται η ενσάρκωση του εθνικού πνεύματος των Φινλανδών, όπως και στο Ηνωμένο Βασίλειο Εθνικός θησαυρόςΤα έργα του Έλγκαρ αναγνωρίζονται. Επιπλέον, ο Σιμπέλιους, όπως και ο Μάλερ, ήταν πραγματικός δεξιοτέχνης των συμφωνιών.

Όσο για τα άλλα πάθη του συνθέτη, στην καθημερινότητά του ήταν υπερβολικά λάτρης του ποτού και του καπνίσματος, έτσι ώστε σε ηλικία σαράντα χρόνων αρρώστησε από καρκίνο στο λαιμό. Επίσης του έλειπαν συχνά χρήματα και το κράτος του έδινε σύνταξη για να συνεχίσει να γράφει μουσική χωρίς να ανησυχεί για την οικονομική του ευημερία. Αλλά περισσότερα από είκοσι χρόνια πριν από το θάνατό του, ο Σιμπέλιους σταμάτησε να συνθέτει οτιδήποτε. Έζησε το υπόλοιπο της ζωής του σε σχετική μοναξιά. Ήταν ιδιαίτερα σκληρός με όσους λάμβαναν χρήματα για κριτικές της μουσικής του:

«Μην δίνετε σημασία σε αυτά που λένε οι κριτικοί. Μέχρι στιγμής, σε κανέναν κριτικό δεν έχει δοθεί άγαλμα».

Ο τελευταίος στη λίστα μας με τους συνθέτες της ρομαντικής περιόδου έζησε επίσης σχεδόν μέχρι τα μέσα του 20ου αιώνα, αν και οι περισσότεροι από τους διάσημα έργαέγραψε τη δεκαετία του 1900. Κι όμως κατατάσσεται στους ρομαντικούς, και μας φαίνεται ότι αυτός είναι ο πιο ρομαντικός συνθέτης ολόκληρου του γκρουπ.

Σεργκέι Βασίλιεβιτς Ραχμάνινοφγεννήθηκε σε μια ευγενή οικογένεια, η οποία μέχρι τότε είχε ξοδέψει πολλά χρήματα. Ανέπτυξε ενδιαφέρον για τη μουσική από νωρίς παιδική ηλικία, και οι γονείς του τον έστειλαν για σπουδές, πρώτα στην Αγία Πετρούπολη, και μετά στη Μόσχα.

Ο Ραχμάνινοφ ήταν ένας εκπληκτικά ταλαντούχος πιανίστας και αποδείχθηκε επίσης υπέροχος συνθέτης.

Δικος μου Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 1έγραψε στα δεκαεννιά. Βρήκε επίσης χρόνο για την πρώτη του όπερα, Αλέκο.

Αλλά αυτή η ζωή σπουδαίος μουσικός, κατά κανόνα, δεν ήταν ιδιαίτερα ευχαριστημένος. Σε πολλές από τις φωτογραφίες, βλέπουμε έναν θυμωμένο, συνοφρυωμένο άντρα. Ένας άλλος Ρώσος συνθέτης, ο Ιγκόρ Στραβίνσκι, παρατήρησε κάποτε:

«Η αθάνατη ουσία του Ραχμάνινοφ ήταν το συνοφρύωμα του. Ήταν συνοφρυωμένος 6,5 μέτρα... ήταν ένας τρομερός άνθρωπος».

Όταν ο νεαρός Ραχμάνινοφ έπαιζε για τον Τσαϊκόφσκι, ήταν τόσο ενθουσιασμένος που έβαλε μια πεντάδα με τέσσερα συν στο φύλλο της παρτιτούρας του - τον υψηλότερο βαθμό στην ιστορία του Ωδείου της Μόσχας. Σύντομα ω νεαρό ταλέντομίλησε όλη η πόλη.

Ωστόσο, η μοίρα παρέμεινε δυσμενής για τον μουσικό για μεγάλο χρονικό διάστημα.

Οι κριτικοί ήταν πολύ σκληροί μαζί του. Συμφωνίες Νο. 1,του οποίου η πρεμιέρα κατέληξε σε αποτυχία. Αυτό δυσκόλεψε τον Ραχμάνινοφ. συναισθήματα ψυχής, έχασε την πίστη του στις δικές του δυνάμεις και δεν μπορούσε να συνθέσει απολύτως τίποτα.

Τελικά, μόνο η βοήθεια ενός έμπειρου ψυχιάτρου Νικολάι Νταλ του επέτρεψε να βγει από την κρίση. Μέχρι το 1901, ο Ραχμάνινοφ είχε ολοκληρώσει το κονσέρτο για πιάνο, το οποίο είχε δουλέψει σκληρά για πολλά χρόνια και το είχε αφιερώσει στον Δρ Νταλ. Αυτή τη φορά, το κοινό υποδέχτηκε με χαρά το έργο του συνθέτη. Από τότε Κοντσέρτο για πιάνο Νο 2έγινε αγαπημένο ένα κλασικόεκτελούνται από διάφορους μουσικά σχήματαΠαγκόσμιος.

Ο Ραχμάνινοφ άρχισε να περιοδεύει στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ. Επιστρέφοντας στη Ρωσία, διηύθυνε και συνθέτει.

Μετά την επανάσταση του 1917, ο Ραχμανίνοφ και η οικογένειά του πήγαν σε συναυλίες στη Σκανδιναβία. Δεν γύρισε ποτέ σπίτι. Αντίθετα, μετακόμισε στην Ελβετία, όπου αγόρασε ένα σπίτι στις όχθες της λίμνης Λουκέρνης. Πάντα αγαπούσε τα υδάτινα σώματα και τώρα, όταν έγινε αρκετά πλούσιος, είχε την πολυτέλεια να χαλαρώσει στην ακτή και να θαυμάσει το τοπίο που ανοίγει.

Ο Ραχμάνινοφ ήταν εξαιρετικός μαέστρος και πάντα έδινε τις ακόλουθες συμβουλές σε όσους ήθελαν να διαπρέψουν σε αυτόν τον τομέα:

«Ένας καλός μαέστρος πρέπει να είναι καλός οδηγός. Και οι δύο χρειάζονται τις ίδιες ιδιότητες: συγκέντρωση, συνεχή έντονη προσοχή και παρουσία μυαλού. Ο μαέστρος χρειάζεται μόνο να γνωρίζει λίγο τη μουσική…»

Το 1935 ο Ραχμάνινοφ αποφάσισε να εγκατασταθεί στις Η.Π.Α. Πρώτα έζησε στη Νέα Υόρκη και στη συνέχεια μετακόμισε στο Λος Άντζελες. Εκεί άρχισε να χτίζει για τον εαυτό του καινούργιο σπίτι, εντελώς πανομοιότυπο με αυτό που άφησε στη Μόσχα.

Turchin V S

Από το βιβλίο Bretons [Romantics of the sea (λίτρα)] από τον Gio Pierre-Roland

Από το βιβλίο A Brief History of Music. Ο πιο πλήρης και συνοπτικός οδηγός συγγραφέας Henley Daren

Τρεις υποενότητες του ρομαντισμού Καθώς ξεφυλλίζετε το βιβλίο μας, θα παρατηρήσετε ότι αυτό είναι το μεγαλύτερο από όλα τα κεφάλαιά του, στο οποίο αναφέρονται τουλάχιστον τριάντα επτά συνθέτες. Πολλοί από αυτούς ζούσαν και εργάζονταν ταυτόχρονα διαφορετικές χώρες. Χωρίσαμε λοιπόν αυτό το κεφάλαιο σε τρεις ενότητες: «Πρώιμα

Από το βιβλίο Η ζωή θα σβήσει, αλλά θα μείνω: Συλλεκτικά έργα συγγραφέας Γκλίνκα Γκλεμπ Αλεξάντροβιτς

Πρώιμοι ρομαντικοί Πρόκειται για συνθέτες που έχουν γίνει ένα είδος γέφυρας μεταξύ της κλασικής περιόδου και της περιόδου του ύστερου ρομαντισμού. Πολλοί από αυτούς εργάστηκαν ταυτόχρονα με τους «κλασικούς», και ο Μότσαρτ και ο Μπετόβεν είχαν μεγάλη επιρροή στη δουλειά τους. Ταυτόχρονα, πολλοί από αυτούς συνέβαλαν

Από το βιβλίο Αγάπη και Ισπανοί συγγραφέας Upton Nina

ΑΡΓΟΤΕΡΑ ΠΟΙΗΜΑΤΑ ΠΟΥ ΔΕΝ ΠΕΡΙΛΑΜΒΑΝΟΝΤΑΙ ΣΤΙΣ ΣΥΛΛΟΓΕΣ ΑΙΣΘΗΜΑ Δεν θα επιστρέψω στα παλιά μου μονοπάτια. Αυτό που ήταν, δεν πρέπει να είναι. Όχι μόνο Ρωσία - Ευρώπη έχω αρχίσει να ξεχνάω. Η ζωή είναι χαμένη όλη ή σχεδόν όλη. Λέω στον εαυτό μου: Πώς βρέθηκα στην Αμερική, για τι και γιατί; - Δεν

Από το βιβλίο Στο πίσω μέρος του καθρέφτη 1910-1930 συγγραφέας Bondar-Tereshchenko Igor

Κεφάλαιο δέκατο. Ρομαντικοί ξένοι και ισπανικά κόπλα Μια έκθεση ισπανικής ζωγραφικής το 1838 μαγνήτισε όλο το Παρίσι. Ήταν μια πραγματική αποκάλυψη. Η Ισπανία είναι στη μόδα. Οι ρομαντικοί έτρεμαν από χαρά. Théophile Gauthier, Prosper Mérimée, Alexandre Dumas (που δέχτηκε ένα χαστούκι

Από το βιβλίο To the origins of Rus' [Άνθρωποι και γλώσσα] συγγραφέας Trubachev Oleg Nikolaevich

Από το βιβλίο του συγγραφέα

Η ιστορία είναι «ζωντανή»: από τον ρομαντισμό στον πραγματισμό Οι μελετητές της λογοτεχνίας συχνά τονίζουν την ανεξαρτησία τους από τη λογοτεχνία και μιλούν για εκείνους που, για να γράψουν για την ιχθυολογία, δεν χρειάζεται να είναι riba. Δεν είμαι σε φόρμα. Δεν είναι κατάλληλο για το γεγονός ότι εγώ ο ίδιος είμαι riba, είμαι συγγραφέας-λογοτεχνικός μελετητής,

Στην εποχή του ρομαντισμού, η μουσική κατείχε πρωταρχική θέση στο σύστημα των τεχνών. Αυτό οφείλεται στην ιδιαιτερότητά του, η οποία σας επιτρέπει να αντικατοπτρίζετε πλήρως τις συναισθηματικές εμπειρίες με τη βοήθεια ολόκληρου του οπλοστασίου εκφραστικών μέσων.

Ο ρομαντισμός στη μουσική εμφανίζεται τον δέκατο ένατο αιώνα στα έργα των F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. Weber, G. Rossini. Λίγο αργότερα, αυτό το στυλ αντικατοπτρίστηκε στα έργα των F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi και άλλων συνθετών.

Ο ρομαντισμός γεννήθηκε στην Ευρώπη στις αρχές του δέκατου ένατου αιώνα. Έγινε ένα είδος αντίθεσης στον κλασικισμό. Ο ρομαντισμός επέτρεψε στον ακροατή να διεισδύσει σε Μαγικός κόσμοςθρύλους, τραγούδια και παραμύθια. Η κύρια αρχή αυτής της κατεύθυνσης είναι η αντίθεση (όνειρα και καθημερινή ζωή, τέλειος κόσμοςκαι την καθημερινή ζωή), δημιουργήθηκε δημιουργική φαντασίασυνθέτης. Αυτό το στυλ ήταν δημοφιλές δημιουργικούς ανθρώπουςμέχρι τη δεκαετία του σαράντα του 19ου αιώνα.

Ο ρομαντισμός στη μουσική αντανακλά προβλήματα ΣΥΓΧΡΟΝΟΣ ΑΝΘΡΩΠΟΣ, η σύγκρουσή του με έξω κόσμοςκαι τη μοναξιά του. Αυτά τα θέματα γίνονται κεντρικά στο έργο των συνθετών. Όντας προικισμένος σε αντίθεση με τους άλλους, ένα άτομο αισθάνεται συνεχώς παρεξηγημένο από τους άλλους. Το ταλέντο του και γίνεται η αιτία της μοναξιάς. Γι' αυτό οι αγαπημένοι ήρωες των ρομαντικών συνθετών είναι ποιητές, μουσικοί και καλλιτέχνες (R. Schumann «The Love of a Poet»· Berlioz είναι ο υπότιτλος «An Episode from the Life of a Artist» στη «Fantastic Symphony» κ.λπ. ).

Μεταφέροντας τον κόσμο των εσωτερικών εμπειριών ενός ατόμου, ο ρομαντισμός στη μουσική έχει αρκετά συχνά μια χροιά αυτοβιογραφίας, ειλικρίνειας και λυρισμού. Τα θέματα της αγάπης και του πάθους χρησιμοποιούνται ευρέως. Π.χ, διάσημος συνθέτηςΟ R. Schumann αφιέρωσε πολλά κομμάτια για πιάνο στην αγαπημένη του Clara Wieck.

Το θέμα της φύσης είναι επίσης αρκετά κοινό στο έργο των ρομαντικών. Συχνά οι συνθέτες αντιτίθενται σε αυτό Κατάσταση μυαλούάνθρωπος, χρωματίζοντας με αποχρώσεις δυσαρμονίας.

Το θέμα της φαντασίας έχει γίνει μια πραγματική ανακάλυψη των ρομαντικών. Εργάζονται ενεργά για τη δημιουργία φανταστικών χαρακτήρων και τη μεταφορά των εικόνων τους μέσα από μια ποικιλία στοιχείων. μουσική γλώσσα(Μότσαρτ" μαγικό φλάουτο"- Βασίλισσα της νύχτας).

Συχνά ο ρομαντισμός στη μουσική αναφέρεται παραδοσιακή τέχνη. Οι συνθέτες στα έργα τους χρησιμοποιούν ποικίλα λαογραφικά στοιχεία (ρυθμούς, τονισμούς, παλιούς τρόπους), βγαλμένα από τραγούδια και μπαλάντες. Αυτό σας επιτρέπει να εμπλουτίσετε σημαντικά το περιεχόμενο των μουσικών έργων.

Η χρήση νέων εικόνων και θεμάτων απαιτούσε την αναζήτηση κατάλληλων μορφών και ούτω καθεξής ρομαντικά έργαΕμφανίζονται επιτονισμοί ομιλίας, φυσικές αρμονίες, αντιθέσεις διαφόρων πλήκτρων, σόλο μέρη (φωνές).

Ο ρομαντισμός στη μουσική ενσάρκωσε την ιδέα της σύνθεσης των τεχνών. Ένα παράδειγμα αυτού είναι τα προγραμματικά έργα των Schumann, Berlioz, Liszt και άλλων συνθετών (η συμφωνία «Ο Χάρολντ στην Ιταλία», το ποίημα «Πρεελούδια», ο κύκλος «Χρόνια περιπλάνησης» κ.λπ.).

Ο ρωσικός ρομαντισμός αποτυπώθηκε έντονα στα έργα των M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky κ.α.

Στα έργα του, ο A. Dargomyzhsky μεταφέρει πολύπλευρες ψυχολογικές εικόνες («Γοργόνα», ειδύλλια). Στην όπερα Ivan Susanin, η M. Glinka ζωγραφίζει εικόνες της ζωής του απλού ρωσικού λαού. Δικαίως, τα έργα των συνθετών της περίφημης «Ισχυρής χούφτας» θεωρούνται κορυφαία. Χρησιμοποίησαν μέσα έκφρασηςκαι χαρακτηριστικούς τονισμούς που είναι εγγενείς στα ρωσικά παραδοσιακό τραγούδι, οικιακή μουσική, καθομιλουμένη.

Στη συνέχεια, αυτό το ύφος χρησιμοποίησαν και οι A. Scriabin (το πρελούδιο «Όνειρα», το ποίημα «To the Flame») και ο S. Rachmaninov (σκίτσα-εικόνες, η όπερα «Αλέκο», η καντάτα «Άνοιξη»).